Conociendo a Javirroyo

Encuentro con Javier Royo
Video entrevista
Confinados Covid19

Javier Royo, etiquetado como humorista gráfico, nos concede unos momentos en estos tiempos de pandemia para descubrir mejor su obra y a él mismo.

Abierto, sincero y dispuesto a no dejarse abatir por ninguna piedra del camino, Javier Royo consigue causar un gran furor entre el público ¿su secreto? La síntesis; nos confiesa que, en una sociedad capaz de visualizar más de cien imágenes por minuto, aquello que marca es lo directo, los trazos sencillos que él mezcla con textos.

Javirroyo – My Charm School
Ilustración de Javirroyo

Sus primeros pasos se inician en un barrio obrero de Zaragoza, devorando comics infantiles, hasta que llegaron a sus manos las páginas underground de los años 80, donde violencia, sexo y drogas, son los protagonistas. A los 23 años, ya pudo subsistir de sus ideas y proyectos y, a día de hoy, ha conseguido ser editor en El Estafador, dirigir la empresa de vinilos decorativos Chispum, escribir 15 libros y dar forma al vegetal más peligroso de todos los tiempos: La Cebolla Asesina.

La cebolla asesina #3 (Subterfuge Comix)
La cebolla asesina. Cómic nº3. Javier Royo Espallargas

Últimamente, su arma principal reside en las ilustraciones; considera que se trata de un arte emergente y que aún no ha llegado a su pico más álgido, pero que ya empieza a tener mucho peso en el mundo del arte. Dichas ilustraciones se suelen inspirar en la actualidad, destacando por la forma de despertar a la población a través del ingenio; critica aquello que no considera justo con el humor, cuyos límites se encuentran en el contexto, en la ética y en la moral: “el humor reside en el plano cultural, hay que saber cuándo utilizarlo, y la única norma que me autoimpongo es que siempre tiene que ir a por los de arriba, nunca utilizarlo contra las minorías, contra los desfavorecidos y, en ningún momento, atentando contra los derechos humanos”.

Javirroyo: «Los hombres somos víctimas del patrón de macho que nos ...
Ilustración de javirroyo en su libro Homo Machus.

Para él, el universo artístico está plagado de definiciones y atributos que pueden provocar un estancamiento en la trayectoria de un artista. Según Javier “un artista tiene que sentirse feliz con lo que realiza, independientemente que sea por encargo o por cuenta propia, ambos forman parte de su día a día”. Y es que, en esta realidad dinámica, engullida por la tecnología, rebosante de publicidad e imágenes, a un artista ya no se le puede colgar la etiqueta de genio o artesano, ha ido evolucionando hasta lo que podría ser una hibridación. Por otra parte, nos subraya la importancia de una formación teórica en todos aquellos que se van a dedicar a la creación de arte, pues «solo si conoces a los grandes, puedes aprender de ellos y acabar creando tu propio estilo«.

Como pincelada final, nos subraya la importancia de las redes sociales en su trabajo, así como la débil línea entre utilizarlas, y acabar siendo súbditos de ellas. También se dirige a aquellos artistas principiantes para darles un pequeño consejo: se pueden perder muchas cosas con el paso de los años, pero la imaginación y la creatividad son un bien que nunca desaparece; hay que pasear por las ciudades con determinación y autoestima, creyéndonos capaces de todo, aunque los edificios se vayan derrumbando por los lados. Como manifestó Javier Royo antes de finalizar la videoconferencia, al mirarnos al espejo tenemos que pensar: “Encantado de haberme conocido”.

Tamara Pérez

Todo sobre (mi) Berlanga

Trayectos (des)esperanzados: de ‘París-Tombuctú’ (Luis García Berlanga) a ‘Todo sobre mi madre’ (Pedro Almodóvar)
XIX Jornadas de Historia y Análisis Cinematográfico
Cátedra Luis García Belanga de la Universidad CEU Cardenal Herrera
Palacio de Colomina
Almudín 1, València
Lunes 8 y martes 9 de diciembre de 2019

Elías Durán, decano de la Facultad de Humanidades y Ciencias de la Comunicación de la Universidad CEU Cardenal Herrera, inauguró las XIX Jornadas de Historia y Análisis Cinematográfico, organizadas por la Cátedra Luis García Berlanga, un proyecto que lleva varios años en pie y que pretende dar a conocer la vida y obra de Luis García Berlanga, intentando llegar a todas las generaciones posibles mediante el análisis y la comparación de sus películas con otras de directores de su misma generación, en particular, y del cine español, en general.

De izquierda a derecha: José Luis Moreno, Elías Durán, Juan Viña y César Martí. Fotografía: Eva Min.

Las jornadas contaron con personalidades como César Martí, director de contenidos de À Punt Mèdia; José Luis Moreno, director adjunto de Audiovisuales y Cinematografía del Institut Valencià de Cultura; Juan Viña, presidente de la Fundación Cañada Blanch; los analistas cinematográficos y miembros de la revista Trama y Fondo Jesús González Requena (Universidad Complutense de Madrid) y Luis Martín Arias (Universidad de Valladolid); Toni Cantó, actor y político; Rafael Maluenda, cineasta y gran conocedor de la obra de Berlanga; Javier Rioyo, periodista, escritor y cineasta, actual director del Instituto Cervantes de Tánger; y Julián Núñez, ayundante de dirección de Berlanga y Almodóvar, entre otros.

El cineasta Rafael Maluenda durante su conferencia. Fotografía: Eva Min.

Durante el acto inaugural, Juan Viña, a partir de la interrogante «¿Cuándo un trabajo se convierte en obra de arte?», que él mismo planteó, señaló que «yo, que vengo del campo de la ciencia, se me ocurrió formular esta pregunta, y para su difícil respuesta pensé en la originalidad, porque esta originalidad capta la imaginación; la segunda característica de la obra de arte es que perdura en el tiempo, y la tercera es que nos permita y nos haga ver el mundo del cine y de la ciencia».

José Luis Moreno indicó, por su parte, que «Berlanga, aparte de ser internacional e universal, es el dios del cine valenciano», y estimó que la presente temática de las jornadas eran, además, un magnífico «preámbulo antes de empezar a preparar el centenario de su nacimiento en 2021». Moreno, además, dio a conocer tres acciones que tiene pensadas para el IVC: docencia con talleres, seminarios y actividades, conferencias («hacer que el esfuerzo en el análisis de cine aumente, lo que hará que salgan nuevas interpretaciones»), proyectos científicos («mediante la exposición de la vida y obra de Luis García Berlanga») y los productos audiovisuales donde se proyectarán documentales.

