La Galería Estampa inaugura la Biblioteca Americana

La Biblioteca Americana
Galeria Estampa
C/Justiniano, 6. Madrid.
Del 12 de Julio hasta el 20 de Julio de 2018.

El Jueves 12 de Julio a las 8 de la tarde tendrá lugar la inauguración de la exposición ´La Biblioteca Americana´ en la Galería Estampa, Madrid. La exposición está compuesta por una serie de poemarios escritos por autores de iberoamérica. La exposición se mantendrá en la galería hasta el 20 de Julio.

‘La Biblioteca Americana’ es una colección literaria donde se unen íntimamente la poesía y la ilustración. Junto a los distintos autores iberoamericanos se les han unido ilustradores españoles que han dado forma y color a sus versos marcando el objetivo de unir la poesía americana con la ilustración española.

Detalle de la exposición 'La Biblioteca Americana'. Imagen cortesía de la Galería Estampa.

Detalle de la exposición ‘La Biblioteca Americana’. Imagen cortesía de la Galería Estampa.

La poesía es un arte que posee gran expresión, el sentido que ella guarda puede reinterpretarse en otras artes, tomando distintas formas que nos hagan sentir, ese es uno de los objetivos que quiere mostrar la exposición. Cada ilustrador ha sido elegido de forma deliberada para entender la obra de cada poeta adaptándose a los versos para crear así una obra final perfecta. La muestra de ello es el largo proceso que ha llevado este proyecto desde que lo iniciaran en 2009.

Los poemarios están compuestos por un total de 9 ilustraciones acompañadas por poemas enteros o por los versos de la obra que pasan por todas las ilustraciones, aspecto que le da una estética muy agradable a la vista y que e da uniformidad a la colección. Cada obra tiene como portada la bandera de su país. Como colofón en cada libro se encuentra una obra original.

Detalle de la exposición 'La Biblioteca Americana'. Cortesía de la Galería Estampa.

Detalle de la exposición ‘La Biblioteca Americana’. Imagen cortesía de la Galería Estampa.

Dentro de la exposición encontramos a un representante de cada país de iberoamérica junto a un ilustrador español, a continuación encontrarán la lista de obras:

- ‘Celebraciones’ (Bolivia) Eduardo Mitre y Luis Mayo

- ‘Baladas de la memoria’ (Chile) Pedro Lastra y Fernando Álamo

- ‘Gatos’ (Colombia) Darío Jaramillo y Ramiro F. Saus

- ‘Ballenas’ (México) Vicente Quirarte y González de la Calle

- ‘Nueve sonetos’ (Brasil) Ledo Ivo y Luis Feito

- ‘Los sueños de mi padre’ (Cuba) Orlando González y Elena Blasco

- ‘Emergencia’ (Argentina) Mariano Peyrou y Carlos Forns

- ‘La plegaria infinita’ (El Salvador) Jorge Galán y Sara Huete

- ‘El rostro que no se ve’ (Venezuela) Rafael Cadenas y Eduardo Arroyo

- ‘Area de comienzo’ (Uruguay) Ida Vitale y Jaime Aledo

- ‘Botella al ma’r (Puerto Rico) José Luis Vega y Óscar Lagunas

- ‘Sueños de floripondio’ (Guatemala) Humberto Ak’abal y Fernando X. González

- ‘Brevario’ (Honduras) León Leiva y Luis Canelo

- ‘Una flor amarilla’ (Perú) Micaela Chirif y Karina Beltrán

- ‘La Marilyn Monroe de Santo Domingo’ (República Dominicana) Frank Báez y Nono
Bandera

- ‘Ariadna’ (Paraguay) Jacobo Rauskin y Nuria Rodriguez

- ‘Jacarandas’ (Ecuador) Iván Carvajal y Alejandra Freymann
Aún faltan por publicar las obras de Nicaragua, Costa Rica y Panamá.

Imagen de la portada del texto. Cortesía de la Galería Estampa.

Imagen de la portada del texto. Cortesía de la Galería Estampa.

José Antonio López

Adelantado se engalana de nuevo

‘Plasma Pool’ de Folkert de Jong, ’Tristes Topiques’ de Ting Ting Cheng y ‘Why Animals Travel’ de Fuentesal & Arenillas
Galería Luis Adelantado y Boiler Room
C/ Bonaire, 6 Valencia
Inauguración: miércoles 25 de enero, 2017, a las 20h

La galería Luis Adelantando vuelve a apostar por una triple apertura donde podremos disfrutar de tres interesantes proyectos artísticos entre los que se establecen relaciones creando así un recorrido expositivo interesante y que no nos dejara indiferentes.

En primer lugar, presentan ‘Plasma Pool’ el nuevo proyecto de Folkert de Jong en el que nos habla del concepto de colisión entre el hombre y la naturaleza. Esta relación se refleja —según el artista—, en las historias de ciencia ficción, y la inteligencia artificial. Se trata de una propuesta en la que se mostrarán una serie de esculturas en bronce, con referencia al cuerpo humano, se presentarán algo distorsionadas, modeladas por el bronce caliente, dado su paso por la fundición. En diálogo con estros fragmentos de vida, encontraremos animales de un bronce dorado impoluto, en un ejercicio cargado de sinergias.

