Un paseo por ARCO

Entre los días 21 y 25 de febrero se dieron cita muchas de las más destacadas galerías e instituciones nacionales e internacionales en Arco, que como es habitual, se ha convertido en un punto de encuentro en el que convergen tanto galerías e instituciones como críticos, coleccionistas, artistas y, por supuesto visitantes.

Dejando de lado el objetivo comercial que dentro de sus propios cánones de calidad predomina en la feria, hemos querido indagar en los escaparate de algunas de las galerías, que recordemos, siempre intentarán dar visibilidad a las mejores obras en cuanto a significado, y de este modo atraer la atención, porque bien es cierto que los encargados de las mejores colecciones no solo se fijan en el autor de la obra, su prestigio y trayectoria, lo más habitual es que se muevan por los más variados patrones para escoger las piezas, y lo que en sí representan para sus colecciones. Teniendo en cuenta esto, lo que hemos tratado de hacer es ver cuales son las ideas o propuestas de algunas de las galerías que hemos elegido por proximidad geográfica, y sus propuestas en Arco para atraer potenciales compradores y atraer la atención de los citados visitantes y profesionales.

Para empezar, en cuanto al stand de la galería Luis Adelantado, debemos decir que su puesta en escena ha sido muy impactante, la monumental obra de Jorge Peris «La Patética para Instrumento Innombrable» se erguía prácticamente en el centro de éste. Se trata de una obra en la que el autor juega con el desgaste de los materiales, la madera muestra signos que dan la sensación de que se encuentra en mal estado, además de la idea de equilibrio. De hecho, la obra se encuentra en total suspensión, motivo por el cual los trabajadores de la galería tenían que estar muy atentos para que nadie pudiera derribarla, puesto que, teniendo en cuenta las proporciones de la obra, podría incluso haber causado daño a algún transeúnte. Esta idea del equilibrio que muestra Jorge Peris la podemos encontrar en otras piezas que se pueden ver en la galería, como lo es por ejemplo «Escalera de Sauro».

«La Patética para instrumento innombrable». Jorge Peris,2018. Intervención en mobiliario de madera,280 x 155 x 250 cm.

«La Patética para instrumento innombrable». Jorge Peris,2018. Intervención en mobiliario de madera,280 x 155 x 250 cm.

«Escalera de Sauro». Jorge Peris, 2017. Fotografía cortesia de www.luisadelantado.com

«Escalera de Sauro». Jorge Peris, 2017. Fotografía cortesia de www.luisadelantado.com

También se pudo disfrutar de obras de artistas, como Rubén Guerrero, Darío Villalba, Marius Engh o Irma Álvarez-Laviada. Rubén Guerrero con sus obras explora los límites de la pintura además de tener un buen tratamiento de la geometría y la tridimensionalidad, éstas fueron expuestas en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga con el nombre de «Familias Mínimas». De la artista Irma Álvarez-Laviada se muestra una obra sin título, pero cuyos materiales nos llamaron la atención, puesto que se trata de un aglomerado de poliuretano, madera de mansonia y cristal de museo.

«Sin Título». Rubén Guerrero, 2017. Óleo y esmalte sobre lienzo. 239 x 132 cm

«Sin Título». Rubén Guerrero, 2017. Óleo y esmalte sobre lienzo. 239 x 132 cm

«Sin Título». Irma Álvarez-Laviada, 2018. Tabla con partícules de Poliuretano, madera de mansònia y cristal de museu. 200 x 100/ 200 x 100/ 100 x 100 cm

«Sin Título». Irma Álvarez-Laviada, 2018. Tabla con partícules de Poliuretano, madera de mansònia y cristal de museu. 200 x 100/ 200 x 100/ 100 x 100 cm

El siguiente stand que visitamos fue el de la galería Rosa Santos, en el que nos llamó la atención una gran cantidad de autores: Alex Francés, Juanli Carrión, Rafael Tormo i Cuenca, Xisco Mensua, Greta Alfaro, Xavier Arenós, Mira Bernabeu, o Chema López. Rosa Santos apuesta en gran medida por artistas de origen valenciano y ofrece una lectura que invita a pensar que reivindica lo más próximo, no tanto como una mirada de la defensa del folclore, sino más bien desde el punto de vista del cambio emblemático al que se enfrenta Valencia y en el que parece poner acento.

Destacamos sobre todo a los artistas Xavier Arenós y Rafael Tormo i Cuenca y sus obras. La de Arenós se compone de cuatro vigas de hierro entrecruzadas, éstas llevan dos colores: rojo y blanco. El significado de la obra tiene que ver con el momento en que Valencia se convirtió en la capital de la República en 1937, tema de actualidad en cuanto a exposiciones, teniendo en cuenta que el año pasado se celebró en la Nau la exposición «Valencia, capital de la República». Los colores simbolizan los bandos enfrentados durante la Guerra Civil Española (1936-1939), es decir, el bando de los Nacionales sublevados y el republicano. El hecho de que se encuentren entrecruzadas muestra la convulsión del momento al igual que el material nos habla de la tensión que se vivió durante aquellos años.

«Tensegridad roja y blanca». Xavier Arenós, 2016. Madera, hierro y cable, 412 x 21 x 25 cm

«Tensegridad roja y blanca». Xavier Arenós, 2016. Madera, hierro y cable, 412 x 21 x 25 cm

La obra de Rafael Tormo i Cuenca muestra ideas muy interesantes. Por un lado, vemos lo que parecen ser chabolas, tiendas de campaña o jóvenes. Lo que en primera instancia puede parecer un ambiente de pobreza es una visión del 15-M en Valencia, el movimiento de los indignados que tantas voces silenciosas hizo resonar por un instante. Aunque lo interesante en esta obra es el método en que se ha realizado. Se trata de pequeños paneles de cerámica llevados a cabo a la manera tradicional valenciana, la típica del siglo XIX. En aquella época los temas predominantes eran: el folclore, las fiestas, lo regional, naranjos, falleras, hortelanos o campos. En este caso, lo que se ha plasmado no es el folclore, sino una reivindicación de derechos y libertades. Es en este punto en el que encontramos cierto paralelismo. Realmente la cerámica del siglo XIX valenciano y la obra de Tormo y Cuenca hablan de Valencia, dejando de un lado lo obvio, de como era valencia y de como es ahora, la Valencia de las tradiciones y de exaltación regional frente a la Valencia progresista y crítica que cuestiona el orden establecido y reclama sus derechos.

Rafael Tormo y Cuenca.

Rafael Tormo y Cuenca.

También nos pareció interesante la obra de Mira Bernabeu y cómo mediante el uso de la fotografía en grupo consigue mostrar valores de diferente índole, ya sean; morales, históricos, religiosos, o del comportamiento humano en general. El dramatismo no es un recurso, sino un vehículo mediante el cual los personajes de sus obras manifiestan aquello que el artista se propone, de ahí que la escena sea un propio escenario teatral.