Si durante las jornadas la mayoría de ponentes hablaron de las dos grandes películas del cine español protagonistas de estas –’Todo sobre mi madre’ (Pedro Almodóvar, 1999)’ y ‘París-Tumbuctú (Luis García Berlanga, 1999)’–, Jesús González Requena profundizó en la primera, haciendo un análisis minucioso de la figura de la madre y, de esta forma, de la ausencia del padre.

Jesús González Requena realizando su comparación y análisis durante las jornadas. Fotografía: Eva Min.

«Si es todo sobre mi madre, simultáneamente, es nada sobre mi padre. Para que pudiera haber algo para el padre habría que restar algo al todo originario de la madre. Sería necesario, en suma, que se produjera el complejo de Edipo, el proceso por el cual el individuo sale de esa relación originaria para nacer como persona independiente».

Por otro lado, hablemos de ‘La cuestión del padre o el padre en cuestión’. Así tituló su conferencia Begoña Siles, directora de la Cátedra Berlanga, en la que realizó una comparación entre las dos películas que se trataron en el evento, apuntando que «la sexualidad está relacionada con la soledad; soledad que queda manifestada maternalmente y en el todo para el otro».

De este modo, «dos universos y trayectos donde la paternidad y el propio marido son epidemias. Ante este eclipse, es la presencia materna, en su protagonismo femenino, quien toma las riendas. Por tanto, la herida abierta de la muerte del hijo que dio lugar al trayecto se cierra con este nuevo hijo, llenando el hueco, protagonizando esta película, el título (‘Todo sobre mi madre’), donde nada falte sobre ella y su hijo. Es ese goce femenino el que se enfrenta a la cultura patriarcal».

Además, Siles comenta que «el miedo que aparece en el cartel de Osborne al final del filme ‘Paris-Tombuctú’ está vinculado con la dialéctica del goce femenino y los valores de la sociedad moderna y, a su vez, relacionado con el surrealismo de autores como Buñuel, Dalí o Ramón Ramírez de la Serna. La sociedad le tiende las trampas suficientes para que se produzca el suicidio individual o colectivo».

Begoña Siles, directora de la Cátedra Berlanga, y Salva Torres, miembro de Trama y Fondo y director de MAKMA, durante la presentación de la ponencia. Fotografía: Eva Min.

Finalmente, como no podía ser de otra manera, acaba su ponencia con el concepto de lo berlanguiano: «Aquello que convierte las películas en crónicas de un fracaso».

Otro de los principales invitados a estas jornadas fue Toni Cantó, actor y político español, actual portavoz de Ciudadanos en Les Corts Valencianes, quien se siente un privilegiado por haber tenido una estrecha relación con Berlanga y por haber vivido una experiencia unida con Almodóvar, quien, según sus palabras, «es un director que está pendiente de todo y de todos para que absolutamente todo vaya como él quiere y que nada ni nadie se quede sin ese vistazo».

El mundo de la interpretación y de la política son tan distintos que ha sido muy curioso de sobrellevar y que no ha acabado de entender. Cuando entró en el Congreso por primera vez, en calidad de diputado, estaba haciendo una obra de teatro, de la que destaca una frase: «Los actores tenemos la memoria en los pies (poner el texto en pie, practicarlo), y ni los políticos podían entender qué hacía en un teatro ni los actores podían comprender qué hacía en el Congreso de los Diputados».

Sin embargo, nunca ha abandonado ninguno de ambos. De hecho, Cantó expone que »es difícil conseguir que el público aplauda hasta levantarse y que, si es así, ese es el mayor espectáculo que el actor puede llevarse consigo».

Toni Cantó, junto a José Enrique March (CEU), durante su ponencia. Fotografía: Eva Min.

Además, endulzó su charla mediante diversas anécdotas, una de las cuales tenía a una mosca como accidental protagonista de uno de sus planos en ‘Todo sobre mi madre’, hecho que provocó que el director manchego hiciese más caso al insecto que a su propia interpretación: «En aquel momento, a Almodóvar le encantó ese detalle, ya que la muerte estaba sobrevolando a mi personaje, y eso fue algo que valoró mucho».

Para acabar, durante el turno de preguntas, comentó que se deberían introducir materias vinculadas con la escena y la interpretación en la educación: »¿Por qué no me dieron danza en vez de educación física? ¿Habría conseguido un vehículo de expresión del que ahora carezco? Lo más grande que me ha brindado el teatro es ir conociéndome mejor a mí mismo, porque no puedes entrar en un personaje si no sabes cuál es tu persona y tu propio carácter. Lo mágico y lo bonito de la interpretación funciona cuando no estás tú y está el personaje. Sale solo, no sabes cuándo. Introduzcamos las artes y la cultura de forma más decidida y confiemos en quienes saben».

Finalmente, los #EncuentrosCañadaBlanch, patrocinados por la Fundación Cañada Blanch, contaron con la figura del periodista y cineasta Javier Rioyo, quien vino ex profeso a las jornadas desde Tánger –ciudad en la que es director del Instituto Cervantes, tras su paso por las sedes de Nueva York y Lisboa– para conversar en torno de ‘Luis García Berlanga: un mal español’.

«Yo vivo de lo que he visto, vivido y viajado. ‘Un mal español’ se me ocurrió cuando supe que acudiría a estas jornadas para hablar de Berlanga», indicó Rioyo, quien empleó irónicamente este apelativo sobre el director valenciano a propósito de la conocida respuesta del dictador Francisco Franco tras visionar ‘El verdugo’. Y es que Berlanga –quien participó con su testimino sobre la División Azul en el documental ‘Extranjeros de sí mimos’ (Javier Rioyo y José Luis Linares, 2000)– “era un ilustrísimo liberal, un hombre que no había negado nada de su pasado aunque parecía poco ejemplar. Era un hombre muy interesante, muy cercano, un guarro limpio, afectuoso sin ser ninguna pegajoso, educado sin pasarse, divertido sin contar chistes, generoso sin tener un duro, un intelectual antipedante. Era vanidoso disfrazado de gente elegantemente sencilla, sin esfuerzos, elegancia natural en sus formas, dubitativo con una ametralladora cargada, desigual, inquieto por casi todo, republicano y burgués liberal».

Javier Rioyo, junto a Jose Ramón Alarcón (MAKMA), durante un instante de su intervención. Fotografía: Eva Min.

Rioyo cuenta que Buñuel dijo, en varias ocasiones, que después de ver películas sería cineasta, y que Berlanga pronunció las mismas palabras después de leer ‘Don Quijote de la Mancha’, que fue ahí cuando pensó que el cine merecía la pena. A pesar de su proximidad generacional, inquietudes y amistad, sus caminos fueron muy alejados.

