Rambova/Rampova o el furor exótico de ‘Las ahijadas’

‘Las ahijadas’, de William James
Observatori
Es Baluard, Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Palma
Plaza de la Puerta de Santa Catalina 10, Palma
Hasta el 20 de noviembre de 2016

El Observatori de Es Baluard presenta el proyecto ‘Las ahijadas’, un trabajo en proceso del investigador y artista William James, que se vehicula en primera instancia en forma de instalación audiovisual, basada en una amplia búsqueda documental donde se confrontan dos historias apenas registradas. Para ello, se utilizan la grabación en vídeo, los testimonios orales y de archivos a partir de los lugares que sirvieron de referencia y escenario para el tránsito de dos seres excepcionales: Natacha Rambova y Natacha Rampova.

Natacha Rambova nació en 1897 en Salt Lake City (Utah) y murió en Pasadena (California), en 1966. Fue bailarina de ballet, diseñadora de vestuario y decorados en el Hollywood de los años 20, segunda esposa de Rudolph Valentino y, más tarde, testigo observador del estallido de la Guerra Civil en Mallorca, donde vivió entre los años 1931 y 1936.

Natacha Rambova, en una instantánea de su archivo personal.

Natacha Rambova, en una instantánea de su archivo personal.

Natacha Rampova nació en Valencia en 1956. Artista de cabaret transgénero y activista pre-queer, tomó su alias de Natacha Rambova, imitando el estilo exótico de sus diseños para el espectáculo. Encarcelada bajo la ley de peligrosidad social tres veces, entre 1971 y 1974, su lucha política y social forma parte de la historia de la transición a la democracia, cuando los abanderados de los estilos de vida y las sexualidades alternativos, previamente marginados, lucharon para encontrar sus múltiples voces y sus formas de auto-expresión, y, así, consolidar su presencia como parte de la nueva sociedad española. Una lucha que aún prosigue. El proyecto ‘Las ahijadas’ las vincula a través de una simetría histórica –el antes y el después de la dictadura franquista– y la mitificación de la original Rambova por parte de su álter ego.

Natacha Rampova, en una imagen perteneciente al proyecto 'Las ahijadas', de William James. Fotografía: Almudena Soullard.

Natacha Rampova, en una imagen perteneciente al proyecto ‘Las ahijadas’, de William James. Fotografía: Almudena Soullard.

A propósito de William James, creador británico afincado en Valencia, cabe reseñar su trabajo basado en la investigación documental, cuyo resultado se plasma en instalaciones concebidas para contextos y espacios específicos, con las cuales se plantea a menudo una reflexión sobre las relaciones complejas entre la construcción del género y la construcción del espacio urbano  (véase The Gendered City).

De esta manera, James contempla nuestras relaciones con el entorno (socio-político, espacial y de género), aseverando que, en parte, lo construimos nosotros y, en parte, nos construye. Algo esencial en épocas de cambio drástico –como afirma “Las ahijadas”–, cuando lo personal no puede ser otra cosa que político.

‘Las ahijadas’ es un proyecto en Es Baluard que se presentará igualmente en Valencia, del 28 de octubre al 11 de diciembre, en colaboración con el Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana (Centro del Carmen), fructificando, de este modo, la primera colaboración entre ambas instituciones.

Natacha Rampova y Natacha Rambova en una imagen promocional del proyecto 'Las ahijadas'. Fotografía cortesía de los organizadores.

Natacha Rampova y Natacha Rambova en una imagen promocional del proyecto ‘Las ahijadas’. Fotografía cortesía de los organizadores.

 

“Mi novela habla de las relaciones tóxicas”

La rebelión de Penélope, de Dolores García
Editorial Versátil

Penélope trabaja en una notaría de Castellón, ha pasado la barrera de los cuarenta, tiene una hija veinteañera que la ignora y atraviesa una profunda crisis personal. Descubre que ya no ama a un marido que la ha mantenido anulada durante más de veinte años. Una mañana despierta junto al cadáver de su mejor amiga y, a través la investigación criminal dirigida por el inspector Santiago Ramírez, reconstruye su vida y los motivos que la han conducido hasta una encrucijada vital.

Es el argumento de La rebelión de Penélope (Editorial Versátil), tercera novela de Dolores García ganadora del Premio Letras del Mediterráneo 2016 concedido por la Diputación de Castellón, con una dotación de 10.000 euros. ¿Se trata de una novela negra, rosa, o tal vez psicológica?  “Es una novela con todos los ingredientes que ha requerido la historia que cuenta”, responde García. “No se la puede clasificar en un género concreto. Es la vida tal y como se nos presenta y nos desborda cuando nos abrimos a ella tras un periodo de represión y desamor. Es una historia de búsqueda de la propia identidad, de dignidad, de miedo a la soledad, de nuevas oportunidades, de hundimiento y resurgimiento. Los protagonistas, Penélope y el inspector Santiago Ramírez, están inmersos, de diferente manera, en relaciones tóxicas y adictivas que les anulan y les impiden ser felices. Penélope dará un paso crucial en su vida rompiendo con un matrimonio de veinte años que la anula. Esta decisión pondrá en marcha un efecto dominó en todos los que la rodean y sacará lo mejor y lo peor de cada uno de ellos”.

Portada de 'La rebelión de Penélope', de Dolores García.

Portada de ‘La rebelión de Penélope’, de Dolores García.

García eligió Castellón de la Plana y localidades próximas como Peñíscola, Benicàssim y Oropesa para ambientar su historia, “porque necesitaba ubicar a la protagonista en una ciudad española de tamaño medio”, comenta. “La historia de Penélope no es la de una heroína, sino la de una mujer normal y corriente de hoy en día. Una situación que atraviesan muchas mujeres  en localidades donde el anonimato de las grandes urbes no es posible y tiene un gran peso la crítica social. Además, en la provincia de Castellón hay lugares fácilmente evocados por el lector, como la inconfundible silueta del castillo de Peñíscola y sus callejuelas, el Desierto de Las Palmas, en Benicàssim, con un viejo convento dominico derruido, ideales para las escenas de acción y suspense de la novela”.

La elección del nombre, Penélope, tampoco es casual. “La Penélope de la Odisea que esperó durante 30 años que regresara su marido, Ulises, representa a la mujer pasiva que espera a que le hagan feliz, que no busca su propia identidad, sino que existe en la medida que sirve a los demás como esposa, madre o hija”, explica García. “Mi  Penélope rompe con esta anulación y toma las riendas de su vida. Pero esto tiene riesgos y los va a sufrir hasta descubrir por qué cae en relaciones adictivas y consigue liberarse definitivamente de ellas”.

Portada de 'El secreto de Monna Lisa', de Dolores García.

Portada de ‘El secreto de Monna Lisa’, de Dolores García.

Éste es su tercer título tras El secreto de Monna Lisa y La reina del azúcar, que se desarrolla en Melilla a principios del siglo XX. “Creo que mi estilo narrativo ha ido depurándose y volviéndose más ágil y ligero. Aunque conserve un ritmo y estilo propios que hace que me reconozcan mis lectores”.