Obra Fotográfica de Mira Bernabeu.

Obra Fotográfica de Mira Bernabeu.

Al llegar al stand de Espaivisor damos razón de lo numeroso de obras expuestas. En todas está presente el aroma a actualidad. Los temas en sí no son nuevos, pero desgraciadamente siempre aparecen en las noticias porque se reiteran o bien por el hecho de que se recuerdan algunos hechos del pasado que aún hoy en día dan lugar a una cantidad ingente de debate. Nos vamos a adentrar en un stand en que se habla de sexualidad, represión, censura, feminismo, o el sufrimiento de aquellos que se ven forzados a abandonar su tierra o a permanecer encerrados entre cuatro paredes.

Encontramos a artistas latinoamericanos consagrados como, Miguel Ángel Ríos o Carlos Leppe. Miguel Ángel Ríos, con su obra, nos muestra como el hombre es quien pone fronteras al mundo, sobre todo el hombre blanco europeo. Critica el Postcolonialismo, los pliegues en la obra muestran esta idea de que en continentes como África las fronteras están hechas con escuadra y cartabón. El chileno Carlos Leppe se nos muestra como un gran performer que manifestó su identidad sexual en un contexto en que ésta esta peor vista que nunca, en tiempo de la dictadura de Pinochet.

«América». Miguel Ángel Ríos, 1996. Fotografía sobre papel metálico laminado, montado con nchinchetas sobre lienzo plegado. 195 x 270 cm

«América». Miguel Ángel Ríos, 1996. Fotografía sobre papel metálico laminado, montado con nchinchetas sobre lienzo plegado. 195 x 270 cm

«El Perchero». Carlos Leppe, 1975. Fotografía en blanco y negro en papel sobre forex. 50 x 14,7/ 50 x 15,2/50 x 16 cm.

«El Perchero». Carlos Leppe, 1975. Fotografía en blanco y negro en papel sobre forex. 50 x 14,7/ 50 x 15,2/50 x 16 cm.

El colombiano Miguel Ángel Ríos en «Serie Faenza» también se involucra en toda la oleada de artistas que se encargan de mostrar la comunidad homosexual reprimida de la sociedad. En la obra se plasma como Ríos se presenta en un cine al que se sabe que los hombres acuden para mantener relaciones sexuales entre ellos. Usa una caja en la que escondía su cámara, y llegado el momento, accionaba el obturador. Sus fotografías, como podemos ver, presentan cierto encanto debido a la belleza íntima que desprende el sistema analógico.

«Serie Faenza» Miguel Ángel Rojas, 1980. Impresión digital, políptico de 6 fotografías enmarcadas. 80 x 123 cm

«Serie Faenza» Miguel Ángel Rojas, 1980. Impresión digital, políptico de 6 fotografías enmarcadas. 80 x 123 cm

Entrando en la temática feminista encontramos a Liliana Maresca, Orlan, o Sanja Ivecovic. Aunque ésta última nos ha llamado bastante la atención. Porque no solo se muestra feminista, sino que además lo hace con un tono burlón frente a la tiranía del dictador Tito de Yugoslavia. Tito usaba la televisión para adoctrinar a la población mediante una serie de frases con las que trataba de mostrar la conducta adecuada al pueblo. Ivecovic emula esos anuncios y se burla de ellos. En las imágenes aparece saltando, danzando y mostrándose fuerte, segura e intrépida, un mensaje muy lejano al que el dictador trataba de mostrar por medio de estos mensajes de obediencia y sumisión.

«The Sentence». Sanja Ivekovic, 1979. Impresión montada sobre aluminio. 81 x 100 cm

«The Sentence». Sanja Ivekovic, 1979. Impresión montada sobre aluminio. 81 x 100 cm

Otras de las obras más interesantes que Espaivisor trajo a Arco fueron las de Mª Jesús González y Patricia Gómez, sus obras «Celda 1-1» y «Celda 5-3» son muy sobrecojedoras. Mediante un proceso en el que interviene el látex, extraen pintadas de paredes en las que ha habido personas retenidas, personas que han sufrido, que han visto la crueldad humana. Básicamente estas obras extraen la memoria de dichos lugares, nos muestran mediante los vestigios de las personas que las habitaron lo que han pasado, sus pensamientos, sus sentimientos. Unas obras magníficas que nos invitan a reflexionar sobre como los humanos nos comportamos con nosotros mismos, así como las injusticias que llegamos no solo a cometer, sino a permitir.

El siguiente stand que visitamos fue el de la galería Espai Tactel. La galería valenciana presentó obras de los artistas Amanda Moreno y Christo & Andrew. Todo el stand gira alrededor de la idea del cuerpo, con elementos que aluden a éste o su propia durabilidad, como se ve en las obras. Además, la idea del futuro también se encuentra bien presente, se utilizan elementos que poco a poco han sido introducidos en la sociedad con motivo de mejorar nuestro día a día, como el iWatboard que se ve en la obra «Hyper Futuristic»

«Mirror». Christo & Andrew, 2016. Impresión de tintas pigmentadas sobre papel fotográfico. 120 x 120 cm / «Artificial Landscape». Christo & Andrew, 2016. Impresión de tintas pigmentadas sobre papel fotográfico. 75 x 100 cm / «Hyper Futuristic». Christo & Andrew, 2016. Impresión de tintes sobre papel fotográfico. 90 x 120 cm.

«Mirror». Christo & Andrew, 2016. Impresión de tintas pigmentadas sobre papel fotográfico. 120 x 120 cm / «Artificial Landscape». Christo & Andrew, 2016. Impresión de tintas pigmentadas sobre papel fotográfico. 75 x 100 cm / «Hyper Futuristic». Christo & Andrew, 2016. Impresión de tintes sobre papel fotográfico. 90 x 120 cm.

Dejando de lado las obras futuristas de Christo & Andrew, debemos hablar del interés que despiertan las obras de Amanda Moreno. Éstas hablan directamente del cuerpo y, a su vez, del carácter efímero que caracteriza a éste. Las obras que nos plantea son: «Sleepwalker Chronobiology» y «In the Mood of Worms».

«Sleepwalker Chronobiology». Amanda Moreno, 2017. Hierro. 210 x 210 x 105 cm.

«Sleepwalker Chronobiology». Amanda Moreno, 2017. Hierro. 210 x 210 x 105 cm.

«In the Mood of Worms». Amanda Moreno, 2017. Pintura a la tiza sobre DM. Medidas Variables.

«In the Mood of Worms». Amanda Moreno, 2017. Pintura a la tiza sobre DM. Medidas Variables.