En cuanto a su relación profesional con el guionista Rafael Azcona, Rioyo considera que «Berlanga, en soledad, habría hecho cosas espléndidas, pero junto Azcona ha hecho cosas espectaculares». De este modo, si «lo que hace Valle-Inclán con el teatro es modelar un espejo cóncavo del Callejón del Gato y, después sale el esperpento, en el caso de Berlanga-Azcona es lo mismo: la realidad que trataban en sus películas era lo que pasaba en la calle».

En ese sentiddo, «Fernando Fernán Gómez también pertenece a esa tribu heredera de España de actuar en la vida y en las películas; la picaresca es nuestra manera de contar nuestro siglo más lujoso, donde el Imperio, con la miseria al lado, era lo más absoluto, así como parte de la pintura española y pintura negra, humor negro». Por otro lado, «Berlanga era un gran lector, no solo del español, sino también de otros idiomas como el francés. Un ilustrado».

Para concluir su intervención, Javier Rioyo compartió con el público una anécdota seria con un toque de humor, como habría hecho Berlanga. Cuenta que, hace unos años, durante unas ponencias con motivo del 50 anviersario de ‘¡Bienvenido, Mister Marshall!’, en las que participaba junto a Berlanga, José Luis García Sánchez y Luis Alegre, entre otros, recibieron la noticia del fallecimiento del cineasta Juan Antonio Bardem («Bardem y Berlanga se querían y se odiaban», matizó Rioyo). Al escuchar la noticia, Berlanga se quedó bloqueado, pero, de repente, pronunció las siguientes palabras: «Vámonos a algún sitio a ver el partido, que juega el Valencia».

«Sin hablar durante los 90 minutos para no pensar en ello, haciendo como que veía el partido, haciendo no sé qué y no sé cuántos… Ahí me di cuenta de que ese también era Berlanga: ‘¡Joder, tengo miedo! ¡Se acaba de morir y yo no quiero morir!’. Cuando ya había hecho la última película, y parecía que no iba a rodar más, se propuso a sí mismo buscar una nueva producción, todavía quiso seguir trabajando y seguía teniendo esas ganas de contar cosas y ver y escuchar a gente que también las contaba. Echaba de menos un mundo y se dio cuenta de que le pertenecía y ya no lo tenía: sus amigos, sus mujeres, el humor berlanguiano, Berlanga…», concluyó Rioyo.

Estudiantes de Comunicación Audiovisual de la UCH-CEU durante un instante de las jornadas. Fotografía: Eva Min.

Epílogo a unas jornadas, un año más, llenas de historias y anécdotas contadas en primera persona, que dejan huella en profesores, ponentes, oyentes y, sobre todo, en generaciones de alumnos que están estudiando para llegar a ser como nuestro cineasta valenciano por excelencia o, al menos, que se acercan cada día un poco más a la profesión. Una profesión llena de avatares y experiencias inolvidables que culminan en planos subjetivos, porque ¿qué mejor manera de expresar lo que siente el personaje desde su propio yo? ¿Acaso los futuros cineastas no van a sentir en sus pieles lo que alguna vez ha sentido ese personaje? ¿Acaso Berlanga no ha contado la realidad española desde su humor más interior? ¿Acaso el futuro cinematográfico no está en manos de los grandes emprendedores que aprenden observando y copiando a los grandes?

Irene Valdés

Tomás Gorria, un tipo con ingeniosa grafía

Lloc de paraules, de Tomás Gorria
Col·legi Major Rector Peset
C/ Forn de Sant Nicolau, 4. Valencia
Hasta el 19 de mayo de 2019

De sus inicios como “agitador cultural” en Malahierba le queda ese punto socarrón que diríase corre por sus venas desde la más temprana infancia. “Creo que desde que tengo aquello que se decía uso de razón, recuerdo la fascinación que han ejercido en mí las palabras”. Una fascinación que sigue incólume y que se manifiesta en ese brillo que adquieren sus pupilas mientras va narrando sus peripecias, como si fuera Tintín en América, el Tíbet o el Congo, rodeado de una selección de sus trabajos de las tres últimas décadas. Fascinación que agita por dentro la coctelera de su bulliciosa mente.

Vista de la exposición 'Lloc de paraules', de Tomás Gorria. Foto: Makma

Vista de la exposición ‘Lloc de paraules’, de Tomás Gorria. Foto: Makma

Hablamos de Tomás Gorria, diseñador gráfico que dice haber practicado “el intrusismo en el mundo del periodismo cultural”, trabajando para diversos medios de comunicación, al tiempo que se adentraba en la creación literaria, el vídeo o la fotografía. No presume de haber sentado cátedra en ninguno de ellos, pero viendo el medio centenar largo de piezas que muestra en la Sala de la Muralla del Col·legi Major Rector Peset, destaca poderosamente la atención su ingenio para retorcer las palabras y extraer de ellas un jugo que, fiel a su propio espíritu creativo, da mucho juego.

De ahí, por otro lado, el título de la exposición: Lloc de paraules. “Lloc en tanto lugar y en tanto sonido que remite al joc del juego”, explica Gorria, mientras ultimaba aspectos de la muestra inaugurada este pasado viernes con una tipeuà incluida. “Es una fideuà, pero hecha con sopa de letras”, dice, para rematarlo con una breve descripción de la misma: “Tiene la textura del arroz, pero el sabor del fideo”. No sólo eso, sino que semejante elaboración da pie al consumo de cierto conocimiento: “Te puedes comer el Ulises de Joyce o El manifiesto comunista de Marx”. Del sabor al saber por obra y gracia de su nutritiva y enriquecedora tipeuà.

Imagen de Tomás Gorria en la exposición 'Lloc de paraules'. Foto: Makma

Imagen de Tomás Gorria en la exposición ‘Lloc de paraules’. Foto: Makma

Así las gasta Tomás Gorria, con esa mezcla de ingenio y humor entre ácido y peterpanesco, fruto de lo que él insiste en denominar “fascinación por el diseño gráfico, por los juegos de palabras y aquello que se ha denominado ludolingüística (aforismos, anagramas, palíndromos)”. Lo dice en el vinilo a modo de maqueta con su foto encabezándolo que abre la muestra y que ha titulado, de nuevo jugando con las palabras, El texto sentido, en alusión a la famosa película de M. Night Shyamalan, El sexto sentido. Y al igual que en este largometraje del director indio, el niño protagonista decía que en ocasiones veía muertos, Gorria lo que no deja de ver son palabras danzando que él coreografía para dibujar un baile portentoso.

