Los poemas visuales de Vicky Uslé

Password, de Vicky Uslé
Galería Espai Tactel
C / Dénia, 25. Valencia
Inauguración: viernes 12 de enero, a las 20.00h
Hasta el 2 de marzo de 2018

La galería Espai Tactel presenta la obra de la artista Vicky Uslé (Santander, 1981). ‘Password’ es la primera exposición individual en su galería valenciana después de haber expuesto en galerías, museos y ferias de arte nacionales e internacionales.

Viviendo entre dos culturas (USA y España) y entre ciudad y naturaleza, usa el soporte del dibujo y la pintura para expresar observaciones, sueños y reflexiones. Cada trazo es un poema visual donde encontramos un equilibrio entre sensaciones volátiles y sugerentes líneas concretas. Las imágenes transpiran en un espacio donde detalles oscuros pueden rozarse con pensamientos luminosos, uniéndose en el núcleo de un momento donde reposan como un espécimen sobre papel y lienzo.

Obra de Vicky Uslé. Imagen cortesía de Espai Tactel

Obra de Vicky Uslé. Imagen cortesía de Espai Tactel

Los espacios de Vicky Uslé son dinámicos y pulsantes y, por tanto, se hallan siempre en el umbral de la inestabilidad. Su pincel se mueve como el humo cuando el viento no lo perturba y obedece a órdenes secretos. La artista nos descubre horizontes que son siempre subjetivos, abiertos y desconocidos. No se trata de un territorio hostil, su mundo es decididamente amistoso, como un albergue inesperado en el camino o en un lugar especialmente ameno de un bosque en el que decidimos descansar y maravillarnos.

Obra de Vicky Uslé. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Vicky Uslé. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Todas estas formas y circuitos que se engendran a sí mismos, flotan o se desplazan, describiendo equilibrios, parámetros, horizontes, espacios de todo tipo: conceptuales, aéreos, líquidos…sugieren un análisis detallado de la identidad y las relaciones. Una voluntad de orden, de orientación, de autoconocimiento en suma, pone todo en movimiento. Actúa, también, consciente de sus límites. Este proceso, sin duda generado por el deseo, es ya en sí mismo una forma de placer, fin tanto como medio.

Obra de Vicky Uslé. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Vicky Uslé. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Johanna Caplliure

‘Impure’: pura Staiano

Entrevista de Jesús García Cívico a Anna María Staiano con motivo de su proyecto Impure

El pasado sábado 23 de abril se presentó en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM), Impure, la publicación de la artista, editora y diseñadora Anna Maria Staiano. Punto de arranque para generar una publicación que se presenta ya como un fascinante híbrido de disciplinas; se trata, en palabras de Ángela Molina -curator, especializada en new media art y encargada de la presentación-, “de una materialización de lo que representa la unión de diversas prácticas artísticas para generar un todo de orden superior, un documento de lo Impuro como concepto generador de creatividad y vida”.

Hibridez, creatividad, transgresión, elogio de la impureza. No es difícil coincidir con Molina en que Impure representa, antes que nada, la obra ilimitada pero también la vida desafiante (de las convenciones) y respetuosa (de las personas) de Anna Maria Staiano.

Un momento de la performance acontecida en IVAM. Fotografía: Toni Cordero.

Un momento de la performance acontecida en IVAM. Fotografía: Toni Cordero.

En el IVAM pudimos ver, entre brillo de alhajas y galas de talento, la performance basada en la foto-novela Transexpace – Galactic Revolt de Abel Báguena, Graham Bell Tornado, Carolina Boluda, Eva Pez, Jennifer Picken e Isaac Torres (narrador): ironía, lucidez, joyas como ropaje de sentimientos afines a esos estallidos lúdicos de dignidad con la que se derrumban por igual el despotismo del sexo dominante o los imperios.

Nos acercamos a Anna María para que nos respondiera, en sus propios términos y tipografía, qué es Impure.

Jesús García Cívico (JGC): He participado en tu proyecto con mucha ilusión, era fácil advertir en él mucha imaginación, una provocación llena de un humor inteligente y un regocijo escandaloso no exento de talento, pero uno de mis íntimos metafísicos es Epimeteo, aquel titán desgraciado que se daba siempre cuenta demasiado tarde de las cosas. No es descartable, pues, que me haya perdido algo o no me haya enterado del todo de qué va. Anna, ¿qué es Impure?

Anna Maria Staiano (AMS): Impure une un híbrido de disciplinas, una mezcla entre la joyería contemporánea que hago y el trabajo de lxs fotógrafxs, escritorxs, diseñadorxs, performers, modelos, curadorxs, investigadorxs, artistas y artivistas que han reaccionado y se han interrelacionado con mis piezas. Impure intenta realizar y expandir el potencial de la joyería contemporánea para generar nuevas formas y ampliar su campo de acción. Hemos tratado de experimentar con técnicas de publicación y formatos que mezclan  el arte con la joyería, la performance con la moda y la fotografía con la literatura, de tal manera que la publicación se convierte en la fusión de todas esas disciplinas. Su núcleo es mi colección CorpoREacción, piezas un/wearable creadas para personas que se atreven a ser diferentes, que entienden que las convenciones sociales son un juego y que podemos subvertir las normas o incluso inventar nuestras propias reglas. Lo más interesante para mí era experimentar con diferentes formatos. Ver la reacción de transferencia, la impresión que producía en otras personas que, como tú, aceptaron colaborar en el proyecto.

Una de las páginas interiores de 'Impure'. Fotografía cortesía de la artista.

Una de las páginas interiores de ‘Impure’. Fotografía cortesía de la artista.

J.G.C.: Para reivindicar la diversidad has elegido colaborar con personas que siempre has tratado de visibilizar

A.M.S.: Sí, bi/pansexuales, queers, agéneros, transgéneros y de género fluido que forman parte de mi red afectiva. He realizado muchas piezas pensando expresamente en la persona que iba a llevarlas. Como sabes, las fotografías incorporadas en la performance juegan con el género y cómo es tratado éste en el mundo de la moda, desafiando los roles y estereotipos sobre sexo/género y su representación. Las piezas y su mise-en-scène utilizan el kitsch y el camp (sistemas de valores relacionados con una sensibilidad queer) para subvertir los valores de la cultura comercial heteronormativa.