La segunda se muestra como un ejemplo de Vanitas, aunque, lejos de mostrarse como en otros momentos de la Historia del Arte mediante una calavera o bajo la idea de Hommo Bulla, aquí se nos presenta como una cara más o menos visible realizada con formas de gusanos. Estas formas aluden a los intestinos debido a la rugosidad con que han sido realizadas. Pero la verdadera relación se encuentra con los propios gusanos, que en sí aluden a la muerte, debido a que son los que acuden a nuestro cuepo una vez éste se encuentra en estado de descomposición.

El último de los stands que visitamos fue es el de la galería Aural, y esta no fue una visita como las anteriores. Lo que pudemos contrastar obedece a los criterios que se siguieron para montar el stand. La idea principal es que el espacio y las obras deben permanecer en total armonía. Además, los propios artistas deben de mostrar cierta armonía con los demás, ya sea: temática, cronológica, o espacial, por ejemplo.

Aural ha tratado de mostrar gran parte de las mejores obras de las que la galería dispone basándose, no tanto en las normas que el mercado dicta, sino teniendo en cuenta lo que las obras tienen que decir, que lo que éstas expresen tenga significado y lleve al espectador a realizar un diálogo con ellas. No se busca tanto mostrar el arte por el arte, sino más bien que las obras tengan cosas que decir, sentimientos que expresar, a fin de cuentas, inducir a la reflexión.

Entre ellas, obras de: Anna Bella Geiger, Concha Jerez, Fernando Sinaga, Isaac Montoya, Javier Vallhonrat, José Maldonado, Juan José Martín, Luis Gordillo y Máximo González. Dentro de la obra de estos autores podemos encontrar temáticas muy variadas, al igual que estilos, como por ejemplo la vinculación entre Sinaga y el Postminimalismo. También es muy interesante la manera en que Máximo González critica el sistema económico o la manera en que Juan José Martín cuestiona las fronteras políticas del planeta.

«Serie Atlas Mundial de Selecciones: Francia y los Alpes; Europa Sudoriental; Egipto y Sudán». Juan José Martín, 1979. Páginas de libros recortadas. 37 x 55 cm.

«Serie Atlas Mundial de Selecciones: Francia y los Alpes; Europa Sudoriental; Egipto y Sudán». Juan José Martín, 1979. Páginas de libros recortadas. 37 x 55 cm.

Así pues, como podemos comprobar, las galerías escogidas proponen temáticas más o menos diferentes y formas muy diversas de presentar sus obras. Pero todas tienen en común, salvo Espai Tactel, obras de carácter crítico y social. El feminismo se encuentra muy presente, el cuestionamiento de fronteras y el orden establecido es una de las temáticas que comparten Espaivisor y Aural, mientras Espai Tactel habla de temas profundos e introspectivos, como el concepto de vanitas.

En sí, todas las galerías han llevado las obras y temáticas más actuales, que sin duda han llamado la atención e invitado a pensar en relación a éstas, algo que sin duda suma para atraer a coleccionistas. Como siempre, Arco es una feria en que todos los stands sacan a relucir sus mejores argumentos buscando atraer a todo aquel que se pase por ella, y sin duda, los stands de las galerías visitadas han estado a gran altura.

Baltasar Camps Estellés.

 

Maneras de observar, en Luis Adelantado

Modalidades de lo visible. Irma Álvarez-Laviada

Un Dos One Two. Camila Oliveira Fairclough

Anganxada. BOILER ROOM. Clarence Guéna

Galería Luis Adelantado, Valencia
Hasta el 18 de febrero de 2017

La galería Luis Adelantado se complace en invitarnos a visitar las primeras exposiciones en la galería valenciana de tres artistas: la asturiana Irma Álvarez-Laviada, la carioca Camila Oliveira Fairclough y el parisino Clarence Guéna. Desde fuera, desde la calle, pudiera parecer que la galería se encuentra en cambio de exposición, ya que lo primero que vemos es una caja de madera abierta, bastante grande y parecida a las empleadas en transporte de obras de arte. El polietileno nos da una pista de que quizás en ella se almacene algo frágil. Nos giramos, y vemos un cartón milimetrado cuidadosamente enmarcado. Y si alzamos la vista, más cartón ondulado. La atmósfera evoca un estadio previo a la propia exposición, como al momento de embalaje de las obras antes del traslado.

En realidad, estos y otros trabajos de la serie Modalidades de lo visible de Irma Álvarez-Laviada evocan la cotidianeidad del artista, de su práctica en su taller y sus materiales, “un cuestionamiento del vacío a través de los modos de hacer” partiendo de la relación entre pintura y escultura. La artista hace visibles los componentes para interrogarnos sobre los estados de percepción de sus piezas. Por ejemplo, en S.T. VI 2016, la caja deja de ser caja al ser desdoblada, y pasa a ser un cartón recortado de una cierta forma. Luego, el marco contribuye a que no sólo sea eso y, en cambio, pueda considerarse otra representación posible de una caja – como también lo podría ser “caja. Del lat. capsa. 1. f. Recipiente que, cubierto con una tapa suelta o unida… etc.” – adecuada al entorno en el que se ubica.

Irma Álvarez-Laviada. S.T. VI (Modalidades de lo visible), 2016 Caja de cartón, madera y metacrilato. 658 x 57,6 cm

Irma Álvarez-Laviada. S.T. VI (Modalidades de lo visible), 2016
Caja de cartón, madera y metacrilato. 658 x 57,6 cm

Camila Oliveira “está tranquila, bastante tranquila”. En torno a una docena de acrílicos sobre lienzo nos interpelan. Los colores son agradables “mira los colores que te rodean” y el tamaño considerable. Los rótulos en inglés versan sobre el cuerpo y el movimiento: “El sol brilla suavemente sobre ti”; “Estoy completamente relajada, mi espalda esta plana”; “Dejar de lado todas las tensiones”; “Estás relajada, te sientes bien” o simplemente “Relax”.
Como en precedentes muy anteriores de finales de los años 60, como Art & Language, y posteriores vinculaciones entre el arte conceptual y las palabras, éstas son aquí imágenes con autonomía propia. Las palabras, tan tan familiares en nuestro día a día, tienen que ser percibidas – y volvemos a los Modos de ver – como objetos que nos hablan, al igual que el propio lenguaje, del mundo.

Camila Oliveira Fairclough. I am Relaxed, 2016 Acrílico sobre lienzo. 81 x 65 cm

Camila Oliveira Fairclough. I am Relaxed, 2016
Acrílico sobre lienzo. 81 x 65 cm

Esta vez en BOILER ROOM encontramos a Clarence Guéna. Es su primera individual aquí, aunque no la primera vez que expone en Luis Adelantado. Anteriormente, en 2014, formó parte de la XVI Call, siendo el segundo artista de la convocatoria de ese año en acudir a BOILER ROOM (y esperemos que no sea el último). Hay elementos que se enlazan en la obra de Guéna, y que no son demasiado amigos en un principio: el escariado en resina, los tapices, el punto de cruz o la pintura. Pero más difícil todavía podría ser la tarea de aunar lo ornamental con “la crudeza del gesto”, y sin embargo lo consigue en su obra.

