‘Dientes de Leche’, un cómic sin adulterar

‘Dientes de Leche’, de Boris Ramírez Barba
Editorial Hirukoa
Presentación en Ateneo Cómics
Calle Serrano 10, Alicante
Sábado 31 de agosto de 2019 a las 18:30

Sin duda alguna el panorama actual fundamenta el cómic como una materia que se está viendo rejuvenecida por una nueva concepción del lenguaje narrativo y estético, que viene siendo desarrollada por las recientes generaciones de artistas y creativos que trabajan en el sector. Impulsados por una serie de eventos y por la apuesta de grandes museos, como por ejemplo el MuVIM o el IVAM – dentro del caso valenciano-, se generan nuevos discursos y actividades entorno a esta disciplina. El cómic, asociado a recuerdos infantiles, tiene ahora un nuevo valor que, por un lado, presenta diferentes lecturas en lo referente a las producciones pasadas y una nueva singularidad aprovechada por las nuevas creaciones. 

Siguiendo esta línea de preferente innovación, el autor de cómics e ilustrador Boris Ramírez presenta su primera novela gráfica titulada ‘Dientes de Leche’. La historia gira en torno a Cara, una niña muy imaginativa que trata de establecer contacto con sus padres, encerrados en la habitación de su casa. Las escenas se suceden en un ambiente sobrecogedor que persigue la sugestión de pesadilla e incertidumbre. Todo este ambiente se relata a través de un dibujo muy característico, la escala de grises y un único tono amarillo. Con motivo de la primera presentación del volumen en formato físico nos adentramos un poco más en lo que supone la apuesta por la creación joven, sus dificultades y retos, así como en una historia que no dejará indiferente a nadie. 

Has trabajado para otros proyectos la ilustración y el cómic, pero esta es una de tus obras más personales, una novela gráfica en la que tú generas todo el contenido tanto gráfico como narrativo, ¿qué diferencias has notado con respecto a otros trabajos anteriores?

He trabajado bastante tiempo como ilustrador y diseñador de personajes para algunas campañas publicitarias, donde todo tenía que pasar varios filtros y muchas opiniones, y sigo realizando muchos encargos para portadas y cosas así. Trabajar solo, por mal que me haga quedar o por terrible que suene, es la forma más cómoda y agradable de trabajo para mí. No digo que salgan mejores productos, Dientes de Leche se habría beneficiado muchísimo (sin duda) de ayudas u opiniones externas, incluso de otros ilustradores, pero, de vez en cuando, lo mejor es trabajar simplemente para uno mismo. Más todavía en proyectos tan personales como este, a veces, demasiadas opiniones juntas se convierten en obstáculos no solo en contra del tiempo si no que también contra el confort de los propios autores. Personalmente adoro el cómic como disciplina en parte por esto mismo. Es uno de esos medios que posibilitan el trabajo de autor, de aquellos que, aunque requieran de un trabajo exagerado, permiten a una sola persona crear universos enteros. No se me ocurre nada que pueda llegar a ser más satisfactorio.

Un único escenario, un único personaje… ¿Qué recursos o referencias te ayudaron a afrontar el desarrollo de una historia así?

Ha sido bastante delicado. Por ello, era muy importante dotar casi de personalidad a elementos inanimados. No solo en casos evidentes como en los que el compañero de peluche de Cara mantiene conversaciones fluidas con su amiga, si no que también con muchos apartados que parecen carecer de importancia, como las tijeras amarillas perdidas, cuya misteriosa desaparición se convierte casi en una subtrama de la que nadie quiere hablar demasiado; de los recuerdos de los padres de Cara, totalmente tergiversados y versionados por una mala memoria; de los dibujos infantiles garabateados en hojas amarillas desperdigados por la habitación de Cara… Casi todo lo que dibujo tiene fines más allá de lo estético, algunos más determinantes que otros, por supuesto, pero en la casa vacía de Cara, en ese único escenario, siempre se están produciendo cambios o detalles de los que, muchas veces, ni siquiera se hace mención. 

Quizá el dividir la trama en diferentes secciones, con sus respectivos cambios de máscaras, hace que el lector note más aún la evolución del personaje, ¿tienen alguna justificación más allá de la coherencia narrativa?

Al fin y al cabo, lo que vemos en Dientes de Leche es a Cara, una niña a solas que se hace mayor. Buena parte de esto queda representado con sus máscaras, así como sus estados o necesidades de cada momento. Los primeros cambios pueden llegar incluso a pasar desapercibidos, pero conforme vamos pasando páginas, las máscaras de Cara cambian radicalmente, así como su actitud y su entorno. 

A lo largo de la historia se suceden una serie de espeluznantes momentos oníricos, auténticas pesadillas que nos llevan a rememorar recuerdos infantiles, ¿te has inspirado en algo personal?

Digamos que son oníricos, de acuerdo. Como decía antes, esta es una obra muy personal para mí. De niño solía tener pesadillas muy vívidas y terrores nocturnos que recuerdo perfectamente aún hoy, quizá a causa de unos gustos prematuros. Antes de tener el guion final, antes de haber terminado de definir la trama, ya tenía una lista muy bien preparada de aquellas pesadillas y momentos de terror que me habían marcado tanto. La realización de este cómic ha sido casi terapéutico para mí, una auténtica vomitona de ponzoña enquistada, y he acabado encontrando muchas similitudes y características comunes en pesadillas que me afectaron en diferentes momentos y de formas paralelas. He sido muy fidedigno con ellas, e incluso he llegado a representar casi con exactitud el pasillo y la distribución de la casa donde me crié, así como mi cuarto, que ahora es más de Cara que mio. 

Portada del cómic ‘Dientes de Leche’. Imagen cortesía del autor.

Al final del volumen, nos encontramos con un guiño, una breve historia extra sobre el “otro” personaje casi protagonista de la historia, ¿qué nos puedes contar sobre el peluche de Cara? 

Quisimos introducir algo de material extra a la hora de publicar el volumen completo, así que, además de algunas ilustraciones y portadas alternativas, incluimos una pequeña historia de una sola página que cuenta cómo se conocieron Cara y Osi. Para mí, Osi es muy importante, ya que es un peluche que tuve de niño y aún conservo junto a mi cama. Es casi idéntico a cómo queda representado en la obra, pero ahora está un poco más machacado. Ha llevado también una vida dura. Como pasa con Cara, las relaciones con seres inanimados, que en la infancia pueden ser tan naturales, pueden llegar a complicarse con el tiempo. Ahora pienso en él y me doy cuenta de lo poco imaginativo que era de crío al bautizarlo de forma tan simple, pero es una pieza importante para mí tanto dentro como fuera de la obra. 

¿Crees que el lector se identifica más con el peluche que con Cara?

Es algo delicado, creo. Osi es la voz de la razón en determinados momentos, pero uno no puede evitar pensar mal de él. Puede parecer engañoso. Supongo que cada uno podrá verse reflejado donde quiera. Estoy seguro incluso de que muchos se identificarán con los padres de Cara, que la ignoran y aislan, que la abandonan y parecen preferir no saber nada de ella. O no, no lo sé. La gente se suele identificar más con aquello a lo que quiere parecerse que con lo que en realidad es.

