Artur Heras toma la plaza

Abierto/Open/Obert per Obres, Artur Heras
Galería Paz y Comedias
Pl. Colegio del Patriarca, 5. Valencia
Hasta el 24 de septiembre, 2016

Así es. Este verano Artur Heras ha tomado la histórica plaza del Patriarca situada en el centro de la ciudad de Valencia. Si nos colocamos en la fachada principal del Colegio Seminario del Corpus Christi, recayente en la calle de La Nave, estaremos a unos metros de las dos exposiciones que muestran el trabajo de este gran artista valenciano. Por un lado, en el Centre Cultural La Nau nos encontramos con ‘No Ficció. Obsolescència i Permanència de la Pintura’, mientras que en la galería Paz y Comedias hallaremos ‘Abierto/open/obert per obres’. Ambas muestras, programadas de forma paralela, forman parte de un mismo proyecto donde se pretende poner en valor la obra del artista implicando al público de manera directa.

L'impresionismo est arrivé. Una de las obras de Artur Heras que se pueden ver en la muestra. Imagen cortesía de la galería.

L’impresionismo est arrivé. Una de las obras de Artur Heras que se pueden ver en la muestra. Imagen cortesía de la galería.

En este sentido, la exposición de Paz y Comedias juega un papel importante. El título tan “abierto”, tanto por el concepto como por el hecho de presentarlo en diversos idiomas, encierra una clara intención de tratar que el público se interese y entre. En general, las galerías poseen ese aura acristalada y pulcra que nadie se atreve a pisar. Es por eso que Artur Heras realiza una intervención ex-profeso con la que trata de romper esa sensación y llamar la atención sobre el exterior. ‘Abierto/Open/Obert per obres’ simula una gran fractura sobre el cristal de la galería cuya cinta de seguridad señalizadora nos indica el nombre del autor de la instalación. De esta forma, una sola pieza de la exposición se encarga de llamar la atención y de fomentar la asistencia de un tipo de público que no acude por el nombre del artista, sino por la obra en si.

Esta intención recuerda a los orígenes de la obra artística de Heras, donde la dificultad para lograr esa renovación formal buscada en los años 60 por él y demás artistas, se equipara a la dificultad que entraña el acercamiento al arte. Y, aunque su intención no es presentar la actualidad, la sutileza de sus imágenes y la captación de representaciones clave nos retraen, inevitablemente, hacia una reflexión sobre el contexto actual.

Una vez aceptada la invitación a entrar, comienza un recorrido expositivo en el que se presentan, como no podía ser de otra forma, las constantes características del trabajo de Heras. El uso del lenguaje y de la palabra que no desmerece la plasticidad, Valencia y toda su imaginería reinterpretada, lecturas irónicas de la Historia del Arte, e incluso, algún guiño a los aspectos frutales que realizó en los años 70. Pero lo más interesante son los cambios que se irán produciendo en la propia muestra conforme avance en el tiempo. Una buena manera de mantener en vilo al público que ya ha asistido y a aquel que falta por llegar.

Del costat d'allà. Una de las obras de Artur Heras que se pueden ver en la muestra. Imagen cortesía de la galería.

Del costat d’allà. Una de las obras de Artur Heras que se pueden ver en la muestra. Imagen cortesía de la galería.

María Ramis

Bojan Radojcic y su trilogía del sacrificio

Trilogy About the Boy Who… de Bojan Radojcic
Galería Paz y Comedias
Pl. Colegio del Patriarca, 5. Valencia
Hasta el 24 de junio, 2016

No nos extraña referenciar obras con formato de trilogía en cine o en literatura pero sigue sorprendiendo hacerlo al hablar del lenguaje gráfico-pictórico. Siendo así destaca que la galería Paz y Comedias presente la primera exposición del serbio Bojan Radojcic, aludiendo a dicha configuración. La exposición, que recibe el nombre de ‘Trilogy About The Boy Who…’ , muestra tres piezas de este artista en gran formato que dialogan entre si teniendo como eje centralizador la figura de un niño. Pero es un niño anónimo, al que nunca se le ve el rostro. Esta pista ya nos indica que la muestra deja gran parte de la reflexión al propio espectador, invitándole a completar lo que observa y sobre todo, a reflexionar.