Según García, que la mujer sea la principal consumidora de ficción no es una cuestión de género sino de educación.  “A la mujer se le ha reprimido en todos los campos de la realidad y la imaginación ha sido su refugio. La literatura está íntimamente ligada a la imaginación. Se convierte en una realidad en la mente del lector gracias a ella y en una vía de escape de la realidad y una catarsis de emociones. Por otro lado, a los varones se les ha reprimido la manifestación, incluso el sentimiento, de las emociones y los han dirigido hacia ‘cosas importantes’. Se les ha educado para identificar emoción con debilidad. Quizás por ello han estado más orientados a géneros no emotivos, en principio, como la ciencia-ficción, la novela negra y, en cierta medida, la histórica”.

Sobre el panorama literario opina que “está transformándose a demasiada velocidad y no da tiempo a que se asienten obras de calidad y se den a conocer entre los lectores. El mercado literario está dominado por la oferta abrumadora de nuevos títulos y de modas de género literario, que no por la demanda, que es mucho más lenta. Creo que debería corregirse ese desajuste y dejar de ser un monstruo que devora a sus propios hijos”, concluye Dolores García.

Dolores García. Imagen cortesía de la autora.

Dolores García. Imagen cortesía de la autora.

Bel Carrasco

Reivindicación y libertad en La Ploma

Muestra de cine La Ploma
LN3 Espai Mutant de Las Naves
C / Joan Verdeguer, 16. Valencia
Jueves 9 al domingo 12 de junio, 2016

Las Naves ha programado por segundo año consecutivo Mostra La Ploma, un festival de documentales y cortometrajes de temática LGTB. Este proyecto es una iniciativa del Col∙lectiu de lesbianes, gais, transsexuals i bisexuals Lambda que surge con la intención de acercar hasta el público valenciano una selección de producciones audiovisuales centrados en la diversidad sexual y de género.

Tal y como señala Luis Noguerol, coordinador de Projectes Culturals de Lambda, “queremos dotar a Valencia de una muestra estable de cine LGTB que sirva como herramienta de difusión, información y sensibilización acerca de las distintas realidades sexuales y de género que existen”. El nombre del festival, añade, “reivindica la libertad de cualquier persona a mostrarse tal y como es, sin miedo a que nadie le diga cómo comportarse”.

La idea, según asegura Luis Noguerol, es “ampliar el festival en el futuro, tanto en número de piezas y duración, así como complementarlo con otras actividades culturales como exposiciones, charlas, etc.”.

Los documentales y cortometrajes que se van a proyectar tienen como eje las diversas maneras que existen de vivir y sentir la sexualidad, así como los conflictos que padecen las personas que los protagonizan porque, como sociedad, aún estamos estrechamente condicionadas y condicionados por los estereotipos.

Se proyectarán los documentales ‘Tchindas’ (jueves 9, 19:30 horas), que narra la historia de una persona transexual de Cabo Verde cuyo nombre se ha convertido en una forma coloquial y cariñosa de nombrar a todas las personas no heterosexuales en esa isla; ‘The Amina profile’ (viernes 10, 19:30 horas), que cuenta cómo el blog de una chica sirio-americana, ‘A gay girl in Damascus’, se convirtió en símbolo para los derechos humanos y el movimiento LGTB durante la primavera árabe; y ‘Yes, we fuck’ (sábado 11, 20:30 horas), que aborda la sexualidad en personas con diversidad funcional y donde la gente participa, dialoga y, sobre todo, cuestiona.

Como clausura de Mostra La Ploma, el domingo 12 de junio, a las 19:30 horas se proyectarán los cortos ‘Á qui le faute’, ‘Victor XX’, ‘Schleierhaft’, ‘Kansas’ y ‘Aitona Mantagorria’.

Este festival de cine  tiene como objetivo principal sensibilizar sobre la libertad sexual y de género, así como reivindicar el respeto a la diversidad.

Póster de 'Tchindas'. Imagen cortesía Las Naves.

Póster de ‘Tchindas’. Imagen cortesía Las Naves.

Código de vestimenta: gris grafito de Daniel Tejero

‘Operatorium’ de Daniel Tejero
Galería Punto
Av. Barón de Carcer, 37. Valencia
Hasta el 29 de abril de 2016

En esta nueva exposición de Daniel Tejero para la Galería Punto, continúa con la reflexión alrededor del concepto de placer que ya hemos podido ver en otras muestras como por ejemplo en ‘Conflivium Benidormense’, donde el artista tomaba como referencia un lugar real: la parte baja del paseo de poniente de Benidorm, y convertía los detalles a través de su detallado grafito en breves instantes, cuanto menos, placenteros de observar.

En esta ocasión, la muestra ha perdido parte de esa limpieza pulcra aunque mantiene la estética reconocible de Daniel Tejero, cuyos grafitos, aunque protagonistas de la muestra, están acompañados de otras piezas escultóricas. En un primer momento, un gran banco de trabajo inunda todo el espacio, lo que obliga al espectador prudente a acercarse a las obras. Además del gran banco, otros elementos como los caballetes o las pinzas de dibujo sobre las láminas, nos hacen trasladarnos a una especie de fragmento de taller de artista. Como si de un fetiche mismo se tratara, Daniel Tejero juega con la curiosidad que produce adentrarse en el taller, en la primera sala, y presenta el objeto y su historia pasada al mismo tiempo.

En la segunda parte, parece que el color destaca sobre el resto, lo que podría significar que el instante está ocurriendo en ese preciso momento. Para entenderlo mejor, en palabras de Eduardo García Nieto, “al llegar allí todo había tenido lugar y, aún así, no había comenzado. Como un investigador debemos iniciar la búsqueda, analizar los restos y comenzar a construir el relato. Atrevidos, con el coraje de los que inventan su propio lenguaje, sentimos la curiosidad y abrimos nuestra boca para saciar nuestro deseo de conocimiento. ¿Qué puede haber ocurrido en el taller del artista? ¿Por qué se nos ofrece sólido a nuestra mirada, cosificado como un mineral?”

Vista general de la exposición. Imagen cortesía Galería Punto.

Vista general de la exposición. Imagen cortesía Galería Punto.

En estos casi 20 años de trayectoria profesional, la obra de Daniel Tejero, como la de todo artista investigador, ha ido progresando hacia una mejor comprensión del concepto a desarrollar. Probablemente el ser director del grupo de investigación Figuras del Exceso y Políticas del Cuerpo o más conocido como Grupo FIDEX de la Universidad Miguel Hernández, donde también ejerce de profesor y doctor, le ha llevado a evolucionar desde la preocupación por el cuerpo y las inscripciones sexo, género y sexualidad, a la celebración del deseo y de los placeres.

