Una compañía infernal

Cabaret Gótico, de El Circo de los Horrores
Carpa situada en el cauce del río Turia
Puente de las Flores. Valencia
Hasta el 13 de noviembre de 2016

Decía Mark Twain que prefería el paraíso por el clima, pero el infierno por la compañía. Cabaret Maldito, que viene a cerrar la trilogía que Circo de los Horrores inició con el propio nombre de la compañía y siguió con Manicomio, es el sitio ideal para ello. Con Lucifer (Dani Román) ejerciendo de maestro de ceremonias, invita a los valencianos a pecar en la catedral gótica instalada en el cauce del Turia, junto al Puente de las Flores. La mezcla de física (circo) y química (cabaret) da como resultado un espectáculo que saca “el lado oscuro de todo el mundo”, señala Rafael González, productor del renovado show.

Escena de Cabaret Maldito.

Escena de Cabaret Maldito. El Circo de los Horrores.

Más de 30 actores, bailarines y acróbatas dan vida a ese infierno que en su primera semana en Valencia ya ha colgado del cartel de todo vendido. “La gente se desinhibe y saca su parte más canalla, disfrutando a tope”, apunta González, que invita al publico valenciano “a que vengan a vender su alma”. Por el escenario de ese Cabaret Maldito, cuya idea original es de Suso Silva, van desfilando diversos personajes cuyos números sensuales y provocadores incitan a sumergirse en “los deseos más negros y profundos”.

La sinopsis del espectáculo habla de un infierno donde “no existen reglas, ni prohibiciones, ni tabúes” y donde dar rienda suelta “a los instintos más primitivos del género humano”. ¿Es para tanto? “No somos la voz más transgresora, porque este show hace 30 años hubiera sido más rechazable”, pero el productor sí asegura que el espectáculo “saca nuestro lado más gamberro”. Reconoce que la sociedad ha evolucionado, que ya no asusta tanto ver un desnudo (que los hay en Cabaret Maldito), sobre todo “cuando las cosas que vemos por ahí fuera son muchas veces más fuertes de lo que ocurre aquí dentro”.

Cabaret Maldito.

Imagen promocional de Cabaret Maldito.

Y lo que ahí ocurre, y viene ocurriendo desde que hace 10 años iniciara su andadura Circo de los Horrores, es que la fusión de técnicas (teatro, circo, cabaret) y la “profesionalidad” de sus integrantes “ha logrado el éxito que nos ha permitido desarrollar la trilogía que llega a su fin con Cabaret Maldito”. ¿A su fin? “Bueno, Lucifer es un gran mentiroso”, deja caer González. Y añade: “El circo siempre ha sido tratado como el hermano pequeño de las artes escénicas, cuando por el número de espectadores está demostrado que funciona muy bien”.

Ahí está el Circo del Sol para demostrarlo y, ahora, el propio Circo de los Horrores. “Ellos [ por el Circo del Sol] son la perfección, nosotros además tenemos alma”. El alma que quiere que vendan los valencianos a su entrada al espectáculo, donde caben todos: “Los horrores atraen por igual a gente de todo tipo, desde los más góticos a los más pijos”. Todo ello gracias a la atmósfera inquietante creada por Miguel Brayda, el diseño de luces de Juanjo Llorens, la coreografía de Lola González y la música de José Luis Chicote, que versiona clásicos del pop y del rock, junto a composiciones propias.

El plantel de Cabaret Maldito.

El plantel de Cabaret Maldito. El Circo de los Horrores.

Cabaret Maldito estará en Valencia hasta el 13 de noviembre, coincidiendo con Halloween. “No somos un show para Halloween, pero qué mejor sitio para celebrarlo que éste”, subraya González, de tradición familiar circense, que ha querido junto a su hermano Manuel como productores darle ese toque contemporáneo al circo de toda la vida. “Esa mezcla de circo y cabaret es lo que nos distingue”.

