Un políptico de sabores se lleva el Mardel

IV Convocatoria de Pintura Mardel
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 13 de noviembre de 2016

El Centre del Carme de Valencia acoge hasta el próximo 13 de noviembre la exposición de la IV Convocatoria de Pintura Mardel, con el apoyo del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana. Mardel es un proyecto sin ánimo de lucro, cuyo objetivo es ayudar y promocionar a jóvenes artistas. Esta iniciativa pretende dar la oportunidad a los creadores de mostrar su trabajo y acceder a una ayuda a través de premios concedidos desde un jurado cualificado e independiente, ya sea en metálico o facilitando la difusión y el conocimiento de su obra.

La convocatoria está dirigida a artistas entre 18 y 40 años, y en ella se concede un premio (dotado con 4.000€) y tres accésit. “Este año hemos decidido conceder cuatro accésit ante el éxito de la convocatoria y la calidad de los artistas que se han presentado. La exposición en el Centre del Carme muestra las obras de los 30 finalistas, entre los más de 200 proyectos que se presentaron”, explicó Amparo Martínez, en representación de la Fundación.

El jurado ha estado compuesto por José Luis Pérez Pont, director gerente del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana; Nuria Enguita Mayo, directora de Gens Centre d’Art Valencia y editora de la revista Concreta y curadora, y por Bruno Leitao, director curatorial de Hangar – Centro de Investigación Artística de Lisboa y director del proyecto Cuatorial Clube. Como miembro del jurado, Pérez Pont señaló que “el premio busca la experimentación en el ámbito de la pintura y en este sentido las obras que hemos seleccionado van dirigidas a generar un concepto más amplio de la misma”.

Políptico de sabores, de Misha Bies Golas. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Políptico de sabores, de Misha Bies Golas. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Premios

Durante la presentación de la muestra, se dio a conocer el fallo del jurado. La obra ‘Políptico de sabores’ del artista gallego Misha Bies Golas ha sido la ganadora de esta IV edición del Premio de Pintura Mardel.

La pieza, que toma la forma de un cartel de helados, hace un ejercicio crítico acerca de la autoría de la obra de arte y, como explicó el propio artista, “el políptico de sabores habla de un pintor que aborda la pintura con sumo respeto, desde lejos, más que con miedo a mancharse, con miedo a meterse en un terreno sagrado”.

Doble paño de Verónica, de Luciana Rago. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Doble paño de la Verónica, de Luciana Rago. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Asimismo, los cuatro accésits han recaído en las obras: ‘Doble paño de la Verónica’, de la artista argentina afincada en Madrid, Luciana Rago; ‘Señales de humo’ del alicantino Pablo Bellot; ‘Cambio flúor por fama’, del valenciano Carlos Peris; ‘The evidence’, de la artista andaluza afincada en Valencia, Marina Iglesias.

Señales de humo, de Pablo Bellot, Imagen cortesía del Centre del Carme.

Señales de humo, de Pablo Bellot, Imagen cortesía del Centre del Carme.

En su obra, Luciana Rago parte de una investigación sobre pinturas canonizadas por la Historia del Arte que tiene como punto de partida la ‘Santa Faz’ (1931) de Zurbarán. Por su parte, Pablo Bellot presenta una instalación en la que muestra el estado de descomposición en la que se encuentra la sociedad y el hartazgo que le produce.

Cambio flúor por fama, de Carlos Peris. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Cambio flúor por fama, de Carlos Peris. Imagen cortesía del Centre del Carme.

El valenciano Carlos Peris hace una reinterpretación de la pintura en la que “cambia fluor por fama”, una reflexión sobre el sector artístico valenciano en clave de humor.

The Evidence, de Marina Iglesias. Imagen cortesía de Centre del Carme.

The Evidence, de Marina Iglesias. Imagen cortesía de Centre del Carme.

Inspirada en los fotogramas cinematográficos, Marina Iglesias en su obra ‘The evidence’ muestra unos cuerpos semienterrados y postrados en el suelo que presentan una ambigüedad: parecen ser más bien muñecos o maniquíes cuyas caras rotas se funden con el suelo, una escena que invita a ser completada en la mirada del espectador.

El resto de artistas seleccionados y cuya obra puede visitarse también en el Centre del Carme son: Gil Gijón, Aaron Sanroman, Saskia Rodríguez Araña, Manuel Antonio Suárez, Luis San Sebastián, Ángela Cuadra Casas, Juan Jose Valencia, Yann Leto , Jose Luis Cremades, Roberto Guille, Jesús Herrera Martínez, Ángel Masip, Alejandra de la Torre, Bell Fulllana, Asensio Martínez Soler, Juan Luis Fernández González, Quique Ortiz, Rubén M. Riera, Kepa Garraza Álvarez, Alexis Hernández, Cristina Santos Muniesa, Iker Lemos, Víctor Melia de Alba, Luisa Pastor, Pau Sellés Alós.