No solo la narrativa destaca por la experimentación, sino también la técnica, la escala de grises y un único color son los aspectos más llamativos del cómic, ¿por qué este método para narrar la historia de Cara?

Es cierto que narrativamente creo que Dientes de Leche es diferente. No tenemos una historia tradicional al uso. Realmente, la historia está compuesta por una comunión de “micro-relatos”, pequeñas historias y anécdotas que van dejando avanzar a Cara. Por supuesto, todas ellas se entrelazan para dejar ver en su conjunto una historia coherente, pero esta trama es una suma de momentos. Por ello, necesitaba también una estética muy definida, muy reconocible, para que esos momentos se difuminaran unos con otros de manera más homogénea. 

Esta forma de contar la historia también permitió muchísima libertad a la hora de jugar con Cara, con sus ideas y sus periplos. Y ese único tono… bueno, es un amarillo febril que creo queda muy bien en las partes más crudas.

Ya que comentas que has tratado la historia como una sucesión de momentos, y que has incorporado una estética acorde a lo que querías transmitir, ¿qué referentes han sido tu guía?

Dientes de Leche bebe mucho del ero-guro. Una de mis novelas favoritas, La Bestia Ciega de Edogawa Rampo, destaca bastante en su estilo, ya que configura la historia principal por medio de lo que podrían considerarse narraciones breves, relatos cortos, a modo de capítulos. Es cierto que la carga sexual que identifica al ero-guro es casi subliminal en Dientes de leche, ya que he preferido no dotar a la obra de ese tipo de connotaciones, a pesar de que, aún así, y si se entrecierran un poco los ojos, sigue estando bastante presente. En el cómic, podemos encontrar a gran cantidad de autores de este género (principalmente japoneses), y creo que lo que al final buscan todos, conmigo incluido, es una representación más o menos poética, más o menos surrealista, de la pesadilla y de lo abyecto. Con Dientes de Leche, más allá de sus tramas o de sus significados conceptuales, busco representar la pesadilla y hacer que el lector paladee lo grotesco y lo perturbador. 

No queremos revelar ningún aspecto clave de la historia, pero el final podría generar ciertas cuestiones, ¿quisiste dotar a la obra de algún aspecto del terror psicológico?

Aunque en algunos puntos pueda parecer que Dientes de Leche hace uso de elementos muy desagradables o demasiado físicos para tratar de alcanzar ese malestar que el libro debería emanar a cada página, el verdadero horror se encuentra en segundo plano. Sin embargo, opino, es muy evidente. Casi todo mi trabajo gira de forma levemente obsesiva alrededor de una vomitona existencialista. Algunas veces más sutil y otras a gritos, siempre acabo encaminado hacia una dirección bastante depresiva en ese sentido. Un ejemplo muy claro es el libro de ilustraciones Mortis Causa, que autopubliqué hace cerca de un año. Allí resumo toda la vacuidad que me condena muchas veces al insomnio en unas 30 páginas de absurdismo ilustrado mudo. 

Hirukoa publicó el año pasado Dientes de Leche en castellano y en inglés en la conocida plataforma Comixology, ¿qué opinas sobre el formato digital que parece estar en alza en los últimos tiempos tanto en cómics como en libros? ¿Cómo crees que afecta particularmente al mundo del cómic?

El beneficio de tener la obra a la venta en formato digital es que siempre está disponible. Con un par de clicks cualquiera puede acceder a ella de manera inmediata. Tenerla en Comixology da bastante visibilidad, la verdad, sobre todo a la hora de promocionar el cómic por redes, que es donde más difusión se ha realizado. Hemos logrado bastantes ventas digitales, y estoy muy contento por ello. Hemos conseguido llegar a muchos países, incluso hemos vendido alguno en Japón. Como autor, saber que mi obra puede llegar a tantos lugares es una maravilla. Como lector… puede que sea más viejo de lo que creo, ya que soy casi incapaz de leerme ni un solo cómic en mi ordenador. Publicar en digital tiene sus cosas buenas y sus cosas malas, pero es cierto que permite que la obra llegue a sitios que de de forma física sería impensable. España parece quedarse atrás en este sentido, ya que en muchos otros países, el consumo de cómics digitales es muy elevado. Pero es cuestión de tiempo. Dientes de Leche ha sido publicado también (junto con otros cómics de la misma editorial) por la nueva plataforma valenciana Tebeox, que apuesta precisamente por este medio. Lo importante al fin y al cabo es dar facilidades y capacidad de movimiento a tu obra para que pueda llegar a todo tipo de lector.

La historia y el género se alejan considerablemente de lo que suele publicarse en España y todavía más aún si hablamos de un autor joven como es el caso, según tu experiencia profesional, ¿te has encontrado con dificultades en el complicado sector editorial español? 

Me puse a trabajar en Dientes de Leche bastante desanimado, la verdad. Llevaba muchos intentos de publicar con una editorial sin conseguirlo. Desde que terminé Bellas Artes he estado intentando sacar adelante alguno de mis cómics, y ha sido terriblemente frustrante ver como cientos de horas de trabajo en diferentes proyectos se quedaban en nada al no encontrar el modo de publicarlos; cómo tantas ideas muy queridas eran rechazadas tajantemente o, peor aún, ignoradas. Uno de mis cómics fue seleccionado por una plataforma para realizar un crowdfunding que no llegó a ninguna parte. Publiqué con Amazon también una novela, Escamas de Pez Cautivo, pero no conseguí los resultados esperados. En fin, muchos intentos muy diferentes con muchas obras muy distintas que no parecían dar frutos. Entonces me decidí por hacer una obra totalmente mía, sin pensar en gustos ajenos o posibles mercados. Una obra sin adulterar en la que contase lo que me diera la gana como me diera la gana. Si no conseguía que ninguna editorial se interesase por ella pues tendría que volver a autoeditar. Era casi un último intento, pienso ahora. Y entonces la editorial Hirukoa se mostró interesada, lo que es muy de agradecer, teniendo en cuenta el carácter tan “poco mercantil” de la obra y que yo era un autor que nunca antes había publicado de esta manera. Es una editorial que se arriesga, que publica aquello le gusta, aquello que piensa que se debe publicar, no panfletos vendibles por modas sacadas de youtube o tendencias o parodias. Ahora cuenta con un catálogo muy interesante que combina todo tipo de autores, y sigue trabajando por sacar adelante proyectos ambiciosos.  Al final, todo es no dejar de intentarlo y, sobre todo, hacerlo de manera que satisfaga, en primer lugar, a aquel que lo intenta.

‘Dientes de leche’ está publicado en diferentes plataformas digitales como ComixologyDriveThrucomics o Tebeox. Además puede adquirirse a través de la página web de la editorial Hirukoa

Booktrailer del cómic ‘Dientes de Leche’.

María Ramis. 

36 Ilustradores ‘pintan’ Valencia

Valencia se Ilustra
Rambleta
Bulevar Sur esquina calle Pío IX, s/n. Valencia
Hasta el 16 de junio de 2019

La ciudad se expone cada día a infinitas miradas. Las de sus propios residentes que la observan con la indiferencia que da la familiaridad sin fijarse mucho en los detalles. Y también las ávidas miradas de los turistas y visitantes concentradas en los hitos monumentales y lugares considerados de interés. ¿Pero cómo ven la ciudad los artistas plásticos que viven en ella?