Recomendables propuestas, incluso si se hace todo este recorrido al revés. Una vez un crítico de arte me sugirió que la mejor manera de ver la galería era subir en ascensor hasta el último piso y bajar andando.

Ismael Teira

Clarence Guéna. Anganxada, 2016 Vista general

Clarence Guéna. Anganxada, 2016
Vista general

»41 x 33» en Galería Cànem

41 x 33
Galería Cànem
C/Antonio Maura, 6. Castellón de la Plana
Hasta el 8 de marzo de 2016

La consolidada y consagrada Galería Cànem ofrecerá hasta el mes de marzo una muestra con parte de la obra gráfica editada por la galería en el taller de Pilar Dolz. El nombre que recibe la exposición, »41 x 33» es una referencia a las medidas del soporte- papel, que supone el factor denominador común de todas ellas, además de coincidir con el 41 aniversario de la inauguración de esta misma galería.

Las obras pertenecen a diversos y variados autores como : Ramón Roig, Manuel Saez, Joan Cardells, Vicent Carda, Rafael Marti Quinto, Evarist Navarro, Wences Rambla, Nuria Besé, Carme Vidal, Pepe Nebot, Pepe Agost, Lidon Fabra, Isabel Tristán, Javier Loren, Rosa Torres, Manilo Rey-Fueyo o la misma Pilar Dolz. Los cuales, han tenido todos ellos, algún tipo de relación con la galería durante estos 41 años de impecable trayectoria.

Cabe destacar que otra de las constantes -además de las medidas-, de la exposición, reside en la técnica y el soporte empleado para ella, ya que todas se encuentran realizadas mediante la técnica del aguafuerte sobre papel, esto es así, con el fin de dar uniformidad al conjunto de la muestra que se nos ofrece.

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En ellos sentiremos la luminosidad de la tinta, la tactilidad de los surcos, la firmeza del trazo… toda su sensualidad, incluso el ritmo de la música amada. Con ellos descubriremos que toda obra es en esencia un poema tanto impresa sobre el soporte-papel, como en el libro íntimo.

Los grabados se encuentran numerados correspondiendo a la serie editada de una plancha. Esto nos dice que es una obra múltiple; pero todas ellas son obras originales, perdiéndose la condición de unicidad, y exclusividad. En la era de la reproducción técnica conseguimos popularizar el arte, haciéndolo de consumo común (por lo menos posibilitandolo) saboreándolo personalmente.

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De esta manera cada uno puede satisfacer el deseo de posesión, sabiendo que a la vez que individual hay un anhelo de compartir. El taller de Pilar Dolz ha conseguido desde una plancha, una matriz, multiplicar la originalidad de la obra, llegar al observador, que deviene comprador múltiple, variado y diverso. Así de los grabados podemos decir como escribía S. Espriu: «Varios son los hombres y diversas las hablas y convendrán todos a un único amor, la obra de arte … que nos hermana y humaniza».

Porque  es, precisamente, a partir de la obra (la cosa llamada obra) que podemos hablar de arte.

Russafa Escènica vuelve a tomar el Rialto

II Ciclo Russafa Escènica en el Rialto
Teatre  Rialto
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Del 13 al 17 de enero y del 9 al 13 de marzo de 2016

El festival de artes escénicas de Valencia reestrena en las tablas del teatro Rialto seis de las obras que formaron parte del cartel de la quinta edición de Russafa Escènica. Tres de las obras se representarán del 13 al 17 de enero y las tres restantes del 9 al 13 de marzo.

Imagen de la obra 'A España no la va a conocer ni la madre que la parió', de Víctor Sánchez. Cortesía de Russafa Escènica.

Imagen de la obra ‘A España no la va a conocer ni la madre que la parió’, de Víctor Sánchez. Cortesía de Russafa Escènica.

El ‘II Ciclo de Russafa Escènica en el Rialto’ se pone en marcha por segundo año consecutivo con la colaboración con CulturArts. En esta segunda edición la Sala José Sancho del mítico teatro valenciano acogerá las propuestas que se crearon para ser representadas en espacios no convencionales del barrio como peluquerías, talleres o galerías de arte y cuya temática gira entorno a las ‘Familias’, lema de Russafa Escènica 2015.

De esta forma, las obras que componen el ciclo han sido readaptadas para responder al esquema propio del teatro a la italiana, lo que supone para las compañías participantes una oportunidad de consolidar sus propuestas y de abrirse a un nuevo público.

Réquiem, de Chema Cardeña. Imagen cortesía de Russafa Escènica.

Réquiem, de Chema Cardeña. Imagen cortesía de Russafa Escènica.

Las seis propuestas que forman parte de este proyecto corresponden a los seis bosques de la pasada edición del festival, es decir, las piezas con mayor aforo y duración: A España no la va a conocer ni la madre que la parió, de Víctor Sánchez; Río por no llorarme, de Xavi Domènech; Split a Mort, de Loles Serrano y Sílvia Navarro; El mirador presenta…Dies de guardar, de María José Peris; Réquiem, de Chema Cardeña y RePlay, de José Doménech.

Río por no llorarme, de Xavi Doménech por La Barbàrie Teatro. Imagen cortesía de Russafa Escènica.

Río por no llorarme, de Xavi Doménech por La Barbàrie Teatro. Imagen cortesía de Russafa Escènica.

Todas las obras tendrán un único pase con una duración aproximada de entre 60 y 80 minutos y el precio variará de entre 5 y 10 euros. Por otra parte, siguiendo el espíritu de cercanía que promueve Russafa Escènica el ciclo incluirá una serie de sesiones “aftertalk”, un guiño a una de las características del festival: establecer una relación cercana entre público y artistas.

Imagen de A España no la va a conocer ni la madre que la parió. Russafa Escènica 2015.

Imagen de ‘A España no la va a conocer ni la madre que la parió’, de Víctor Sánchez. Cortesía de Russafa Escènica.

 

Russafa, el barrio de las mil danzas

Festival Circuito Bucles
Diferentes espacios de Russafa
Del 29 de octubre al 1 de noviembre de 2015

Russafa se echa a bailar. Librerías, galerías de arte, comercios, restaurantes y terrazas de este barrio, que es hoy el más vivo y dinámico de la ciudad, se convertirán este fin de semana en el país de las mil danzas. Es la 3ª edición del festival Circuito Bucles, dirigido por Isabel Alfaro y Juan Pinillos  que bajo el lema ‘Disciplinas convergentes’ arrancó el  jueves 29 de octubre con una extensa y variada programación que se extenderá a lo largo de cuatro jornadas. Participan un total de 22 compañías la mayoría integradas por bailarines valencianos emergentes, también compañías nacionales y una de México.