Pliegue engomado, conspiración en papel

‘Conspiración’. Presentación del fanzine «Papel Engomado» nº9
Galería pazYcomedias
Plaza del Patriarca 5, Valencia
Viernes 15 de abril de 2016, a las 19h

Como parte de las actividades paralelas a la exposición ‘La diezmillonésima parte del cuadrante del meridiano terrestre’, de Antoni Abad, Galería pazYcomedias os invita a la presentación del nº9 del fanzine «Papel Engomado» que se celebrará en la galería el jueves 9 de abril a las 19h.

‘Conspiración’ es el último número de Papel Engomado, un fanzine cuyo formato es una cajetilla de tabaco intervenida. Seriada, Papel Engomado ve la luz cada tres meses con una tirada de 100 ejemplares. Su espíritu es joven, artístico y colaborativo.

Cada número es dirigido por un artista que contacta con otros compañeros de profesión para que, a partir de los conceptos y fundamentos de su práctica artística, los colaboradores realicen una obra que pueda ofrecer otro enfoque a la labor creativa que desempeña el director. Enfoques que se traducen en pequeñas piezas donde tan importante es el pliegue, como la idea.

Mesa de conspirada edición de trabajo de Papel Engomado. Fotografía cortesía de la galería.

Mesa de conspirada edición de trabajo de Papel Engomado. Fotografía cortesía de la galería.

La edición de Papel Engomado que verá por primera vez la luz en pazYcomedias es el número 09. Dirigido por Aguado, tiene como título ‘Conspiración’, e invita a que repensemos la sociedad tal y como la conocemos. La conspiración es una alternativa frente al discurso hegemónico imperante, construye un nuevo sistema de pensamiento y percepción de la realidad cuestionando las harto conocidas “versiones oficiales”. El arte se vuelve entonces una herramienta válida y potente para hacer frente a los agotados discursos de los mass media, revelados como grotescas prolongaciones del poder.

Los artistas participantes en este nuevo número son: Escif, Luan Mart, Toni Signes, Juan Sánchez, Gloria Rossi, Joaquín Artime y el propio Vicente Aguado.

El equipo editorial de Papel Engomado lo conforman: Joaquín Artime, Adassa Santana, Estefanía Salas, Laia Leonart y Gil Gijón.

Imagen del fanzine 'Conspiración', último número de Papel Engomado. Fotografía cortesía de la galería.

Imagen del fanzine ‘Conspiración’, último número de Papel Engomado. Fotografía cortesía de la galería.

 

Nacho Martín Silva, Premio Mardel 2015

III Premio de Pintura Mardel
Las Cigarreras Cultura Contemporánea
C/ San Carlos, 78. Alicante

El jurado del Premio de Pintura Mardel 2015, compuesto por Javier Díaz Guardiola, Begoña Martínez Deltell, José Luis Pérez Pont y Sergio Rubira, ha resuelto conceder el premio a Nacho Martín Silva, por su obra «Degradé after S.T.W», y destacar a cuatro artistas con un accésit: Gil Gijón Bastante por «Primera comunión»; José Luis Cremades por la obra «Todos los colores»; Rubén M. Riera por «De-venir»; Ángel Masip por «Meteorismo II».

Mardel logo

 

Premio de Pintura Mardel 2015: Nacho Martín Silva
Degradé after S.T.W, retoma el primer frame de la conocida obra de la artista británica Sam Taylor-Wood, Still life (2001), para reflexionar en torno a la relación entre las disciplinas artísticas a través de los tiempos, la relación entre los modelos y su representación y los conceptos de creación y destrucción.

Nacho Martín Silva. Degradé after S.T.W. Óleo y decapante sobre lino, 31x61 c/u. Cortesía Mardel.

Nacho Martín Silva. Degradé after S.T.W. Óleo y decapante sobre lino, 31×61 c/u. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Gil Gijón Bastante
Sus mas recientes trabajos consisten en reproducciones de antiguas fotografías rescatadas de álbumes familiares, utilizando únicamente el polvo y la pelusa del entorno privado de las personas representadas como materia prima para realizarlos. La razón de emplear el polvo doméstico reside en su composición. Cada partícula que lo forma procede tanto de restos orgánicos, como piel y cabello de las personas que viven ahí; como de restos inorgánicos de los objetos que tenemos en nuestras viviendas: fibras de alfombras, ropas y otros textiles, suciedad arrastrada de la calle bajo nuestros zapatos, polución del ambiente, etc. Con ello el artista pretende recuperar de alguna manera esa estratigrafía efímera del inexorable transcurrir del tiempo que representa el polvo y modelarla en busca de una autentica re-presentación, a la vez presentación y representación, con el uso del retrato y las fotografías (para traer al presente tanto a las personas como los recuerdos de estas) y hacer presente a dichas personas, a través de los restos que quedan de ellas en el polvo. El polvo queda convertido de esta manera en una metáfora esencial de la destrucción, del paso del tiempo y de la ruina. Un resto que ya no puede ser fragmentado más y que es empleado para volver a re-crear a la persona cual ave Fénix a partir de su propia materia. El desencadenante para hacer ver al espectador que está viviendo y respirando la memoria; que sus huellas se mezclan con tantas otras ya pretéritas, en un eco eterno.