Responde a esa pregunta València se Ilustra, un proyecto de largo recorrido que lleva a cabo Rambleta y Cervezas Alhambra con el asesoramiento de la galería Pepita Lumier, y que rescata lugares emblemáticos e inspiradores de la ciudad desde la mirada personal de los artistas de la ilustración.

Ilustración de Inma Carpena. Imagen cortesía de Rambleta.

El centro cultural de San Marcelí reúne en una amplia sala las obras de los 36 ilustradores que han participado en las últimas dos ediciones de este proyecto convirtiéndose así en epicentro de la ilustración valenciana durante los casi dos meses que la exposición permanecerá abierta al público, del 2 de mayo al 30 de junio. Rambleta y Cervezas Alhambra iniciaron este proyecto en 2016 para respaldar y poner en valor la ilustración local, incentivando la creación, dando visibilidad al artista y generando nuevas audiencias, rompiendo barreras y llevando la cultura a lugares no convencionales. Desde enero de 2018 cuenta con el comisariado de la Galería Pepita Lumier.

En cada edición, durante tres ciclos previos a una exposición final, València se Ilustra selecciona a un grupo de ilustradores destacados que aportan una mirada curiosa y diferente de la ciudad con trabajos realizados ex professo. Los ciclos se llevan a cabo en diferentes puntos de la ciudad y reúnen el talento local en torno a la riqueza cultural valenciana desde la perspectiva vanguardista y original de los ilustradores.

Jardín Botánico, ilustración de Mar Hernández ‘Malota’. Imagen cortesía de Rambleta.

 Tras las muestras realizadas en los distintos barrios de València, los meses de mayo y junio se reúne en una gran exposición colectiva a todos los artistas participantes en las acciones que se han llevado a cabo en los diferentes barrios durante dos ediciones: 36 ilustraciones de 36 artistas transforman el centro cultural en un itinerario visual por la ciudad de València, un mapa urbano trazado por los artistas que la pueblan. 

“Para seleccionar a los ilustradores participantes hemos tenido en cuenta sus méritos y la calidad de sus obras”, dicen las comisarias de Pepita Lumiere. “Hemos buscado también diversidad estética en sintonía con cada presentación y, al mismo tiempo combinar las firmas consolidadas más o menos reconocidas con las emergentes”.

Los ilustradores tienen absoluta libertad para elegir el tema procurando no repetir el mismo escenario, aunque ha habido doblete con dos lugares muy emblemáticos: El Mercado Central y el Jardín Botánico. También se incentiva mostrar lo que se podría llamar ‘Cara B’ de la ciudad. Así, los trabajos de Inma Carpena que dibuja un comedor social, de Javier Lacasta Llácer, el Tribunal de las Aguas o Víctor Viza sobre el Rastro. El conjunto de las obras refleja distintas técnicas desde las ejecutadas a mano a las realizadas de forma digital y la combinación de ambas. Los estilos también son muy heterogéneos, pues hay representantes del street art, graffiti y diseño. La nómina de autores incluye nombres consagrados como Malota y Aitana Carrasco entre otros muchos.

Ilustración de Aitana Carrasco. Imagen cortesía de Rambleta.

Pepita Lumiere destaca la importancia de esta iniciativa que incluye tres eventos a lo largo del año ofreciendo un apoyo a los artistas desde una firme actitud de mecenazgo. “Para los ilustradores es muy estimulante participar en este proyecto colectivo que les permite interaccionar entre ellos y sentirse reconocidos, pues la ilustración, pese a la cantidad de talento que  existe,  sigue arrastrando cierto complejo de hermana pequeña de la pintura. Por otra parte Valencia Ilustra crea un patrimonio sólido que persistirá en el tiempo”.

Hasta el 20 de junio se podrán ver en una misma sala de la Rambleta los trabajos finales de los dieciocho protagonistas de la última edición de València se Ilustra (2018-2019): Fran Salcedo, Xiana Teimoy, Malota, Pau Valls, Victoria Ripalda, Cento Yuste, Aitana Carrasco, Alba Quílez, Cristina de Cos-Estrada, Eduardo Luzzatti, Javier Parra, Juanjo Gasull, Inma Carpena, Francesc Roig, Víctor Visa, Mar Villar, Javier Lacasta Llácer y África Pitarch. Además, las obras de la edición anterior (2017-2018) en la que participaron:  Martina Almela, Raquel Aparicio, Luis Armand Villalba, Lirios Bou, Julia Cejas, Luis Demano, Aaron Feliu, Azucena González, Jaume Mora, David de Limón, Omega TBS, Andrés Palmero, Fran Parrenyo , Ausias Pérez, César Sebastián, Belén Segarra, Elías Taño y La Nena Wapa Wapa.

Torres de Serranos, ilustración de Javier Parra. Imagen cortesía de Rambleta.

Bel Carrasco 

Cristina Durán se asocia el ‘Tres’ en Pepita Lumier

‘Tres’, de Cristina Durán
Galería Pepita Lumier
C / Segorbe, 3. Valencia
Inauguración: jueves 21 de marzo, a las 19.30h
Hasta el 4 de mayo de 2019

Dibujante de cómics con una amplia trayectoria, Cristina Durán ha publicado numerosas novelas gráficas junto al guionista Miguel Á. Giner Bou, con las que ha recibido premios y nominaciones, siendo sus obras más destacadas ‘Una posibilidad entre mil’ y ‘La máquina de Efrén’.

‘El día 3′ fue Premi Ciutat de Palma en 2016, Premio Mejor Obra Nacional en el Salón del Cómic de Zaragoza y publicado en 2018 por Astiberri: “’El día 3’ es la historia de la lucha de unas familias, como la tuya o la mía, que se vieron obligadas por las circunstancias a movilizarse en busca de respuestas. ‘El día 3’ es la historia de una gran ola de solidaridad, del despertar de una sociedad”.

Ilustración de Cristina Durán. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Ilustración de Cristina Durán. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Este cómic es un trabajo colectivo realizado junto al guionista Miguel Á. Giner Bou y la periodista del Levante-emv Laura Ballester, en cuyo libro ‘Lluitant contra l’oblit’ (Sembra Llibres) se basaron Durán y Giner para construir la historia. También ha sido clave el documental ‘La estrategia del silencio’ y la web ‘0responsables’ de la Cooperativa Valenciana Barret. Para nuestra dibujante: “Una vez más ha sido muy gratificante comprobar la eficacia del cómic como lenguaje, lo útil que puede llegar a ser para dar a conocer historias necesarias y darles visibilidad.” Es por todos estos motivos, que ‘El día 3’ forma el grueso de la exposición y centra la mayoría de las obras originales que se exponen, tanto en lápiz como tinta y en pinturas realizadas para la ocasión en gouache y color.

Cristina Durán se considera básicamente dibujante de cómic pero disfruta mucho realizando trabajos de ilustración para prensa y publicidad porque “supone enfrentarme a temas diversos, aprender mucho y también aportar mi punto de vista sobre las cosas.”