“Hemos dado un salto exponencial”, afirma Pinillos. “El festival ha cambiado, ha crecido y se ha cimentado. Tenemos un montón de actuaciones gratuitas que se irán actualizando en la página web”. Nacido en 2013, este encuentro pretender ser una plataforma de promoción de nuevos creadores e intérpretes, y un laboratorio de experimentación abierto al intercambio y el diálogo artístico.

Festival Circuito Bucles. Imagen cortesía de la organización.

Festival Circuito Bucles. Imagen cortesía de la organización.

Junto a los formatos ya tradicionales Bucles, piezas de 30 minutos, y Minibucles de unos 15, la programación propone este año un Extra Bucle, La Jaula, obra multidisciplinar de danza contemporánea y poesía en la que  Nautile muestra la  importancia de la sensibilización ante la sociedad de las personas con diversidad funcional. Dentro del programa Satélite Bucles, sesiones de danza gratuita para todos los públicos y charlas abiertas con especialistas.

Flamenco y’ break dance’

En el apartado de Bucles participan: Lloc Incert, con Un heróico Intento y la pieza  Onkar, interpretada por Raul Huaman y Lorenza Di Calogero. La compañía valenciana Rodak fusiona la danza teatro y la performance en Click and go.  El flamenco está presente con la compañía Marcos Morales que llega desde Málaga para interpretar Los Restos del Naufragio. La danza más moderna, el break dance, combinada con el teatro de humor, lo traen los madrileños Umami con Agridulce. La poesía de Encarna Reig del Llibre de l’ànima i de les coses salvatge” se fusiona con la danza de Lorenza Di Calogero en un espectáculo del mismo título.

Los madrileños  Babirusa Danza desembarcan con Brea y Plumas, una creación que ahonda en el patriarcado como estructura de subordinación, y la compañía catalana DGustart representa Pilot automàtic, espectáculo multidisciplinar que habla sobre la rutina y sus consecuencias sobre las personas.                                                                             Además, los Minibucles ocuparán el centro Spirit of St. Luis con siete micropiezas.

Festival Circuito Bucles. Imagen cortesía de la organización.

Festival Circuito Bucles. Imagen cortesía de la organización.

Satélite Bucles

Entre las actividades de Satélite Bucles, la presentación de Bailar en precario, el primer estudio realizado en la Comunidad Valenciana sobre la situación que sufren los profesionales de la Danza, realizado por la Universidad de Valencia por encargo de la Asociación de Profesionales de la Danza de la Comunidad Valenciana (APDCV). Habrá también clases gratuitas de baile para mayores y pequeños, clases de Lindy Hop para bailarines y clases de Danza en Familia y Danza Creativa.

También se celebrarán charlas y debates, como el  dirigido por Juan Bernardo Pineda, profesor de Lenguaje Audiovisual y Performance en la Universidad de Zaragoza, miembro del International Dance Council –Unesco y presidente del Comité Científico del Congreso Internacional de Film de Danza. Hablará sobre  ‘La danza en el cine musical de Fred Astaire, Gene Kelly y Stanley Donen en oposición a la obra de Busby Berkeley’. Carmen Giménez Morte tratará el tema,  ‘Repensando en Centro Coreográfico’.

Entre las actuaciones gratuitas la que acogerá la clausura del festival, Aproximaciones a Poble Nou, a cargo de la Cía Mou Dansa. La programación de Satélite Bucles se irá actualizando en la web del festival ya que siguen incorporándose nuevos artistas, como la bailarina y coreógrafa mexicana Magdalena Brezzo, cuatro veces ganadora del Premio Nacional de Danza de México.

(http://circuito-bucles.com/)

Cartel Circuito Bucles 2015.

Cartel Circuito Bucles 2015.

Bel Carrasco

Ni igualdad ni trato profesional en el arte valenciano

La recientemente inaugurada exposición “Las dueñas del arte”, en las Atarazanas de Valencia, abre de nuevo el debate acerca de la ausencia de condiciones profesionales en el trato a los artistas por parte del Ayuntamiento de Valencia, así como desde las galerías de arte valencianas. AVCA y AVVAC han hecho público un comunicado en el que manifiestan su punto de vista y reclaman medidas. Este es el texto íntegro:

“Desde hace años AVCA (Asociació Valenciana de Crítics d’Art) y AVVAC (Artistes Visuals de València, Alacant i Castelló) denunciamos las injustas condiciones a las que en ocasiones se somete a las y los artistas que participan en exposiciones financiadas con dinero público. Pese a las reiteradas ocasiones que se ha puesto en conocimiento de la Administración el hecho de que no remunerar a las y los artistas supone, en primer lugar, una negativa a reconocer sus derechos como profesionales, y en segundo, un trato desigual y discriminatorio desde el momento en que otros agentes que participan en el proyecto sí cobran por su trabajo, una vez más contemplamos con asombro cómo vuelven a ningunearse las demandas del sector al comprobar que las y los artistas participantes en la exposición “Las dueñas del Arte” no han obtenido remuneración alguna por participar en dicho proyecto.

Este hecho se reviste de especial gravedad cuando según la Concejala de Cultura, MarÍa Irene Beneyto, “es la mejor forma de celebrar el Día de la Mujer”, según declaraciones aparecidas en diversos medios. En nuestra opinión, no sólo no es la mejor manera, sino que constituye una total falta de consideración acerca de lo que significa celebrar el 8 de marzo, día de la Mujer Trabajadora, al organizar una exposición en la que se remunerará a la imprenta que edite el catálogo o a los comisarios responsables del proyecto, por poner un ejemplo, pero no a las artistas participantes, que son el verdadero motivo de la realización de la muestra.

Hay que recordar, asimismo, que el Síndic de Greuges resolvió hace pocos meses la necesidad de que la Administración abandone estas prácticas, en las que no media contrato alguno y no se remunera a las y los artistas, ya que únicamente conducen al progresivo deterioro del tejido artístico de la Comunidad Valenciana. Una vez más evidenciamos la falta de respeto que constituye este hecho, ya que tanto la Administración como las galeristas y comisarios pasan por alto que el trabajo de las y los artistas participantes debe ser respetado y, como tal, remunerado siempre y cuando haya dinero público destinado a la realización de un proyecto expositivo. La Administración, los comisarios y las galeristas que han impulsado este proyecto tenían una responsabilidad que cumplir, especialmente en una exposición que celebra el Día de la Mujer Trabajadora y que versa sobre la situación de desigualdad de ésta: reconocer su condición profesional y repartir los presupuestos del proyecto para que todas y todos cobrasen hubiera sido, a nuestro entender, la correcta manera de celebrarlo.