Gil Gijón Bastante. Primera comunión. Polvo sobre PET, 150x105 cm. Cortesía de Mardel.

Gil Gijón Bastante. Primera comunión. Polvo sobre PET, 150×105 cm. Cortesía Mardel.

 

Accésit: José Luis Cremades
Cremades aborda la pintura desde la abstracción, pues considera que, como decía Carl Theodor Dreyer, la abstracción es esencial para el artista, porque le permite franquear las barreras que el naturalismo le impone y además hace que su obra deja de ser solamente visual, sino también espiritual. Rechazando los regímenes del mimetismo artístico y buscando los modos de abordar las cuestiones escatológicas a través de medio de la pintura opto por un estudio de las soluciones y estrategias pictóricamente abstractas y deliberadoras, alterando sus propios mecanismos y estructuras. Pero siempre partiendo de la experiencia y evolución técnica, ya que su obra artística no trata de reflejar la realidad sino las sensaciones y sentimientos de una persona que se enfrenta a ella. Con su obra trata de introducir en la conciencia del espectador las imágenes que apelan de modo directo a sus emociones y afectos para trascenderle a este campo del pictórico aislamiento abstracto, sin que el artista pretenda preestablecer significados. Es donde el público de modo absolutamente libre y autónomo crea su propia narración para las obras que, parafraseando a Nietzsche, son un puente y no una meta.

José Luis Cremades. Todos los colores. Acrílico sobre lienzo, 81x61 cm. (x12). Cortesía Mardel.

José Luis Cremades. Todos los colores. Acrílico sobre lienzo, 81×61 cm. c/u. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Rubén M. Riera
Entre lo visible y lo cegador, como dualidad propia de la luz, Riera articula este proyecto en el que busca ampliar los límites de lo pictórico. Investiga en la búsqueda de modelos alternativos de configuración de lo visible y de cómo los márgenes de la representación se diluyen en el diálogo con el espacio. Con esta obra hace una reinterpretación de las posibilidades visuales que hay en los elementos primarios que configuran lo que entendemos por lenguaje pictórico. Existe una vuelta a los orígenes de la que se sirve para desdoblar la representación y cuestionar la realidad. El artista afirma que «Pintura es también, lo único que realmente somos incapaces de ver».

Rubén M. Riera. De-Venir, 2015. Spray y acrílico sobre polietileno transparente y bastidor de madera, 195x163 cm. Cortesía Mardel.

Rubén M. Riera. De-venir, 2015. Spray y acrílico sobre polietileno transparente y bastidor de madera, 195×163 cm. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Ángel Masip
En este trabajo se establece un juego a través de la propia semántica del término y la confusión que este pueda generar; tal y como habitualmente sucede con la experiencia artística y su análisis conceptual, bajo la exigencia de establecer una deconstrucción analítica de la práctica artística tradicional como reflejo de un pensamiento anacrónico. En la obra, la necesidad de esta renovación viene simbolizada bajo la figura de un meteorito informe, reforzado bajo la estructura dogmática que lo soporta. En este baile de símbolos se pone de manifiesto la contraposición conceptual sobre la idea de representación, así como el cuestionamiento de la percepción y de los modelos estéticos; a menudo la experiencia individual nos puede empujar a cuestionar los paradigmas mentales a través de los cuales se asientan estos conceptos. En este caso, la percepción queda confundida por exceso, rozando efectos casi fotográficos, tal vez truncada por las reminiscencias al graffiti urbano y el uso de los materiales periféricos de toscos acabados.

Ángel Masip. Meteorismo II. Capas sucesivas de tinta pigmentada y veladas con spray plata sobre papel. Cortesía Mardel.

Ángel Masip. Meteorismo II. Capas sucesivas de tinta pigmentada y veladas con spray plata sobre papel. Cortesía Mardel.

Pincha aquí para consultar la lista completa de artistas seleccionados en la III edición del Premio de Pintura Mardel.

Vista parcial de la exposición, con los trabajos seleccionados en la convocatoria del III Premio de Pintura Mardel, en Las Cigarreras.

Vista parcial de la exposición, con los trabajos seleccionados en la convocatoria del III Premio de Pintura Mardel, en Las Cigarreras (Alicante).