Una recopilación de trabajos realizados en el último año, mostrarán ilustraciones para El País o el Diari Ara. Como en sus novelas gráficas, Cristina Durán intenta dar visibilidad a quien la necesita a través de sus dibujos y es por eso que participa, y nos enseña, colaboraciones en proyectos altamente reivindicativos con las mujeres creadoras como Hits with Tits.

Ilustración de Cristina Durán. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Ilustración de Cristina Durán. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

La tercera y última parte de la exposición, nos ofrece una selección de páginas originales y portada del cómic ‘Vicente Blasco Ibáñez. Una vida apassionant’: “Hacer cómics como este son una gran oportunidad para aprender sobre nuestra ciudad y sobre los personajes ilustres que la habitaron y demuestran el poder didáctico y divulgador del cómic”, señala Durán.

‘Tres’ es una exposición en la que ver de cerca y conocer los entresijos de la realización de un cómic o una ilustración para prensa, desde el dibujo previo a lápiz, con sus anotaciones y correcciones, a la tinta final, depurada y lista para ser coloreada. También una oportunidad única de ver unas pinturas realizadas para la ocasión con las que Cristina Durán enfatiza la visibilidad. Porque como bien decía nuestra dibujante al principio de esta nota, creemos en el poder transformador del lenguaje del cómic y la ilustración, y os lo queremos enseñar.

Obra de Cristina Durán. Imagen cortesía de Pepita Lumier

Obra de Cristina Durán. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

La libertad de Cabanyal Íntim, según Elías Taño

Festival Cabanyal Íntim
Presentación del cartel realizado por Elías Taño
Centre del Carme
Jueves 7 de febrero de 2019

El Claustro Gótico del Centre del Carme Cultura Contemporània acogió el pasado jueves 7 de febrero la presentación del cartel de la novena edición del Festival Cabanyal Íntim. El ilustrador y diseñador Elías Taño, inspirándose en el lema de este año -La Libertad-, ha creado la imagen que acompañará a los diez días de programación escénica, del 9 al 19 de mayo de 2019: una mujer rompiendo los barrotes de una jaula, sonriendo victoriosa, con los puños en alto. A sus pies, las casas del Cabanyal. En la paleta de colores vivos destacan el verde lima, el magenta y el amarillo en contraste con el blanco y el negro.

Miembros del equipo de Cabanyal Íntim durante la presentación del cartel de la novena edición del festival, obra de Elías Taño. Imagen cortesía de la organización.

Miembros del equipo de Cabanyal Íntim durante la presentación del cartel de la novena edición del festival, obra de Elías Taño. Fotografía de José Marín Rodríguez (mementoNET) por cortesía de la organización.

En palabras del propio artista: «El Festival Cabanyal Íntim, como tantas otras iniciativas socioculturales, nace de las ruinas de un barrio que lleva muchos años luchando por su libertad. Este propósito solo es real cuando se demanda en colectividad, dejando de lado los intereses individuales».

Isabel Caballero, directora artística, añadió que «la libertad será el eje vertebrador de todo el festival. Un lema que se verá acotado por los diferentes puntos de vista que los artistas nos ofrecerán con sus creaciones».

Cabanyal Íntim. Fotografía de José Marín Rodríguez por cortesía de la organización.

El trío Salami Púrpura durante la fiesta de presentación del cartel de Cabanyal Íntim. Fotografía de José Marín Rodríguez por cortesía de la organización.

Las casi treinta propuestas seleccionadas para la presente edición -de diversas disciplinas como el teatro de texto y el físico, la danza, la performance, las marionetas, el cabaret o la música-, apuntarán hacia la reflexión en torno a la libertad. Un concepto amplio y universal que, en clave de comedia, drama social o poesía, abarcará cuestiones tan importantes como la violencia de género, el maltrato animal, el capitalismo, la libertad sexual, las convenciones sociales, la diversidad, las fronteras, la prostitución, los valores heredados o la autoafirmación, entre otras.

Para cerrar la fiesta de presentación, el trío de «microzarzuela contemporánea» Salami Púrpura -formado por Mónica Sarrión, Clara Camarena y Mono Sapiens- ofrecieron un concierto donde música en directo y teatro-cabaret se fusionaron de manera natural, al más puro estilo del festival Cabanyal Íntim.

Cartel de Elías Taño de la novena edición de Cabanyal Íntim, por cortesía del festival.

Cartel de Elías Taño de la novena edición de Cabanyal Íntim, por cortesía del festival.

Teriomorfismo y ciberpunk en Plastic Murs

‘Real Fiction’, de Deih, Dhani Barragán y Jay Bisual
Plastic Murs
Denia 45, València
Del 1 de febrero al 1 de marzo de 2019
Inauguración: viernes 1 de febrero a las 19:30

Es obvio que en la segunda década del siglo XXI, las nuevas expresiones del arte contemporáneo están consolidando un marco de actuación creativa, dejando atrás un modelo de modernidades que durante todo el siglo XX estaba asociado a los diferentes ismos. Todas las corrientes de ruptura del siglo pasado propusieron un esquema diferente de percepción de la realidad y, por tanto, de su representación. Pero nunca hasta ahora la libertad de interacción entre la creatividad artística, la realidad y la ficción habían sido tan activas y, por qué no, efectivas.

Imagen de la obra 'Hunch', del artista Deih, que forma parte de 'Real Fiction'. Fotografía cortesía de Plastic Murs.

Imagen de la obra ‘Hunch’, del artista Deih, que forma parte de ‘Real Fiction’. Fotografía cortesía de Plastic Murs.

Vivimos tiempos en que la actualidad hiperconectada nutre de forma inmediata la creación artística, dando como resultado nuevas tipologías de obras como las que componen esta exposición; obras que van desde las representación artística de un insider interestelar en la soledad de parajes deshabitados espaciales, hasta elementos de teriomorfismo, ciberpunk y post-pop, realizadas bajo una utópica realidad paralela e inquietante, plasmada por propuestas estéticas creativas que componen esta exposición, creada bajo tres manos que dibujan una alternativa ficción real.

Los potentes matices narrativos propios del cómic, manga y lowbrow, son las líneas gráficas elegidas con las que se encontrarán los visitantes de la exposición ‘Real Fiction’. En estos diferentes modelos de experiencia artística hay algunos que incluso no tienen razón de ser, si no es alimentándose del combustible temático del día a día existencial de la real ficción de los autores, encontrando la inspiración narrativa en los medios y la técnica en el histórico valor de la tradición gráfica oriental y occidental.

A su vez, sus creaciones artísticas nos devuelven la mirada, inundando nuestra consciencia de realidades nacidas de su ficción, reclamando en la composición de sus obras el poder de anticipación visionaria o el paralelismo residente en la obra representada de este hecho y que así lo confirma.

Imagen de la obra 'Creepy House', de Dhani Barragán, que forma parte de 'Real Fiction'. Fotografía cortesía de Plastic Murs.

Imagen de la obra ‘Creepy House’, de Dhani Barragán, que forma parte de ‘Real Fiction’. Fotografía cortesía de Plastic Murs.

Plastic Murs presenta un reflejo del momento creativo de las nuevas expresiones del arte contemporáneo, centrándose en un tándem que siempre ha disfrutado de mucho prestigio en la cultura valenciana: la ilustración y el arte urbano. Una propuesta que busca equilibrio y la contraposición, la posibilidad de disfrutar de una enérgica exposición de una forma única.