J.G.C.: Anna, ¿cómo será la publicación Impure y cómo la vais a sacar adelante?

A.M.S.: Vamos a publicarla en una edición bilingüe a todo color, y hemos pensado en hacer una  versión deluxe y otra estándar. Justo ahora estamos lanzando la campaña de micro-mecenazgo en Verkami, la información se podrá ver en mi web (clic aquí). En principio tendrá unas 160 paginas e incluye textos de En principio tendrá unas 160 paginas e incluye textos de Jose Ramón Alarcón, Aldo Alcota, Irene Ballester, Graham Bell, Johanna Caplliure, Jesús García Cívico, Kepa Karmona, Ángela Molina, Carmen Navarrete, Marisol Salanova, Rosa Sanchis, Paula Valero y fotografías de Asún Bonilla, Fabrizio Campisi, Toni Cordero, Fermín Jiménez Landa, David Macías Navarro, Alejandro Sanchéz, Carlos Valencia y Ana Wika y la colaboración de Judith Álvarez (encargada del diseño gráfico), Abel Baguena, Elena Battaglia Grunder, Ángela Bermúdez/La Diva, Maria Bala, Atthis Bond, Yui Black, Carolina Boluda, José Luis Giner Borrull, Isabel Caballeros, Liz Dust, Ana Donat, chris guarrillerx, Josey Heyes, Bea Higón, ideadestroyingmuros, William James, Rampova Kabaret, Joel Maldonado, Perla Tempesta, Eva Pez, Jennifer Picken, Ximo Rochera, Jacobo Julio Roger, Diana J. Torres, Isaac Torres, Liliì Tras Tras y Mad Vicious, además de otras personas que han colaborado en distintas fases del proyecto. Creo que no me he dejado a nadie.

Hasta aquí la entrevista. En Impure hay imagen, tesoros, seda, aforismos y microtextos de muchas naturalezas, risa, reivindicación y algo de poesía, pero yo creo que ese no dejarse fuera a nadie constituye la preocupación artística pero también personal, estética y a la vez vital del arte divertido y perspicaz, libre pero muy pensado de Anna Maria Staiano.

Jesús García Cívico

 

Nuria Fuster: “Ante todo defiendo el misterio”

Entrevista realizada a Nuria Fuster en el contexto de “Cuando el fuego apaga el huracán”, su última exposición en la Galería Marta Cervera (Madrid).

En una lucha de catástrofes naturales entre el viento y el fuego, ¿habría la posibilidad de que alguno de ellos se alzara con la victoria? Cuando el fuego apaga el huracán, título de la última exposición de Nuria Fuster en la galería Marta Cervera (Madrid), responde con firmeza a la amenazante cuestión. Nuria Fuster (Alcoy, Alicante, 1978) conjura las fuerzas naturales en una proceso de inestabilidad de las formas. Estas pasan de sus estructuras físicas a las afectivas en un estudio sobre la psique humana.

Johanna Caplliure: Durante largo tiempo tu obra se ha definido de forma metafísica e incluso fenomenológica. Los procesos de transformación de los objetos, la experimentación de las potencialidades de los materiales, sin duda alguna evocarían esas definiciones. ¿Con qué procesos de transformación de los materiales has experimentado en Cuando el fuego apaga el huracán?
Nuria Fuster: Cuando el fuego apaga el huracán hace una analogía entre rituales casi alquímicos a través de la combustión de diferentes materiales/objetos, y el propio comportamiento humano: cómo nos construimos como individuos y cómo estos procesos rituales nos ayudan a sobrevivir. Establece una serie de paralelismos entre reacciones químico-físicas en cómo revierten y se convierten en afecciones y emociones que nos transforman profundamente.

JC: ¿Qué novedades podemos hallar en esta exposición en comparación con producciones anteriores?
NF: Por primera vez aparece lo emocional como un eslabón más en una concatenación de acciones-reacciones en procesos de transformación. Anteriormente mi trabajo se detenía en el propio objeto/material y ahora sigue avanzando hacia la vinculación que todos estos desarrollos tienen en nuestra psique.

JC: Frente a la definición metafísica de tu obra, yo me postularía por un acercamiento desde la OOO (Objet-OrientedOntology). Es decir, entendiendo el objeto, la cosa, como productora de realidad, analizando las transformaciones de su esencia y abriéndose a dimensiones afectivas, como indicabas anteriormente. ¿De qué manera haces físico lo psicológico?
NF: Es una relación circular constante entre qué somos y cómo interactúa cada elemento externo (físico) en nosotros. Ortega y Gasset en su libro Unas lecciones de metafísica dice “Cada cosa en mi vida es, pues, originariamente un sistema o ecuación de comodidades e incomodidades”.¿Será que la química y la reacción que sucede cuando, por ejemplo, quemamos algo también afecta a nuestra composición? ¿Es nuestro sistema afectivo también un proceso químico sensible y vulnerable a interferencias que provienen de una realidad primaria, originaria o radical?
El trauma queda, se solidifica como lo hace un casco quemado al convertirse en bronce. O, también, somos capaces de reinventarnos cuando quemamos prendas que nos constituyen y que construyen nuestra identidad. Morimos y renacemos a través de rituales físicos.
Por lo tanto, se trataría de una especie de proceso de decapado. Primero encontramos el objeto con todo un sistema de connotaciones, usos e interferencias simbólicas, si ahondamos una capa por debajo, tenemos el objeto-la cosa, como ente en crudo; son formas y materia sensible al mismo nivel que cualquier otro. Seguimos, más abajo la materia física pasa a ser materia sensible, afectiva.

JC: ¿Cómo se observan las relaciones entre la acción humana transformadora y la acción cambiante de la naturaleza?
NF: Diría que formamos parte de lo mismo. Nosotros también somos naturaleza latente, orgánica y viva en continuo proceso de transformación. David Medalla lo define muy bien en su libro Galaxias explosivas cuando habla del proceso como el estado más natural en el que todo se halla. Defiende el arte “cinético” no tal y como lo entendemos, sino como una forma de crear y comprender el arte absolutamente integrada en los procesos naturales: vida/muerte. Un arte que integra el accidente y el caos como parte de su comportamiento, adquiriendo cierta autonomía; respira.