De Jong otorga una fuerte carga simbólica y de significado a estas obras. El oro, como metal precioso que posee un estatus superior sobre el resto de metales, simboliza en ellas la pureza y la inmortalidad. Pero, también nos mostrará la otra cara de la moneda; representando a su vez, el egoísmo humano y la explotación.

En esta relación de extremos, el artista encuentra la oportunidad de resucitar una nueva obra que viene de lugares dispares, como el ave fénix. Los animales dorados emergen como vencedores sobre un mundo material, destrozado por la violencia humana.

En diálogo con las esculturas, encontramos dibujos, que giran en torno a la idea de conflicto, la colisión y la interferencia. Algunos de ellos dirigen nuestra mirada hacia lo infinito, en alusión a la red de constelaciones que pueblan el universo. Otros, nos recuerdan en su complexión a unas súper dimensionadas manchas de Rorschach, que manifiestan el encuentro directo entre el cuerpo y la tinta, como medio artístico.

Plasma Pool de Folkert de Jong. Imagen cortesía galería Luis Adelantado.

Plasma Pool de Folkert de Jong. Imagen cortesía galería Luis Adelantado.

En segundo lugar,  podremos observar ‘Tristes Tropiques’ la segunda exposición individual de la artista taiwanesa Ting-Ting Cheng. La exposición incluye los más recientes trabajos de la artista, que fueron realizados durante una residencia artística en Brasil, entre los años 2015 y 2016.

El título de la muestra es homónimo al del libro Tristes Tropiques del antropólogo y estructuralista francés Claude Lévi-Strauss, publicado en 1955, quien documentó su viaje a Brasil, donde realizó una serie de destacados estudios de antropología. A pesar de su formato de diario de viaje, el libro explora su interés por la filosofía, la sociología, la geología y la historia de Sudamérica, a través de una perspectiva antropológica europea.

Durante su estancia en Brasil, Cheng se influenció e inspiró en los análisis críticos que Lévi-Strauss realizó del país. Irónicamente, encontró una conexión entre la colonización y la antropología. En sus constantes viajes de una a otra punta del país, se evidencia la intención de atrapar el momento, de conocer la cultura en primera persona.

En conclusión, Cheng genera su propia guía de viaje a través de su propuesta artística, en la que podemos encontrar fotografía, vídeo, pintura e instalación, a través de los cuáles examina los conceptos de viaje, sur, conocimiento, ficción y resistencia, trazando un recorrido tanto del país, como de su relación con él.

Y por último, en la siempre innovadora sala Boiler Room se expondrá ‘Why Animals Travel’ de los andaluces Fuentesal & Arenillas. Se trata de un proyecto de investigación basado en su experiencia dual como creadores de forma antagónica, y el estudio de la traslación. Del dibujo expandido y de su desterritorialización. Trabajando con materiales propiamente destinados al dibujo, los cuáles son despojados de su función original y dotados de un nuevo concepto, manteniendo el paralelismo de la materia pero desplazando todos sus componentes a un nuevo territorio.

Why Animals Travel de Fuentesal & Arenillas. Imagen cortesía galería Luis Adelantado.

Why Animals Travel de Fuentesal & Arenillas. Imagen cortesía galería Luis Adelantado.

‘Why Animals Travel’ describe los desplazamientos periódicos de su trabajo artístico, ciclo experimental y búsqueda constante. Narran la realidad adquirida por su proceso de vida, viaje, trabajo, tiempo, formación, como reflejo de su momento actual. Les interesa la idea de adaptación, desterritorialización y holismo.

Hablar de la desterritorialización les remite necesariamente a la obra de dos filósofos: Gilles Deleuze y Felix Guattari, quienes utilizan éste concepto en su filosofía, y para los cuales, tiene un sentido especialmente positivo: la apertura para lo nuevo, la línea de fuga como momento de salida de una antigua territorialidad y de construcción de un territorio nuevo.

Cosmología, filosofía de la naturaleza

Cosmology, de Tactelgraphics
Galería Mr.Pink
C / Guillem de Castro, 110. Valencia
Inauguración: viernes 25 de noviembre, a las 20.00h
Hasta el 20 de enero de 2017

De nuevo, Tactelgraphics y la galería Mister. Pink unen esfuerzos y presentan su nueva exposición titulada ‘Cosmology’. Cosmología, del griego κοσμολογία («cosmologuía», compuesto por κόσμος, /kosmos/, «cosmos, orden», y λογια, /loguía/, «tratado, estudio») concepción integral, denominada también filosofía de la naturaleza, es la ciencia que estudia todo lo relacionado con los cosmos o universos. Un título adecuado para este proyecto, en el que los artistas de Tactelgraphics, Ismael Chappaz y Juanma Menero,  directores de la galería de Arte Contemporáneo Espai Tactel y a su vez dueños del estudio de diseño Tactelgraphics, trabajan a partir de sus referentes ya fallecidos, para de ese modo generar su propia cosmología.