Forman este conjunto Deih, Dhani Barragán y Jay Bisual, artistas que de una forma brillante, consiguen trasladar su estilo desde la hoja hasta el muro, pasando de la ilustración al dibujo, con una fidelidad que hace que sus obras sean perfectamente reconocibles por la gente que habita las ciudades y el “gran público virtual” que sigue a estos artistas a través de sus redes sociales.

La exposición ‘Real Fiction’ es un ejemplo de cómo el arte plural actual, lejos de buscar un nombre comercial con el que #etiquetarlo, desea acceder a la gran lonja del reconocimiento mundial por mérito propio, crear nuevos lenguajes más allá de ser un simple idioma.

Imagen de la obra 'Producer', de Jay Bisual, que forma parte de 'Real Fiction'. Fotografía cortesía de Plastic Murs.

Imagen de la obra ‘Producer’, de Jay Bisual, que forma parte de ‘Real Fiction’. Fotografía cortesía de Plastic Murs.

Deih (València, 1977), con un trabajo que habitualmente apunta hacia la representación icónica de un insider en un paraje interestelar, representando procesos, inquietudes y razonamientos, experimentados por el propio artista.

Dhani Barragán (Sevilla, 1989), con una estética lowbrow, elementos que evocan a la contracultura utilizando personajes que suelen ser animales personificados representados en forma de collage imposible, enmarañados y aparentemente desordenados, que esconden una orquestada harmonía lowbrow.

Jay Bisual (Vic, 1984), robots, calaveras y seres freaks que conviven en una especie de versión distópica de una neociudad, configurando un mundo psicodélico y surrealista, donde crea retratos distorsionados y con un toque de humor, mezcla de la realidad callejera y la ciencia ficción.

Fran Picazo

Una exposición inolvidable

‘Por el olvido’
Pepita Lumier
Segorbe 7, València
Hasta el 10 de Noviembre de 2018

‘Por el olvido’ es el título que recibe la exposición actual de la Galería de arte Pepita Lumier, gran especializada en ilustración y cómic, que muestra esta vez las pinturas, collages y grabados del libro ‘Por el olvido’, publicado el pasado mes de Marzo por Paula Bonet y Aitor Saraiba.

Por el olvido- Paula Bonet y Aitor Saraiba

Título exposición escrito por Paula Bonet en pared expositiva. Fotografía: Cristina Tro Pacheco.

Paula presenta una larga y dilatada trayectoria artística, empezando a estudiar en València y completando sus estudios en Nueva York, Santiago de Chile y Urbino. Su preferente campo de trabajo es la imagen en distintas modalidades (ya sea grabado, ilustración o pintura al óleo). Además, es redactora de artículos así como realizadora de entrevistas en los medios de comunicación Jot Down y eldiario.es. Actualmente su trabajo se centra en ‘Roedores: Cuerpo de embarazada sin embrión’ (Literatura Random House, 2018) y en el diseño de las pinturas para ‘El año del pensamiento mágico’ (Literatura Random House, 2019) de Joan Didion.

Aitor Saraiba, tampoco deja margen de duda, ya que se presenta como un artista multidisciplinar. En su currículo destacan sus diversas exposiciones tanto individuales como colectivas realizadas en distintas ciudades de todo el mundo: Madrid (Twin Gallery, La Fresh, Galería Fúcares, Mad is Mad, Centro de Arte Dos de Mayo), en Lisboa (Fábrica Benetton), en Barcelona (MUTT) o en Puebla México (Galería Garco). Además, destaca también en sus acciones realizadas en Matadero (Madrid) o el MUSAC (León).

Detalle obras exposición 'Por el olvido'. Fotografía: Cristina Tro Pacheco.

Detalle obras exposición ‘Por el olvido’. Fotografía: Cristina Tro Pacheco.

Con estas destacadas trayectorias profesionales en el ámbito de las artes, Ambos se muestran  sólidos y capaces de crear una relación especial y directa entre sus respectivos trabajos, las ilustraciones de ella, y las palabras de él. Con esta recopilación, pretenden realizar una oda al amor que sienten por la literatura y, especialmente, a Roberto Bolaño y su novela ‘Los detectives salvajes’. Como bien dice la cultura popular: ‘Todos somos lo que leemos’ y, es que, no cabe duda que los escritores mencionados en su obra han marcado un antes y un después, tanto en sus vidas como en las nuestras.

Pared expositiva dedicada a escritores. Fotografía: Cristina Tro Pacheco.

Pared expositiva dedicada a escritores. Fotografía: Cristina Tro Pacheco.

Un ejemplo de éstos serían los componentes del primer capítulo de la novela de Roberto Bolaño titulada ‘Los sinsabores del verdadero policía’ (2011) como Luis de Góngora, Cernuda o Mario Benedetti, que protagonizan una pared expositiva repleta de dibujos realizados a lápiz y grafito líquido.

Unidos, consiguen realizar un recorrido en el cual se tratan temas tan cotidianos y tan eternos como pueden ser el amor, la amistad y la muerte.

Una exposición que no será fácil de olvidar en esta nueva temporada.

Cristina Tro Pacheco

After Old Masters

(Re)Mastered, de Eric Basstein, Florian Eymann, PichiAvo y Andrea Ravo Mattoni
Plastic Murs
C / Dénia, 45. València
Inauguración: viernes 21 de septiembre
Hasta el 31 de octubre de 2018

A principios del siglo XIX, Quatremère de Quincy —considerado el primer crítico del Louvre como institución— esgrimió un argumento demoledor: contemplar la reunión fascinante de tantas obras maestras en un mismo museo impide la creación de nuevas obras maestras. Esta declaración coincide temporalmente con la construcción de la historia del arte (como disciplina) y de los museos (en sentido moderno) que se esforzarán por establecer un canon cultural europeo en referencia al clasicismo que va del Renacimiento a la Ilustración, cifrando los nombres de los Grandes Maestros y atesorando sus obras como evidencia.

Obra de Andrea Ravo Mattoni. Imagen cortesía de Plastic Murs

Obra de Andrea Ravo Mattoni. Imagen cortesía de Plastic Murs

También a etiqueta de “obra maestra” aparece en este momento, con el museo, para señalar un hito, una realización extraordinaria (por absoluta) que guarda en su seno la idea de arte y de la historia del arte misma. Los Grandes Maestros irradian desde entonces —que es desde su tiempo— y a través de sus creaciones una influencia e inspiración que incita a imitarlas, de ahí que la formación artística académica sistematizara el estudio y la copia de las formas y técnicas de los Maestros como método.

La aparición de otra etiqueta, ater (después, a la manera de) codificará esta cadena de valor artístico marcando las aproximaciones parciales o la imitación total del estilo de un Maestro realizada por otro artista, por un aprendiz en el taller o por el copista en las salas del museo. Aunque en otro sentido, la interpretación, la cita y la apropiación como estrategias creativas seguirán la misma lógica hasta desembocar en el gesto posmoderno y las prácticas actuales.

Obra de Eric Basstein. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Eric Basstein. Imagen cortesía de Plastic Murs.