Recta final de A Quemarropa

Residencias A Quemarropa
Parking Gallery
Bailén, 15. Alicante
Horario: de 10:00 a 14:00 h. y de 17:00 a 20:00 h.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

11 artistas conforman el equipo de residentes de este proyecto que vuelve a las instalaciones de Parking Gallery, tras el éxito de la primera edición. Dos semanas de convivencia, experiencia y formación, Residencias A Quemarropa fomenta la gestión y la difusión de la creación artística, esta convocatoria regresa ante la necesidad de seguir generando un proyecto artístico que permita el diálogo, el debate y la cooperación intergeneracional entre diferentes agentes del arte: artistas, curadores, críticos, galeristas y coleccionistas de toda España.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

En su segunda edición, la organización tiene el propósito de hacer del proyecto una plataforma de apoyo que fomente las redes entre los artistas participantes y el sector profesional invitado. Este año el proyecto de Residencias A Quemarropa se expande en la ciudad, Parking Gallery, El Claustro, Hostal San Roque, La Sede Universitaria ciudad de Alicante, Freaks Arts Bar Benalúa, The October Press entre otros, ampliando en tres los campos de trabajo: 1ª la residencia llevada a cabo en la Parking Gallery y el Hostal San Roque, 2ª Charlas y conferencias abiertas al público y 3ª A Bocajarro festival de vídeo con la participación de algunos de los artistas colaboradores.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

La residencia este año está formada por 10 proyectos artísticos, los artistas que van a compartir la galería Parking Gallery como espacio de trabajo donde mostrar y defender su obra: Misa Shine, Polyphone (Elsa Chardon y Clara Blein), Mari Sol Maza, Jorge Isla, Diana Velasquez, Juan Carlos Rosa Casasola, Gil Gijón, Marco Prieto, María Platero, M. Reme Silvestre. Artistas que muestran su obra a profesionales del mundo del arte tales como: Miguel Ángel Hernández, Isabel Durante, Olivier Collet, Begoña Martínez, Massimo Pissani, Johana Caplliure, Martín Lejarraga, Javier Duero, Eugenio Ampudia, Aurelio Ayela, Isaac Montoya, Javi Moreno, Eduardo Infante entre otros. Como novedad el Hostal San Roque acoge a los residentes del 20 de julio al 31 de julio.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

Paralelo al desarrollo de la residencia A quemarropa, el programa «Abierto al público» ofrece una serie de charlas y conferencias en torno al desarrollo y gestión de espacios alternativos y colectivos que trabajan de manera independiente como AB9 y Home Session, o la ponencia “La comida en la obra de Rosalia Banet” donde la artista aborda la relación que establece entre alimentación y sociedad.

«A bocajarro» es un festival de vídeo-arte que acompaña las actividades programadas en El Claustro de San Nicolas, desde el 24 de julio se proyectan 7 obras audiovisuales realizadas por artistas vinculados al proyecto de las residencias: Aurelio Ayela, Arántzazu Ros, Eduardo Infante, Kribi Heral, Joaquín Artime, Juan Fuster y Saúl Sellés.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

Al igual que el año pasado se celebrará una exposición con todos los residentes en Espacio Trapézio (Madrid) manteniendo así un vínculo de trabajo para los artistas entre las dos ciudades, Alicante y Madrid.

Estas son las próximas actividades abiertas al público:

-Jueves 30 de Julio
2ª parte de visionado de portfolios A QUEMARROPA.
A las 20.00 h la segunda Tanda  de los participantes de Residencias a quemarropa 2015 nos revelan los entresijos de su trabajo artístico, conoce de primera mano quienes son A QUEMARROPA 2015.
Marco Prieto – Mari Sol Maza – Poliphone  – Misa Shine – M Reme Silvestre

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

-Viernes 31 de Julio
Fiesta final RESIDENCIAS A QUEMARROPA
Un encuentro con formato expositivo para disfrutar de la compañía de los residentes de forma distendida y con música en directo.

Además la residencia es visitable a diario para que el público de a pie pueda conocer la dinámica del proyecto.

+INFO

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

La Mar… de ideas

Mar-Mar, exposición colectiva multidisciplinar
Octubre Centre de Cultura Contemporánia
C / Sant Ferran, 12. Valencia
Hasta el 8 de enero de 2015

Hay dos maneras de enfrentarse al paisaje, la naturaleza o, en el caso que nos ocupa, a la mar. Una, digamos imaginaria, es concebirlos como lugares amables donde uno puede recuperar la tranquilidad, el sosiego y, por qué no, hasta el alma que las prisas diarias nos roba. Una especie de placebo para el desgastado y maltratado cuerpo. La otra, más arrebatada, concibe esa naturaleza como un espacio embravecido en consonancia con esa otra naturaleza interior que ansía más de lo que la vida cotidiana ofrece. Algo así, por emular a Umberto Eco, como si habláramos de apocalípticos e integrados con respecto al paisaje, la mar o el mundo.

Obra de Blanca Montalvo en 'Mar-Mar'. Octubre Centre de Cultura Contemporània.

Obra de Blanca Montalvo en ‘Mar-Mar’. Octubre Centre de Cultura Contemporània.

En la exposición ‘Mar-Mar’, organizada con motivo del festival ciudadano Mostra Viva y comisariada por Amparo Carbonell, se reúnen artistas de ambas tendencias. Los hay integrados con esa naturaleza, a la que toman por objeto de su obra, para mostrar cierta poética marina, ya sea mediante el trabajo del medio técnico empleado (pintura, fotografía, instalación, video) o empapándose del runrún de sus mediterráneas aguas. Y los hay apocalípticos, denunciando el ultraje perpetrado contra el medio ambiente o reflejando el desgarro interior que provoca adentrarse en los peligros de sus fondos marinos.