Nacido en Yugoslavia y actualmente residente en Belgrado, en la trayectoria artística de Bojan Radojcic se observa una clara base contextual que remite a la situación histórico-política donde creció. Las continúas anexiones, separatismos y guerras parecen el pan de cada día para los pequeños países del este de Europa, un hecho que, obviamente, no deja indiferente al artista. Pero eso no es todo, sino que llega más allá construyendo una serie de pensamientos que meditan sobre asuntos globales que le preocupan. Es probable que debido a ello el anonimato de los niños transmita precisamente un sentido contradictorio donde la inocencia anónimo de los chicos representados se transfiera en colectividad.

Radojcic construye sus dibujos literalmente, pues a modo de proceso instalativo, dibuja sobre hojas de libro y luego compone grandes murales donde figura y fondo son protagonistas. Utiliza el lápiz carbón para dotar a esas hojas de libro de otro sentido narrativo remarcando aquel por el que fueron creadas; es decir, que existe una secuencia narrativa en el papel por las letras impresas, pero también, por la superposición del grafito. Queda de lado ese sentido primigenio y retorna convertido en objeto encontrado.

The Boy Who Drowned in His Tears. Imagen cortesía de la galería.

The Boy Who Drowned in His Tears. Imagen cortesía de la galería.

En ‘The Boy Who Got Drowned in His Tears (el niño que se ahogó en sus lágrimas)’, el chico se encuentra en una especie ciénaga cuyos pies están hundidos y no se le ve la cara. No sabemos si esas lágrimas son las que han producido la zona pantanosa alrededor o si simplemente se el niño ha elegido llorar ahí por ser un paraje tan desolador. Este dibujo está basado en el relato corto de Mark Ravenhill ‘Fausto ha muerto’, cuya adaptación a la obra de teatro comienza con el sacrificio que un niño hace, fingiendo dormir todas las noches y obligándose a llorar en silencio, para no despertar a su madre.

El segundo niño, ‘The Boy Who Exploded From Happiness (el niño que explotó de felicidad)’ podría rememorar a un suceso trágico, de autoinmolación quizá, pero contrariamente crea una atmósfera casi relajante, imposible tras una trágico suceso, pero irónicamente sosegada. Relata este segundo trabajo de Radojcic la obligación del aislamiento social, para conseguir esa felicidad autosuficiente y sacrificada, de nuevo.

Detalle de The Boy Who Exploded from Happines. Imagen cortesía de la galería.

Detalle de The Boy Who Exploded from Happines. Imagen cortesía de la galería.

Por último, ‘The Boy Who Burned with Desire (el niño que ardió de deseo)’ se centra en el autosacrificio por el hecho de llamar la atención, en una actualidad donde todo se expone con objeto de hacerse escuchar, una conmoción resignada puede ser la mejor manera de lograrlo. Un breve homenaje a aquellos seres que normalmente debido a situaciones injustas, creencias o denuncias, han puesto su vida en peligro, por el bien del conjunto, de la colectividad.

Estas piezas principales están acompañadas de otros dibujos sin título que, a modo de vestigios, parecen advertirnos sobre el futuro de esos niños. Y también sobre un posible pasado. El tiempo se ha detenido y la acción queda inconclusa. Como en el film de Andrei Tarkovsky, curiosamente llamado ‘Sacrifio’, hay un niño no que pronuncia ni una sola palabra en la película, salvo en el final donde dice: “Al principio era el Verbo. ¿Por qué, papá?” se pregunta. Hasta entonces, el niño había permanecido en silencio. Un silencio que Radojcic parece no querer romper y a través del que no podemos dejar de mirar esos niños sin rostro.

Sin título. Imagen cortesía de la galería.

Sin título. Imagen cortesía de la galería.

María Ramis

Pliegue engomado, conspiración en papel

‘Conspiración’. Presentación del fanzine “Papel Engomado” nº9
Galería pazYcomedias
Plaza del Patriarca 5, Valencia
Viernes 15 de abril de 2016, a las 19h

Como parte de las actividades paralelas a la exposición ‘La diezmillonésima parte del cuadrante del meridiano terrestre’, de Antoni Abad, Galería pazYcomedias os invita a la presentación del nº9 del fanzine “Papel Engomado” que se celebrará en la galería el jueves 9 de abril a las 19h.