Es interesante cómo se han unido en este grupo de investigación varios artistas que comparten planteamientos similares y cuyos objetivos pretenden analizar, desde diferentes perspectivas artísticas, los niveles vinculantes tanto dentro del trinomio sexo-género-sexualidad como los mecanismos externos que lo interrelacionan con la sociedad, identidad, teoría, política e incluso con las nuevas tecnologías creativas. Su última muestra pudo verse en el Centre de Cultura Contemporània de València bajo el título ‘Pornosigilo. Grimorio Sexual’.

Para terminar, curiosa es la invitación a la inauguración donde desde el blanco (pulcro de nuevo), surge una fusta grisácea y un breve código “dress code: black”. Una primera pista que lleva al espectador hacia un recorrido donde tendrá que explorar el lenguaje de los deseos, el suyo propio y el presentado por Daniel Tejero.

Segunda sala. Imagen cortesía de la Galería Punto.

Segunda sala. Imagen cortesía de la Galería Punto.

María Ramis

Repensar la ciudad a partir de Rogelio López Cuenca

ROGELIO LÓPEZ CUENCA. “Els pronoms febles”
Galería PazYcomedias
Plaza del Patriarca, 5, bajo. Valencia
Del 10 de diciembre al 9 de enero de 2016
Comisario: Jose Luis Perez Pont
Programa de actividades paralelas
-10 diciembre, 19h. Asamblea Solar Corona
“El Solar Corona. Un modelo de autogestión en autorreflexión”
Después de cuatro años llevando a cabo múltiples tareas de gestión, cuidados, construcción, comunicación, cultivo, asociación, etc. llevados por el ímpetu del día a día los miembros de la asamblea necesitan sentarse a reflexionar. Echar la vista atrás para tratar de entender el camino recorrido y mirar al futuro. ¿Necesita reformularse el Solar Corona? ¿Nos afectan los recientes cambios de los gestores de la ciudad?
Los miembros de la Asociación Solar Corona están llevando a cabo una serie de asambleas especiales para tratar de responder a estas y otras preguntas. Estos encuentros que internamente llamamos “cumbres” se realizan siempre en otros espacios distintos del solar. Esta asamblea será en abierto.
El solar de Corona es un espacio gestionado y dinamizado por vecinos/as y diferentes asociaciones del barrio del Carmen, situado en el casco histórico de la ciudad de Valencia, en la misma calle Corona que da nombre al proyecto.
Se trata de un espacio al aire libre, de carácter comunitario, para la realización de actividades sociales y culturales, tanto por parte del colectivo que gestiona el espacio, como por las diferentes entidades y vecinos que desean hacerlo.
Al mismo tiempo, el solar también cumple la función de ser un pequeño parque comunitario en un centro histórico caracterizado por la falta de espacios públicos, de manera que varios días a la semana el solar abre sus puertas para uso y disfrute de los más pequeños.
La fórmula de uso del espacio está regida por un contrato de cesión de uso por parte del propietario donde se fijan las condiciones para ello, y que es renovado año a año entre ambas partes.
Rogelio López Cuenca. Los pronombres, 1993. Cortesía Galería pazYcomedias.

Rogelio López Cuenca. Los pronombres, 1993. Cortesía Galería pazYcomedias.

-11 diciembre, 17h. Mujeres y Punto / 19h. Conferencia de Mercè Galán
+Encuentro: Mujeres y Punto. “No quiero ser un huevo frito”
La teoría del huevo frito hace referencia al aislamiento que sufre una mujer en una relación de pareja insana o de maltrato. Ya que la mujer se ve obligada a dejar de vivir su vida para vivir para él, otorgándole la autoridad a él y viviendo para su cuidado.
Si la mujer y el hombre son representados gráficamente por círculos, podemos decir, que la mujer sufre un gran aislamiento de su mundo, y su eje pasa a ser su pareja; el hombre sigue manteniendo su familia, sus amigos, su trabajo, etc. Aspectos a los que ella se ve obligada a renunciar.
En una relación sana, si seguimos con la misma representación gráfica, la mujer mantiene su mundo con su familia, su trabajo, sus amigos, su tiempo libre y su pareja, forma parte de ese mundo. Ambos tienen una relación igualitaria y ninguno se ve obligado a renunciar a nada involuntariamente.
Mujeres y Punto es un colectivo abierto en el que participan
principalmente mujeres, pero también algunos hombres, que a través de la realización de labores tradicionalmente femeninas como tejer o hacer ganchillo, llevan a cabo acciones artísticas en el espacio público. Se reúnen una vez a la semana y también reciben por correo postal y otros medios aportaciones de personas que participan en la distancia en sus proyectos, bajo el objetivo de igualdad de género, en todos los ámbitos públicos.
Actualmente están trabajando en un proyecto que identifica el nombre de las calles de una zona de Valencia, el barrio de Ruzafa, en el que de unas 35 calles, 8 se refieren a ciudades o países, 26 tienen nombre de hombres y solo 1 hace referencia a una mujer. Están llevando a cabo una acción, tejiendo cuadrados de 20 x 20 cm. en morado, para intervenir las placas de las calles, así como invitando a otros colectivos a extender la acción a otros barrios de la ciudad. En la Galería pazYcomedias llevarán a cabo uno de sus encuentros semanales, a la vez que realizarán la presentación de su dinámica de trabajo, en el contexto de la exposición de Rogelio López Cuenca, en referencia directa a algunos aspectos abordados en la misma.
+Conferencia: Mercè Galán. “Cautivas del silencio. Representaciones
desde el arte contra la violencia de género”
Cautivas del Silencio hace referencia a dos tipos de invisibilidad por un lado, la que sufren las mujeres en el hogar y que algunas artistas recogen en su trabajo, y por otra parte, la invisibilidad que sufren las propias artistas en la esfera del arte, en cuanto a una baja presencia o participación en galerías, ferias e Instituciones museísticas. A diferencia de que lo que sucede en el espacio público, la violencia que ocurre dentro de las cuatro paredes de la casa, suele estar oculta y silenciada, por ello, es tan importante visibilizarla y
denunciarla y el arte es una de las prácticas con gran capacidad comunicadora e incluso catalizadora.
Mercè Galán es artista intermedia. Doctora por la Universidad Politécnica de Valencia, su investigación se ha centrado principalmente en torno a las prácticas artísticas contemporáneas que se imbrincan con la violencia y el género desde una perspectiva feminista. Seleccionada a cursar un año en el Centro de Arte y Tecnología de la National University of Australia con la Beca Promoe, colaboró en varios grupos activistas feministas y queer en la reivindicación de sus derechos. En Valencia participó en el nacimiento del grupo Zona de Intensidad del Colectivo Lambda, así como del grupo artístico CVG (Contra la Violencia de Género). Es cofundadora del portal de arte Submergentes.org, y colabora con artículos en el portal Feminicio.net. Como docente invitada ha impartido talleres y seminarios, tanto a nivel tecnológico con el uso de cámaras y edición, como a nivel teórico. Su obra fotográfica y videográfica ha sido seleccionada en distintos certámenes.
Rogelio López Cuenca. Los pronombres, 1993. Cortesía Galería pazYcomedias.