Se trata de fundamentar la elaboración de su identidad como individuos a partir del concepto de “generar una cosmología propia”, y todas las contradicciones que esta idea conlleva. Entre los referentes que Tactel plantean se encuentran personajes tan dispares como Alan Turing (considerado uno de los padres de la ciencia de la computación y precursor de la informática moderna), Arthur Russel (compositor y cantante estadounidense de carácter marcadamente experimental, que abarca los estilos disco, minimalista, o rock, habiendo colaborando con figuras como Philip Glass, David Byrne o Nicky Siano) o Brad Davis (conocido por su papel protagonista en la película “El expreso de medianoche” y “Querelle”).

Cabe añadir, que el proyecto ‘Cosmology’ está realizado en colaboración con el Creative Coder, Carlos Yanes. Por último, Francisco Ramallo nos recuerda que es “difícil tarea la de abordar la actividad artística de Tactelgraphics obviando la faceta en la que se han volcado en los últimos años (su labor al frente de la galería Espai Tactel), y que les ha servido para un mayor conocimiento de los engranajes del arte desde otras posiciones”.
Cosmology de Tactelgraphics. Imagen cortesía Míster Pink.

Cosmology de Tactelgraphics. Imagen cortesía Míster Pink.

Laura Pérez, creando personajes

Creando personajes / Making Characters, de Laura Pérez
Estudio 64
C / Benicolet, 2 (Plaza Benimaclet). Valencia
Inauguración: viernes 2 de septiembre, a las 20.00h
Hasta el 28 de septiembre de 2016

“Crear personajes es el resultado de la observación de los que nos rodean y los que no. Saber filtrar personalidades para sacar las nuestras y así plasmarlas en el papel, para lo que queramos, ya sea un libro de texto, ilustrado, editorial o un cartel. En esta exposición mostraré el boceto y el final de algunos personajes, bien inventados o bien inspirados de la realidad para diferentes fines”.

Así explica Laura Pérez su proyecto ‘Creando Personajes / Making Characters’, que a partir del 2 de septiembre presenta en Estudio 64, librería y galería especializada en ilustración ubicada en Valencia.

Laura Pérez forma parte de  Illustration Now 4, Taschen, Ilustradores Españoles, Lunwerg y Showcase100 London. Seleccionada en el 2016 en los premios internacionales de 3×3 Magazine of Contemporary Illustration. Premiada con el IX Premio Fnac Salamandra Graphic con la novela gráfica Náufragos y Premio Nacional de Cómic del Valencia Crea.

Está representada internacionalmente por la agencia canadiense Anna Goodson Management y nacionalmente por Pencil Ilustradores. Y algunos de sus clientes son: Bloomsbury, Oxford, El País, The Wall Street Journal, Vanity Fair, Wacom, National Geographic, American Airlines, Bromera, Walmart, Wacom, Cambridge, Oh My Cut!, entre otros.

Cartel de la exposición de Laura Pérez. Imagen cortesía de Estudio 64.

Cartel de la exposición de Laura Pérez. Imagen cortesía de Estudio 64.

El hombre que ríe

‘El hombre que ríe’ de Iñigo Royo
ARTIUM, Sala Este Baja
C/ Francia, 24, Victoria-Gasteiz
Hasta el 16 de octubre de 2016

Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, presenta ‘El hombre que ríe’, una exposición de Iñigo Royo sobre “el barullo idiota que formamos viviendo juntos” y “la risa amarga que asoma (…) ante la contemplación del espectáculo”. La muestra reúne instalaciones, vídeos, fotografías y una pieza sonora, contiene referencias literarias habituales en Royo, y establece una mirada irónica y escéptica sobre muchos aspectos de la realidad cotidiana, desde la política hasta las nuevas tecnologías. La exposición es una producción de Artium y cuenta con un catálogo con textos del artista, de Santiago Eraso y del escritor José Luis Arántegui. Su inauguración se completa con una conferencia previa de Iñigo Royo, mientras que en otoño tendrá lugar un ciclo de cine.

El dramaturgo, novelista y poeta irlandés Samuel Beckett se encuentra en el origen de ’El hombre que ríe’. En su recuerdo, Iñigo Royo ha encontrado dos palabras, barullo y risa, a partir de las cuales ha construido un relato, una forma de explicar el mundo desde “el humor y el caos”. Trece obras –instalaciones, fotografías, vídeos y una pieza sonora- se ordenan en la Sala Este Baja y en el exterior de Artium, ofreciendo además una muestra de los trabajos de Royo desde 2009 hasta el presente.

Iñigo Royo reclama la atención del visitante en su entrada al Museo con ‘Advertencia’, una acción sobre la fachada principal de Artium, en la que ha rotulado en grandes caracteres “aquí no caben ni fantasías ni ocurrencias”. El mismo aviso se repetirá después, ya en la Sala Este Baja, en una instalación fotográfica con el mismo título, en cuyas imágenes se reconocen distintos edificios públicos con el mismo lema rotulado en sus muros.