Esperamos sinceramente que se siga celebrando el día de la Mujer Trabajadora en sucesivas ocasiones, pero cumpliendo con las condiciones que harían de ésta una celebración digna y respetuosa con el respeto a la consideración de las y los artistas como profesionales”.

 

(Imagen: ValenciaPlaza)

“Los artistas en ARCO pintamos poco”

Desayunos Makma en Lotelito
Con Antonio Alcaraz, Carmen Calvo, Inma Femenía y Chema López, artistas valencianos presentes en la 34ª edición de ARCO, entre el 25 de febrero y el 1 de marzo de 2015
Entrevista realizada por el equipo de dirección de Makma: Vicente Chambó, José Luis Pérez Pont y Salva Torres

Cada año, el mes de febrero tiene fecha reservada para el arte contemporáneo en Madrid. Hablamos de ferias nacidas para satisfacer la necesidad comercial de las industrias culturales y, especialmente, de las galerías. La cita es del 25 de febrero al 1 de marzo, días en los que se reúnen en torno a ARCO, Just Madrid y Art Madrid  las galerías más destacadas a nivel nacional y algunas de las más representativas del panorama internacional. Pero, sobre todo, y sin duda lo principal, cientos de artistas que deberían ser el centro de tamaña concentración de arte. Como por ejemplo, los cuatro artistas valencianos reunidos por MAKMA en torno a un café en Lotelito.

De izquierda a derecha, Inma Femenía, Chema López, Carmen Calvo y Antonio Alcaraz, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

De izquierda a derecha, Inma Femenía, Chema López, Carmen Calvo y Antonio Alcaraz, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Salvo Inma Femenía, la más joven, al igual que la galería con la que va a JustMad, Área 72, el resto lleva años acudiendo a ARCO. “Yo he llegado a ir hasta con diez galerías”, dice Carmen Calvo, que el pasado lunes recibió de manos de los Reyes el Premio Nacional de Artes Plásticas correspondiente a 2013. Chema López, que acudirá con Rosa Santos, y Antonio Alcaraz, que lo hará con Múltiplos tras quedarse fuera la veterana Cànem de Castellón, son igualmente asiduos a la feria madrileña, que en esta edición únicamente contará con tres salas valencianas: Luis Adelantado, Espai Visor y la citada Rosa Santos, de un total de 212. “Es totalmente insuficiente”, señala Alcaraz.

Carmen Calvo y Antonio Alcaraz, durante los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

Carmen Calvo y Antonio Alcaraz, durante los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

«ARCO es un producto más, como la moda»

Insuficiente para una feria que, a juicio de Chema López, está pensada para ellas: “Los artistas en ARCO pintamos poco”. Y añade: “Los artistas estamos si las galerías quieren, por eso digo que es una feria para las galerías”. Aún así, ellos están ahí, en representación de otros muchos, camino de la 34ª edición de la feria de arte contemporáneo más importante de España. Y nos hablan de las virtudes y vicios de tamaña concentración de galerías, artistas y coleccionistas en el recinto de IFEMA en Madrid. “ARCO es un producto más, como la moda”, apunta Carmen Calvo, que asume su papel crítico: “Yo, Pepito Grillo”.

Inma Femenía y Chema López, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Inma Femenía y Chema López, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

«Las ferias de arte sirven para hacer caja, no nos engañemos»

“El nombre lo dice todo: feria”, indica Inma Femenía, presente en JustMad, feria satélite junto a Art Madrid del astro solar que supone ARCO. “A mí me parece una gran feria”, apunta Antonio Alcaraz, que después de muchos años acudirá sin pinturas, ni dibujos, sino con Libro de Artista. En todo caso, como pasa con la publicidad, “parece que el que no está en ARCO no existe”, reconoce Chema López. Lo mismo les pasa a las galerías, que últimamente se quejan de que a veces no cubren ni los gastos, pero ahí están. De hecho, los cuatro coinciden a la hora de apuntar que, en la mayoría de los casos, “las galerías se mantienen porque van a ferias”, puesto que en la ciudad de origen “no se vende nada, salvo Madrid o Barcelona”. Carmen Calvo tiene muy claro que las ferias de arte “sirven para hacer caja, no nos engañemos”.

Antonio Alcaraz en los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Antonio Alcaraz en los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

«Las galerías deberían intercambiar cromos, darnos a conocer fuera»

No entienden el criterio de selección de galerías. “Han penalizado a aquellas galerías que no tuvieran en su nómina artistas extranjeros, lo cual me parece injusto porque no se valora el esfuerzo de muchas de ellas por poner en valor a gente del propio territorio”, critica Alcaraz. “No sé qué pasa, pero lo extranjero parece siempre más atractivo”, apostilla Femenía. Y, de ser así, ¿por qué no se apuesta por artistas españoles en galerías extranjeras? Quid pro quo. “Las galerías de aquí deberían hacer esa labor de establecer contactos, intercambiar cromos y darnos a conocer fuera”, sostiene Calvo. “Antes era muy habitual que las galerías intercambiaran artistas, pero ahora por lo que yo sé no se hace”, esgrime López. “Seguimos con el complejo de Bienvenido Mr. Marshall”, resalta con ironía Carmen Calvo, que acude a ARCO con la galería Fernández-Braso.

Carmen Calvo en los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

Carmen Calvo en los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

«El 21% de IVA es la muerte de la cultura»

Y cuando nos quitamos los complejos de encima, va el Gobierno español y sube el  IVA hasta el 21%. “Eso es la muerte de la cultura”, subraya Carmen Calvo después de arremeter contra el ministro de Educación, Cultura y Deporte, José Ignacio Wert, al que tuvo bien cerca durante la entrega de los Premios Nacionales. “No es cuestión de personalizar, sino de criticar una decisión que ha sido un palo y una ruina para el país a nivel de literatura, de arte…”. Y agrega: “Si acercar a la gente a la cultura cuesta, acercarla al arte contemporáneo todavía más, y con el IVA que tenemos ya ni te cuento. Porque detrás del artista, hay un transportista, un carpintero, el de las telas… hay un tejido social que depende de esto”.

Inma Femenía en los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Inma Femenía en los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Chema López dice sin acritud (“tampoco pasa nada”) que a él en las 15 ediciones en las que ha participado en ARCO “nunca me ha comprado nada ninguna institución”. “Nosotros los artistas de las ayudas no nos enteramos, pero a las galerías con alguna ayuda les es más fácil ir a ferias”, destaca Alcaraz, quien delega precisamente su trabajo de promoción a esas galerías: “Prefiero que ellas se encarguen de mover y vender mi obra”.