Rogelio López Cuenca. Los pronombres, 1993. Cortesía Galería pazYcomedias.

-14 diciembre, 19h. Conferencia de Ángel Álvarez
Conferencia: Ángel Álvarez. “A cada uno lo suyo / Suum cuique / Jedem das Seine”
Una significación de la tipografía como lenguaje y reflexión de cómo sus valores formales y de uso pueden alcanzar connotaciones sociales e ideológicas en base a acontecimientos del siglo XX.
Ángel Álvarez, es diseñador gráfico, editor y profesor de tipografía en el Máster de Diseño e Ilustración de la Facultad de Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia. Desde Tipode Office centra su trabajo en la tipografía como lenguaje aplicada a diferentes campos, fundamentalmente al diseño editorial. Dirige el proyecto Open Publishing Room donde reflexionar sobre la práctica editorial.
Rogelio López Cuenca. Home, 2015. Cortesía Galería pazYcomedias.

Rogelio López Cuenca. Home, 2015. Cortesía Galería pazYcomedias.

-15 diciembre 18h. Proyección documental “A tornallom” / 19h. Mesa redonda: Pasado y futuro de la huerta. Una mirada desde el presente. Salón de actos del IVAM. Centre Julio González
A partir de la proyección del documental “A tornallom”, que aborda la problemática de las políticas de desarrollo urbano llevadas a cabo en las últimas décadas en Valencia y sus efectos en zonas como La Punta.
Participan en la mesa redonda:
-Javier Canales, arquitecto y miembro de Per l’Horta
-Jordi Belver, afectado y miembro de Per L’Horta
-Antonio Montiel, secretario general de Podemos CV Podem
-José Juan Martínez, miembro de Artxiviu de l’Horta
-Daniel T. Marquina, miembro de Artxiviu de l’Horta
Per L’Horta és un moviment social hereu de la primera Iniciativa Legislativa Popular per la protecció de l’Horta de València (ILP) constituit formalment com associació sense ànim de lucre.
Per L’Horta no pretén ser un grup més en defensa del territori, sinó que vol ser catalitzador de totes aquelles accions o polítiques que vagen encaminades a l’aconseguiment dels objectius que es proposaven a la ILP. És a dir, accions i polítiques per la protecció de l’Horta de València, de posar en valor aquest paisstge, el seu patrimoni agrícola, hidric i cultural i històric.
Per L’Horta pretén ser un moviment cívic que incidisca en la realitat per canviar l’estat actual de menyspreu cap a l’agricultura i els valors patrimonials del nostre món rural.
Los protagonistas de la historia agraria de la Huerta de Valencia desaparecen sin que hasta hoy nadie se haya ocupado de recoger, ordenar y divulgar sus recuerdos y experiencias.
Este formidable caudal de saberes, indispensable para entender estos paisajes culturales del agua, es el objeto de Artxiviu de l’Horta, un proyecto que indaga en esta memoria y esta realidad, y que pretende ser archivo y vehículo de conocimiento y conservación.
Rogelio López Cuenca. Los pronombres, 1993. Cortesía Galería pazYcomedias.

Rogelio López Cuenca. Los pronombres, 1993. Cortesía Galería pazYcomedias.

-16 diciembre, 20h. Concierto: Grup Instrumental de València
LIVING ROOM MUSIC
John Cage Dream (1948)
para piano
Luciano Berio Lied (1983)
para clarinete
Cole Porter Ev’ry Time We Say Goodbye (1944)
para voz y piano
Johann S. Bach Musikalisches Opfer BWV 1079
Sonata Sopr’il Sogetto Reale:
Largo
Allegro
para flauta, violín y violonchelo
György Ligeti Sonata für Violoncello/Dialogo (1948/53)
para violonchelo
Erroll Garner Misty (1954)
para clarinete, violín, violonchelo y piano
Erik Satie Gnosienne I (1890)
para piano
Vinícius de Moraes Valsinha (1970)
para voz, clarinete, violonchelo y piano
John Cage Living Room Music (1940)
para cuatro intérpretes
G. F. Händel Lascia Ch’io Pianga de Rinaldo (1711)
para voz, flauta, clarinete, violín, violonchelo y teclados
Lou Reed Femme Fatale (1967)
para voz, flauta, clarinete, violín, violonchelo y percusión
GRUP INSTRUMENTAL DE VALÈNCIA
Carmen Bou, voz
José Mª Sáez Ferríz, flauta
José Cerveró, clarinete
Carlos Apellániz, piano
Mª Carmen Antequera, violín
Mayte García, violonchelo
Joan Cervero, director
Rogelio López Cuenca. Bauhausiedlung, 2002. Cortesía Galería pazYcomedias.

Rogelio López Cuenca. Bauhausiedlung, 2002. Cortesía Galería pazYcomedias.