Pero antes de acceder a la galería, justo ante su puerta, el visitante aún podrá esbozar una primera sonrisa con ‘Unión Europea. Manual de autoayuda’. El artista ha tomado el programa electoral de un partido en las últimas elecciones europeas y ha reordenado y grabado las palabras en función del número de veces que aparecen en el texto.’El hombre que ríe’, la obra que da título a la exposición, se despliega en 10 monitores nada más traspasar la puerta: el artista utiliza el detector de sonrisas de algunas cámaras fotográficas avanzadas dejando que el instrumento decida qué es risa y que no. A su lado ‘Hello Barbie’, una pieza en la que la muñeca –un modelo teóricamente capacitado para responder a lo que se le dice- recibe mil insultos del idioma castellano.

El hombre que ríe. Imagen cortesía Artium.

El hombre que ríe. Imagen cortesía Artium.

De Buñuel a Buñuel
El perímetro del espacio central de la exposición está recorrido por ‘Babel’, en la que escribe el resultado de la traducción sucesiva de un texto de Buñuel a través de los noventa idiomas del intérprete automático de Google, para regresar finalmente al castellano; la frase final, como cabe esperar, no tienen nada que ver con la original. En este mismo espacio, ‘Advertencia’ retoma en más de 50 fotos la idea plasmada en la fachada del Museo.

‘Tribulaciones y mudanzas’ es una serie de siete fotografías que reproduce siete figuras de papel –una pajarita, un barco, un avión…- realizadas con las portadas de los periódicos del 21 de octubre de 2011, con la noticia del abandono de la violencia por parte de ETA. A su lado, ‘Esperpento’ es una instalación fotográfica en la que sesenta imágenes de Google Earth y fragmentos de diálogos de ‘Luces de Bohemia’, de Valle-Inclán, conforman un particular mapa de España. En el centro de este espacio, ‘Ab-alio’, proyecto videográfico basada en los conocidos ‘Listados’ de Ignasi Aballí y que, en sus múltiples vídeos, ofrece “un variado y tragicómico abanico de asuntos relacionados con la vida cotidiana”.

La muestra se cierra con tres obras finales: ‘Benditos tímidos’, una serie de fotografías a partir de álbumes familiares en los que se destaca a los “maravillosos tímidos, que no querían perpetuar su imagen, convencidos de que es preferible pasar sin dejar rastro”; ‘Diálogos con Luciano’, el canario que tuvo durante un tiempo y que un día dejó de cantar; y ‘Quid pro quo’, cortometraje en el que un lector pone al día de las noticias de prensa a Luis Buñuel en un monte cercano a Calanda, donde fueron esparcidas sus cenizas.

Fotógrafo, profesor de fotografía, foto-reportero, guionista y director de cortometrajes, artista, Iñigo Royo (Donostia-San Sebastián, 1962) es, por formación, licenciado en psicología. Desde que en 1988 recibiera el premio Jóvenes fotógrafos del Ministerio de Cultura, ha participado en innumerables exposiciones colectivas en ciudades como Madrid, Barcelona, Vigo, Bilbao, Vitoria-Gasteiz, Donostia- San Sebastián, Berlín o Nueva York. Su obra forma parte de las colecciones de la Fundación La Caixa, Museo Reina Sofía, CGAC, Banco de España y Ordóñez-Falcón y otros fondos privados, entre otras.

Vicente Talens desaparece…

Desaparición, Vicente Talens
Galería Mr.Pink
C / Guillem de Castro, 110. Valencia
Inauguración: viernes 17 de junio, a las 20.00h
Sólo hasta el domingo 19 de junio de 2016

¿Cuáles son los márgenes reales entre que una cosa exista y que desaparezca? ¿Y entre lo que ha sido y lo que ya no es? ¿Pueden tocarse, palparse, sentirse, fotografiarse, incluso difuminarse? ¿Pueden estos mismos márgenes desaparecer?

Vicente Talens, como un ilusionista fenomenólogo contemporáneo nos lleva al terreno de lo borrado. Lo eliminado, lo extinguido. Un camino oculto, una puerta cerrada, algo que ya no será. Entrelazando ficción y realidad, pone en cuestión los límites de la realidad más literal.

Talens, artista multidisciplinar conocido por su particular iconografía y su amplio imaginario pictórico que desarrolla en medios gráficos y escultóricos, nos propone esta vez un proceso de ultradepuración, un planteamiento conceptual eminentemente reflexivo donde los márgenes quedan difusos y donde cualquier pregunta en torno a la huella, al vacío, a la desaparición, al rastro, al cuestionamiento de los límites, puede ser planteada. Nada y todo es lo que parece.

Vicente Talens nos lleva a cuestionarnos nuevos márgenes entre concepto, obra, proceso artístico y el lugar mismo que la figura del espacio, en este caso la galería, representa en estos procesos.