Dani Román, caracterizado como Lucifer, dejó entrever en una de las piezas cierta crítica hacia quienes miran por encima del hombro este tipo de espectáculos. “Esto es cultura, es arte, y el que lo cuestiona va mal”, enfatizó Rafa González, rodeado de los 35 personajes víctimas de los siete pecados capitales. “El ser humano necesita este toque de adrenalina”, insistió el productor. Cabaret Maldito, como diría Bataille, une las pasiones de la santa, que llena de pudor aparta la vista del voluptuoso, con las del perverso. En la catedral gótica instalada en el cauce del Turia repican por igual todos los sentidos.

Cabaret Maldito.

Cabaret Maldito, de El Circo de los Horrores.

Salva Torres

Greta Alfaro: La naturaleza humana como problema

El cataclismo nos alcanzará impávidos, de Greta Alfaro
Galería Rosa Santos
C / Bolsería, 4. Valencia
Inauguración: viernes 30 de octubre
Horario de los pases de video durante la inauguración: 20.00, 20.45 y 21.30 horas
Hasta el 18 de diciembre de 2015

El cataclismo nos alcanzará impávidos reúne diversas fotografías de naturalezas muertas, una instalación con teléfonos móviles y la proyección, como elemento central, de un video de media hora de duración, protagonizado por Tim Kruger, que fue realizado por Greta Alfaro durante su estancia en la Academia de España en Roma como parte de una investigación en torno a la iconografía del martirio.

Escribe Bataille1, “La moral de Sade, según Maurice Blanchot, se funda en el hecho primario de la soledad absoluta. Sade lo dijo y repitió de todas las maneras; la naturaleza nos hizo nacer solos, no hay ningún tipo de relación entre un hombre y otro. Así pues, la única regla de conducta es que yo prefiera cuanto me afecta felizmente y que no me importe nada cuanto de mi preferencia pueda resultar perjudicial para el otro. El mayor dolor de los demás siempre cuenta menos que mi placer. No importa que tenga que comprar el más insignificante goce con un inaudito conjunto de fechorías, ya que el goce me halaga, está en mí, mientras el efecto del crimen no me afecta, está fuera de mí”.

Creo que la inquietud que expone irónicamente El cataclismo nos alcanzará impávidos no es ni sobre la naturaleza, ni sobre la naturaleza del hombre, sino sobre lo que a la naturaleza y a la naturaleza del hombre les supone estar sometidos a la acción del hombre mismo.

La situación representada es extraña, desconcertante, como lo son los hechos sociales y de la historia radicalmente injustos, aquellos que evidencian el dominio y la incomprensión de unos hombre hacia otros y que resultan, verdaderamente, difíciles de entender.

1. Bataille, George, El erotismo

Obra de Greta Alfaro. Imagen cortesía de la Galería Rosa Santos.

Obra de Greta Alfaro. Imagen cortesía de la Galería Rosa Santos.

Nacho Paris*

*Extracto del texto para la exposición por cortesía de la Rosa Santos

El collage esquizofrénico de Jean-Michel Basquiat

Jean-Michel Basquiat: Ahora es el momento
Museo Guggenheim
Avenida Abandoibarra, 2. Bilbao
Del 3 de julio al 1 de noviembre de 2015

“No pienso en el arte mientras trabajo, trato de pensar en la vida”. Jean-Michael Basquiat (1960-1988). En esa vida que se desprendió de él, por azar o no, con una sobredosis de heroína, a la edad de 27 años. Tristemente demasiado joven para descender al mundo de Hades e incomprensiblemente demasiado joven para que su obra estuviese ya aclamada por la crítica, por los coleccionistas y por artistas como Andy Warhol, Jim Jarmusch, David Byrne, Keith Haring. Recordar que Jean-Michael Basquiat fue el primer artista afroamericano en exponer en el amplio circuito de galerías de prestigio de Nueva York y Europa y que su obra Dusthead, pintada cuando tenía 21 años, fue vendida en 1981 por veinte millones de dólares. En la vida de Basquiat, la muerte y la fama surgieron demasiado pronto, demasiado rápido.

Eroica, de Jean-Michel Basquiat. Cortesía de Museo Guggenheim Bilbao.

Eroica, de Jean-Michel Basquiat. Cortesía de Museo Guggenheim Bilbao.