-17 diciembre, 17h. Colectivo CraftCabanyal / 19h. Plataforma Salvem el Cabanyal // 19.30h. Conferencia de Fernando Flores
+Encuentro: CraftCabanyal. “Bordando la Orden Ministerial CUL/3631/2009 de 29 de diciembre para su cumplimiento”
Como signo de reconocimiento a la Orden Ministerial, la cual ha amparado y salvaguardado el patrimonio del barrio Cabanyal – Canyamelar – Cap de França el colectivo CraftCabanyal está realizando una nueva acción artística a desarrollar por todas las personas que quieran participar junto a numerosos vecinos y vecinas del Cabanyal, como homenaje a la Orden Ministerial y al mismo tiempo una acción reivindicativa de su cumplimiento, así como la necesidad de solicitar al actual equipo de gobierno iniciativas que permitan visualizar cuanto antes signos de recuperación de una situación que actualmente es intolerable y que no se puede prolongar más en el tiempo, así como iniciar el compromiso de todos con la revitalización y que permita sobre todo a los vecinos recuperar las condiciones de vida dignas que han perdido, particularmente en las zonas más afectadas por la degradación del barrio.
En la galería se celebrará de 17 a 19h una sesión abierta en la que sumar la participación para llevar a cabo este proyecto simbólico, para que cada persona puede bordar una letra, un trazo, una palabra… contribuyendo a formalizar el deseo de protección del barrio del Cabanyal mediante el cumplimiento de esa Orden Ministerial.
+Presentación: Emilio Martinez Arroyo. “El Cabanyal: en estado crítico”
El barrio del Cabanyal es un Conjunto Histórico Protegido de la ciudad de Valencia, declarado Bien de Interés Cultural en 1993. Desde 1998 el barrio está amenazado por un proyecto municipal que pretende ampliar una avenida que pretendía atravesar su parte central. La plataforma Salvem el Cabanyal se crea para oponerse a este plan, considerando que el resultado de partir un Conjunto Histórico en dos mitades no son dos medios Conjuntos Históricos, sino la destrucción del patrimonio de todos.
El Cabanyal-Canyamelar es desde finales del XIX un barrio de Valencia, el barrio marinero de la ciudad. Guarda todavía el sistema urbano reticular derivado de las barracas, antiguas viviendas típicas de la zona valenciana.
Una vez más se ha producido la eterna confrontación: entre la conservación del patrimonio o el “desarrollo especulativo” de una ciudad. Desde el siglo pasado los habitantes del Cabañal han vivido con la amenaza de la prolongación de la Avenida Blasco Ibáñez, hasta que llegó la construcción de la estación de RENFE en la confluencia con la Avenida de Serrería. Se creía que ahí se finalizaba la historia de una Avenida-Paseo, que tenía su inicio-final en los jardines de Viveros y su final-inicio en la estación de RENFE y en el barrio del Cabanyal. Era la tan deseada conexión de Valencia con los Poblados Marítimos.
Pero en el Pleno del Ayuntamiento de Valencia del día 24 de Julio de 1998, el Partido Popular, que gozaba de mayoría y en contra de las demás fuerzas políticas (Partido Socialista, Esquerra Unida y Unió Valenciana), aprobó el anteproyecto de Prolongación de la Avenida Blasco Ibáñez hasta el mar. El proyecto de prolongar la avenida supone la destrucción de 1651 viviendas, destruyendo la trama urbana de este conjunto declarado Bien de Interés Cultural (BIC), al seccionar la población en dos mitades totalmente aisladas.
Durante estos últimos 17 años, Salvem el Cabanyal ha llevado a cabo una ingente labor como estructura ciudadana, interviniendo en numerosas esferas públicas y privadas, con el objetivo de preservar este conjunto patrimonial. Tras el cambio de gobierno municipal resultante de las elecciones del pasado 24 de mayo, la situación se encuentra cada vez más en un estado crítico. Emilio Martínez aborda con su presentación la posición de Salvem el Cabanyal tras los últimos movimientos políticos.
+Conferencia: Fernando Flores. “Espacio público y espacio privado ¿derechos diferentes?”
¿Es la vivienda un derecho del espacio privado? La libertad de manifestación ¿lo es solo del espacio público? ¿Y nuestra privacidad? ¿Y la libertad de información? Los derechos son una red delicada e interdependiente que se extienden por todo nuestro espacio vital, superando la separación de lo público y lo privado. La debilidad de uno de ellos afecta a todos los demás.
Fernando Flores es profesor de Derecho Constitucional, miembro del Institut de Drets Humans de la Universitat de València. Trabaja sobre sistemas de protección de derechos fundamentales; partidos políticos, democracia participativa y procesos constituyentes. También sobre temas relativos a seguridad y defensa.
Ha sido Director del gabinete del Secretario de Estado del Ministerio de Justicia, Asesor de la Vicepresidenta Primera del Gobierno, Secretario General Técnico del Ministerio de la Presidencia y Director General de Relaciones Institucionales del Ministerio de Defensa.
Rogelio López Cuenca
-9 de enero, 19h. Conferencia de Raúl de Arriba
Conferencia: Raúl de Arriba. “Economía del sábado noche”.
Desde el estallido de la crisis global, la política económica ha recobrado un nuevo protagonismo. Tanto el plano de la reflexión científica, como la praxis (con intervenciones públicas inimaginables hasta hace poco, como las nacionalizaciones de empresas) o la discusión pública (con tertulias televisivas en horarios de máxima audiencia dedicadas a la economía), reflejan este renovado interés por la política económica. ¿Es posible resumir sus temas clave en unas cuantas frases cortas?
Raúl de Arriba es doctor en Economía y profesor titular de la Universidad de Valencia. Actualmente es director del Máster Oficial en Política Económica y Economía Pública de dicha Universidad. Ha sido investigador visitante en la Escuela de Altos Estudios en Ciencias Sociales (Francia) y en el Núcleo de Investigación en Ciencias Políticas y Relaciones Internacionales (Portugal). Ha publicado más de 60 trabajos entre artículos, libros y capítulos de libro sobre temas de política económica internacional, pluralismo y creatividad en la economía y política económica. Adicionalmente, es guionista y realizador de los documentales Brass Sounds (2003) y La fábrica (2005), producidos por el Programa de Naciones Unidas para el Desarrollo.

Las Diosas: figuraciones de lo femenino

VII Congreso Internacional de Análisis Textual: Las Diosas
Facultad de Ciencias de la Información
Universidad Complutense de Madrid
25, 26 y 27 de marzo de 2015

La consolidación del Dios de Occidente, monoteísta y patriarcal, vino a desdibujar un largo periodo anterior en el que las divinidades matriarcales ocupaban lugares de privilegio en sus respectivos panteones. Su estudio sigue pendiente, no sólo para ampliar el conocimiento de los universos simbólicos del pasado, sino también para mejor comprender y aquilatar la novedad que hubo de suponer la irrupción del nuevo Dios que vino a arrinconarlas en un panteón profundamente transformado por su nuevo protagonismo.

Detalle del cartel del congreso Las Diosas, obra de Luis Sánchez de Lamadrid. Asociación Cultural Trama y Fondo. Universidad Complutense de Madrid.

Detalle del cartel del congreso Las Diosas, obra de Luis Sánchez de Lamadrid. Asociación Cultural Trama y Fondo. Universidad Complutense de Madrid.

Es ésta, por otra parte, una temática que cobra una especial actualidad una vez que el Dios patriarcal ha caído de la que fuera su posición de dominio. Son muchas las preguntas que desde entonces han quedado abiertas, no sólo para la antropología, sino también para la psicología y el psicoanálisis, para la historia del arte y la de los discursos de los medios de comunicación de masas, para la sociología, la política, los estudios culturales y de género…

Pandora, de Alexandre Cabanel, extraído del video 'The Metamorphosis of the Goddess', de Miguel Lázaro Bernuy para el congreso Las Diosas de Trama y Fondo.

Pandora, de Alexandre Cabanel, extraído del video ‘The Metamorphosis of the Goddess’, de Miguel Lázaro Bernuy para el congreso Las Diosas de Trama y Fondo.

La caída del Dios patriarcal, ¿constituye el punto final de la historia de los dioses o abre el campo al retorno de otras divinidades más antiguas? ¿En qué medida los discursos indigenistas, ecologistas o nacionalistas poseen resonancias mitológicas de antiguas divinidades maternas? Si el Dios patriarcal fue el pilar simbólico en el que se asentaba el prestigio de la función paterna, ¿hasta qué punto su caída dificulta la presencia y la eficacia de ésta? Y sobre todo: la construcción de la subjetividad en el mundo contemporáneo, ¿se realiza al margen de todo presupuesto mitológico o, por el contrario, actúan en él moldes mitológicos implícitos que escapan a la conciencia de los sujetos?

Venus Verticordia, de Rossetti, extraído del video 'The Metamorphosis of the Goddess, de Miguel Lázaro Bernuy para el congreso Las Diosas de Trama y Fondo.