Desaparecer a través de lo matérico. Una desmaterialización a través del uso de la propia materia. Borrar el rastro a través de lo construido, eliminar la huella. Hacer desaparecer como si lo borrado nunca hubiera existido. Esconder, ocultar, fugarse, extinguirse, borrarse, hacerse ausencia, desaparecer. Pero esto no es más que el preámbulo de algo más grande.

Esta vez Mr. Pink será sujeto activo de la pieza, una intervención en la que los márgenes de la ficción y la realidad quedarán descubiertos una vez concluya la intervención. plantilla-talens

Saber pero no querer creer

‘Aquello que no sabéis de mi’ de Rafael Tormo i Cuenca
Comisariada por Izaskun Etxebarria
Galería Rosa Santos
Calle Bolsería 21, Valencia
Hasta el 8 de julio de 2016

Atreviéndome a definir en breves esbozos el trabajo presentado para ‘Aquello que no sabéis de mi’, de Rafael Tormo i Cuenta, parece simplificarse en la premisa de que el arte, o por lo menos ese que el susodicho artista crea, actúa como agente amplificador de la acción social. Nada más y nada menos. Todo un reto que ha conseguido, como Etxebarria ya anuncia en la hoja de sala, “(…) rememorar aquello que quedó vacío. Un vacío social, emocional,vital.” Estos tres últimos adjetivos pudieran ser tomados a la ligera, pero realmente actúan como fundamentaciones sintéticas de todo un discurso que el artista viene encajando dentro del mundo profesional del arte desde los años 80.

Con Rafael Tormo i Cuenca ocurre, como no podría ser de otra forma, que esta concepción social del arte le ha llevado hacia otras disciplinas no tan ligadas a las artes plásticas y visuales como tal, y se ha convertido en un auténtico generador de proyectos multidisciplinares versados sobre educación, danza, poesía, crítica, etc. Es quizá por esa mirada periférica que su obra resulta complicada de describir.

‘Aquello que no sabéis de mi’ la componen tres conversaciones en forma de video entorno a tres piezas clave que tratan de rememorar partes de la microhistoria que nos ha rodeado en las últimas décadas. Estos vídeos son una conversación del autor con distintos pensadores, en concreto, Miguel Ángel Martínez, José Luis Clemente, y Mijo Miquel. En primer lugar nos encontramos con ‘Implosió Impugnada 23. Batallar, batallem’, creada en 2012 a raíz del singular acontecimiento acaecido en la celebración del primer aniversario desde la famosa ocupación de la Plaza del Ayuntamiento de Valencia.

Cuando, tras un año de convulsiones, dicha manifestación terminó en la Plaza del Ayuntamiento, los participantes se encontraron de pleno con que la plaza había sido “ocupada” en esta ocasión, por una mascletà. Ocurrió un 12 de mayo. Este hecho se narra de manera secuencial a través de la técnica fotográfica. Seis libros enganchados cual masclets, una mesa de madera como contenedor formal y una intervención sobre los registros del Ayuntamiento sobre el hecho. Algo simple pero efectivo. El video reflexivo que acompaña a esta pieza es una conversación con Mijo Miquel, donde Rafael Tormo y ella reflexionan entorno a la idea de como el gobierno de entonces utilizó, como si de un arma se tratara, la propia cultura popular en contra de los manifestantes… Miquel apunta tajantemente que “siempre se utilizó”.

Implosió Impugnada 23. Batallar, batallarem. Fotografía: María Ramis.

Implosió Impugnada 23. Batallar, batallarem. Fotografía: María Ramis.

En la siguiente planta de la galería de Rosa Santos, podemos ver ‘Implosió Impugnada 21. Èxode ultralocal’ una propuesta entorno a la ocupación del espacio público, diferenciándose de la ocupación de la que hablábamos anteriormente, más allá de lo político y a través la fiesta, de lo folclórico… La carroza, ese elemento que, extraído de su entorno, nos resulta extraño, es el hilo conductor de la conversación entre Rafael Tormo y José Luis Clemente donde reflexionan acerca de los cambios que ha sufrido en la reciente historia y la manera en que se ha establecido como un elemento de empoderamiento de ciertas partes de la sociedad. La carroza engloba, en su propia concepción, lo popular y la ocupación del espacio, lo que le sirve al artista para reflexionar y ampliar su discurso.

Por último, ‘Implosió Impugnada 16. Rescat d’un relat’ es una ilustración sobre la catástrofe del pantano de Tous cuando, en octubre de 1982, la gota fría se hizo eco en la localidad de la Ribera de tal manera que acabó por desbordar la presa asolando todo a su paso. Tormo crea una pieza en la que nos muestra la cara directa de las personas afectadas, a raíz de un mural donde pueden verse sus documentos identificativos, acompaña la instalación de sonidos de voces, ininteligibles, que quizá cuenten la historia de esas personas o quizá no. La pieza audiovisual, esta vez con Miguel Ángel Martínez, cavila sobre lo intrínseco de la narración y de lo que implica el hecho narrativo, casi el recordar sin querer y cómo eso mismo, ya se configura como el rescate de un relato.