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JC: ¿Por qué se alza victorioso el fuego?
NF: El título Cuando el fuego apaga el huracanes un juego de posibles e imposibles. El fuego nunca podría apagar nada y menos un huracán que no arde. Más bien el huracán avienta el fuego. Pero en un plano psicológico sí que sucede mediante procesos catárticos donde quemamos. Existen numerosas festividades a modo de catarsis como el Burningman en Estados Unidos, las Fallas, las hogueras de San Juan, etc, donde el fuego actúa como agente purificador, nos permite aventar y sofocar huracanes perturbadores que deben quedar atrás para poder continuar sobreviviendo el presente y pensando el futuro.

JC: Si te doy unos elementos, ¿podrías traducirlos en situación a Cuando el fuego apaga el huracán? Por ejemplo, ¿qué significan: chupa de piel, casco, manta, cadenas, móvil y madera quemada?
NF: Chupa de piel >>> Identidad / tribu / segunda piel
Casco >>> Protección / cabeza
Manta >>> Protección / calor / blando
Cadenas >>> sistemas de dependencias / sumisión / ataduras / subordinación
Móvil >>> equilibrio
Madera quemada >>> resto / memoria

JC: ¿Cómo funcionan las piezas en planchas de hierro que nombras como “Face”?
NF: Son rostros, retratos de estructuras psíquicas. Unidades fracturadas que ejemplifican de una forma gráfica la complejidad de la propia fragmentación del ser. Representan cómo estamos divididos en muchos y somos uno a la vez. Esa naturaleza poliédrica que genera múltiples identidades que a su vez se van transformando y acumulando.
Cada una de las obras que configuran esta serie se apoya aislada del suelo mediante algún elemento que yo llamo “caliente”. En este caso, una manta de transporte y un colchón hinchable; ambos son amortiguadores que frenan el golpe o contacto frente agentes externos y directamente la obra con el frío del suelo.

JC: En numerosas ocasiones has reconocido tu interés por la “filosofía del límite” de Eugenio Trías. Ese pensamiento en el umbral es también la lucha infructuosa de las estructuras dicotómicas, de las paradojas que hallamos cuando tratamos de definir una idea sensu stricto. Por eso, tu trabajo se condesa en una atmósfera de equilibrada tensión, de fuerza controlada. Bajo esta misma idea, me viene a la mente los primeros films de Michael Haneke, aquellos que pertenecen a la Trilogía de la glaciación emocional. La sensación de violencia contenida, sometimiento dócil, perturbación silenciosa o accidente programado son las incongruencias de enfrentarse a las pasiones. Sin embargo, en tu caso, el fuego que vence al huracán se origina de una pasión que deviene purificación.
NF: Parto de agentes activos como un hecho, un trauma, un dato que desencadena un caos a resolver. Es un sistema de equilibrios que se balancea entre el caos y el análisis razonado conduciéndonos hacia una supervivencia feliz.
Vemos en la televisión cómo se queman banderas, se queman contenedores, cómo acontecen catarsis necesarias en un contexto político-económico que no nos deja indiferentes, que más bien nos conduce a estados de ansiedad y agitación.
Yo lo visualizo en modo de círculos que repiten una y otra vez relaciones de causa-efecto. Es un movimiento infinito de eterno-retorno.

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JC: ¿Podrías detenerte en la chupa de cuero?
NF: Me interesa especialmente porque más que una prenda es un elemento icónico o parte de una identidad marcada. Es una segunda piel que nos viste tanto a nivel estético como identitario. Quemándola, quemamos parte de esa identidad construida, saltamos a otro lugar donde hay que volver a definir lo que somos. Me pregunto qué necesidad tenemos de identificarnos con otros, generar tribus y a su vez tener el poder de cambiar el símbolo y renacer de nuevo como otro.¿Tenemos nosotros el poder o lo tiene el objeto? ¿Qué valor le atribuimos al objeto que nos representa?
Desde un punto de vista estrictamente escultórico, una chaqueta de piel no inflama ante la acción del fuego, la piel se contrae generando una superficie barroca que me transporta, por ejemplo a Medardo Rosso.

JC: Existen otras fotografías en las que la combustión o el resto del objeto fundido adquiere una sensación de multiplicación del efecto deseado mediante el color.
NF: “Insolaciones” es una serie de fotografías de color rojo anaranjado donde se retratan objetos que han sido quemados. El color es el resultado de un proceso de insolación virtual a partir de extremar los valores de temperatura de color al máximo. El color se inflama y provoca una sensación de temperatura que sugestiona al espectador.

JC: En la exposición transitaríamos entre “reacciones pasionales“, pasando por “emociones catastróficas medidas”, hasta apearnos en una limpieza del estado afectivo. Considero importante cómo algunos artistas de clara raigambre postminismalista, entre los que te hallarías, están dirigiendo su producción hacia cuestiones de índole emocional, física y subjetiva sin hacer uso de lo corpóreo, lo llagado o lo explícito. ¿Cómo te sientes en ese lugar?
NF: Ante todo defiendo el misterio. Ese espacio, a modo de cámara de aire, que separa la verdadera intencionalidad de la obra del espectador. Por fino que sea este espacio es tremendamente fértil porque posibilita que se creen más y menos acertados acercamientos. Es un espacio creativo y dinámico.
Me interesa la parte fuerte de todo. Pero me gusta que mi trabajo equilibre ese dramatismo, caos(tánatos), con algo luminoso, orden(eros) buscando la misma elegancia con la que la naturaleza dibuja.

Johanna Caplliure

María Ruido y la visibilidad de lo invisible

La pantalla en conflicto, de María Ruido
Comisaria: Johanna Caplliure
Galería Rosa Santos
Inauguración: jueves 21 de enero, a las 20.00h
Hasta el 11 de marzo de 2016

La pantalla en conflicto es el campo de lucha donde emergen las relaciones de tensión entre la narración y las formas de escritura, la visualidad de la violencia, la visibilidad de lo invisible. En ella se estructura el espacio psíquico de pertenencia y el lugar físico de la deslocalización o la fragmentación territorial en el lugar del Otro. Puesto que la precariedad de la vida, los migrados, el terror y la urgencia de la política imponen la producción de un imaginario fílmico compartido.