El rizoma

El mundo pictórico de la obra de Basquiat, desde el grafiti hasta el lienzo, se distribuye a modo de rizoma. Múltiples significantes abigarran el espacio creativo.  La letra escrita, los números, el dibujo y el color se amalgaman sin orden, ni ley, ni centro. Frases escritas, fórmulas matemáticas, expresiones médicas, dibujos de animales, de objetos infantiles, de cuerpos fragmentados, a modo de los libros de anatomía, se apretujan en el lienzo junto a dos de sus figuras más significativas de su obra: la corona tricorne, icono de su firma, y los seres trazados con la fisionomía del hombre negro.

La obra de Jean-Michael Basquiat es un collage propio de la escritura esquizofrénica del arte visual posmoderno. Basquiat pinta su obra de mayor raigambre artístico en el auge posmoderno de la década de los ochenta del siglo XX.

Autorretrato, de Jean-Michel Basquiat. Cortesía de Museo Guggenheim Bilbao.

Autorretrato, de Jean-Michel Basquiat. Cortesía de Museo Guggenheim Bilbao.

Frederic Jameson, en su artículo Posmodernismo y sociedad de consumo, señala que el collage es un rasgo de estilo de la pintura del siglo XX, sea ésta posmoderna o no; la escritura esquizofrénica, junto con el pastiche, son cualidades estílisticas propias del arte posmoderno. Según este autor, un arte, el posmoderno, que expresa muchos aspectos del capitalismo multinacional, de la sociedad de consumo y mass-mediática. Y una escritura posmoderna que está unida a la experiencia esquizofrénica, entendida ésta como un desorden en el lenguaje donde los significantes materiales pululan aislados, desconectados, discontinuos, sin establecer una secuencia coherente en el tiempo y en el espacio.

El ring, de Jean-Michel Basquiat. Cortesía de Museo Guggenheim Bilbao.

El ring, de Jean-Michel Basquiat. Cortesía de Museo Guggenheim Bilbao.

La obra de Jean-Michael Basquiat está impregnada de la cualidad de la experiencia esquizofrénica. Los significantes en toda su materialidad explotan en el interior del lienzo fragmentando el tiempo y el espacio y estallando toda posiblidad narrativa.

El sentido artístico de la obra de Basquiat está ahí, en la ruptura temporal y espacial, en la falla narrativa, en la materialidad de lo rasgos infantiles de sus dibujos, de sus colores, de sus letras, de sus números, en la inmensa apertura de la boca y en los desproporcionados dientes de esas figuras de seres cubiertos con las máscaras de la fisionomía del hombre negro, afroamericano.

La ironía de un policía negro, de Jean-Michel Basquiat. Cortesía de Museo Guggenheim Bilbao.

La ironía de un policía negro, de Jean-Michel Basquiat. Cortesía de Museo Guggenheim Bilbao.

Bocas tétricas, irónicas, iracundas, impotentes para acallar, a pesar de su majestuosa presencia, el desgarro de angustia que produce la discontinuidad que somos y la continuidad perdida que fuimos y seremos, como señala Bataille en su libro Erotismo.

Six Crimee, de Jean-Michel Basquiat. Cortesía de Museo Guggenheim Bilbao.

Six Crimee, de Jean-Michel Basquiat. Cortesía de Museo Guggenheim Bilbao.

Begoña Siles

Laura Iniesta, una vuelta a los orígenes

De puño y letra. Laura Iniesta
Galería Alba Cabrera
C / Félix Pizcueta, 20 bajo. Valencia
Hasta el 30 de junio

Acaba de llegar de Shangai, donde ha realizado dos murales de 9 x 11 metros para el New Campus de Pei. He ahí el cosmos de Laura Iniesta. Si quieren ver su microcosmos, lo tienen más cerca: en la galería Alba Cabrera, donde se exhibe una treintena de piezas de pequeño y gran formato que la artista catalana ha denominado De puño y letra. Cosmos y microcosmos que, en todo caso, parten de un mismo talante creativo: el de volver a empezar. “Que la sociedad y el hombre puedan ser mejores”. Lo dice convencida, fruto de la “reafirmación” en su trabajo. “Me siento muy segura”.