Obra de Germán Torres en 'Mar-Mar'. Octubre Centre de Cultura Contemporània.

Obra de Germán Torres en ‘Mar-Mar’. Octubre Centre de Cultura Contemporània.

Hay sin duda poesía, nostalgia de esa mar forjadora de sueños románticos. Como en el caso de Blanca Montalvo, que desde su ventana observa la gradual transformación lumínica del mar con pasmosa obsesión, diríase que absorta por el magnetismo y atracción que ejerce el vaivén de esas aguas. Otro tanto sucede con los trabajos de Germán Torres o Giorgia Partesotti, que se zambullen en ese Mediterráneo para extraer cierta memoria, quién sabe si ligada al líquido amniótico del que procedemos. De la memoria se ocupa igualmente Luis Urquieta, con sus fantasmales fotografías digitales, temblorosas ante el paso del tiempo.

Obra de Luis Urquieta en 'Mar-Mar'. Octubre Centre de Cultura Contemporània.

Obra de Luis Urquieta en ‘Mar-Mar’. Octubre Centre de Cultura Contemporània.

También hay crítica, perplejidad e incluso imágenes kitsch o esperpénticas. Neus Lozano e Isaac Senchermés lo hacen mediante una fotografía de asueto playero en un espacio árido, (des)encarnado, mezcla de relax estival y contaminación. Pepe Romero se lleva la casa a cuestas para mostrar esa doblez entre la plácida vista frente al mar y su pesada carga inmobiliaria. José Luis Cueto se limita a constatar los diferentes habitantes de ese Mediterráneo, que en la playa del Lido en Venecia simbolizan modernidad y tradición en tenso diálogo. Ainhoa Salas y Guillermo Lechón se encargan de reunir pinturas, objetos y videos para poner en solfa la vida disoluta de ese turismo galopante que convierte la mar en una sopa de letras de difícil digestión.

Obra de Neus Lozano en 'Mar-Mar'. Octubre Centre de Cultura Contemporània.

Obra de Neus Lozano e Isaac Senchermés en ‘Mar-Mar’. Octubre Centre de Cultura Contemporània.

De la exploración del medio se hacen cargo Pepa L. Poquet, Julio Sosa, Rocío Vicent y Jaume Chornet, entre otros. Poquet utiliza un proyector de transparencias para mostrar  sus microrrelatos en torno al agua; imágenes sepia de viejos fotogramas. Sosa se apropia del mar para deconstruir su fluidez hasta dar con el alma pictórico fotográfico de sus aguas. Vicent convierte los cabellos entrelazados en un mar de dudas para la percepción, dotando al cuerpo de naturaleza propia acompasada con los ritmos de la mar. Chornet hace arqueología marina mediante el trabajo escultórico del esqueleto de cierto cetáceo que habita en el Mediterráneo, para disolver los límites entre el objeto y sus emanaciones; entre la figura y el fondo del que procede.

Fotografía de José Luis Cueto en 'Mar-Mar'. Octubre Centre de Cultura Contemporània.

Fotografía de José Luis Cueto en ‘Mar-Mar’. Octubre Centre de Cultura Contemporània.

‘Mar-Mar’ prolonga su multidisciplinar oleaje en el Octubre Centre de Cultura Contemporánia mediante un total de 27 propuestas a las que dan fértil vida 34 artistas, cuya lista completa es la siguiente: Blanca Montalvo, Mariajo Martínez de Pisón, Amparo Carbonell, Trinidad Grácia, José Maldonado, Emilio Martínez, Bia Santos, Maribel Doménech, Dolores Furió, Silvana Andrés, Laura Silvestre, Paco Giner, Paco Sanmartín, Carlos García Miragall, Vicente Ortíz, Leopoldo Amigo, Laura Rodrigo, Hector Sampér, Pepe Romero, Cuento Lominchar, Jaume Chornet, Pepa López Poquet, Isabel Navarro, Gil Gijón, Giorgia Partesotti, Rocío Vicent, Neus Lozano, Isaac Senchermès, Guillermo Lechón, Ainhoa Salas, Germán Torres, Luis Urquieta, Julio Sosa y Soumaya Raissouni.

Obra de Pepa L. Poquet en 'Mar-Mar'. Octubre Centre de Cultura Contemporània.

Obra de Pepa L. Poquet en ‘Mar-Mar’. Octubre Centre de Cultura Contemporània.

Obra de Mercedes en 'Mar-Mar'. Octubre Centre de Cultura Contemporània.

Obra de Rocío Vicent en ‘Mar-Mar’. Octubre Centre de Cultura Contemporània.

Escultura de Jaume Chornet y video de Giorgia Partesotti en 'Mar-Mar', en el Octubre Centre de Cultura Contemporánia.

Escultura de Jaume Chornet y video de Giorgia Partesotti en ‘Mar-Mar’, en el Octubre Centre de Cultura Contemporánia.