El trabajo de María Ruido indaga sobre la producción material y simbólica de las imágenes en el entrecruzamiento de la Historia, la memoria y las escrituras migrantes incidiendo en la construcción de las subjetividades, el trabajo y el poder sobre/de los cuerpos.

La pantalla en conflicto, de María Ruido. Imagen cortesía de Galería Rosa Santos.

La pantalla en conflicto, de María Ruido. Imagen cortesía de Galería Rosa Santos.

La exposición La pantalla en conflicto (L’écran en conflict) circula en torno a la proyección de las siguientes películas de la autora: ‘La memoria interior’ (2002), ‘Tiempo Real’ (2003), ‘Ficciones anfibias’ (2005), ‘Zona franca’ (2009), ‘Le rêve est fini’ (2014) y ‘L’oeil impératif’ (2015).

Artista visual, investigadora y productora cultural, desde 1998, María Ruido desarrolla proyectos interdisciplinares sobre los imaginarios del trabajo en el capitalismo postfordista y sobre la construcción de la memoria y sus relaciones con las formas narrativas de la historia. Vive en Madrid y Barcelona, donde es profesora en la Universidad de Barcelona, y está implicada en diversos estudios sobre las políticas de la representación y sus relaciones contextuales.

El día 13 de febrero se visionará ‘L’oeil impératif’ en una presentación pública junto a María Ruido en el contexto del ciclo ‘Cine por venir’ en el IVAM.  A partir de este día se añadirá al resto de películas proyectadas en la galería.

María Ruido. Imagen cortesía de Galería Rosa Santos.

La pantalla en conflicto, de María Ruido. Imagen cortesía de Galería Rosa Santos.

Art Dating ya está en marcha

III Art Dating
Máster Oficial en Producción Artística de la Facultad de Bellas Artes de Valencia
Octubre Centre de Cultura Contemporània
C/ Sant Ferran, 3. Valencia
IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Martes 19, miércoles 20 y jueves 21 de mayo de 2015

Art Dating es un programa docente organizado por el Máster Oficial en Producción Artística de la Facultat de Belles Arts de València, cuya  tercera edición se va a llevar a cabo en el Octubre Centre de Cultura Contemporánea y en el IVAM, Institut Valencià d’Art Modern Centre Julio González, los días 19, 20 y 21 de Mayo de 2015. Art Dating se engloba en el marco de SELECTA 15, un proyecto dirigido por el profesor Pepe Miralles que tiene como objetivo ofrecer una experiencia docente de profesionalización a los estudiantes del Máster.

Cartel anunciador de Art Dating.

Cartel anunciador de Art Dating.

La idea que impulsa Art Dating es propiciar una experiencia directa en la que el alumnado tenga la oportunidad de mostrar su trabajo en condiciones de horizontalidad y cercanía a artistas profesionales, críticos, gestores culturales, profesores y galeristas, situación que resulta poco frecuente para un artista en vías de profesionalización.

Estas son las actividades que se van a realizar.

Encuentros. Están dirigidos a estudiantes del MPA que han solicitado participar en los mismos. Cada día participan 10 estudiantes que podrán conversar con los profesionales sobre su trabajo. De 09: a 14:00 h.

Martes 19 de mayo

Profesionales invitados:

Mariano Poyatos Mora. Escultor y director del laboratorio y espacio de arte Collblanc.

Juan Carlos Meana, (Vitoria 1964) es Profesor Titular del Departamento de Pintura de la Universidad de Vigo en España. Se doctoró en Bellas Artes en el año 1993 en la Universidad del País Vasco, habiendo cursado estudios en la ENSBA de París con Cristian Boltanski. Su actividad se centra en la práctica artística contemporánea, especialmente la escultura y las instalaciones habiendo realizado veinte exposiciones individuales y numerosas colectivas.

Domingo Mestre (United artists from the Museum). Activista visual, escritor y productor cultural. Licenciado en BBAA por la UPV y máster interuniversitario en Gestión Cultural UV/UPV. En la actualidad forma parte de la Asamblea que gestiona el Solar Corona de Valencia y del equipo de organización del festival de arte urbano Intramurs, per l’art a València.

Isabel Puig Mir es licenciada en Historia del Arte por la Universitat de València. Su certeza en cuanto a la importancia de la educación en los espacios culturales, le lleva a completar su formación con el posgrado Educación artística y gestión de museos, dirigido por los profesores Román de la Calle y Ricard Huerta. Es socia fundadora de AVALEM, la primera asociación valenciana de educadores en museos y patrimonios, de la que es actualmente Presidenta.

Johanna Caplliure. Comisaria, filósofa y crítico de arte. Organizadora de actividades culturales. Licenciada en Historia del Arte por la Universitat de València UVEG. Licenciada en Filosofía por la Universitat de València UVEG.

Miguel Benlloch y Ángela Molina Climent con participantes de Art Dating2 (2014). Fotografía de Enric Mestre. Imagen cortesía de AVVAC.

Miguel Benlloch y Ángela Molina Climent con participantes de Art Dating2 (2014). Fotografía de Enric Mestre. Imagen cortesía de AVVAC.

Miércoles 20 de mayo

Profesionales invitados:

Jorge López. Artista visual y director artístico de Galería Punto.

José María Alonso Calero, nacido en 1969 en Málaga, España. Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada.

Víctor del Río es doctor en filosofía y profesor de Teoría del Arte en la Universidad de Salamanca, donde integra el equipo del Máster de Estudios Avanzados en Filosofía.

Kay Bear Koss es una artista, escritora y comisaria que ha trabajado con organizaciones comunitarias sin ánimo de lucro y proyectos artísticos en muchos países diferentes a lo largo de los últimos años.

Marisol Salanova es licenciada en Filosofia por la UV, Máster en Producción Artística por la Facultad de Bellas Artes de la UV, comisaria independiente y directora de Micromegas, editorial murciana dedicada a la publicación de ensayo sobre arte contemporáneo.

Javier Martín-Jiménez con Aris Spensas en Art Dating2 (2014). Fotografía de Enric Mestre. Imagen cortesía de AVVAC.