Venus Verticordia, de Rossetti, extraído del video ‘The Metamorphosis of the Goddess, de Miguel Lázaro Bernuy para el congreso Las Diosas de Trama y Fondo.

Y está, por otra parte, el paisaje visual contemporáneo, tal y como se realiza en la web y en la televisión, en la publicidad, en el cine, en la literatura, la pintura y las nuevas escenografías de la música contemporánea. Todo parece indicar que en él, y con independencia de la valoración final que de ello pueda realizarse, cierta aura de divinidad inviste a las más variadas figuraciones de lo femenino.

Detalle del cartel del congreso Las Diosas, obra de Luis Sánchez de Lamadrid. Asociación Cultural Trama y Fondo. Universidad Complutense de Madrid.

Detalle del cartel del congreso Las Diosas, obra de Luis Sánchez de Lamadrid. Asociación Cultural Trama y Fondo. Universidad Complutense de Madrid.

Es éste pues un territorio tan amplio como pregnante que resulta idóneo para orientar los trabajos del VII Congreso Internacional de Análisis Textual que, con el tema “Las Diosas”, convoca la Asociación Cultural Trama y Fondo con la colaboración de la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid para los días 25, 26 y 27 del mes de marzo de 2015.

Como es costumbre en los congresos de Trama y Fondo, sólo existe un pie forzado para participar en él: que las reflexiones suscitadas encuentren su apoyo y verificación en el ejercicio de análisis de un determinado texto o conjunto de textos de referencia.

Palas Atenea, de Gustave Klimt, extraído del video 'The Metamorphosis of the Goddess', de Miguel Lázaro Bernuy para el congreso 'Las Diosas' de Trama y Fondo.

Palas Atenea, de Gustave Klimt, extraído del video ‘The Metamorphosis of the Goddess’, de Miguel Lázaro Bernuy para el congreso ‘Las Diosas’ de Trama y Fondo.

Arte es mujer

Cine y teatro
Colegio Mayor Rector Peset, Palau de Cerveró y Sala Ultramar, Valencia
Día Internacional de la Mujer Trabajadora
8 de marzo de 2015

La presencia de la mujer en el mundo del arte es cada vez más decisiva y numerosa, aunque en algunas de sus manifestaciones todavía subsisten sutiles formas de discriminación. Con motivo de la celebración del Día Internacional de la Mujer Trabajadora, el próximo 8 de marzo, las carteleras dedican una atención especial.

A lo largo de este mes el Aula de Cinema de la Universitat de València ofrece dos ciclos cinematográficos con perspectiva de género, con el apoyo de la Unitat d’Igualtat. ’8 de marzo: imágenes por la igualdad’ es un conjunto de actividades que incluye proyecciones, charlas y exposiciones, organizadas por diversas entidades, como Fundación por la Justicia y La Filmoteca de Valencia (CulturArts). La entrada es libre, las películas se proyectan en versión original y todas las sesiones incluyen una presentación previa y un coloquio posterior.

Fotograma de 'La gran aventura de Silvia', de George Cukor. Imagen cortesía de la Universitat de Valéncia.

Fotograma de ‘La gran aventura de Silvia’, de George Cukor. Imagen cortesía de la Universitat de Valéncia.

El salón de actos del Colegio Mayor Rector Peset acoge los martes de marzo, a las 18 horas, ‘El género camuflado’, un ciclo compuesto por cuatro títulos protagonizados por mujeres que, en algún momento de sus vidas, se ven obligadas a adoptar un rol y una apariencia masculina para acceder a posiciones sociales reservadas socialmente a los hombres. El travestismo, la inversión de roles y la adopción de atributos socialmente asignados al sexo masculino se pueden visualizar en ‘La gran aventura de Silvia’ (Sylvia Scarlett, George Cukor, 1935), ‘Albert Nobbs’ (Rodrigo García, 2011) o ‘Elizabeth’ (Shekhar Kapur, 1998). En estos filmes sus protagonistas utilizan el disfraz como estratagema para superar los obstáculos sociales que les dificulta el acceso al espacio público.

Fotograma de 'Los chicos están bien' de Lisa Cholodenko. Imagen cortesía de la Universitat de València.

Annette Bening y Julianne Moore en un fotograma de ‘Los chicos están bien’, de Lisa Cholodenko. Imagen cortesía de la Universitat de València.

El ciclo ‘La maternidad a debate’ centra la programación del Aula de Cinema en el Palau de Cerveró, los jueves de marzo, también a las 18 horas. La  propuesta reflexiona sobre la idealización de la maternidad como destino supuestamente natural de toda mujer. Los títulos programados son: ‘En el umbral de la vida’ (Nära livet, Ingmar Bergman, 1958), ‘Casa de los Babys’ (John Sayles, 2003) y ‘Los chicos están bien’ (The Kids Are All Right, L. Cholodenko, 2010). Múltiples y diversas historias sobre las formas en que cada mujer experimenta esta realidad tan compleja. El ciclo, que trata de superar las visiones más edulcoradas de la maternidad, cuenta con la participación de María José Gámez, profesora de la Universitat Jaume I, y Montserrat Hormigos, doctora en Comunicación Audiovisual por la Universitat de València.

Cuatro autoras valencianas en 'Ven y Raja'. Imagen cortesía de Sala Ultramar.

Cuatro autoras valencianas en ‘Ven y Raja’. Imagen cortesía de Sala Ultramar.

CREADORAS EN ULTRAMAR

La Sala Ultramar se suma al Día de la Mujer invitando a su escenario a cuatro de las creadoras de mayor recorrido del panorama valenciano. Patrícia Pardo, Begoña Tena, Eva Zapico y Mertxe Aguilar representan ‘Ven y raja. Tres retrospectivas y un estreno’,  un collage de piezas breves que tiene a la mujer como protagonista. “Todas las obras están escritas, dirigidas e interpretadas por mujeres, lo decidimos así, porque creemos que actualmente hay muchas y muy buenas creadoras, y nuestro papel como sala es potenciar sus trabajos”, señalan los responsables de la sala.

Escena de 'Gorgona', de Eva Zapico. Imagen cortesía de Sala Ultramar.

Escena de ‘Gorgona’, de Eva Zapico y Begoña Tena. Imagen cortesía de Sala Ultramar.

‘El número de la pallassa que beu’ y ‘El número del bebé’, ‘Aquí no va a salir el sol’, ‘Hambre’ y  ‘Gorgona’ pueden verse del 5 al 7 de marzo, a las 20 horas. El 8 de marzo la función empezará a las 21.30 horas, y  la sala invitará a una copa de vino y un pequeño aperitivo antes de la función.