Salva Torres

Mar-Mar, 34 Mediterráneos en el Octubre

Mar-Mar, exposición colectiva
Octubre Centre de Cultura Contemporània
C / Sant Ferran, 12. Valencia
Inauguración: Marte 2 de diciembre
Hasta el 8 de enero de 2015

‘Mar-Mar’ nos brinda la mirada de 34 artistas hacia el lugar donde progresivamente ha crecido, en un tiempo sin medida, la idea contemporánea del mundo: la mar Mediterránea. Una idea del mundo agitada, como una sucesión de espejismos que reúnen con la niebla, envueltos en la humedad que todo lo empapa, mezclados con la arena en las olas.

Imagen de la exposición Mar-Mar del Octubre Centre de Cultura Contemporània. Cortesía de Mostra Viva.

Imagen de la exposición Mar-Mar del Octubre Centre de Cultura Contemporània. Cortesía de Mostra Viva.

Idea / imagen de una mar sin tiempo, una mar sin espacio propio, que es a la vez la mar común a muchos pueblos. Miradas hacia ese lugar en medio de las tierras. Miradas privadas, compartidas a menudo, fugaces o profundas, ligeras o entregadas, militantes, abiertas a preguntas eternas que encadenan respuestas tan ondulantes e inestables como el horizonte lejano y tan presentes, rotundas y presentes, como las olas a la orilla.

La misma mar que, de cuando en cuando, limpia y ensucia todo lo que toca, y así renueva o ancla ideas y territorios. La mar que continúa dando nueva forma a las piedras, al cielo y a las nubes, que continúa custodiando lugares y creencias, que nos une y nos separa, que guarda, con la misma firmeza, lágrimas y melodías.

Esa mar tan azul y tan capaz de renovar la sangre y la memoria, que se rehace cada día en cada cuerpo, en cada ola. Mar azul y negra, y verde y roja, y gris y azul, y blanca, y otro golpe negra, mar de luz.

Obra de Dolores Furió y Silvana Andrés en la exposición Mar-Mar del Octubre Centre de Cultura Contemporània. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Obra de Dolores Furió y Silvana Andrés en la exposición Mar-Mar del Octubre Centre de Cultura Contemporània. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Estas miradas, que se resuelven a través del arte, nos obligarán a revisar nuestro presente, tan ajeno ya a aquella idea de mundo civilizado que nació, sin tiempo ni espacio, en todas las riberas de la Mediterránea.

Participan en la exposición ‘Mar-Mar’: Blanca Montalvo, Mariajo Martínez de Pisón, Amparo Carbonell, Trinidad Grácia, José Maldonado, Emilio Martínez, Bia Santos, Maribel Doménech, Dolores Furió, Silvana Andrés, Laura Silvestre, Paco Giner, Paco Sanmartín, Carlos García Miragall, Vicente Ortíz, Leopoldo Amigo, Laura Rodrigo, Hector Sampér, Pepe Romero, Cuento Lominchar, Jaume Chornet, Pepa López Poquet, Isabel Navarro, Gil Gijón, Giorgia Partesotti, Rocío Vicent, Neus Lozano, Isaac Senchermès, Guillermo Lechón, Ainhoa Salas, Germán Torres, Luis Urquieta, Julio Sosa y Soumaya Raissouni.

Obra de Luis Urquieta en la muestra 'Mar-Mar' del Octubre Centre de Cultura Contemporánia. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Obra de Luis Urquieta en la muestra ‘Mar-Mar’ del Octubre Centre de Cultura Contemporánia. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Amparo Carbonell Tatay

Art Dating2: mi selección (III)

Art Dating2. Tercera jornada

Tania Pardo con un participante en la tercera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Tania Pardo con un participante en la tercera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

ART DATING2 ha sido un evento con una gran implicación por parte de todos los asistentes, tuve el placer de participar junto con Beatriz Herráez, Tania Pardo, Rafael Doctor Roncero, Juan de Nieves y Nuria Güell  en la tercera sesión (28/05/14), donde se llevó a cabo una jornada intensa: escuchando, discutiendo y aportando a los artistas participantes toda la experiencia profesional con la máxima generosidad.

Nuria Güell con una participante en la tercera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Nuria Güell con una participante en la tercera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Las propuestas presentadas mostraban una gran variedad de entendimientos del arte contemporáneo.  La mayoría trabajos en proceso y en muchos casos más enfocados a dar respuesta a las estructuras propias de un master que al ámbito profesional, entre los cuales existían trabajos que mostraban un potencial muy interesante. Quisiera destacar el compromiso personal por parte de todos los artistas que participaron, como así se demostró en sus exposiciones y sobre todo en el dialogo, en el intercambio de opiniones, su gran atención, participación e interés.