‘Conspiración’ es el último número de Papel Engomado, un fanzine cuyo formato es una cajetilla de tabaco intervenida. Seriada, Papel Engomado ve la luz cada tres meses con una tirada de 100 ejemplares. Su espíritu es joven, artístico y colaborativo.

Cada número es dirigido por un artista que contacta con otros compañeros de profesión para que, a partir de los conceptos y fundamentos de su práctica artística, los colaboradores realicen una obra que pueda ofrecer otro enfoque a la labor creativa que desempeña el director. Enfoques que se traducen en pequeñas piezas donde tan importante es el pliegue, como la idea.

Mesa de conspirada edición de trabajo de Papel Engomado. Fotografía cortesía de la galería.

Mesa de conspirada edición de trabajo de Papel Engomado. Fotografía cortesía de la galería.

La edición de Papel Engomado que verá por primera vez la luz en pazYcomedias es el número 09. Dirigido por Aguado, tiene como título ‘Conspiración’, e invita a que repensemos la sociedad tal y como la conocemos. La conspiración es una alternativa frente al discurso hegemónico imperante, construye un nuevo sistema de pensamiento y percepción de la realidad cuestionando las harto conocidas “versiones oficiales”. El arte se vuelve entonces una herramienta válida y potente para hacer frente a los agotados discursos de los mass media, revelados como grotescas prolongaciones del poder.

Los artistas participantes en este nuevo número son: Escif, Luan Mart, Toni Signes, Juan Sánchez, Gloria Rossi, Joaquín Artime y el propio Vicente Aguado.

El equipo editorial de Papel Engomado lo conforman: Joaquín Artime, Adassa Santana, Estefanía Salas, Laia Leonart y Gil Gijón.

Imagen del fanzine 'Conspiración', último número de Papel Engomado. Fotografía cortesía de la galería.

Imagen del fanzine ‘Conspiración’, último número de Papel Engomado. Fotografía cortesía de la galería.

 

Rogelio López Cuenca y el “síndrome de hogar”

Rogelio López Cuenca, Les pronoms febles
Galería pazYcomedias
Plaza del Patriarca, 5. Valencia
Presentación del libro HOME SWEPT HOLE, de Rogelio López Cuenca, en diálogo con su editor, Antonio Zúñiga. 6 de noviembre, 19h.
Inauguración: 6 de noviembre de 2015, 20h.

Rogelio López Cuenca (1959, Nerja) es un poeta y artista visual formado en Filología, que muestra en su trabajo una constante preocupación por el lenguaje, los iconos y los símbolos que el poder emplea en el espacio público como representaciones del sistema, reconocibles por la población y que son, por parte del artista, objeto de distorsión y subversión con el objetivo de desvelar los códigos y signos que dominan nuestra percepción de la realidad. En sus inicios, a finales de la década de 1970, fue miembro fundador del colectivo artístico Agustín Parejo School –enfocado al desarrollo de propuestas críticas frente a problemas de carácter local-, hasta que a mediados de la década de 1980 inicia su trayecto en solitario. En sus obras, de fuerte sentido irónico, se emplean referencias al arte político, la estética relacional, el neo-pop, el apropiacionismo y las estrategias postconceptuales. De un modo u otro, son temas recurrentes en sus trabajos la presencia de la palabra escrita, la referencia a la tradición poética, a las vanguardias históricas, la ciudad, la transversalidad del carácter político de los lenguajes, la alteridad cultural, la construcción de la identidad, de la exclusión o la instrumentalización de la cultura como coartada para la justificación de ciertos abusos del poder.

Rogelio López Cuenca. Los pronombres, 1993. Cortesía Galería pazYcomedias.

Rogelio López Cuenca. Los pronombres, 1993. Cortesía Galería pazYcomedias.

Por su proceso de trabajo, presta una permanente atención sobre los materiales y contenidos de los medios de comunicación, con los que confecciona numerosos archivos a partir de los que visibiliza las estrategias de producción de sentido e ideología que se ocultan tras las informaciones públicas y los mensajes publicitarios.