Nos encontramos al final del todo con sentimientos encontrados, prácticamente incómodos y, haciendo balance, nos damos cuenta de que el título de la exposición, ‘Aquello que no sabéis de mi’, no es una referencia autobiográfica a si mismo, sino más bien un guiño, un modo de sacar a la luz de manera reluciente aquello que como ciudadanos, por ende sociales, no sabíamos, o mejor, sí sabíamos pero no queríamos creer.

Implosió Impugnada 21. Èxode ultralocal. Fotografía: María Ramis.

Implosió Impugnada 21. Èxode ultralocal. Fotografía: María Ramis.

María Ramis

La visión de la Generación Y

Generación Y, de Daniel Ortega y Ricardo Peris
Comisariada por Alba Manjón
Galería Una página en blanco
Inauguración:  3 de junio, a las 19.00h
Hasta el 17 de junio de 2016

La galería Una página en blanco junto con la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, presentan el próximo 3 de junio la exposición Generación Y, comisariada por Alba Manjón y que cuenta con la participación de los artistas Daniel Ortega y Ricardo Peris.

En este nuevo proyecto la comisaria tiene como objetivo poner en juego la percepción estereotipada del término generación, destacando que dicho concepto recoge algo más que la idea categorización temporal entre antecesores y descendientes.

‘Generación Y’ es un diálogo entre la obra de los artistas emergentes Daniel Ortega y Ricardo Peris. Ambos comparten herencia cultural, así pues, a raíz de acontecimientos como la democratización del acceso a la información, ser la primera generación tecnológicamente nativa o un difícil despertar económico; han podido adoptar una actitud semejante.

La galería será concebida como el espacio que aúne el trabajo de dos artistas de disciplinas dispares; por un lado, recoge la producción de Ricardo Peris, que mediante la fotografía lanza una crítica hacía las derivaciones que se están produciendo en torno al fenómeno de las redes sociales, dejando expuesto la verdadera torpeza de nuestra naturaleza humana a través de un formato actual haciéndose notar la ironía. Por otro lado, Daniel Ortega recurre a sus piezas elaboradas a partir de rocas naturales encapsuladas en resina de poliéster para dejar entrever el reflejo de una sociedad atrapada en la “Edad del polímero” desde una visión poética y algo irónica de la civilización moderna.

Lo que conduce a la comisaria a plantear dicha temática es el interés en ahondar en las manifestaciones de nuevos creadores, saber cuáles son sus preocupaciones y en qué medida se identifican y comprometen con ellas, y asimismo descubrir cuáles son los aspectos formales que mejor puedan representar a esta generación dentro del arte contemporáneo.

Pieza de Ricardo Peris Imagen cortesía Alba Manjón.

Pieza de Ricardo Peris. Imagen cortesía de Alba Manjón.

En relación a los artistas:

Daniel Ortega (Puertollano, 1986) es un artista plástico que reside y trabaja en Valencia. Inició su formación como Técnico Superior de Artes plásticas y diseño en Ilustración (2009- 2011), publicando para el Institut Alicantí de Cultura Joan Gil- Albert y para el diario Información de Alicante. En sus estudios de Grado en Bellas Artes por la facultad San Carlos de la Universidad Politécnica de Valencia, obtuvo una beca Promoe por el Banco Santander con destino en la Universidad Autónoma del Estado de México durante 2014-2015. Su trabajo plantea un enfoque multidisciplinario, a caballo entre lo pintura y escultórico. Trata conceptos como síntesis, contraste y equilibrio, que definen una temática basada en las dicotomías entre lo natural y lo artificial. Una visión poética e irónica de la cultura actual. Destacan sus exposiciones De 0 a 100 en la Fundación Frax de Alicante en 2012, Nombre propio en la Fundación Xam de Valencia en 2014, Universidad Autónoma del Estado de México en 2015 o Luminaria 02 en el Mercado de Usera, Madrid en 2016 y actualmente ha sido seleccionado para la 31st International Competition Fine Art Chelsea, de New York.

Sitio web: dortega.es

Ricardo Peris (Valencia, 1993). Su carrera artística comienza realizando Bellas Artes en la UPV abordando varios campos artísticos. Su interés se comienza centrándose en la ilustración y se ve reflejado por cursos que realiza con artistas como Paco Roca. En su tercer año obtiene la beca PROMOE y estudia en MICA (Maryland Institute College of Art) Pintura e Ilustración, introduciendo e interviniendo estas especialidades con diseño gráfico y nuevas tecnologías, su trabajo se centra mayormente en problemas o conflictos sociales que suele desarrollar con cierto toque irónico. Graduado por la UPV se encuentra actualmente trabajando en Australia como diseñador gráfico involucrado en eventos como la Bienal de Sídney. Ha vivido en ciudades como Londres, Valencia, Baltimore y desde principios de este año vive en Sídney.