(Re)Mastered reúne cuatro propuestas que evidencian así la reversibilidad de la historia del arte y cómo las formas y técnicas clásicas (o no tanto) son asumidas y reinterpretadas conscientemente por artistas contemporáneos que reintroducen las creaciones de los Maestros actualizando su lenguaje.

PichiAvo (España) combinan la estatuaria clásica con las señas de identidad del grafiti callejero (tags, símbolos) en marañas de grisallas, veladuras y palimpsestos de fuerte colorido que dominan los grandes muros donde se pintan o se llevan al cuadro, los dos soportes tradicionales de la pintura.

Andrea Ravo Mattoni (Italia) construye con sus intervenciones murales una “pinacoteca a cielo abierto” trasladando al espacio urbano y haciendo accesibles obras de Caravaggio o David que están encerradas en museos; utiliza para ello los espráis con los que también trabaja sobre lienzo.

Obra de PichiAvo. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de PichiAvo. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Florian Eymann (Francia) juega en sus pinturas con la relación entre el toque de Rembrandt y la pincelada de Bacon, entre la representación y la evidencia de la materialidad de la pintura, entre la cita al Maestro y la mixtura abstracta de la pintura de hoy (óleo, espray, collage) que tanto le debe.

Eric Basstein (Países Bajos) genera en sus pinturas una suerte de puzles donde dialogan referencias clásicas y contemporáneas (publicidad, moda, cómic) como en una suerte de sampleado abstracto en el que descubrimos capas y fragmentos de la tradición artística, lo popular y lo familiar.

Para recrear mejor las salas de los museos de siglo XIX, propias de los Grandes Maestros, la galería se ha pintado de una suerte de azul real, el más propicio para la exposición y las transgresiones del aura benjaminiana.

Obra de Florian Eymann. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Florian Eymann. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Ricardo Forriols
Universitat Politècnica de València

César Sebastián diseñará el cartel de La Cabina

La Cabina – Festival Internacional de Mediometrajes de València
Del 14 al 24 de noviembre de 2018

César Sebastián (València, 1988) diseñará el cartel de la undécima edición de La Cabina – Festival Internacional de Mediometrajes de València que se celebrará del 14 al 24 de noviembre en varias sedes de la ciudad.

El historietista, ilustrador y diseñador toma el relevo de Cachetejack, quienes realizaron el cartel de la pasada edición. La Cabina otorga a la imagen del cartel una gran importancia y siempre escoge a artistas jóvenes pero con un gran bagaje a sus espaldas. El cartel del festival en ediciones pasadas ha llevado la firma de autores de la talla de Escif, Paula Bonet, Carla Fuentes, Luis Demano, Jorge Lawerta, Estudio Menta, Julia Valencia, Mireia Pérez o Gloria Vilches.

Mercat Central, ilustración de César Sebastián. Imagen cortesía de La Cabina.

Mercat Central, ilustración de César Sebastián. Imagen cortesía de La Cabina.

César Sebastián es un artista licenciado en Bellas Artes por la Facultad de San Carlos de València que ha desarrollado su carrera como ilustrador, realizando portadas de libros y discos, cartelería o story-boards publicitarios, y entre cuyos clientes destacan Le Monde Diplomatique España, El País, Amazon Studios, Norma Editorial y DC Comics; como historietista, su trabajo ha sido publicado en diversas antologías tanto en España como en EE.UU; y como diseñador, realizando la cartelería para el ciclo de conciertos Fuzzville Presenta, la imagen para el festival GetMAD! de este año y las cubiertas para la biografía Cash de Robert Hilburn.

“En contraposición a la explosión de color de la pasada edición, hemos apostado este año por la imagen sobria y cinematográfica que ofrece el trabajo de Sebastián, quien a pesar de su juventud ya ha trabajado para diferentes medios de comunicación y ha ilustrado cartelería de conciertos, revistas culturales, etc.”, comenta Sara Mansanet, directora de La Cabina.

Los Coronas, obra de César Sebastián. Imagen cortesía de La Cabina.

Los Coronas, obra de César Sebastián. Imagen cortesía de La Cabina.

El artista, por su parte, dice sentirse “afortunado” por haber sido el escogido este año para la realización del cartel del Festival de Mediometrajes ya que ha seguido de cerca el trabajo que han realizado otros ilustradores en ediciones anteriores y porque confiesa ser un “apasionado del cine”.

Para la imagen de la XI edición de La Cabina, que se desvelará el próximo 10 de octubre en Nolich (C/ Dénia, 73) con la presencia de Sebastián y Mansanet, el ilustrador ha revelado algunas pinceladas de lo que podremos ver: “Desde el principio quisimos huir de elementos visuales muy manidos que remiten al cine, como cámaras o rollos de película. Mi primera idea fue crear una imagen de clara inspiración cinematográfica. Tras varios bocetos desechados, decidimos centrarnos en la idea del tiempo, que es lo que diferencia a este festival de otros: la duración concreta que poseen los mediometrajes. Desde un primer momento tenía claro que quería conseguir un diseño relativamente sobrio, con una paleta de color muy limitada pero con un alto contraste que diferenciara este cartel de años anteriores”.

GetMAD! obra de César Sebastián. Imagen cortesía de La Cabina.

GetMAD! obra de César Sebastián. Imagen cortesía de La Cabina.

«Busco la elegancia, el humor involuntario y el misterio»

Cats are paradoxes, de Pablo Amargo
Galería Pepita Lumier
C / Segorbe, 7. Valencia
Hasta el 6 de julio de 2018

Combinación de elementos de diferentes contextos que encajan a la perfección. Generación de enigmas visuales que solo el ingenio es capaz de resolver. La enorme carga de contenido de sus trazos. Fusión de imágenes resueltas con sencillez. Paradojas con diferentes niveles de significación. Planteamientos que pretenden transmitir conceptos haciendo uso de la ironía y del humor gráfico.

Así es la narrativa artística de Pablo Amargo (Oviedo, 1971). Este consolidado ilustrador, Premio Nacional de Ilustración, expone por primera vez en la galería de arte contemporáneo Pepita Lumier. El título escogido para la ocasión alude al libro publicado el año pasado, ‘Cats are paradoxes’, proyecto por el que recibió el prestigioso galardón Gold Medal por la Society of Illustrators of New York, además de otros reconocimientos como el Award of Excellence, otorgado por Communications Arts Awards, o el Bronze Award, concedido por European Design.

Medio centenar de imágenes de esta galardonada y exitosa publicación -en la que el gato es el protagonista- se exhibe junto a otras ilustraciones inéditas realizadas posteriormente por el artista ovetense. Desde el 25 de mayo hasta el 6 de julio, podrá visitarse esta exposición procedente del Museo ABC del Dibujo y la Ilustración. Con motivo de este acontecimiento artístico, aprovechamos para conocer un poco más al autor de ‘Cats are paradoxes’.

Vista de la exposición 'Cats are paradoxes', de Pablo Amargo en Pepita Lumier. Foto: Javier Martínez.

Vista de la exposición ‘Cats are paradoxes’, de Pablo Amargo en Pepita Lumier. Foto: Javier Martínez.

Eres un ilustrador dotado de un gran ingenio y así lo avalan los más de veinte premios que has recibido durante tu trayectoria artística. ¿De dónde procede esa creatividad? 