Las cuatro piezas indagan sobre el concepto de sororidad, especialmente, ‘Gorgona’ (5 de marzo), que combina los textos de Begoña Tena y la interpretación y dirección de Eva Zapico. Un trabajo de investigación más amplio cuyo resultado final todavía no tiene fecha de estreno. El resto de piezas,  ‘El número de la pallassa que beu’ y ‘El número del bebé’,  ‘Aquí no va a salir el sol’ y ‘Hambre’ han sido recuperadas y revisadas para las funciones de Ultramar.

Glenn Close en un fotograma de Albert Nobbs, de Rodrigo García.

Glenn Close en un fotograma de ‘Albert Nobbs’, de Rodrigo García. Universitat de València.

Bel Carrasco

El inventario cromático de Angélica Dass

Humanae, de Angélica Dass
IV Festival 10 Sentidos
Centro del Carmen
C / Museo, 2. Valencia
Viernes 14 de noviembre, 19.00h

Si participaste en el Work in progress de la exposición de Angélica Dass ‘Humanae’ durante el IV Festival 10 Sentidos o aún no conoces la exposición, el viernes 14 de noviembre a las 19h en el Centro del Carmen de Valencia tienes una cita para asistir a la presentación de las fotografías tomadas durante los días del pasado Festival 10 Sentidos.

‘Humanae’ es un proyecto, en desarrollo, de la brasileña Angélica Dass, que pretende desplegar un inventario cromático de los diferentes tonos de piel humana. Quienes posan son voluntarios que han conocido el proyecto y deciden participar en él. No existe una selección previa de los participantes ni se atiende a epígrafes de clasificación referentes a nacionalidad, género, edad, raza, clase social o religión. Tampoco hay una intención explícita de terminarlo en una fecha determinada. Está abierto en todos los sentidos e incluirá a cuantos quieran formar parte de este colosal mosaico global. El límite solo se alcanzaría al completar la totalidad de la población mundial.

Pocas veces se ha acometido una taxonomía fotográfica de estas proporciones; quienes precedieron a Angélica Dass fueron personajes del siglo XIX que, por diferentes motivos -policiales, médicos, administrativos o antropológicos- pretendían servirse de las fotografías para establecer desde el poder diversos tipos de control social. El más conocido es el de los retratos de identidad, iniciado por Alphonse Bertillon y utilizado ahora universalmente. Sin embargo, esta taxonomía de proporciones borgianas que ha iniciado Angélica, ha adoptado un formato, el de las Guías PANTONE®, que desactiva cualquier pretensión de control o de establecimiento de jerarquías en función de la raza o la condición social.

Estas guías se han convertido en uno de los principales sistemas de clasificación de colores, que son representados mediante un código alfanumérico, lo que permite recrearlos de manera exacta en cualquier soporte: es un estándar técnico-industrial. El proceso seguido en ‘Humanae’ también es sistemático y riguroso: cada retrato se sitúa sobre un fondo teñido con un tono de color idéntico a una muestra de 11×11 píxeles extraída del rostro del fotografiado. Alineados como en los famosos muestrarios, la horizontalidad no es solo formal también es de orden ético.

Así, sin aspavientos, con la extraordinaria simpleza de esta metáfora semántica, Angélica Dass diluye la falsa preeminencia de unas razas sobre otras. Le basta con un “inocente” desplazamiento del contexto socio-político del problema racial a un medio inocuo, el de las guías, donde los colores primarios tienen exactamente la misma importancia que los mezclados. Incluso se diluye la figura de poder que suele ostentar el fotógrafo en los retratos. La utilización de códigos y materiales visuales pertenecientes al imaginario que todos compartimos, deja en un segundo plano la autorreferencialidad, a menudo insistente y cansina, de los artistas.

A la dilución de la jerarquía del autor contribuye asimismo la voluntad de que el proyecto evolucione en otras direcciones ajenas a su control: debates, usos didácticos, réplicas y un sinfín de alternativas que ya se han activado al compartir ‘Humanae’ en las redes sociales. Muchos de los ingredientes que caracterizan el [mejor] espíritu de este tiempo parecen formar parte de este proyecto: autorías compartidas, solidaridad activa, propuestas locales susceptibles de funcionar a escala global, colaboración en red, comunicación expandida a espacios alternativos de debate, concienciación sin dirigismo ideológico, horizontalidad social. El espectador está invitado a presionar el botón de compartir en su cerebro.

Obra en pantone de Angélica Dass.

Obra en pantone de Angélica Dass de su proyecto expositivo ‘Humanae’, presentado en el Centro del Carmen dentro del Festival 10 Sentidos. Imagen cortesía de la organización del festival.

Cristina Chumillas

Ver visiones: los problemas de género

Ver visiones. Reinterpretando el presente
Centro del Carmen
C/ Museo, 2. Valencia
Comisariado por Álvaro de los Ángeles y José Luis Pérez Pont
Hasta el 13 de julio de 2014

Enrique Zabala (Galería Rosa Santos) / Miaz Brothers (Galería Paz y Comedias)
CIS: Los problemas relacionados con la mujer

Vista de sala con la obra de Miaz Brothers en Ver visiones. Foto: Nacho López. Imagen cotesía de los artistas y Galería Paz y Comedias.

Vista de sala con obras de Miaz Brothers en Ver visiones. Foto: Nacho López. Imagen cotesía de los artistas y Galería Paz y Comedias.

Vista de sala con la obra de Enrique Zabala en Ver visiones. Foto: Nacho López. Imagen cotesía del artista y Galería Rosa Santos.

Vista de sala con obras de Enrique Zabala en Ver visiones. Foto: Nacho López. Imagen cotesía del artista y Galería Rosa Santos.

Vista de sala con la obra de Miaz Brothers en Ver visiones. Foto: Nacho López. Imagen cotesía de los artistas y Galería Paz y Comedias.

Vista de sala con obras de Miaz Brothers en Ver visiones. Foto: Nacho López. Imagen cotesía de los artistas y Galería Paz y Comedias.

El siglo XX ha sido el siglo de la liberación de la mujer, de la conquista de sus derechos jurídicos y sociales. Al menos, en Occidente. Pero como la historia es un proceso dialéctico, la consecución de esos logros suele llevar aparejados ciertos efectos negativos que solemos pasar por alto o co­locar en el debe que no corresponde. Es como si el sujeto, liberado de ciertas cadenas, se encon­trara con un inesperado peso a causa de la responsabilidad a la que le obliga su recién adquirida libertad y buscara nuevos refugios; nuevos chivos expiatorios. Como si saliera de un pasado tene­broso para meterse en un presente que, de tan luminoso, le cegara hasta el punto de dificultar el gobierno de tan ansiada vida.

Enrique Zabala. Serie Never so close. Portraits, 2012-2014. Acrílico y óleo sobre lienzo. 81 x 81 x 3 cm. Imagen cotesía del artista y Galería Rosa Santos.

Enrique Zabala. Serie Never so close. Portraits, 2012-2014. Acrílico y óleo sobre lienzo. 81 x 81 x 3 cm. Imagen cotesía del artista y Galería Rosa Santos.