Isidro López-Aparicio con un participante en la tercera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Isidro López-Aparicio con un participante en la tercera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Agradecido a SELECTA’14, a AVVAC y a MAKMA paso a comentar algunos de los proyectos:

Gil Gijón
El trabajo de Gijón presenta un gran interés cuando juega con lo insignificante y con el factor tiempo. Y más interés se manifiesta cuanto más presente está el paso del tiempo de forma lenta y este participa en la creación de la propia obra. Este aspecto debe de manifestarse con contundencia para que su obra se defienda más allá de la correcta habilidad para concluirlas formalmente.
Lo insignificante, la utilización del polvo, que se barre y desprecia, como parte fundamental de la obra, dignificado en elementos de dibujo o escultóricos generan unas propuestas más que interesantes. Pero sin lugar a dudas son sus planteamientos de base los que le pueden permitir el desarrollo  de una obra sistematizada y profesional.

Gil Gijón. Retrato de polvo, 2014. Imagen cortesía del artista.

Gil Gijón. Retrato de polvo, 2014. Imagen cortesía del artista.

Enrique Campayo
Desde su preocupación actual por lo hibridación de los distintos medios y la importancia del proceso, trabaja con la distorsión de la imagen en el escáner junto a propuestas de video. Pero es en la pintura donde muestra una obra más armada y sólida, ya sea con la incorporación del “ruido” como interferencia en la imagen final como en los dípticos en los que el silencio y el reposo dialoga con propuestas más dinámicas propias de su proceso técnico-formal.

Enrique Campayo. La realidad del artista, 2013. Imagen cortesía del artista.

Enrique Campayo. La realidad del artista, 2013. Imagen cortesía del artista.

Toni Signes
Muchas de las propuestas analizadas, versan sobre temas en muchos casos tan genéricos que hacen dudar de la autenticidad de las propuestas y la vinculación real del artista a su obra. Este no es el caso de Toni Signes pues planteaba la propuesta generada a partir de su propio contexto, vivido y “sufrido” en la Comunidad Valenciana. Su propuesta parte de un estudio pormenorizado de los acontecimientos reflejados en la prensa sobre la actividad cultural local, sus vínculos y relaciones. La visualización en forma de esquema que teje una red de influencias y clarifica al espectador lo que ha acontecido genera una obra artística que amplía el público y a partir de la “denuncia didáctica” a toda la ciudadanía. Quizás, lo más interesante de su obra es cuando aparece la ironía como elemento fundamental y son esos fakes de cartas infantiles enviadas a la anterior directora del IVAM, donde se encuentra uno de sus grandes potenciales aún por explotar.

Toni Signes. L'espoli, 2014. Imagen cortesía del artista.

Toni Signes. L’espoli, 2014. Imagen cortesía del artista.

Sabela Zamudio
Sabela demuestra una gran cantidad de recursos a la hora de cosificar su obra compleja, a partir de la construcción o manipulación de relatos en la prensa, y en concreto a partir de las publicadas sobre una persona integrante en la banda terrorista Resistência Galega.
Cosidos, trenzados, recortes de prensa, cuadernos, lienzos… construyen un proyecto formalmente bien estructurado. Quizás excesivamente formal, dejándose ver en sus palabras que la utilización de su propia intuición, que le permita alejarse del peso de las apariencias contemporáneas dará lo mejor de su trabajo.

Sabel Rial. Conservar la calma, 2013. Imagen cortesía de la artista.

Sabel Rial. Conservar la calma, 2013. Imagen cortesía de la artista.

Judith Álvarez García
Una propuesta interesante basada en los embargos inmobiliarios, proyectada a partir de una plataforma en la red que da acceso a lo que sería un espacio de encuentro, un foro de los afectados y personas sensibilizadas donde poder compartir, información y construir una comunidad. Todo esto viene acompañado de toda una campaña de imagen que permite identificar esta tragedia social.
El proyecto esta elaborado cuidadosamente, pero esto no quita el que haya cuestiones fundamentales que deben de abordarse para que sea un proyecto coherente conforme a su carácter comprometido socialmente. Pues una plataforma como esta necesita tener un carácter sostenible que asegure los tiempos propios de la creación de una red, el compromiso implica evaluar muchos aspectos más allá de las apariencias para pasar a implicarse en aspectos humanos cercanos a la realidad, no solo construyendo sino dinamizando la construcción de esta red.

Judith Álvarez García. Cabreo, 2013. Imagen cortesía de la artista.

Judith Álvarez García. Cabreo, 2013. Imagen cortesía de la artista.

Otros participantes de la sesión, con los cuales no todos tuve el placer de entrevistarme, fueron Carmen Jimenez Suero, Mery Cortel, Gaby Gallego y en particular hubiera estado muy interesado en establecer un dialogo con Ernesto Casero, Juan A. Cerezuela, Luis Lisbona y especialmente Greta Alfaro pues sus dosieres despertaron en mí un gran interés, tanto por cierta empatía ante sus propuestas como por el potencial y profesionalidad de sus trabajos.