Si algo me caracteriza, sobre todo, es la constancia. Dibujo cuando estoy en soledad, en mi estudio, y ahí pruebo una vez tras otra hasta que tengo la certeza de que hay originalidad en el resultado final. Es una especie de epifanía que no sé de dónde procede exactamente, pero esa búsqueda insistente me provoca una sensación eufórica que sigo experimentando diariamente desde hace veinte años. Tras esta exploración hay un trabajo que consiste en perfeccionar el dibujo y de hallar la mejor versión posible del mismo, pero la creatividad en sí proviene de esas ganas incesantes de querer repetir esa sensación de euforia.

¿Qué pretendes transmitir con tus ilustraciones al espectador?

Si algo tengo claro de mi obra es que debe haber siempre detrás una idea que apele a la inteligencia del espectador. Que esté repleta de diferentes significados y lecturas posibles. Que sea flexible. Para mí una imagen es buena cuando es capaz de generar estas posibilidades sin la necesidad de un texto que explique su contenido.

Espectadores ante la obra de Pablo Amargo en la galería Pepita Lumier. Foto: Javier Martínez.

Espectadores ante la obra de Pablo Amargo en la galería Pepita Lumier. Foto: Javier Martínez.

En tu obra y, particularmente, en esta exposición, ‘Cats are paradoxes’, el protagonista es el gato. ¿Por qué escogiste este animal como elemento principal de este proyecto?  

Considero que los gatos tienen tres cualidades: elegancia, misterio y humor involuntario. Estas tres características son las que persigo en mis ilustraciones. En mis dibujos no solo pretendo encontrar una idea, sino también una belleza estética a través de una elegancia espiritual. El misterio se encuentra en ese proceso de búsqueda de la imagen, oculto en forma de idea y que tanto cuesta controlarla y reproducirla. Y luego está el humor como forma de diálogo con el espectador. No persigo la carcajada, más bien apelo a un humor involuntario. Me parecía interesante utilizar la figura del gato en este proyecto precisamente porque son animales cuya indiferencia producen una situación humorística involuntaria. Además, este animal genera la paradoja de mi proyecto, ya que su presencia nos invita a transitar por las habitaciones y las ruinas, pero al mismo tiempo, está ausente. Se convierte en actor y espectador, consciente de que existe una paradoja. Las ilustraciones de este trabajo son una especulación gráfica donde, por medio de la contradicción, pretendo que el espectador entre y salga del escenario. Que experimente las dos realidades y sea consciente de que un mundo es capaz de anular al otro. Así son las paradojas y, en medio de ellas, se encuentra el gato, sorprendido.

En tus ilustraciones empleas la fusión entre diferentes elementos formales generando que las formas se unifiquen en una sola unidad. ¿De dónde procede este interés?

Para mí no es tanto un ilustrador, sino más bien una obra. Hablo de un grabado del siglo XVIII, del británico William Hogarth. Fue uno de los primeros en mostrar este tipo de situaciones paradójicas que yo persigo. Su intención fue denunciar a los malos dibujantes, aquellos a los que consideraba que no sabían regirse por los cánones del dibujo, y en este grabado estableció un paisaje con diferentes situaciones donde todos los códigos estaban invertidos. Con este grabado anticipó las visiones vanguardistas, donde personajes en primer plano parecían estar relacionados con los del fondo, generando situaciones confusas y paradójicas.

Obras de Pablo Amargo de la exposición 'Cats are paradoxes', en la galería Pepita Lumier. Foto: Javier Martínez.

Obras de Pablo Amargo de la exposición ‘Cats are paradoxes’, en la galería Pepita Lumier. Foto: Javier Martínez.

Escuché en una entrevista que en muchos de tus dibujos juegas con la desmemoria; que acudes al recuerdo incompleto. ¿Cómo materializas esto en tu obra?

La desmemoria la aplico en dos niveles distintos. Por un lado, cuando tengo que ilustrar un texto que requiere una lectura previa. Ante tal exceso de información, las imágenes se encuentran muy ligadas al contenido, por lo que recurro al abandono de la lectura. Una vez desligado, acudo al recuerdo, los detalles comienzan a diluirse y comienza a emerger la originalidad visual. Es ahí cuando comienzo a plantear imágenes, fruto de la desmemoria. El otro nivel donde aplico la desmemoria es en el dibujo en sí. Yo recurro a fotografías para informarme visualmente, sin embargo, esas imágenes naturalistas tienen menos interés que las generadas a raíz del recuerdo. Opto por lo esencial de las formas y para ello acudo a la desmemoria nuevamente. Este proceso mental es el que logra proyectar la verdadera esencia del dibujo.

La revista Gràffica te concedió el Premio Gràffica 2016 y te definió como “un ilustrador que antepone la inteligencia a los fuegos artificiales, que bebe de referencias sin depredarlas”. ¿Cuáles son esas referencias?

Son muchas y dependen de cada época de mi vida. Pero desde hace mucho mis referencias no son los artistas, sino más bien las obras. Una pintura, un grabado, incluso una película. Yo persigo las sensaciones visuales y trato de ilustrarlas en ideas, sin importar el soporte de procedencia ni su autor. Actualmente, mi forma de trabajar me ha llevado a interesarme por la metafísica en un proceso de retroalimentación.

Vista de la exposición 'Cats are paradoxes', de Pablo amargo en la galería Pepita Lumier. Foto: Javier Martínez.

Vista de la exposición ‘Cats are paradoxes’, de Pablo Amargo en la galería Pepita Lumier. Foto: Javier Martínez.

El verano pasado denunciaste a través de las redes sociales que tu obra ‘The cow’ había sido plagiada. Se utilizó esta imagen para publicitar un producto alimenticio. ¿Suele producirse en el círculo de los ilustradores este tipo de casos?

Cierto, eso sucedió en China. Un ciudadano que conocía mi obra puso en mi conocimiento esta noticia. Se trataba de una bebida láctea que utilizaba como etiqueta la ilustración que has mencionado. Finalmente, el denunciante consiguió que la imagen se retirara del producto. Afortunadamente, hay personas que se implican en estos asuntos, pues el plagio es un fenómeno que sucede a diario. Hace poco me sucedió algo parecido, fue en un concurso de carteles. Un colega de la profesión me comentó que un cartel que había sido premiado en un certamen era de similares características a uno que yo había realizado anteriormente. Tras ponerme en contacto con las pertinentes instituciones, el premio fue retirado, también la cuantía económica que había recibido, además de una multa considerable y el desprestigio que conlleva un acto fraudulento de estas características.

Colaborador en revistas y prensa como The New York Times, The New Yorker, Jot Down Magazine, El País, La Vanguardia, National Geographic; has realizado carteles, libros; has participado en ferias, bienales. ¿Tienes algún proyecto en mente?

Nunca me he planteado hacer las cosas a priori, afortunadamente han ido llegando por sí solas. El siguiente libro no sé cómo va a ser y estoy ansioso por saberlo, sinceramente. Me gustaría probar la autoedición. El libro de ‘Cats are paradoxes’ está muy próximo a esta forma de trabajo, pues la editorial me permitió estar muy cerca en el proyecto. Pero me gustaría llevarlo más lejos, pues considero que los libros describen plenamente al ilustrador. Lo seguro e inamovible es que será en blanco y negro.