El diálogo entre la obra de Miaz Brothers, con sus rostros desdibujados, invisibles, tenebrosos, y la de Enrique Zabala, con sus rostros diametralmente opuestos, naturalistas, diríase que quemados por cierto exceso de luz, permite abrir un interesante camino en esa bifurcación de senderos que los artistas velan o revelan. En el fondo, Miaz Brothers y Enrique Zabala son las dos caras de una misma moneda: la del sujeto disociado en la sociedad contemporánea.

Miaz Brothers. Lady F, 2014. Acrílico sobre lienzo. 162 x 130 cm. Imagen cortesía de los artistas y Galería Paz y Comedias.

Miaz Brothers. Lady F, 2014. Acrílico sobre lienzo. 162 x 130 cm. Imagen cortesía de los artistas y Galería Paz y Comedias.

A la famosa pregunta de Stendhal, ¿por qué no son felices los hombres en el mundo moderno?, Pascal Bruckner en La tentación de la inocencia responde: “Porque se han liberado de todo y se dan cuenta de que la libertad es insoportable de vivir”. Y “así como la liberación posee una especie de grandeza épica y poética cuando nos libera de la opresión, la libertad, porque compromete y obliga, nos tiraniza a través de sus exigencias”.

Enrique Zabala. Serie Never so close. Portraits, 2012-2014. Acrílico y óleo sobre lienzo. 81 x 81 x 3 cm. Imagen cotesía del artista y Galería Rosa Santos.

Enrique Zabala. Serie Never so close. Portraits, 2012-2014. Acrílico y óleo sobre lienzo. 81 x 81 x 3 cm. Imagen cotesía del artista y Galería Rosa Santos.

Los hermanos Renato y Roberto Miaz nos hablan de la invisibilidad del rostro, del difícil recono­cimiento de ciertas figuras, de un espectador que ansía verlo todo, pero se ha de conformar con los perfiles borrosos de una realidad a la que le falta pasar el paño que descubriera cierta verdad. Son rostros ocultos bajo una luz brumosa, parecida a la que destilan algunos paisajes románticos, a la que Visconti inmortalizó en su Muerte en Venecia. Rostros vaporosos y difusos cuyo halo es­pectral proviene del reino de los fantasmas. Invisibilidad que bien pudiera referirse a la de la mujer, momentos antes de proclamar su derecho a la visibilidad pública; su derecho a salir del ámbito privado, oculto y silencioso, con el fin de alcanzar la luz de la palabra que demanda ser escuchada.

Miaz Brothers. Old master #31, 2014. Acrílico sobre lienzo. 162 x 130 cm. Imagen cortesía de los artistas y Galería Paz y Comedias.

Miaz Brothers. Old master #31, 2014. Acrílico sobre lienzo. 162 x 130 cm. Imagen cortesía de los artistas y Galería Paz y Comedias.

Los rostros de Enrique Zabala vendrían a responder a esa solicitud. Son rostros que miran de frente, que interpelan al espectador, crudos, excesivamente crudos, de piel sometida a los fre­cuentes avatares de la existencia, naturalista, reflejando la corrupción que impone el paso del tiempo. Diríase que la mujer, cansada de aquella invisibilidad pretérita, ofreciera testimonio vivo, tremendamente vivo, de su proclamada libertad en forma de huellas de lo real que muestra de cara al público. Las tinieblas fantasmales de Miaz Brothers se transforman en diáfana y áspera interpelación por parte de Enrique Zabala.

Enrique Zabala. Serie Never so close. Portraits, 2012-2014. Acrílico y óleo sobre lienzo. 81 x 81 x 3 cm. Imagen cotesía del artista y Galería Rosa Santos.

Enrique Zabala. Serie Never so close. Portraits, 2012-2014. Acrílico y óleo sobre lienzo. 81 x 81 x 3 cm. Imagen cotesía del artista y Galería Rosa Santos.

El diálogo entre ambos artistas supura una crítica que bien pudiera condensarse en los siguientes términos: el movimiento emancipatorio de la mujer, que promueve su salida de aquella invisibili­dad, tiene como correlato la manifestación cruda de las huellas producidas por tamaña lucha. Del fantasma imaginario al encuentro con lo real. De aquella “grandeza épica y poética” de la libera­ción, anunciada tras la bruma romántica de Miaz Brothers, pasamos sin solución de continuidad al lacerado testimonio de las mujeres retratadas en carne viva por Enrique Zabala.

Miaz Brothers. Old master #30, 2014. Acrílico sobre lienzo. 162 x 130 cm. Imagen cortesía de los artistas y Galería Paz y Comedias.

Miaz Brothers. Old master #30, 2014. Acrílico sobre lienzo. 162 x 130 cm. Imagen cortesía de los artistas y Galería Paz y Comedias.

No hay articulación posible entre ambos mundos y experiencias, por cuanto la única verdad en el reino de las tinieblas es su constante desdibujamiento, y en el del descarnado testimonio exis­tencial la verdad inapelable de lo radicalmente constatable. Hay, sin duda, cuestionamiento de la realidad. Miaz Brothers lo hace por la vía de la ambigüedad figurativa, quebrando la mirada complaciente del espectador. Enrique Zabala lo hace metiendo la directa, para confrontar a ese mismo espectador con la cruda existencia. Cuestionamiento, pues, de la realidad, que conlleva su inevitable vaciado. De manera que, ante ello, aflora el escepticismo (brumoso) o la angustia (des­carnada), dejando entrever una cierta victimización causada, paradójicamente, por esa realidad cuestionada.

Enrique Zabala. Serie Never so close. Portraits, 2012-2014. Acrílico y óleo sobre lienzo. 81 x 81 x 3 cm. Imagen cotesía del artista y Galería Rosa Santos.

Enrique Zabala. Serie Never so close. Portraits, 2012-2014. Acrílico y óleo sobre lienzo. 81 x 81 x 3 cm. Imagen cotesía del artista y Galería Rosa Santos.

Pascal Bruckner llama victimización a “esa tendencia del ciudadano mimado del ‘paraíso capita­lista’ a concebirse según el modelo de los pueblos perseguidos”. Modelo que constituye toda una paradoja del individuo contemporáneo “pendiente hasta la exageración de su independencia, pero que al mismo tiempo reclama cuidados y asistencia, que combina la doble figura del disidente y del bebé y habla el doble lenguaje del no conformismo y de la exigencia insaciable”. El fructífero diálogo entre las obras de Miaz Brothers y Enrique Zabala levanta acta de esa disociación. Las figuras invisibles y los rostros descarnados, cada cual en su propio territorio, señalando cierto reguero de víctimas.

Miaz Brothers. Old master #19, 2014. Acrílico sobre lienzo. 162 x 130 cm. Imagen cortesía de los artistas y Galería Paz y Comedias.

Miaz Brothers. Old master #19, 2014. Acrílico sobre lienzo. 162 x 130 cm. Imagen cortesía de los artistas y Galería Paz y Comedias.

Salva Torres