Y es que Laura Iniesta, ya sea desde la altura necesaria para calibrar el cosmos de sus murales, o a pie de obra, tiene muy claro el perfil que adoptan todas esas formas sinuosas, drapeadas, bulliciosas. “Es una vuelta a los orígenes”. Todo lo que hace últimamente aparece, como por arte de magia, encaminado hacia adelante, pero con la mirada puesta atrás. Como la suricata africana, cuyo cuerpo parece detenido en el presente, mientras su cabeza se retuerce como buscando algo del pasado. Laura Iniesta piensa que “se puede volver a empezar”. Y en ello está: encontrando, como Picasso, lo que no busca.

Red Comet, de Laura Iniesta. De puño y letra. Imagen cortesía de Alba Cabrera

Red Comet, de Laura Iniesta. De puño y letra. Imagen cortesía de Alba Cabrera

De hecho, trabaja por intuición. “Parto de un boceto, que luego se va transformando”. Para eso hay que estar “abierto de mente”. Abierto para “ir encontrándote las cosas”. Y con lo que se va encontrando Laura Iniesta es con negros (“me apasionan los distintos negros”), con los colores cálidos de la tierra y, sobre todos, el rojo, que es el que “lo ata todo”. Recuerda que, en su momento, pintó muchos azules, “pero ahora los rechazo”. En cambio, el rojo…

El rojo, en medio de la estampida de colores magmáticos que recorre su obra, es como una vuelta al redil de la pasión que tiende al desorden. Está de acuerdo con la metáfora del jazz: cada instrumentista improvisando por su cuenta, dejándose llevar por el caudal impetuoso de la sangre, para después volver al punto de encuentro melódico. El rojo sería ese límite fronterizo entre el excesivo orden y el loco desorden; entre la santa y el voluptuoso, que diría Bataille al hablar del erotismo.

Creuant el foc, de Laura Iniesta. Exposición De puño y letra. Imagen cortesía de la galería Alba Cabrera

Creuant el foc, de Laura Iniesta. Exposición De puño y letra. Imagen cortesía de la galería Alba Cabrera

Y algo de erotismo hay en la obra de Laura Iniesta, que se mueve entre el ímpetu y su atemperancia. Ímpetu cosmológico que al tocar tierra se disuelve en múltiples formas, todas ellas bailando, entre caprichosas y amenazantes, alrededor de ese rojo que hace de contrapunto para que el conjunto no se pierda en el caos o la monotonía. De puño y letra, sin duda, porque lo que viene a decir Iniesta es que se muestra segura de poder controlar esa pasión desbordante. Por eso el mural funciona cuando se pone de pie. “Si funciona en el suelo, también lo hace en la pared”. Para ello ha sido necesario “reafirmarse” en lo que hace; perderle el miedo a las formas caóticas, templando el pulso. Y Laura Iniesta lo logra enfrentándose al vacío presente, con la recuperación de sedimentos pasados. De ahí los colores cálidos, la tierra y ese color rojo doblegando al negro.

Aoul, de Laura Iniesta, de su exposición De puño y letra. Imagen cortesía de la galería Alba Cabrera

Aoul, de Laura Iniesta, de su exposición De puño y letra. Imagen cortesía de la galería Alba Cabrera

Salva Torres

Erotismo por todo lo alto de La Rambleta

Art(o) de Sexo. Exposición colectiva
La Rambleta
Bulevar Sur esquina con Avda. Pío IX. Valencia
Hasta el 20 de junio

Alguien dijo que el gran arte, siempre es erotismo disimulado. ¿Nada que ver con la más explícita pornografía? MacDiego, comisario de la exposición Art(o) de Sexo, no lo tiene claro. De hecho, pidió a los cerca de 80 artistas participantes que se dejaran de zarandajas y le enviaran aquello que tenían guardado en sus cajones. Que se soltaran, vamos. Y se soltaron tanto que la muestra ha llegado al casi centenar de obras. La sexta planta de La Rambleta se dará así un hartazgo de imágenes, del 31 de mayo al 20 de junio, para calentar motores de cara al próximo Salón Erótico de Valencia. Se trata, según su comisario, de la “más grande exposición que se ha hecho en España sobre este tema”.