Sitio web: www.ricardodperis.com

Los repliegues de la materia

‘Neomismos, el Barroco como pretexto (I)’ de Carlos Nicanor
Twin Gallery
C / San Hermenegildo, 28. Madrid.
Hasta el 4 de junio de 2016

Carlos Nicanor se somete constantemente a la búsqueda de la forma no existente, aquella que todavía no ha sido vista, manejada y catalogada. Es la premisa de la que parte, una utopía de lo no archivado en el imaginario. Pero se deja seducir por el repliegue de la materia. Se sumerge en la forma preconcebida, en la representación de lo externo, del afuera de las estructuras perceptivas para reconstruirlas. Se interesa por la forma como constructo social, irónico y subversivo, por las superficies que nos hablan de un espejismo que oculta un espacio mucho más complejo a prioiri, pero que, despojado de la ampulosidad externa, se torna concepto universal. Estas estructuras se comportan como espejos que a través de un juego de posiciones estratégicas generan una imagen, un escenario exterior. Una tramoya diseñada para hablar de lo nuevo a partir de la premisa de lo mismo, desde la contemporaneidad revestida de ornato. Es decir, desde un neo lenguaje.

Esto es el Barroco. Para el artista cada cosa debe ser contada de la manera más conveniente, y ahora ha elegido observar los mecanismos compartidos entre el presente y este episodio plástico. Neomismos está repleta de imágenes neobarrocas que rayan la evidencia superficial, una trampa sensorial, que suplican al espectador que colabore con ellas, no apropiándose de éstas sino, escuchando lo que a sus ojos les dice y recuerda. Nicanor elabora un relato a través de reflejos, retratos o naturalezas muertas; desde los géneros reinventados a los juegos de palabras, los galimatías y la crítica del absurdo. El marco es la ventana, la tramoya las superficies brillantes y la estructura la crítica inherente.

No se trata de un análisis ontológico de lo barroco, sino de trabajar con la parte teatral del género, jugar con las constantes históricas, con la derivación o sublimación estética y las transparencias ficticias. Esa ficción y realidad se entremezclan como las delicadas superficies textiles transparentes de una cortina mecida por el aire que entra por una ventana. Ese aire es lo vigente y la ventana es lo pretérito.

'Bodegón con aceituna'. Imagen cortesía de la galería.

‘Bodegón con aceituna’. Imagen cortesía de la galería.

A una y otra orilla del tópico, se parte de lo efectista y enfático. El huevo ocupa un lugar entre esos márgenes, la frontera sutil entre lo sagrado y lo profano, entre lo místico y lo absurdo. La poesía visual de la forma ovoide parte de la alegoría de la realeza que ahora se desplaza hacia la política y la economía actual. Encarna el poder fáctico, perdiendo poco a poco su origen metafórico. Qué fue primero, ¿la muerte del Fénix o su renacimiento?

El artista se siente atraído por esa narrativa de creación reversible y crea imágenes en reversa que parten de lo existente pero con un sentido de sospecha hacia la forma misma, hacia su origen. Así, el huevo es un contenedor, un regalo de monarcas y empresarios, conmemorativos de la supremacía: poder y perfección. Sin embargo, ese contenedor crea una ilusión a partir de lo simbólico y lo prosaico. Es el mecanismo desnudo, el cuál si llegamos a conocer, todos estaremos en condiciones de reproducirlo. Comprender el funcionamiento de estas estructuras otorga una soberanía reflexiva que permite partir hacía la crítica de los fundamentos sociales, políticos y teológicos.

De ahí que ‘Neomismos’ sea una construcción de imágenes porosas que erosionan y hacen permeable la frontera entre realidad y ficción -visibilizar mecanismos-, entre dobleces y pliegues que van hacia el infinito. Trata sobre ir a la contra de la ingenua defensa de la pureza del concepto de revisión y ejerce su versión desfigurada de la lógica del barroco: conocer el mundo a través de lo irreal. Esto es lo que Žižek llamaría el desierto de lo real -o capitalismo de ficción-, un mundo convertido en imágenes que acaban por ser más reales que la propia realidad.

Esa acción de dar existencia real a lo que realmente no la tiene se deja entrever en Retraso de Felipe V, imagen pixelada del rey, que produce una sensación de extrañeza. Lo antipictórico se debe a que pone en su misma estructura tres planos diferenciados: los perfiles y el frontal, como si de una escultura se tratara. La perspectiva es una subjetivación del personaje, según el movimiento del cuerpo el retrato se pliega y se repliega. Ese pliegue y repliegue es el barroco: la imitación, la simulación. La organización del espacio en pliegues de significación. Ésta es una imagen polisémica del retrato del rey que supera el contexto estético-histórico y parte de lo transcultural y transhistórico como principios de la ilusión visual. Los píxeles se organizan como pliegues, transforman la carne en fragmentos de madera y configuran una sátira de la inmortalidad que supone el ser convertido en imagen.