En la exposición, que estará en el Col·legi Major Rector Peset hasta el 19 de mayo, se podrán ver carteles relacionados con actividades culturales diversas, aludiendo a cuestiones políticas y sociales, o simplemente manifestando su ingenio sea cual esa el trasfondo del mensaje. También hay un collage de revistas por él maquetadas y un buen número de objetos que viene a completar el mapa creativo de su chispeante trabajo. Por ejemplo, un reloj cuyas manecillas van en sentido contrario, pero que al reflejarse en un gran espejo devuelva la hora normal, dispuesto para que la gente se haga selfies entre cuerdos y alocados.

Imagen de Tomás Gorria en la exposición 'Lloc de paraules'. Foto: Makma

Imagen de Tomás Gorria en la exposición ‘Lloc de paraules’. Foto: Makma

El diseño de la exposición, así como la producción de la misma es cosa enteramente suya: “Así recogida tiene cierto corpus y coherencia”, señala quien se refiere a la única pieza expresamente elaborada para esta muestra, la dedicada a la palabra Toros. “Compré en Internet los tipos móviles de madera de la imprenta Ortega, con la que se hacían los carteles taurinos de Valencia y que son de principios del siglo XX, y con ellos hice la composición”. Se trata de una edición limitada de diez ejemplares que juega con la palabra todos, dando lugar a otros y rotos, “pero que también puede convertirse en torso, porque es una palabra que tiene combinaciones varias”. “Son pruebas de imprenta, hechas de manera artesanal, pero que lógicamente pueden hacerse mejor”, añade.

“Me gustan mucho los palíndromos [palabras o frases que se leen igual hacia delante que hacia atrás]”. Bastarán dos ejemplos: “Nada somos, Adán” o “Sara, lo vi, serías aire si volaras”. También hay marcas con las que Gorria juega para dotarlas de una carga más explosiva, como Women Strike, en lugar de los cigarrillos Lucky Strike, o Disseny Landia, en lugar de Disneylandia. Y así sucesivamente, porque Lloc de paraules es como una montaña rusa en la que el espectador siente el vértigo al que le induce cada una de las obras. “En el diseño gráfico es importante usar imágenes que estén en la memoria colectiva de la gente”, subraya Gorria.

Obras de Tomás Gorria en la exposición 'Lloc de paraules'. Foto: Makma

Obras de Tomás Gorria en la exposición ‘Lloc de paraules’. Foto: Makma

El texto sentido finaliza con esta puntualización: “Esta muestra pretende ser un modesto resumen de todas estas actividades e intrusismos diversos, a la vez que una retrospectiva de mi trabajo como diseñador gráfico y editorial, de oficio de maquetador curioso”. Curiosidad que traslada igualmente a las camisetas “de contenido tipográfico para frikis” expuestas en otro apartado, cuya marca ‘Sam Arreta’ sigue en esta onda expansiva, y al video que cierra la exposición titulado La sombra de las letras, en el que recoge fotos antiguas del siglo XIX de rótulos de Valencia ya desaparecidos. Todo ello bien agitado en la coctelera de una exposición que retrata a Tomás Gorria como lo que es: un tipo con ingeniosa grafía.

Tomás Gorria, junto a algunas de sus obras. Foto: Makma

Tomás Gorria, junto a algunas de sus obras. Foto: Makma

Salva Torres

Bajo el mismo techo que Juana Macías

‘Bajo el mismo techo’, de Juana Macías.
Los Preestrenos de Kinépolis
Festival de Cinema de Paterna Antonio Ferrandis
Cines Kinépolis
Heron City-Paterna, Valéncia
Febrero de 2019

El estreno de ‘Bajo el mismo techo’, dirigida por Juana Macías y protagonizada por Silvia Abril y Jordi Sánchez, tuvo lugar el pasado día 1 de febrero de 2019 en los Cines Kinépolis. La comedia narra los sinsabores de una separación, que si bien deja patente los más comunes desacuerdos, Macías los eleva a la enésima potencia con gags y tópicos en los que el espectador se reconoce fácilmente.

Imagen: cortesía de Universia. Cartel promocional de 'Bajo el mismo techo'

Imagen: cortesía de Universia. Cartel promocional de ‘Bajo el mismo techo’

La directora utilizará como eje central para construir su fantasía la problemática por todos conocida, como fenómeno de la burbuja inmobiliaria. Es más, comenta que está basada en lo que nos ha pasado en los últimos años, tanto como sociedad como individualmente, ya que destaca conocer a varios matrimonios en una situación similar a la que se muestra en la película.

Este punto de partida contará con un sinfín de elementos que orquestan un caos falsamente abrazado con la utilización de un humor fácil y desenfadado, como ente liberador y, en ocasiones, canalizador de tensiones, mostrando un espejo que devuelve nuestro reflejo desacralizado. Y para reírse de uno mismo, pocos actores podrían encarnar mejor este papel que los protagonistas, de quienes la directora contesta que resultó muy fácil y divertido trabajar con ellos, ya que, al conocerse de otros papeles, la química y la conexión a la hora de  trabajar creó un ambiente más desternillante si cabe. Además, puntualiza que si bien cada uno cuenta con sus propios métodos de estudio, la mezcla resulta excelente y acompasada.

Imagen: cortesía por Filmafinitty. Fotograma de rodaje del film, en que encontramos a los protagonistas con la directora.

Imagen: cortesía por Filmafinitty. Fotograma de rodaje del film, en que encontramos a los protagonistas con la directora.

Otro de los puntos significativos radica en la actualidad y en la inmediatez, e integra profesiones actualmente en auge, como el mundo de los creadores de contenidos online, ya que, como bien dice Macías, resulta necesario aportar visibilidad y seriedad a propuestas laborales que antes no podíamos ni siquiera soñar, destacando la necesidad de una apertura de mente frente al futuro inmediato.

Más allá de la problemática que desarrolla el metraje, resulta interesante ahondar en dos temas recurrentes, como es la visión del cine español tanto desde el punto de vista del espectador, como de los propios cineastas y, por otro lado, la problemática de género, en cuanto al reconocimiento de los profesionales del cine.

Si bien es cierto que frente al cine español siempre ha existido la creencia de que sus temáticas se encallan dentro de dramas sociales con cierto carácter sexualizado, debemos remarcar que no es cierto, puesto que existen metrajes de una calidad altísima. Es más, con el reconocimiento que en la actualidad están alcanzando tanto actores como actrices a nivel internacional, debería hacernos dudar sobre esta premisa inicial.

Al preguntarle a Macías, ella alega que el cine español se encuentra en continuo crecimiento, hablando de una expansión de varios géneros como el thriller, el drama y, evidentemente, la comedia. También hace hincapié en la apertura del cine español a grandes producciones y, por supuesto, un inevitable cambio generacional, lo cual viene cargado de nuevas propuestas frescas y actualizadas.