Javier Martín-Jiménez con Aris Spensas en Art Dating2 (2014). Fotografía de Enric Mestre. Imagen cortesía de AVVAC.

Jueves 21 de mayo

Profesionales invitados:

Paula Pastor es Licenciada en Historia del Arte y co-directora/fundadora de galeria9, Valencia.

Lorena Amorós Blasco es doctora en Bellas Artes por la UPV (2004). Fue galardonada con el I Premio Tesis Doctoral por el Instituto de Cultura Juan Gil-Albert de Alicante. Actualmente es profesora en la Facultad de Bellas Artes de Murcia.

Antonio Barroso es artista plástico, comisario de exposiciones y critico de arte, actualmente es Presidente del Festival de las Artes Ciutat Vella Oberta, miembro del consejo asesor de La Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Castellon MARTE, y director artístico de la galería de arte contemporáneo SHIRAS.

Alba Braza (Valencia, España, 1980) es comisaria de exposiciones y trabaja como coordinadora de proyectos culturales y de mediación didáctica en Culturama SL. Es licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Valencia, especialista en Museología, Museografía y Conservación de Museos por la Universidad Politécnica de Valencia y egresada en el Máster en Gestión y Análisis del Arte Actual por la Universidad de Barcelona.

Conversaciones: Cuatro estudiantes de nuestro Máster mantendrán una conversación con el profesorado invitado a esta actividad, que pertenece a otras facultades de Bellas Artes del estado español. De 16:00 a 17:30 h.

Martes 19 de mayo

Profesionales invitados:

Juan Carlos Meana, profesor Facultad de Bellas Artes de Vigo

Miércoles 20 de mayo

Profesionales invitados:

José María Alonso Calero, profesor de la Facultad de Bellas Artes de Málaga

Víctor García del Río, profesor Facultad de Bellas Artes de Salamanca

Jueves 21 de mayo

Profesionales invitados:

Lorena Amorós, profesora Facultad de Bellas Artes de Murcia

Mesas Redondas: Art Dating quiere tener una proyección en el contexto social y artístico de la ciudad de Valencia. Estas mesas redondas están abiertas al público en general y se realizan en el IVAM a las 19:00h.

Art Dating (2013). Las Naves. Fotografía de Verónica Francés.

Art Dating (2013). Las Naves. Fotografía de Verónica Francés.

Martes 19 de mayo

Otras prácticas artísticas, otros modos de hacer. Otras economías.

Profesionales invitados:

Domingo Mestre (United artists from the Museum). Activista visual, escritor y productor cultural.

Raúl Abeledo. París (1973). Doctor en Ciencias Económicas (2010) y Máster en Estrategias y Gestión Ambiental (1999).

Llorenç Barber. Músico practicante pionero del Arte Público Sonoro mediante intervenciones y propuestas como Conciertos de Ciudad, De Sol a Sol, Naumáquias, Tauromáquias, etc.

Miércoles 20 de mayo

Dispositivos para la profesionalización del artista.

Profesionales invitados:

Eva Caro. Licenciada en BBAA. Gestora cultural con experiencia en Museos de Etnología, Arte Moderno y Contemporáneo.

Marisol Salanova.

Jorge López

Izaskun Etxebarria, AVVACC, Artistes Visuals de València, Alacant i Castelló. Asociación destinada a reunir dentro de una forma jurídica común al colectivo de artistas visuales de la Comunidad Valenciana.

Jueves 21

Enseñar sin invisibilizar la diversidad sexual.

Profesionales invitados:

Ricard Huerta es profesor titular de educación artística en la Universitat de València. Director del Instituto Universitario de Creatividad e Innovaciones Educativas.

Tatiana Sentamans es Doctora en Bellas Artes, Profesora de la Facultad de BBAA de Altea, miembro del grupo artístico O.R.G.I.A desde su nacimiento en 2001, y del grupo de investigación FIDEX de la UMH.

Luis Noguerol, es Licenciado en Historia del Arte. Secretario de AVALEM. Coordinador Área de Cultura de FELGTB (2012-2015) y en la actualidad responsable de proyectos culturales en Lambda.

Andrés Latorre López. Licenciado en Historia Contemporánea e Historia del Arte por la Universidad de Valencia.

Nadine Byrne en ‘The Ritual Box’

The Ritual Box
Performance ‘Merge’, de Nadine Byrne
Espai Rambleta
Bulebar Sur. Valencia
Sábado 2 de mayo (2015), a las 20.30h

‘The Ritual Box’ o caja de rituales (sala de exposiciones) donde vivir experiencias en torno a la idea de ritual postmoderno, acoge el sábado 2 de mayo en Espai Rambleta la performance ‘Merge’ de las artista Nadine Byrne. El proyecto comisariato por Johanna Caplliure y José Luis Giner  tendrá con posterioridad otras citas similares dedicadas al artista estadounidense Ben Russell.

BlackWhite Trypps, de Ben Russell, artista participante en The Ritual Box. Espai Rambleta.

BlackWhite Trypps, de Ben Russell, artista participante en ‘The Ritual Box’. Espai Rambleta. Cortesía de los comisarios Johanna Caplliure y José Luis Giner.

Hace un par de años, cuando ambos comisarios empezaron su investigación, descubrieron que había una importante tendencia en la moda, diseño de objeto y en la música (principalmente en los videoclips de Lady Gaga, Beyonce o Madonna) en los que la profusión de símbolos de distintos cultos se mostraban desactivados de su poder ritual. Esta primera evidencia les sugirió la idea de ahondar en la investigación de las artes visuales y en la creación de artistas contemporáneos en torno a la pervivencia de los rituales.

De ahí nació ‘The Ritual Box’ en la que cada semana la experiencia es distinta y gira sobre las figuras de los artistas Javi Moreno (España), Pil&Galia (Israel/Londres), Nadine Byrne (Suecia) y Ben Russell (USA). Una experiencia nunca presentada en ningún ámbito artístico por su formato, duración y muestra.

Proyección de la obra de Pil&Galia en The Ritual Box. Cortesía de Espai Rambleta.

Proyección de la obra de Pil&Galia Kollectiv en ‘The Ritual Box’. Espai Rambleta. Cortesía de los comisarios Johanna Caplliure y José Luis Giner.