Chema López, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Chema López, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

También señalan que ARCO “se sobrevalora como acto cultural”, al ser la “única feria de relieve a nivel nacional” (López). Así como se alegran que haya “bajado el sensacionalismo” de antaño, con aquellos “artefactos espectaculares”, a favor de propuestas más sensatas. “Creo que ha bajado para que la venta sea más fácil; las galerías llevan piezas más seguras de vender”, remacha Femenía. De la relación entre galerías y artistas, Calvo asegura que se trata de “un matrimonio bien avenido”, aunque “a veces no”, y entonces “cambias, te vuelves promiscuo”. Asimismo, diferencia entre galeristas y galeros, “que son los que han robado”. Eso sí, a pesar de los pesares, a los cuatro artistas les une lo que la propia Carmen Calvo llamó “estar envenenado”: esa pasión por el arte que todos ellos comparten camino de ARCO.

De izquierda a derecha, Vicente Chambó, Salva Torres, José Luis Pérez Pont, Inma Femenía, Chema López, Carmen Calvo y Antonio Alcaraz. Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

De izquierda a derecha, Vicente Chambó, Salva Torres, José Luis Pérez Pont, Inma Femenía, Chema López, Carmen Calvo y Antonio Alcaraz. Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Vicente Chambó, Salva Torres, José Luis Pérez Pont, Inma Femenía, Chema Lopez, Carmen Calvo y Antonio Alcaraz. Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Vicente Chambó, Salva Torres, José Luis Pérez Pont, Inma Femenía, Chema Lopez, Carmen Calvo y Antonio Alcaraz. Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

De izquierda a derecha, Antonio Alcaraz, Carmen Calvo, Chema López e Inma Femenía. Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

De izquierda a derecha, Antonio Alcaraz, Carmen Calvo, Chema López e Inma Femenía. Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Vicente Chambó y Salva Torres

Russafa Escènica reestrena siete de sus obras

Ciclo Russafa Escènica
Sala José Sancho del Teatre Rialto
Plaza del Ayuntamiento, 4. Valencia
Hasta el 31 de enero, 2015
Jueves y domingo, a las 19.00h. Sábados, a las 20.30h. Precio: de 5 a 10€

Russafa Escènica, el festival de otoño de las artes escénicas en Valencia, comienza el año con la presentación del ‘Ciclo Russafa Escénica’ en el Teatro Rialto de Valencia que se extenderá hasta el 31 de enero. Un proyecto creado en colaboración con CulturArts y compuesto por seis de los estrenos absolutos que se pudieron ver en su cuarta edición el pasado mes de septiembre, más la incorporación de ‘Troya’, producción propia del festival estrenada en 2013.

Atilio y Blanquita, de Juan Mandli. Imagen cortesía de Russafa Escènica.

Atilio y Blanquita, de Juan Mandli. Imagen cortesía de Russafa Escènica.

Las tablas de la sala José Sancho acogerán un conjunto de propuestas que, en concordancia con la filosofía del festival de innovar y buscar nuevas formas de hacer teatro, fueron creadas para desarrollarse en formatos reducidos y espacios no convencionales como talleres, galerías de arte, estudios y pequeños comercios ubicados en el tradicional barrio valenciano de Ruzafa, cuya principal peculiaridad es la relación que se establece entre público y artistas.

De esta forma, las obras que componen el ciclo han sido readaptadas para responder al esquema propio del teatro a la italiana, lo que supone para las compañías participantes una oportunidad de consolidar sus propuestas y de abrirse a un nuevo público.

Fedra, de Javier Sahuquillo. Imagen cortesía de Russafa Escènica.

Fedra, de Javier Sahuquillo. Imagen cortesía de Russafa Escènica.

Entre las piezas seleccionadas hay un protagonismo de las tragedias griegas como ‘Edipo VLC’, dirigida por Ximo Flores e interpretada por la compañía Teatro de los Manantiales; ‘El eco de Antígona’ dirigida por Tannina;  ‘Fedra’, obra de Javier Sahuquillo y la compañía Perros Daneses y ‘Troya, la conquista de la felicidad’, de la mano de Chema Cardeña. Pero también se incorporan al cartel propuestas de danza como ‘Dementiae-La Folie’, una reinterpretación de ‘El Carnaval de los animales’ dirigido y coreografiado por Toni Aparici; de cabaret  como ‘Motel Damm’ de Lucía Aibar al frente de Volandera Teatre, y de teatro textual como ‘Atilio y Blanquita’, bajo la dirección de Juan Mandli con la compañía Tributeatro.

Dementiae-La Folie, de Toni Aparisi. Imagen cortesía de Russafa Escènica.

Dementiae-La Folie, de Toni Aparisi. Imagen cortesía de Russafa Escènica.

Con el propósito de acercar el teatro al mayor público posible, el ciclo Russafa Escénica con la ayuda de CulturArts hará descuentos a grupos y también a quienes presenten los carnets +Cultura, Jove, Universitario y Tercera Edad. Por otra parte, el ciclo incluirá una serie de sesiones ‘aftertalk’ después de los pases, organizados para alumnos de las distintas universidades y escuelas de teatro valencianas.

Russafa Escènica es un festival de carácter social y espíritu innovador que se ha consolidado en sus cuatro años de existencia como el festival por excelencia de las artes escénicas de nuestra comunidad y tiene el reconocimiento de ser el primer festival interdisciplinar nacido en España que fusiona las artes escénicas con las plásticas. Con todo ello, en su pasada edición logró congregar a más de 10.300 personas.

Programa del Ciclo Russafa Escènica:

Jueves 8. Edipo VLC, de Ximo Flores. 19 horas

Sábado 10. El eco de Antígona, de Taninna. 20.30

Jueves 15. Atilio y Blanquita, de Juan Mandli. 19.00

Sábado 17 y domingo 18. Troya, de Chema Cardeña. 20.30 (sábado) y 19.00

Jueves 22. Fedra, de Javier Sahuquillo. 19.00

Sábado 24. Motel Damm, de Lucía Aibar. 20.30

Sábado 31. Dementiae-La Folie, de Toni Aparisi. 20.30

Motel Damm, de Lucía Aibar. Cortesía de Russafa Escènica.

Motel Damm, de Lucía Aibar. Cortesía de Russafa Escènica.

La digigrafía íntima de Coanto

Caleidoscopio, de Coanto
Institut Français de València
C /  Moro Zeit, 6. Valencia
Hasta el 31 de enero de 2015

El Institut Français de Valencia brinda a su público la oportunidad de descubrir una nueva disciplina artística, la digigrafía, de la mano del pintor y dibujante Coanto, alias Claude Boussier. Certificada y promocionada por el grupo Seiko Epson hace una década, esta técnica permite producir o reproducir de forma digital una obra de arte en serie limitada. Una pequeña revolución y nuevas expectativas para los artistas y las galerías de arte.