Imagen: cortesía de Juana Macías Detalle en la rueda de prensa

Imagen: cortesía de Juana Macías Detalle en la rueda de prensa

En cuanto a las cuestiones de género (y ante un año bastante convulso y reivindicativo en toda la industria cinematográfica), resultaba totalmente necesario abordar esta situación, ya que pertenece a un cambio que apuesta por productoras femeninas, y la necesidad de la creación de proyectos ambiciosos dirigidos por mujeres. Si bien es cierto que nos hallamos en un recorrido arduo y, en ocasiones, difícil, cada vez existen más mujeres guionistas, más temáticas de igualdad y, como Juana Macías defiende, el cine crea referentes.

Y este será uno de los puntos claves dentro de la asociación de mujeres cineastas a la que ella pertenece, impulsando y creando pluralidad en los puntos de vista, otorgando voz y dando visibilidad a un amplio abanico de ejemplos. El público ríe, llora, crece, teme ,y sobre todo, reflexiona. El cine tiene esa capacidad de trasladarnos muy lejos de nuestros asientos, con la intención de contribuir a la formación de conciencias bien amuebladas y, fundamentalmente, hacernos felices, entretenernos y liberarnos de nuestras preocupaciones mundanas.

Victoria Herrera

Andy Multitalento Chango

Andy Chango. El hombre nada
Clan Cabaret
C / Capitán Segarra, 16. Alicante
Sábado 26 de enero de 2019

Andy Chango invitó a una hora de inteligencia en Clan Cabaret de Alicante. El argentino con su último espectáculo, ‘El hombre nada’, dejó humor del bueno sobre el escenario acompañado por su inseparable órgano electrónico.

Un personaje multitalento, más propio de la época renacentista, que narró su vida bien escrita con fina ironía. Chango demostró una vez más que tiene una lucidez ebria inabarcable. Desencajó al publico alicantino sumido en la directa carcajada.

Andy Chango. Sala Clan Cabaret de Alicante.

Andy Chango. Sala Clan Cabaret de Alicante.

Un espectáculo recomendable sin duda. El monólogo que combina con música y sus andares optimistas de un lado al otro del escenario proporcionaron una obra de teatro mordaz y muy divertida.

El hombre nada se ríe de todo y todos se ríen con el hombre nada. Andy Chango como artista es un género en sí mismo que no tiene desperdicio, consigue zafarse de lo políticamente correcto y realizar una obra de verdad, con alma.

Andy Chango a su paso por la sala Clan Cabaret de Alicante. Foto: Lorena Riestra.

Andy Chango a su paso por la sala Clan Cabaret de Alicante. Foto: Lorena Riestra.

Rockero, escritor, músico, cantante, showman televisivo y además argentino. Habló de lo que importa y de lo que no con sabiduría existencial, dejando encantado a los espectadores y con las ganas de que el show durara un poco más.

Mucha suerte Flaco, esperamos volverte a ver pronto.

Andy Chango

Andy Chango como ‘El hombre nada’. Sala Clan Cabaret de Alicante.

Raúl Bartleby

Al Anochecer, 20 años después, en Rambleta

Al Anochecer, de Juli Disla, dirigida por Sergio Caballero
Con Pablo Díaz del Río y Helena Font
La Rambleta
Bulevar sur, esquina Pío IX. Valencia
Del 19 al 21 de octubre de 2018

Son él y Ella. Sin nombres propios. Un hombre y una mujer solos en el escenario, convertido para la ocasión en un vertedero por obra y gracia de Sergio Caballero, director de Al Anochecer, la obra de Juli Disla que cumple 20 años en plena forma. “A nivel de contenido mantiene su vigencia, porque es una historia que de los griegos a Shakespeare cuenta lo de siempre: los miedos que arrastramos, miedo a amar y a ser amados”, explica el director de un espectáculo coproducido por Rambleta y la propia compañía valenciana al Anochecer Producciones.

Pablo Díaz del Río y Helena Font en 'Al anochecer'. Imagen cortesía de Rambleta.

Pablo Díaz del Río y Helena Font en ‘Al anochecer’. Imagen cortesía de Rambleta.

Él y Ella, es decir, Pablo Díaz del Río y Helena Font, intérpretes de Al Anochecer y responsables de la propia compañía, que se fijaron en el texto de Disla porque reflejaba sus vivencias como actores, productores y personas de en torno a los 35 años. A Caballero le propusieron dirigir la obra y éste aceptó gustoso porque el texto de Juli Disla “engloba muchas cosas”, señala quien “ante todo” es actor. “Lo de director lo he ido practicando, pero me considero principalmente actor”.

Al Anochecer es uno de los primeros textos de Disla, con el que ganó el Premi Micalet de Teatre y el Premio Ciudad de La Laguna. “Forma parte de aquella dramaturgia valenciana a la que se ha ayudado poco para empujarla”, y de la que Caballero se hace ahora cargo introduciendo algunos cambios. “El texto de Juli tiene una parte poética que al actor se le puede hacer difícil. Yo lo que he hecho ha sido suspender esta historia en el tiempo, donde no existe nada más que ellos”. Su intención es que fuera una “cosa real, pero no realista”.

Pablo Díaz del Río y Helena Font en 'Al anochecer'. Imagen cortesía de Rambleta.

Pablo Díaz del Río y Helena Font en ‘Al anochecer’. Imagen cortesía de Rambleta.

La historia de “dos seres exiliados del mundo, que anhelan y temen por igual amar y ser amados” cuenta a su vez con proyecciones audiovisuales, “que  narran el paso del tiempo en los cinco actos que dura la obra”. Para Sergio Caballero, el encanto de la función “está en la necesidad del tú y yo solos”, en medio de ese vertedero elegido por el director para contextualizar esa “tierna historia de amor y humor”. “No más dramas, que la vida ya nos pega suficientes golpes”, añade.

Él y Ella, tú y yo solos. “No tienen nombres porque así se universaliza la historia. Pueden ser dos hombres o dos mujeres”. Lo importante para Caballero era contar los sentimientos de dos seres “que necesitan de la noche para esconderse”. De ahí el título Al Anochecer, “A poqueta nit, en valenciano, más poético y que se refiere a ese momento del día en que ellos se pueden mostrar más fácilmente cuando hay poca luz”. Y añade: “Son como dos animalillos que buscan salir de la penumbra y crear algo”.

Helena Font y Pablo Díaz del Río en 'Al anochecer'. Imagen cortesía de Rambleta.

Helena Font y Pablo Díaz del Río en ‘Al anochecer’. Imagen cortesía de Rambleta.