Algunas semanas proyectan trabajos de los artistas y presentan algunas de sus piezas musicales o audiovisuales. Y el resto son los artistas los que proceden a actuar. Mediante performance, videodjaying, coreografía, sesiones de música experimental… avanzan sobre las formas del ritual postmoderno.

Finalmente la sala está albergando algunos de los objetos utilizados en las performances por los artistas.

Performance de Nadine Byrne.

Performance de Nadine Byrne, artista participante en ‘The Ritual Box’. Espai Rambleta. Cortesía de los comisarios Johanna Caplliure y José Luis Giner.

 

A Quemarropa: bases y crowdfunding

Se pone en marcha la convocatoria de la nueva edición de este proyecto independiente que nació en 2014 en la ciudad de Alicante, con la intención de actualizar los proyectos culturales de la ciudad y apoyar las iniciativas de los creadores contemporáneos más jóvenes.

Este primavera se volverán a seleccionar 10 artistas, que disfrutarán de un período de dos semanas, desde el 20 al 31 de julio en las instalaciones de la galería Parking Gallery (Alicante), Con el fin de promover un diálogo continuo con profesionales del sector artístico tanto a modo de tutores como con conferencias, debates, mesas redondas y visitas a talleres.

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La Residencia Artística este año contempla el alojamiento durante las dos semanas de duración de la misma, con lo que se ampliara el ámbito de participación, de comunitario a nacional, desde la organización se piensa que esta convivencia más estrecha entre los residentes servirá para crear vínculos tanto entre ellos como con los profesionales que visiten la residencia en calidad de tutores.

Residencias a quemarropa es un proyecto independiente y sin ánimo de lucro, en este momento para la financiación de la residencia se lanza un crowfunding en la plataforma Verkami, para que todos aquellos que creen en este proyecto y quieran colaborar con él, puedan participar en su financiación de acuerdo con sus posibilidades. Para este fin entre diferentes artículos como contraprestación, se ha realizado una bandolera de tela basada en un diseño de Joaquin Artime y también se podrán adquirir 5 ejemplares de una fotografía inédita de María Moldes firmada por la autora, los dos fueron residentes de la edición 2014 de A Quemarropa.

bandolera de tela basada en un diseño de Joaquin Artime, residente de la edición 2014. Imagen cortesía de a Quemarropa

Bandolera de tela, diseño de Joaquín Artime, residente de la edición 2014. Cortesía de A Quemarropa

Pincha aquí para acceder al crowdfunding.

Desde la organización se espera una gran respuesta de apoyo, con el deseo de que este proyecto que ha tenido una repercusión de ámbito nacional siga adelante.

Además con el crowfunding tiene lugar el lanzamiento de las bases de la 2ª convocatoria de Residencias a quemarropa que estarán colgadas en el blog.

El plazo para la presentación de dossieres comenzara el 21 de abril y se cerrara el 20 de mayo.

Para esta edición los profesionales confirmados hasta el momento son: Javier Duero comisario independiente, Johanna Caplliure crítico y comisario independiente, Miguel Angel Hernandez profesor en la UM, crítico y escritor, Eugenio Ampudia artista, Begoña Martínez Deltell de Galería Aural de Alicante, Aurelio Ayela artista, Isaac Montoya artista, Olivier Collet de Homesession, Eduardo Infante artista. Y se contará con la colaboración de La sede Univeristaria Ciudad de Alicante, la revista digital MAKMA, The October Press, Mistos, Freaks art bar, Espacio Trapezio en Madrid, Kirk Royal Gallery de Valencia, el Fablab Alicante y Parking Gallery.

En esta segunda edición se cuenta de nuevo con la colaboración de Espacio Trapezio (Madrid) que exhibirá una muestra de los proyectos que se generen en A Quemarropa, creando así un vínculo de trabajo para los residentes entre las dos ciudades, Alicante y Madrid.  Asimismo Parking Gallery seleccionará a uno de los artistas participantes en su programación. En este momento se pueden visitar la muestra GAMMACITY de María Moldes que fue residente el pasado julio 2014 en A quemarropa.

Fotografía de María Moldes, residente de la edición 2014. Imagen cortesía de A Quemarropa.

María Moldes, Gammacity. Residente de la edición 2014. Cortesía de A Quemarropa.

The Ritual Box o esa oscura claridad

The Ritual Box
Sala de Exposiciones de Espai Rambleta
Bulevar Sur, esquina Pío IX. Valencia
Hasta el 16 de mayo

‘The Ritual Box’ reune en la Sala de Exposiciones de Espai Rambleta a diferentes y polifacéticas personalidades del mundo del arte como Nadine Byrne, Pil&Galia Kollectiv, Ben Russell y Javi Moreno. El proyecto, comisariado por Johanna Caplliure y José Luis Giner Borrull, incide en la determinación del centro cultural valenciano de ahondar en el arte contemporáneo y de vanguardia.

La intención de ‘The Ritual Box’ es caminar a través de una serie de artistas que basan sus obras en la creación de una poética de lo oculto. La “oscuridad” es utilizada para ofrecer un nuevo entendimiento sobre los acontecimientos o experiencias vividas en la sociedad actual.

Javi Moreno en un instante de su performance en 'The Ritual Box'. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

Javi Moreno en un instante de su performance en ‘The Ritual Box’. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

Se trata de prácticas con una gran expresividad y contundencia crítica, donde la acción a través de rituales corporales invitan a abandonar la realidad preestablecida y así liberarse de los prejuicios de la tradición imperante hacia una puesta del cuerpo como vía de autoconocimiento primero y lugar de agenciamiento después. Por lo tanto, la danza, la performance, la música y la palabra como parte del cuerpo se encuentran como los modos de proceder de los artistas en ‘The Ritual Box’.

La Sala de Exposiciones de Espai Rambleta se convierte en una caja en la que dar cabida, en este caso no a objetos, sino a un ritual experiencial a través de las actuaciones semanales  (1, 11, 18, 25 de abril y 16 de mayo) de estos cuatro artistas. ¿Te atreves a entrar en la caja?

Cartel anunciador de 'The Ritual Box'. Cortesía de Espai Rambleta.

Cartel anunciador de ‘The Ritual Box’. Cortesía de Espai Rambleta.