Horacio Silva. Art(o) de sexo. La Rambleta

Horacio Silva. Art(o) de sexo. La Rambleta

Habrá imágenes acordes con la literatura de esta guisa: “Cuando te vi, oh cuerpo en flor desnudo, creí ya verle a Dios en carne viva”. Y otras más similares a ésta: “Quiero morir jodiendo por sorpresa y que me entierren con la picha tiesa”. ¿Erotismo, pornografía? “Poner límites a la imaginación no tiene sentido”. Y MacDiego va mucho más allá: “En el telediario hay más porno del que yo voy a enseñar en La Rambleta”. Y lo que va a enseñar es la obra de un gran número de artistas valencianos que, por una u otra razón, no habían tenido la oportunidad de exhibir piezas de contenido erótico, con más o menos calorías.

Paula Bonet. Art(o) de Sexo. La Rambleta

Paula Bonet. Art(o) de Sexo. La Rambleta

CALENTANDO LA CIUDAD

Horacio Silva, Paula Bonet, Uiso Alemany, Sam, Ana Elena Pena, Paula Sanz, Ortifus, Mavi Escamilla, Santiago Relanzón, Joan Verdú, Alex Francés, Pepe Morea o el propio MacDiego, entre otros, son los encargados de “calentar la ciudad una semana antes del Salón Erótico”, previsto del 6 al 9 de junio en el recinto de Feria Valencia. Para ello, la sexta planta de La Rambleta, de 45 metros de largo por 30 de ancho, será totalmente ocupada para que el público se dé la gran comilona implícita en el título Art(o) de Sexo. “Pues sí, porque con tal mogollón de erotismo, la gente va a salir cansada”.

No se trata de una exposición con dibujitos o piezas de pequeño formato, sino una muestra a lo grande y, qué duda cabe, por todo lo alto de esa sexta planta. “Hay obras de metro y medio, como la de Horacio Silva, o de más de dos metros, como la de Uiso, y hasta de tres, como en el caso de Morea”. Fotografías, esculturas, dibujos, pinturas, joyería, ilustración, diseño, video: todo dispuesto para que ese “pueblo valenciano tan calentón” disfrute con tan magnánima exposición. La galería Mr. Pink completará el hartazgo con una muestra del mejor cómic subido de tono: Paco Roca, Rafa Fonteriz, Jordi Bayarri, Sergio Bleda, Manuel Bartual, Adrián Bago, Jorge Parras, Calo, Luis Demano…

ana Elena Pena. Art(o) de Sexo. La Rambleta

ana Elena Pena. Art(o) de Sexo. La Rambleta

PASIONES INCONFESABLES

Desde el más crudo realismo a la abstracción, de lo explícito a lo simplemente sugerido, Art(o) de Sexo da cumplida cuenta de todo el arco del erotismo, ése que Bataille decía unir a la santa y al voluptuoso en sus mismas pasiones inconfesables. No es una vuelta a la naturaleza animal, instintiva, procaz, sino un llamamiento al desorden de los sentidos en el marco del arte. Que Valencia, de tradición imaginativa y calenturienta, como subraya MacDiego, haya tenido que esperar tanto tiempo para semejante cita con el erotismo, es un misterio sin resolver.

Enrique Carrazoni.Art(o) de Sexo. La Rambleta

Enrique Carrazoni.Art(o) de Sexo. La Rambleta

De momento ahí están esas cruces gamadas con pintalabios; esas alusiones de explícita sexualidad a la Fórmula 1 valenciana; ese berlanguiano zapato de tacón y su correspondiente látigo, o la singular tomatina púbica. El erotismo está para eso: para confrontarnos con las más grandes alturas y las más bajas pasiones; con lo más sagrado y lo más profano. ¿Provocación? Toda. Evocación, también. Porque para estar Art(o) de Sexo hace falta poner a prueba los límites de la razón. ¿Miedo al escándalo? “Yo esos problemas no tengo”, remacha MacDiego. Ni los 80 artistas que, sin disimulo alguno, muestran su arte en la sexta planta de La Rambleta.

David Vivó. Art(o) de Sexo. La Rambleta

David Vivó. Art(o) de Sexo. La Rambleta

Salva Torres