Los 20 años transcurridos desde la creación del texto obligan a pensar en los cambios introducidos en esa relación por la irrupción actual de las redes sociales.  “Nos planteamos el hecho de los móviles, porque ahora parece que tienes que estar localizado y siempre sonriente, pero me interesaba visualizar los colores y el aroma de esa relación sin elementos perturbadores”. Redes sociales de las que huye el director por entender que ofrecen un mundo al que aspiramos “porque es lo que vemos y luego, cuando estás a solas en casa, el vacío emocional es más fuerte”. “Vivimos en una sociedad de la buena imagen”, remarca.

El vertedero donde transcurre la obra es metáfora de la necesidad “de vaciar para llenar de nuevo”. También de cierto acto purificador: “Bajar la basura todos los días es necesario, porque, si no, se acumula y huele”. A Sergio Caballero, ahora en À Punt interpretando a un extraño individuo en la serie de ficción La Vall, le gusta salir de la zona de confort y arriesgar. “Es bueno equivocarse. El fracaso frustra cuando quieres llegar a todo el mundo”. Al Anochecer se presenta en Rambleta, 18 años después de triunfar en el Teatro Rialto. Una buena oportunidad de revisitar una obra dramática “que engancha por su sentido del humor”, concluye Caballero.

Sergio Caballero dirigiendo a Pablo Díaz del Río y Helena Font en 'Al anochecer'. Imagen cortesía de Rambleta.

Sergio Caballero dirigiendo a Pablo Díaz del Río y Helena Font en ‘Al anochecer’. Imagen cortesía de Rambleta.

Salva Torres

“Es una mirada crítica de lo valenciano desde el humor”

La forastera, de Óscar Bernácer
Albena Produccions en colaboración con Nakamura Films para À Punt Media
Agosto de 2018

El pasado mes de julio los habitantes del pequeño pueblo de Segart, donde en invierno apenas residen unas 30 personas, cercano a Gilet y Albalat dels Tarongers  en plena Calderona, se vieron sorprendidos por la invasión de un grupo de peliculeros que ocuparon sus calles, plazas y la farmacia. Casi un centenar de personas, entre el  equipo técnico y  los 17 actores y actrices que,  bajo la dirección del  cineasta Óscar Bernácer intervienen en una de las series estrella de ficción que veremos la próxima temporada en À Punt.

La Forastera es un producción para Àpunt Mèdia de Albena Produccions en colaboración con Nakamura Films, firma  integrada por Jordi Llorca y el propio Bernácer, autor de varios cortos y documentales como  El hombre que embotelló el sol en torno a la figura de Pedro Zaragozá, el legendario alcalde de Benidorm. También es el realizador de Cuineres i cuiners, una serie gastronómica en la que el chef Ricard Camarena recorre las mejores cocinas de la Comunidad Valenciana.

La forastera, de Óscar Bernácer. Fotografía de Laura Amado.

La forastera, de Óscar Bernácer. Fotografía de Laura Amado.

“La Forastera cuenta la historia de Lola, la actriz María Maroto, que regresa a Valencia tras una larga estancia en Barcelona en compañía de su pareja, un catalán de pura cepa interpretado por Ángel Figol y descubre que su madre se ha ido a vivir a un pueblo, Serrabella”, dice Bernácer. “Allí conoce a José, interpretado por Jordi Ballester, con el que surge una relación de amor-odio. Su llegada desencadena una serie de situaciones y conflictos a través de los cuales el argumento plantea los contrastes entre los urbanitas y el ambiente rural, y también una mirada crítica sobre la identidad de los valencianos desde la ironía y el humor”.

María Mínguez, Patricia Pardo y Rafa Ferrero participan como guionistas junto a Bernácer en esta comedia de peripecias entre romántica y de tópicos inspirada en un hecho histórico que los productores prefieren mantener en secreto. A lo largo de cinco semanas se rodaron ocho capítulos de entre 45 y 50 minutos de duración. Los campos de cerezas de Gátova fueron otro de los escenarios elegidos. Intervienen en el reparto: Victoria Salvador, Enric Benavent, Jordi Ballester, Àngel Figols, María Juan, Silvia Valero, Raquel Piera, Juansa Lloret, Álvaro Báguena, Talia Bohoyo, Manuel Climent, Sergi Giménez, Teresa Soria, Neus Agullò, César Tormo, Juli Disla, Pep Sellés, Amparo Bàguena, Juli Cantó, María Zamora, Jordi Aguilar.  Los más jóvenes debutan como profesionales en esta serie.

La forastera, de Óscar Bernácer. Imagen cortesía del autor.

La forastera, de Óscar Bernácer. Imagen cortesía del autor.

Lola, la protagonista es una joven y ambiciosa empresaria con un osado proyecto en mente. Un desafortunado incidente la deja en el paro y acaba en un pequeño pueblo del interior sin cobertura ni gimnasios, donde es recibida con cierta suspicacia. Es la forastera. Aunque al principio le cuesta adaptarse al ambiente acaba descubriendo los encantos de la vida rural y sobre todo el verdadero amor representado por un joven agricultor con el que acabará encontrando una segunda oportunidad.

“Nuestro objetivo es conseguir un producto que guste a todos los públicos y sirva para normalizar algunos temas que se han convertido casi en tabú”, comenta Bernácer. “Aunque el ambiente es rural, la serie no tiene nada que ver con L’Alqueria Blanca. La acción se desarrolla en plena actualidad con referencias a la cuestión del Procés y el independentismo catalán”.

Sobre el efecto revitalizador que À Punt puede tener sobre el audiovisual valenciano, Bernácer se muestra cauto: “Todo el mundo está remando a favor pero hay que mejorar el proceso de producción. Hay que luchar para que se estabilicen las cosas”, concluye el cineasta, que ya tiene en proyecto su primer largometraje.

Óscar Bernàcer (1978) es guionista, director y productor. Es coguionista  del largometraje Reset y el documental Las dos orillas. Dirigió los cortometrajes Las zapatillas de Laura y Desayuno con diadema ,que cuenta el despertar de dos cincuentones tras una noche loca, que suman más de cincuenta premios y menciones entre las que destacan la candidatura al Goya y la nominación al Meliés d’Or. Como guionista también ha trabajado en la serie  Bon dia, bonica. Su penúltimo trabajo  de ficción, Bikini abre las puertas a Benidorm y el hombre que embotelló el sol, documental acerca del boom turístico en España a través de la figura de su polémico alcalde Pedro Zaragoza.

Óscar Bernácer, en el centro, director de La forastera. Imagen cortesía del autor.

Óscar Bernácer, en el centro, director de La forastera. Imagen cortesía del autor.