La performance inaugural, a cargo del artista Javi Moreno, tuvo lugar el miércoles 1 de abril. Javi Moreno (Alicante, 1982), artista representado por la Galería SET, retoma el papel del mago o la bruja, estigmatizados socialmente por su poder de invocación, para evidenciar la magia como herramienta libertaria y la brujería como política.

La programación completa de ‘The Ritual Box’ es la siguiente.

1 Abril: Inauguración. Presentación equipo de La Rambleta y de los comisarios: Johanna Caplliure y José Luis Giner Borrull. Performance: Javi Moreno
11 Abril: Conversación de los comisarios con Pil&Galia Kollectiv. Proyección: ‘The Future Trilogy’.

18 Abril: Performance de Pil&Galia Kollectiv con la participación de artistas locales.
25 Abril: Conversación con los comisarios sobre el trabajo de Nadine Byrne. Proyección: ‘Dream Family.
2 Mayo: Performance: Nadine Byrne.
9 Mayo: Conversación con los comisarios sobre el trabajo de Ben Russell. Proyección: ‘Black and White Tripps Number Three’.
16 Mayo: Performance: Ben Russell

Todas las actividades comienzan a las 20.30h en la Sala de exposiciones de La Rambleta.

Ben Russell. The Ritual Box. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

Ben Russell. The Ritual Box. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

¿Qué escondes, Miguel Rael?

El Desacuerdo, de Miguel Rael
Galería Espai Tactel
C / Denia, 25. Valencia
Inauguración: viernes 16 de enero, a las 20.00h
Hasta el 27 de febrero, 2015

Auspiciar la eternidad mientras hay un mundo que se acaba. Desde hace algún tiempo cuando observo las obras de Miguel Rael me pregunto por la posibilidad de describir el derrumbamiento. El proceso que se debate entre la demolición y la caída. Un trayecto entre la pasividad de ser derrocado por algo o alguien y el activo de desplomarse uno mismo. Pareciera que el fin es el mismo: precipitarse al suelo. Sin embargo, el desplome es la rendición de uno. Nadie te empuja al vacío, sino que tú eliges lanzarte. A pesar de que conoces que no habrá marcha atrás. Se trata, pues, de “la paradoja de un abismo que se encuentra en y con otro abismo”. Consideramos el mundo en un inagotable desacuerdo en su diálogo infinito con la vida. Se trata de ‘El desacuerdo’ de Miguel Rael (Lorca, 1974), la última exposición del artista en Valencia.

Obra de Miguel Rael. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Miguel Rael. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Todo proceso de demolición conlleva la pervivencia de las ruinas. Cuando me acerco a las esculturas (serie Manifiesto y ensamblajes a los que se suma imagen y pintura) de Miguel Rael, me dispongo a habérmelas con esa idea de una abstracción de lo real donde lo concreto se desvanece hacia lo contrario en una anomía de las partes. Son los manifiestos del artista; una suerte de anti monumento en el que la ruina del “memorial” se presta a la transitoriedad del post-materialismo.

Las peanas de nogal avanzan la diferencia que atenderá la pieza en su totalidad en su régimen de planta monaica. Es decir, que separa los géneros. El gusto para los sentidos que produce la madera se deslinda de la piedra a la que da soporte. Los ojos se esconden en el cemento, salen las ropas, se viste el anti-pedestal. El cemento no se presta al paso del tiempo. Su dureza escultural impresiona la maleabilidad del soporte. Al punto que la exploración de Rael sobre el cambio de régimen de las materias retorna en estas piezas. Si bien nunca lo ha abandonado, en ocasiones su sutileza lo ha escondido. Las ruinas en la demolición son como la anti forma primera, aquella en la que se aventajaba Robert Morris, en la desmaterialización de la obra para alojarse en el Realismo Especulativo; manifiestos del desacuerdo, una vez más.

Obra de Miguel Rael. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Miguel Rael. Imagen cortesía de Espai Tactel.

También Miguel Rael parece ocultar la visibilidad directa de las cosas. Sus lienzos elásticos y negros a lo Soulages, como me gusta decirle, se abren en un espaciamiento a la nada. Es decir, una evasión del conocimiento en la forma concreta y que rompe el sentido de cuadro en la gravedad de la anti pintura. A saber: escondiendo la pintura si no raptándola igualmente. Pero, ¿qué escondes, Miguel Rael?¿Por qué esa necesidad de huida de lo real? La ruptura del poder de lo visual, o eliminación de la visión en la oscuridad de la noche del lienzo es la forma más radical de indagar sobre la experiencia de lo Real. “Tenemos sed de infinito”, grita Santiago López Petit.

Obra de Miguel Rael. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Miguel Rael. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Y, en ese acercamiento entre lo antivisual de algunas de sus piezas con cierta tradición postminimalista y una ontología orientada al objeto (el OOO de Graham Harman para más aclaraciones), emerge lo que he definido en el campo de la crítica de la autobioficción en torno al trabajo de Miguel Rael como autoficción conceptual. El ejemplo claro se expondría en sus fotografías y su vídeo La mésentente en el que la metáfora viva, el concepto rebasa su figura para vivir la vida de uno. En este caso la metáfora es aquella en la que una navaja butterfly coreografía los pases de la balysong (arte marcial de orígenes en los mares del sur de China) en un movimiento de diálogo y disputa. La mésentente deriva de la noción de desacuerdo del filósofo francés Jacques Rànciere por la que la disputa o desacuerdo va más allá de no estar conforme al contrario: excede la forma del “contra” para ejercer una tercera figura política, personal e íntima.

Se trataría de la presencia indeterminada del que no puede acordar el contrato de diálogo porque sus capacidades no se integran en este. De ahí, las consideraciones sobre que su trabajo excede la fuerza del concepto para orientarse hacia la propia autobiografía exteriorizada en las relaciones de perpetua disputa con el otro. Finalmente, contrariar, contra-decir o llevar al desacuerdo sería en la obra de Miguel Rael la mayor encarnación política del infinito y la nada.

Obra de Miguel Rael. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Miguel Rael. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Johanna Caplliure

La atemporalidad del Gallery Walk

Ruta 2. Gallery Walk. Abierto Valencia.                                                                       LaVac.                                                                                                                                                                                                             Mr. Pink, Espaivisor, Rosa Santos y Galería Punto.