‘Neomismos’ genera un ambiente de anticuario moderno, en el que tiempo y espacio difieren. La materia se sale del marco, se apodera de él, se arruga y se desborda en escalas que responden a parámetros corporales. Exhalar e inhalar, respirar, es cuestión de tiempo, y la posición del cuerpo es cuestión de espacio. A través de Cartografía de la Isla de las Tortugas, se mapea una isla inventada que pertenece a un archipiélago barroco, un lugar por el que navegar de forma ensimismada. Esta pieza es un cuaderno de bitácora escrito al revés, acotado en un marco dorado suntuoso. Es un paisaje de islas tortugas, en las que probablemente se tome, como en ningún sitio, el aire de la banalidad. Ésta es otra de las ficciones posibles.

'My friend'. Imagen cortesía de la galería.

‘My friend’. Imagen cortesía de la galería.

Lo real se desdobla en representación y se instituye en metáfora, en temblor y euforia. Esta es una grieta en la sintaxis, es decir, una urgencia por la transgresión de la forma que cuestiona constantemente ese rompimiento sintáctico del lenguaje visual, como diría Omar Pascual Castillo. Carlos Nicanor se mueve con agilidad entre las capas de realidad, sin sentenciar una forma como verdadera -lo importante aquí no es la verdad-, sino la ilusión de una nueva génesis, una suma de formas creando un mapa o una cartografía meticulosa de la historia contada desde lo contemporáneo sin una linealidad histórica, sino como una superposición de tiempos infinitos.

La naturaleza muerta es ese tiempo infinito que se esconde detrás de una anamorfosis ontológica y fisiológica. Neomismos produce por tanto un efecto escenográfico del poder de la representación del capitalismo y de la sociedad del espectáculo. Una seducción sensorial en la que ser es ser percibido, por lo que el dominio debe ser percibido para existir en su trascendencia fosilizada.

Entonces nos preguntamos por lo que se esconde detrás de la naturaleza de lo real. Miramos a través del espejo y éste nos devuelve una imagen quebrada, un temblor recorre la carne y se activa ante la certeza de la existencia de lo velado sin poder tocarlo.

Dalia de la Rosa

Sombras, hierro y vacío

‘Geometría de la mirada’, de Lukas Ulmi
Set Espai D’Art
Plaza Miracle del mocadoret 4, Valencia
Hasta el 30 de junio de 2016

El artista Lukas Ulmi regresa a Set Espai D’Art con sus ya reconocibles, minimalistas y curiosos estudios sobre el espacio. En 2013 exponía en este mismo lugar la serie ‘Laberintos visuales’, pero con ‘Geometría de la mirada’ podemos afirmar estar asistiendo a la evolución de este trabajo anterior. El cubo, en un principio estático, se ha desdoblado para demostrar un movimiento muy particular. Para adentrarse en la exposición se hace necesario disponer de tiempo, verla despacio, para descubrir todo lo que esconde…

Lukas Ulmi, a modo de ilusionista experimentado, ha creado una sola pieza de fino hierro pero contenedora en si misma de cientos de geometrías imbuidas en otras que nunca son iguales. Los tipos que a priori se pueden definir encajan dentro de dos definiciones: la obra ‘real’ de hierro y la sombra proyectada contra la pared. Ricardo Forriols lo define como un “doble ejercicio escultórico”. A partir de ese punto, y según se fije la observación, conforme exista un mínimo roce, una breve corriente de aire o un giro de cabeza, podremos llegar a vislumbrar solo unas pocas de las geometrías existentes. Un juego infinito acaparable al modelo físico teórico donde las partículas que componen el universo están formadas en realidad de minúsculas cuerdas vibratorias, y de supercuerdas, aunque no podamos verlas.

Una de las piezas de la exposición. Fotografía: María Ramis.

Una de las piezas de la exposición. Fotografía: María Ramis.

Unas suspendidas en el vacío y otras apoyadas sobre vitrinas blancas o sobre suelos, las figuras geométricas dialogan entre ellas, algunas incluso dejando de lado la rigidez del hierro para ondularse casi imperceptiblemente, otras quedan incompletas, con la línea sin terminar. Siempre apostado por la forma mínima, Lukas Ulmi, de origen suizo pero afincado en Valencia, está considerado como un experto a la hora establecer relaciones entre la escultura y el vacío. A nivel teórico Ulmi, tal y como nos indica Forriols, sigue los pasos de parte de la escuela de escultura vasca, la representada por Oteiza, que está centrada en unas formas que ponen en valor, no tanto la figura en si, sino lo que rodea a la misma. Con un simple vistazo, se observa como el artista toma estas consideraciones para su idear sus obras.

Es así que el título de la muestra, tomado de unas palabras inéditas del profesor Román de la Calle, es totalmente acertado. Las geometrías no se conforman tanto por el manejo del hierro sino por la perspectiva del espectador. Se propone al público, esperar, estar pendiente de lo que ocurre y descubrir, probablemente, una forma única, que solo él o ella puede ver. No cabe duda de que Lukas Ulmi concebido toda una experiencia mentalmente interactiva.

Una de las piezas de la exposición. Fotografía: María Ramis.

Una de las piezas de la exposición. Fotografía: María Ramis.

María Ramis.