Bel Carrasco

El independentismo como comedia

La Revelación: Nueva Nuncajamás
Sala Russafa
C / Dénia, 55. Valencia
Del 7 de diciembre de 2017 al 7 de enero de 2018

Los personajes nacen de un creador, pero luego toman vida propia y le olvidan, en busca de nuevas aventuras que éste nunca imaginó, o en manos de autores distintos, que les meten en otras tramas. Es lo que los americanos llaman un spin off. Y lo que Chema Cardeña ha realizado en la nueva producción de Arden y Sala Russafa, ‘La Revelación: Nueva Nuncajamás’, que el teatro de Ruzafa estrena el próximo 7 de diciembre y mantendrá en cartel todas las fiestas, como apuesta fuerte en la programación navideña.

“El año pasado disfruté mucho dando forma a esos Peter Pan y Campanilla maduritos, atrapados en un país en el que nada puede crecer, como la Neverland que imaginó J.M Berrie. Me servían como metáfora del panorama político, con las divisiones internas, la falta de empatía y trabajo en común, la ausencia de madurez en nuestros dirigentes”, recuerda el autor, actor y director de escena sobre el espectáculo ‘Viaje a Nuncajamás’.

La Revelación: Nueva Nuncajamás. Imagen cortesía de Sala Russafa.

La Revelación: Nueva Nuncajamás. Imagen cortesía de Sala Russafa.

La pieza fue todo un éxito las pasadas navidades, agotando las localidades en varias de las funciones, y sirvió para completar su Trilogía Cuentos Políticos, en la que también se incluían ‘Alicia en Wonderland’ y ‘Buscando al Mago de Oz (Oh, EurOZpa!)’, versiones libres y para adultos de clásicos infantiles con los que tratar desde el humor asuntos candentes, como la falta de oportunidades para los jóvenes o la crisis europeísta.

Sin embargo, una vez caído el telón, los protagonistas de ‘Viaje a Nuncajamás’ han seguido llamando a la imaginación de Cardeña. “Era demasiado tentador dejarles intentando construir un nuevo estado, como acababa la obra, sin fantasear sobre cómo les hubiera afectado lo que ha ocurrido en estos doce meses. Las cosas han cambiado mucho, se han desgastado tanto conceptos como nacionalidad, independencia, estado o democracia, y se han vivido situaciones con un punto tan puramente absurdo, que la comedia ha nacido prácticamente sola”, explica el director y dramaturgo.

Así ha surgido ‘La Revelación: Nueva Nuncajamás’, un spin off en el que temas como monarquía, república, independentismo, nacionalismo, corrupción, testigos de juicios que fallecen oportunamente y, por supuesto, el dilema catalán, son vistos desde un prisma absolutamente humorístico. “No pretendo juzgar ningún posicionamiento ideológico, solo poner sobre las tablas lo que ha ocurrido y cómo ha ocurrido, evitando la polarización”, señala el dramaturgo. La acción arranca cuando uno de los diferentes reinos que componen Nuncajamás decide independizarse. ¿Cómo reaccionará el resto, qué solución aportará el Capitán Garfio?

Durante un mes, desde el jueves 7 de diciembre y hasta el 7 de enero, incluyendo una función especial por Nochevieja, puede disfrutarse de esta ácida comedia que sigue la estela de su predecesora, con una puesta en escena trepidante y deslenguada, apoyada en vídeo proyecciones y con la música en directo de La Banda de los Piratas, formada por David Campillos, José Montoro y Johnny B. Zero, que toca versiones de clásicos de pop internacional como The Beatles, Bowie o Madonna.

La Revelación: Nueva Nuncajamás. Imagen cortesía de Sala Russafa.

La Revelación: Nueva Nuncajamás. Imagen cortesía de Sala Russafa.

El equipo artístico se completa con un elenco formado por el propio Cardeña, Juanjo Benavent, José Doménech, Juan Carlos Garés, Rosa López, Iria Márquez, Darío Torrent, Raquel Ortells y Jaime Vicedo. Son los encargados de vida a sorprendentes versiones de Wendy, Peter Pan, Campanilla, La Sirena, el Capitán Garfio, Coco Drile, El Indio y el Señor Smee, a los que se suma algún otro personaje, una de las sorpresas de este montaje.

“Pensamos que la gente que vio el anterior espectáculo va a divertirse mucho, pero también los que se acerquen por primera vez a este particular Nuncajamás, porque todo el mundo puede identificar situaciones de la vida real y ¿quién no tiene ganas de reírse, después de tanto drama?”, concluye el autor y director de la pieza.

La República satírica de Manuel Flores

Adéu al futur. Un homenatge a la República, de Manuel Flores
Colegio Mayor Rector Peset
Plaza del Horno de San Nicolás, 4. Valencia
Hasta el 14 de septiembre de 2017

Manuel Azaña, en su discurso de 1937 en el Ayuntamiento de Madrid, se pregunta por la visión que tendría de España un ser inteligente proveniente de otro planeta, por ejemplo de Sirio. Y refiriéndose a esa inteligencia, pone en duda la nuestra: “Quiero suponer que viene de otro planeta, porque lo que es en el nuestro el número de hombres inteligentes ha disminuido de forma alarmante, y no es seguro encontrarlos con facilidad cuando se trata de examinar el problema de España”. Manuel Flores, echando mano del humor y dejando de lado el dramatismo que encierran las palabras de Azaña, ofrece en la Sala la Muralla del Colegio Mayor Rector Peset su visión de tan convulsa República.

Ilustración de la muestra Adéu al futura, de Manuel Flores. Imagen cortesía del Rector Peset.

Ilustración de la muestra Adéu al futura, de Manuel Flores. Imagen cortesía del Rector Peset.

“Azaña maneja cierto sentido del humor con un fondo dramático. Yo huyo de ese fondo, de esa imagen típica de confrontación, aunque haya existido, para distanciarme de ella con un toque de humor”, dice el autor de las 39 ilustraciones satíricas que dan forma a la exposición Adiós al Porvenir. Tomando como referencia las cartas del propio Manuel Azaña e inspirándose en el humor gráfico de la época, Flores da cuenta de una época “que se está tratando de revisar y de demonizar”.

¿Demonizar? ¿No hay también cierta Republicolatría? “Hablamos de una época convulsa y muy complicada a nivel europeo, con movimientos muy radicalizados”, explica el artista que lleva en una carpeta algunas de las revistas de época en las que se inspira: Gutiérrez y Gracia y Justicia. “Esa forma de dibujar está próxima a mi propia manera de hacerlo”. Y cita a humoristas como K-Hito, Tono o Mihura, de los que resalta precisamente su brillante faceta como ilustradores. De ellos y muchos otros se ha nutrido Flores para realizar sus dibujos llenos del color, que ya destacaba en aquellas ilustraciones de los años 30, junto a cierto constructivismo y cubismo de sus imágenes.

Cartel de la exposición Adéu al futura, de Manuel Flores. Imagen cortesía del Rector Peset.

Cartel de la exposición Adéu al futura, de Manuel Flores. Imagen cortesía del Rector Peset.