Pablo Amargo firmando un ejemplar de su libro, durante la entrevista con motivo de su exposición 'Cats are paradoxes', en Pepita Lumier. Foto: Javier Martínez

Pablo Amargo firmando un ejemplar de su libro, durante la entrevista con motivo de su exposición ‘Cats are paradoxes’, en Pepita Lumier. Foto: Javier Martínez

Javier Martínez

Valencia, capital Viñeta

VII Jornadas del Cómic
Mercado de Tapinería
C / Tapinería, 15. Valencia
Del 25 al 27 de mayo de 2018

El cómic es para todos la principal puerta de entrada a la lectura y para muchos la lectura preferida durante toda su vida. La combinación de imagen y texto es una fórmula idónea para plasmar historias, historietas, en una zona intermedia entre el cine y la literatura. Hace ya muchos años que el cómic dejó de ser cosa de niños para convertirse en algo muy serio, con un rico filón de creadores, ilustradores y guionistas, entre los que cada vez tienen más presencia y peso específico las mujeres. En cuanto a la temática, lo social compite con los súper héroes y la pura acción.

Para disfrute de los comicadictos el fin de semana del 25 al 27 de mayo la ciudad del Turia ha sido Capital Viñeta con la celebración de las VII Jornadas del Cómic en su ya tradicional ubicación, el Mercado de Tapinería por el que pasaron en la edición anterior más de un millar de personas. Es la gran fiesta organizada por Asovalcom, asociación sin ánimo de lucro que promueve la cultura del tebeo a través de charlas, exposiciones, talleres, etcétera,  siempre de forma gratuita. José Vicente Pellicer, Carlos Ciurana y Gonzalo Torres integran el núcleo duro del equipo, todos ellos en la cuarentena y alimentados desde la tierna infancia por los héroes del comic, sus avatares y aventuras. Todos ellos coinciden en la voluntad de brindar un auténtico homenaje a su común pasión huyendo de los salones tradicionales, donde con frecuencia la estrella está más relacionada con el mundo del cine o del entretenimiento que con el genuino tebeo.

Cartel de las VII Jornadas del Cómic del Mercado de Tapinería.

Cartel de las VII Jornadas del Cómic del Mercado de Tapinería.

Entre los actos programados, a lo largo de tres días muy intensos, destaca la charla de David Lloyd, dibujante inglés creador de la serie V de Vendetta que por primera vez viene a España a hablar de su trabajo. También estará  el serbio R.M. Guéra, residente en Barcelona desde principio de los noventa, dibujante de Scalped y de la adaptación al comic del film de Tarantino, Django desencadenado, que presentará su último título, Los malditos.

En la Batalla de Dibujantes Carlos Azagra defenderá su título por tercer año consecutivo y el taller de comic para niños será más completos. También habrá una amplia oferta de productos a través de las más de veinte tiendas que asisten.

Señal de identidad que caracteriza a estas Jornadas son sus exposiciones de arte original, cuya calidad destaca en el conjunto de la Comunidad. Este año Paco Roca y Jose Manuel Cassany presentan su obra conjunta,  La encrucijada, y Agustin Guerrero su novela gráfica, Arde Cuba que recrea la estancia del actor Errol Flynn en la isla caribeña en los años cincuenta por la que ha recibido premios en el Heroes Comic Con de Valencia y el Salón del Cómic de Donostia. Ambas muestras serán presentadas por sus autores durante las Jornadas.

La Biblioteca Valenciana, Divina Pastora y Mercado de Tapineria subvencionan el evento que cuenta con el mismo presupuesto del pasado año, al que se le saca el máximo partido. Los organizadores están muy molestos con el Ayuntamiento que, además de ignorarles aportó una importante cantidad a Heroes Comic Con y a Splash. “Si nos trataran bien podríamos ser uno de los mejores encuentros en torno al comic del país”, dice Gonzalo Torres. “Lamentamos la falta de ayuda e interés de los representantes municipales, que nunca han venido a las Jornadas y, sin embargo han apoyado eventos que no tenían nada que ver con el comic auténtico y genuino. Les pediríamos que después de siete años nos tomen en serio”.

Los mininos de las historietas son los protagonistas del  cartel de esta edición, obra del valenciano Daniel Torres, autor de Roco Vargas, Opium y Tom que comenzó a despuntar en la denominada Nueva Escuela Valenciana que surgió en los ochenta. Ha escogido como protagonistas a pequeños felinos personajes de cómic, como Pumby de José Sanchis, Garfield, Doraemon, Don Gato, Krazy Kat, y otros de carne y hueso que pululan por el barrio del Carmen y la plaza del Mercado de Tapinería.

VII Jornadas de Cómic de Mercado de Tapinería. Imagen cortesía de la organización.

VII Jornadas de Cómic de Mercado de Tapinería. Imagen cortesía de la organización.

Presentaciones

En el acto inaugural participa  el valenciano Gerard Miquel, que ha publicado con Desfiladero Ediciones, también editorial valenciana, Yo fui guía en el infierno historieta histórica protagonizada por  el botánico Cavanilles, relato  inspirado en una novela de Fernando Arias.

En el apartado de las presentaciones figura un comic a beneficio de Save The Children sobre los refugiados de dos autores valencianos, Paco Zarco y Vicente Montalbá, que participan en el comic publicado por Spaceman Project. La Fundación Divina Pastora presenta a Zarva Barroso, ganador del Premio de Novela Gráfica Social por Don Barroso y patrocina el Premio Autor Revelación del Salón del Cómic de Barcelona.

Por su parte Cristina Durán y M. A. Giner presentan El dia 3, sobre el accidente del metro de la estación de Jesús, adaptación del libro de la periodista Laura Ballester. El dibujante valenciano Mikko presenta  Tu futuro empieza aquí, que aborda las escasas oportunidades laborales de los jóvenes, junto a Josep Rural y Amelia Navarro del fanzine Saxífono.

Varios autores españoles que  trabajan para el mercado americano ofrecerán una charla. Son: Natacha Bustos (Spiderwoman, Moon Girl & Devil Dinosaur), Daniel Acuña (X-Men, Capitán America) y Sergio Dávila (Conan The Slayer).

También participa en las Jornadas el madrileño Keko que empezó a dibujar en revistas como Madriz, Totem o Nosotros somos los muertos, publicando obra propia como Cuatro botas o La isla de los perros y ha dibujado guiones de Antonio Altarriba:  Yo, asesino y El perdón y la furia.

La editorial zaragozana GP Ediciones presenta sus novedades con  Azagra, Encarna Revuelta, Ertito Montana y Daniel Viñuales.

Y Anabel Colazo su obra, Encuentros cercanos, nominada en el salón del Cómic de Barcelona a mejor novela gráfica de autor revelación y mejor obra de autor español. El guionista Juan Torres y el dibujante Jaime Martínez hablan sobre la adaptación al comic de la serie El Ministerio del Tiempo.  Por último,  los valencianos Santi Selvi y el dibujante Zarzo presentan su obra didáctica, Gauss. El príncipe de los matemáticos.

VII Jornadas de Cómic de Valencia en el Mercado de Tapinería. Imagen cortesía de la organización.

VII Jornadas de Cómic de Valencia en el Mercado de Tapinería. Imagen cortesía de la organización.