Juan de Nieves con una participante en la tercera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Juan de Nieves con una participante en la tercera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Rafael Doctor Roncero con un participante en la tercera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Rafael Doctor Roncero con un participante en la tercera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Isidro López-Aparicio

2T4: proyectos de tránsito en La Llotgeta

2T4: Sergio Peramato, Carlos Ortí, Amparo Babiloni, Irene Dávia, Elba Díaz, Amanda Aguado, Florencia Fergnani, Gil Gijón, Marta Guerrera, Javier Mujica, Judith Salafranca, Marian Moreno y Yasmina Olivas 

Espai d’Art de La Llotgeta

Plaza del Mercado, 4. Valencia

 Hasta el 29 de mayo

“Las palabras dicen menos de lo que querríamos expresar con ellas…”. La cita utilizada por Sergio Peramato para explicar su proyecto Augurios sitúa muy precisamente el conjunto expositivo que, bajo el título de 2T4, se presenta en el Espai d’Art de La Llotgeta. Un total de 12 proyectos, realizados por 13 jóvenes de la Facultad de Bellas Artes de Valencia, atravesados por ese deseo de transmitir sensaciones que escapan a la lógica comunicativa del lenguaje. Proyectos que vienen a llamar la atención acerca de ese hecho nuclear de nuestra experiencia: que los discursos de la razón instrumental se muestran refractarios a la subjetividad humana, y que sólo el arte –vaciada de contenido la religión- ofrece ya un lugar donde articular esa interrogación que nos constituye.

Sergio Peramato, cuyo proyecto Augurios encabeza la muestra, Amanda Aguado, Amparo Babiloni, Irene Davia, Elba Díaz, Florencia Fergnani, Gil Gijón, Carlos Ortí, Marta Guerrera, Marian Moreno y Yasmina Olivas, Javier Mujica y Judith Salafranca son los jóvenes que conforman la exposición 2T4. Propuestas todas ellas que hurgan en la herida abierta por esas palabras cortantes de la razón instrumental, pragmática, disciplinada. Augurios, por ejemplo, ya nos convoca, desde la entrada misma de la 2T4, a esa terminal audiovisual que Sergio Peramato relaciona con “los mecanismos que tejen y mueven nuestra memoria”. Mediante un video, una figura con mono rojo y mascarilla de gas, y una caja con cierto chip sumergido en líquido, Peramato remueve el cúmulo de sensaciones que se agitan en torno a esa idea de las palabras evanescentes. Sonidos desarticulados, vivencias, emociones: la vida fluyendo a trompicones.

Luego hay propuestas que toman al cuerpo como protagonista: Amparo Babiloni, con Autoconcepto, Elba Díaz, con Writing the End, y Florencia Fergnani, con La piel, el mundo. Babiloni retrata en las partes del cuerpo que más agradan o desagradan a cada uno de los retratados, pulsando de un modo real sus sensaciones acerca del cuerpo que habitan. Díaz dado un paso más, interrogándose por la muerte mediante fotografías en blanco y negro que remiten a la amniótica desnudez de los orígenes. Nacimiento y muerte, como extremos que se tocan. Fergnani superpone cuerpos con superficies matéricas, de manera que el híbrido digital manifieste la piel rugosa, rocosa muchas veces, que nos protege y aísla de ese exterior amenazante. De la muerte también habla Amanda Aguado en Los últimos días. Una serie de personas responden a la siguiente pregunta: ¿qué harías con tu tiempo si fueras a morir en 10 días? Esa toma de conciencia se suele diluir en medio del ajetreo diario. Aguado la rescata.

Dávia.2T4 en La Llotgeta

Dávia.2T4 en La Llotgeta

De la memoria hablan Irene Dávia, con Inventario de casualidades, Marta Guerrera, con Mirada al Cabanyal, y el propiamente dicho Memoria, de Gil Gijón. Davia se sirve de la fotografía para mostrar instantes fortuitos que den pie a imaginar diferentes historias. La destrucción programada del barrio del Cabanyal permite a Guerrera vincular la memoria personal con la de los edificios. Gijón aprovecha el polvo que sin apenas darnos cuenta se acumula a nuestro alrededor, para hacer con ello singulares objetos y álbum de vida.

Marian Moreno y Yasmina Olivas utilizan el cartón corrugado para montar un espacio doméstico en el interior del espacio público. Diálogo entre el adentro y el afuera, entre lo íntimo y lo externo, como vías de una intrigante comunicación en su proyecto titulado S/n. Javier Mujica se apoya en la física cuántica para sus peculiares Inventos; extraños artefactos que remiten a la ciencia ficción. De los sabores se hace cargo Judith Salafranca en Dolces Experiencies, dejando volar su imaginación hasta los espacios más ignotos de la memoria.

Carlos Ortí se apoya en el concepto de sociedad líquida acuñado por el sociólogo Zugmunt Bauman, para un proyecto que pretende mostrar precisamente la progresiva liquidación de lo sólido. El sujeto de una pieza cede su lugar al individuo fragmentado hasta la extenuación de la sociedad posmoderna. 2T4 viene a ser en el fondo un compendio de esa liquidez, una vez constatado que las palabras “dicen menos de lo que querríamos expresar con ellas”.

 Salva Torres