Quién sabe si influido por el hecho de haber nacido un 18 de julio (“quizás”, asume con ironía), Manuel Flores ha ido investigando en torno a la República quitándole ese aire de confrontación para centrarse en el humor: “Quería huir de la sangre y de la violencia que tanto daño nos ha hecho”. Y así, con esa distancia satírica y caricaturesca, “poner en valor todo lo que de bueno proporcionó la República: la posibilidad de votar por parte de la mujer, la educación, los avances sociales”. Porque, añade, “parece que hubo una sola República y sin embargo hubo otras en los diferentes periodos, incluso bajo gobierno de la derecha”.

Flores se hace cargo de todas ellas y se atreve a decir que él aceptaría la República “aunque estuviera al frente alguien de derechas”. En la exposición, trata en todo caso de “reproducir aquel ambiente en tono jocoso”. Ambiente que él caracteriza como de acoso “desde el primer minuto a Azaña”. Por eso lo recrea poblado de ”títeres” que están “dándose cachiporrazos unos a otros”. De hecho, el combate y la confrontación atraviesa el conjunto, como lo atraviesa la serie de intelectuales y humoristas de los que se hace eco en sus dibujos: Miguel de Unamuno, Edgar Neville, Miguel Mihura, Jardiel Poncela, José López Rubio, Antonio de Lara ‘tono’ y Ricardo García ‘K-Hito’.

Ilustración de la muestra Adéu al futura, de Manuel Flores, en el Colegio Mayor Rector Peset.

Ilustración de la muestra Adéu al futura, de Manuel Flores, en el Colegio Mayor Rector Peset.

‘Adéu al futur’ posee un aire carnavalesco y gozoso que viene a servir de homenaje a los 80 años de la República, precisamente ahora que se conmemora igualmente el discurso de Azaña un 18 de julio en la Universitat de València. Las ilustraciones forman a su vez parte del libro editado por la editorial Media Vaca, germen de la exposición, cuyos editores Vicente Ferrer y Begoña Lobo son también sus comisarios. El Rector Peset acogerá la muestra hasta el 14 de septiembre, a cuyo acto de clausura está previsto que acudan la escritora Rosa Regàs y Jesús Cañete, de la Universidad de Alcalá de Henares, coproductora de la exposición que ya fue presentada en su claustro.

“El montaje aquí es distinto, por las propias dimensiones de la Sala de la Muralla y porque se incluyen partes de los textos de Azaña, con un tipo de letra semejante al de las máquinas de escribir de la época”. Para Flores, estas ilustraciones salidas de las páginas del libro y ahora colgadas en sendas exposiciones suponen un reconocimiento a su trabajo que no hubiera imaginado al principio: “Esto me supera”, afirma quien parece enmendarle la plana a Antonio Machado cuando dice en uno de los textos del ejemplar de Media Vaca: “Los españoles somos naturalmente reaccionarios, no porque estemos siempre enamorados de lo viejo, sino porque nuestra posición firme es siempre contra algo”. La República dibujada por Manuel Flores huye de ello, reflejándolo con humor.

Ilustración de Manuel Flores. Imagen cortesía del Rector Peset.

Ilustración de Manuel Flores. Imagen cortesía del Rector Peset.

Salva Torres

Circuito Café Teatro, dos meses más de risa

Circuito Café Teatro
Diferentes locales de Valencia
Diciembre de 2016 y enero de 2107

Esa mezcla tan deseada que te hace estallar y liberar tus endorfinas. La Risa. ¿Cómo definirla? “Ese balbuceo lúdico, instintivo, contagioso, estereotipado y de control subconsciente o involuntario, que rara vez se produce en soledad”. Todos sabemos a qué nos referimos y lo saludable que es pasar por ella todos los días.

Pues os avanzamos que en Valencia tienen esa valorada fórmula pero en lugar de guardarla la comparten con todo el que quiera asistir al Circuito Café Teatro.

Para todos aquellos que os sintáis algún día de malhumor o con una seriedad extrema fuera de lo normal, el Circuito te ofrece el mejor remedio compuesto por: 0% estrés, 20% ingenio y 80% extracto de risa.

Esta cotizada fórmula podrás conseguirla por sólo 6€ de jueves a domingo en diferentes locales de Valencia y pueblos como Manises, Torrent, Almàssera, Xirivella o Massanassa.

En esta segunda programación, que abarca los meses de diciembre y enero, podrás ver monólogos, espectáculos de improvisación y magia cómica.

Manu Baeza. Imagen cortesia de Circuito Café Teatro.

Manu Baeza. Imagen cortesia de Circuito Café Teatro.

Desde Sevilla, el cómico Manu Baeza con mucha impro y su humor cercano, nos trae su monólogo ‘Manual de un soltero’ donde abordará el misterioso mundo de las relaciones amorosas.  Desde Madrid, llegan Raúl Fervé, considerado como uno de los cómicos con mayor proyección dentro del circuito nacional de comedia. y Dani Alés, guionista y cómico en Comedy Central.

Pau Blanco, cómico y actor valenciano, regresa al Circuito con su espectáculo ‘Posa’m un barrejat’ donde hará un recorrido del pasado, presente y futuro a través de sus 15 años en la compañía Purna Teatre.

Habra Kadabra.

Paco Hernández y Pere Rafart con su espectáculo Habrá Kadabra? Imagen cortesía de Circuito Café Teatro.

Habrán dos nuevas propuestas de magia cómica. El valenciano Mag Ruben Aparisi presenta ‘Hago chas…y Aparisi a tu lado’ donde a través de objetos cotidianos conseguirá crear en el público emociones que durarán más allá del espectáculo. Y desde Manresa, Paco Hernández y Pere Rafart llegan con una sugerente propuesta donde fusionan la magia, monólogo y música. Un espectáculo mágicamente divertido ‘Habrá Kadabra?’.

Y el estilo improvisación viene de la mano de la compañía valenciana Subit! con ‘Noche de Impro’. Sus ingredientes principales son: un papel donde escribes lo que quieras, un cubo donde se depositan los papeles, una mano inocente, una propuesta, unos actores y… 3… 2… 1… Impro!

Como siempre, cómicos de Valencia Comedy están presentes en la programación.  En esta ocasión estarán en los meses de diciembre y enero estarán Oscar Tramoyeres, Alex Martínez, Pablo Carrascosa, Rafa Alarcón y Jesús F Manzano.

Ya puedes consultar la agenda en www.circuitocafeteatro.com y seguirlos en las redes sociales  Facebook y Twitter.

Raúl Fervé. Imagen cortesía de Circuito Café Teatro.

Raúl Fervé. Imagen cortesía de Circuito Café Teatro.