Educar en el arte y en el patrimonio a través de museos, enseñanza reglada, asociaciones u organizaciones privadas son algunas de las premisas de Avalem -asociación sin ánimo de lucro organizadora de estas interesantes visitas a determinadas galerías de arte- con motivo del pasado “Abierto Valencia”. Pero el objetivo es ineludiblemente mediar entre la sociedad y la cultura, como muy bien reza en su manifiesto, materializado en la Gallery Walk.
Cabe destacar la importancia de esta iniciativa- esponsorizada por la Fundación Arco-, puesto que aún pervive la creencia de que las galerías de arte y otros espacios, contenedores de expresiones artísticas, siguen siendo lugar vetado y dirigido a una elite económica y cultual. Por ello es importante universalizar el acceso a los sentidos para el deleite de sus expresiones artísticas en estado puro.

Bajo la atenta recepción de Daniela Sirvent y Gema Gil –integrantes de Avalem- y ávidos de conocer la historia y detalles de la cotidianeidad de las galerías, comenzamos la ruta en Mr. Pink, que bajo el concepto “Espejismos” nos ofrece una exposición colectiva, con aportaciones de otras galerías, y la intención de conformar el panorama del arte en la actualidad ”y de la nueva hornada de espacios dedicados a promover el arte contemporáneo”.

De esta primera toma de contacto echamos de menos conocer algo más sobre la propia galería, su leitmotiv, orígenes, objetivos y, por qué no, alguna anécdota que nos permitiese establecer algún vínculo más inmediato. No obstante, su propuesta expositiva se antoja interesante y con entidad para visitarla de nuevo. Tal vez ahí nos conectemos.

Elementos expositivos y visitante de la galería Mr. Pink. Imagen de Merche Medina.

Elementos expositivos y visitante de la galería Mr. Pink. Imagen de Merche Medina.

Dando un pequeño paseo, nuestras anfitrionas nos condujeron –animada tertulia callejera mediante-  hacia el segundo punto de la ruta, Espaivisor, galería referente en Valencia desde 1982,  que bajo las directrices de Pep Benlloch ha ido progresando y enriqueciéndose hasta haberse posicionado como una de las galerías más interesantes del panorama internacional en su especialidad de vídeo y fotografía. Mira Bernabeu, artista de la galería, y Miriam Lozano ya participaban de sus avances, pero no fue hasta hace cinco años cuando ambos tomaron sus riendas. Actualmente alberga varios espacios a modo de contenedor de diversos conceptos, anaqueles para artistas emergentes o proyectos “site especific”.

Un concepto de galería 360º con un equipo joven, aunque experimentado, que suma a sus propuestas recientes “Ruina >Interveción>Archivo. Valencia 2005-2010”, donde las artistas Patricia Gómez y Mª Jesús González  tratan de rescatar la memoria de lugares inmersos en procesos de desaparición o abandono. “A través de la intervención en el interior de edificios deshabitados llevamos a cabo un trabajo de exploración fotográfico y estampación por arranque de grandes superficie con el objetivo de extraer un registro material que permita conservar las huellas y la memoria de lugares que van a dejar de existir”.

Gemma Gil, de Avalem, exponiendo algunas claves de Espaivisor. Imagen de Merche Medina.

Gemma Gil, de Avalem, exponiendo algunas claves de Espaivisor. Imagen de Merche Medina.

Imbuidos de experiencias, realidad y cercanía, caminamos por las aceras del barrio del Carmen en dirección a la galería Rosa Santos,  otrora denominada Post-Pos  -iniciativa surgida en los años ochenta y referente para una generación de jóvenes estudiantes de la Facultad de Bellas Artes de San Carlos-, un edificio rehabilitado abierto al público en 2003 y, como reza en su concepto de galería, un lugar especializado en “arte visual contemporáneo, mostrando especial interés por las últimas tendencias en pintura, escultura y dibujo, fotografía, vídeo e instalación”. Con esta premisa nos encontramos ante sus puertas, recibidos por la propia galerista, una mujer jovial, dinámica, accesible y afable que no duda en darnos la bienvenida personalmente, junto a su asistente, Johanna Caplliure, y el artista que actualmente expone en la galería, Alex Francés, quien se ofrece junto con Rosa Santos a enriquecer con su experiencia las explicaciones de nuestras anfitrionas.  Ascendiendo por la “columna vertebral” de la galería, materializada en unas escaleras que comunican todos los espacios, el artista nos invita a observar su exposición, planteada como una conversación entre materia y estructuras corporales, a través de técnicas y material artesanales.

Johanna Caplliure -asistente de la galería-, el artista Alex Francés y la galerista Rosa Santos. Imagen de Merche Medina.

Johanna Caplliure -asistente de la galería-, el artista Alex Francés y la galerista Rosa Santos. Imagen de Merche Medina.

Tras concluir la visita, a continuación nos encaminamos hacia Galería Punto, lugar emblemático y referente del arte contemporáneo desde su apertura allá por 1972 bajo la iniciativa de Miguel Agraït y Amparo Zaragozá quienes  apostaron por eximios creadores del panorama cultural internacional, siendo sus hijos Nacho y Miguel Agraït quienes han completado esta senda con artistas de vanguardia. En la actualidad la planta principal alberga “Insomne”,  una singular exposición de fotografía paisajística a cargo de Manuel Vilariño.

Igualmente cabe destacar  Área 72, iniciativa gestada por Amparo Agraït y Jorge López -nuevo director artístico-, quienes han rebautizado la planta inferior de la galería con el objetivo de visibilizar a artistas emergentes o consolidados peculiarizados por nacer a partir de ese año. Así lo confirman los trabajos de Julia Mariscal y Ángel Masip  quienes exhiben la presente “Mute Things”.

Nacho Agraït, de Galería Punto, conversando con los asistentes. Imagen de Merche Medina.

De este modo concluimos un recorrido que nos ha permitido acercarnos a los entresijos de diversas galerías bajo una perspectiva enriquecida por los testimonios de quienes las conforman como si de una performance al hilo del work in progress del arte se tratase.

Integrantes de Gallery Walk en Galería Punto. Imagen cortesía de Nacho López Ortiz.

Merche Medina