Obra de Coanto en la exposición Caleidoscopio. Imagen cortesía de Institut Français de Valencia.

Obra de Coanto en la exposición Caleidoscopio. Imagen cortesía de Institut Français de Valencia.

Con Coanto, también se tendrá el placer de descubrir, desde un punto de vista único y totalmente nuevo, uno de los barrios más emblemáticos de Valencia: el Cabanyal. En efecto, Boussier utiliza desde hace años sus cuadernos y sus lápices por las calles de los ‘Poblats Maritims’, teatro favorito de sus peregrinaciones de artista, intentando siempre «restituir su intimidad».

Obra de Coanto en la exposición Caleidoscopio. Imagen cortesía de Institut Français de Valencia.

Obra de Coanto en la exposición Caleidoscopio. Imagen cortesía de Institut Français de Valencia.

Lo último de Moisés Mahiques

Moisés Mahiques. La letra con sangre entra
Galería Fernando Pradilla
Calle Claudio Coello, 20. Madrid
Hasta el 26 de octubre

“Tal vez un historiador no pueda preguntar cuál ha sido la realidad esencial de la “clase obrera” como tal independientemente de determinados giros del lenguaje histórico en los que se le ha conferido un significado.”
Gareth Stedman Jones, Lenguajes de clase, 1983

“Before the words there was the voice
Before de verse there was the sound”
Shara Worden, Before the words, 2014

Escribir sobre un trabajo artístico siempre implica asumir una limitación; es imposible intentar aprehender con palabras una realidad que opera utilizando otros mecanismos. A fin de cuentas la palabra es un espacio elusivo, una fuga que puede llegar a sugerir pero que, al final, generará más vacíos. Si a esto unimos el hecho de que el objeto del que se habla es un proyecto en torno al lenguaje la dificultad se acrecienta y surge el primer territorio de conflicto ¿es posible criticar una realidad con las herramientas que ella misma ha generado?

No será está la única pregunta que surja en este espacio, un lugar donde nos hemos de confrontar a nuestra propia relación con la palabra y con las situaciones que ella sustenta y legitima. De ahí que Moisés Mahiques (Quatretonda, Valencia, 1976) nos evoque un lema “formativo” como título para su exposición: “La letra con sangre entra” y que dentro de este marco se nos muestren series de dibujos como “Términos” (2012-2014) y “Letra pequeña” (2014) junto al vídeo “2.263 días / raciones” (2014).

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Moisés Mahiques.  La letra con sangre entra. Cortesía del artista.

Si utilizamos una herramienta para establecer un comienzo podemos pensar en el Diccionario, elemento incluido en la muestra, como un facilitador en su supuesta neutralidad:

“letra. (Del lat. littĕra).

1. f. Cada uno de los signos gráficos que componen el alfabeto de un idioma.

2. f. Tradicionalmente, cada uno de los sonidos de un idioma.

3. f. Forma especial de los signos gráficos, por la que se distinguen los escritos de una persona o de una época o país determinados. (…)”
Diccionario de la lengua española | Real Academia Española, vigésima tercera edición, 2014

La definición se extiende a lo largo de toda la página, pero vamos a quedarnos con estas tres primeras. Nos encontramos así ante la grafía, el sonido y un rasgo que nos permite analizar un contexto (personal, histórico, territorial).

Podemos identificar estas tres realidades como unidades básicas que nos remiten al origen, a nociones neutras que configuran la palabra, el lenguaje y, por tanto, el pensamiento. Si tomamos los estudios de Denise Schmandt-Besserat sobre el origen de la escritura, la autora no sólo plantea un recorrido por la aparición de las primeras grafías, sino también por los intereses económicos y políticos que impulsan la aparición de las mismas. La autora también defiende la independencia de la escritura respecto al pictograma (dibujo) por lo que podemos afirmar que estas realidades surgen de forma paralela. El trazo es el portador de imágenes y conceptos, el dibujo y la palabra están más vinculados en nuestro imaginario de lo que pensamos en un primer lugar.

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Moisés Mahiques.  La letra con sangre entra. Cortesía del artista.

Pensamos a partir de la visión y el lenguaje, nuestras ideas se construyen en base a ellos, de ahí que exista ese interés por disciplinarnos, por mostrarnos cuales son las palabras nocivas y las imágenes prohibidas. Nuestra mente y nuestro cuerpo están regidos por estos tabús.

Esto es algo que hemos podido comprobar fácilmente en los últimos años. Palabras que se omitían o se cambian por otras menos perniciosas, empresas dedicadas al “naming”, asesores reescribiendo una realidad que, para una parte de la ciudanía, siempre ha sido así.

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Moisés Mahiques.  La letra con sangre entra. Instalación. Estructura de madera, pasta seca para sopa y pintura acrílica negra. Cortesía del artista.

“La letra con sangre entra” se articula en torno a estos ejercicios de disciplina, hablándonos de cómo la palabra ha sido un elemento de control y de cómo nos han “educado” y “reeducado” continuamente. Nuestro lenguaje se ha trasformado de una forma mucho más veloz de lo que nos atrevemos a reconocer y numerosos “Términos” han aparecido en nuestro vocabulario.

Las dos primeras series de dibujos nos evocan ese aprendizaje, los modos en los que aprendemos a no “salirnos de las líneas”, en los que domesticamos nuestro modo de expresión. Pero también los modos en los que las palabras pueden desmontar una idea y viceversa. Pero, como ya se comentaba anteriormente, la escritura y el dibujo son realidades colindantes.

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Moisés Mahiques.  La letra con sangre entra. Vídeo monocanal. HDV blanco y negro. 14’42». Cortesía del artista

No es la primera vez que Moisés Mahiques investiga sobre los mecanismos de control, violencia y dominación y algunas de estas preocupaciones anteriores, la arquitectura, el espacio…, se repiten en las estructuras arquitectónicas presentes en la sala que evocan las que encontramos en el vídeo. A fin de cuentas este espacio es el lienzo y el marco y de la acción. Trece actores que han crecido con la actual situación económica lanzan 2.263 raciones de pintura y sopa de letras contra un espacio en blanco, las raciones coinciden con el número de días trascurridos desde la primera mención de la palabra crisis por parte de un jefe de estado hasta la actualidad.

2.263 días en los que nuestro lenguaje ha ido transformándose para adecuarse a los modos de dominación acordes con nuestra realidad social y económica. 2.263 días en los que nos hemos visto obligados a comprender nuevos términos y descifrar una nueva letra pequeña constriñendo nuestra capacidad de imaginar otros escenarios.

Mahiques Moises 1

Moisés Mahiques.  La letra con sangre entra. Cortesía del artista.

Eduardo García Nieto