Rogelio López Cuenca. Los pronombres, 1993. Cortesía Galería pazYcomedias.

Rogelio López Cuenca. Los pronombres, 1993. Cortesía Galería pazYcomedias.

En sus proyectos existe una voluntad de acercamiento a la comunidad, implicando a agentes externos al mundo del arte para dar como resultado trabajos que no sean necesariamente contemplados como “obra de arte”, haciendo que el arte sea algo más que un instrumento de deleite para ser una herramienta de conocimiento puesta a disposición de la sociedad, posibilitando el engrase de los mecanismos que permiten el pensamiento autónomo de los individuos tras el prolongado letargo consumista. En sus proyectos propone ejemplos de relectura de los tópicos que edifican la identidad y la tradición de la sociedad, invitando a tomar una postura activa en los procesos culturales que la forman.

Rogelio López Cuenca. Los pronombres, 1993. Cortesía Galería pazYcomedias.

Rogelio López Cuenca. Los pronombres, 1993. Cortesía Galería pazYcomedias.

Con su exposición Les pronoms febles, en la galería pazYcomedias de Valencia, comisariada por José Luis Pérez Pont, se muestra una línea de trabajo iniciada por Rogelio López Cuenca en 1993, que aborda el “síndrome de hogar”, mediante imágenes y textos procedentes de campos semánticos caracterizados por su referencia a conceptos como habitar, cobijo, refugio, construcción, arquitectura, etc., que dan la visión de espacio privado que sirve de contrapunto a la exposición que actualmente muestra el artista en el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), en la que la atención se dirige a los signos que construyen el espacio público.

 

Rogelio López Cuenca. Bauhausiedlung, 2002. Cortesía Galería pazYcomedias.

Rogelio López Cuenca. Bauhausiedlung, 2002. Cortesía Galería pazYcomedias.

En valenciano, se usa el término tradicional “pronombres débiles” (o pronoms febles) para referirse a un conjunto de formas autónomas monosílabas. El hecho de ser átonas significa que siempre se pronuncian formando grupo fónico con el verbo al que complementan, situándose delante o detrás del verbo, nunca solos o acompañando a algún otro elemento de la oración. Los pronombres débiles del valenciano tienen un claro paralelo en el francés moderno y en el castellano antiguo, así como en otras lenguas románicas. Rogelio López Cuenca teje una relación simbólica entre esta característica idiomática y la forma aislada pero dependiente en la que se formaliza la vida en sociedad, tanto en lo que se refiere a las propias relaciones personales y de colectividad como al hábitat urbano.

Rogelio López Cuenca. Home, 2015. Cortesía Galería pazYcomedias.

Rogelio López Cuenca. Home, 2015. Cortesía Galería pazYcomedias.

Como parte de la exposición, la galería pazYcomedias desarrollará un intenso programa de actividades paralelas, con la colaboración del IVAM, que se inicia el mismo día de la inauguración en la galería el 6 de noviembre de 2015, a las 19h., con la presentación del libro de Rogelio López Cuenca, HOME SWEPT HOLE, de Ediciones Originales, con la participación del editor Antonio Zúñiga.
 El programa completo de actividades, próximamente…

El Grup Instrumental de València en pazYcomedias

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Concierto del Grup Instrumental de València
Galería pazYcomedias
Plaza del Patriarca, 5, bajo. Valencia
31 de octubre de 2015, 20.30 h.

Este concierto del Grup Instrumental de València, en colaboración con la Galería pazYcomedias, forma parte del ciclo Arts Happens comisariado por Carlota Rodríguez y Rafa Martínez. Un concierto que se formula como una referencia directa a la exposición del artista Ernesto Casero en pazYcomedias, comisariada por José Luis Pérez Pont, presentando una suerte de imágenes paralelas, en este caso sonidos similares, a la reflexión visual: la eugenesia musical. Varias preguntas pues son posibles: ¿existe una vinculación política y social de la cultura en relación a una idea de una sociedad mejor?; esta sociedad resultante y vinculante ¿qué música escucharía?, ¿es la música pues transmisora de valores e ideas?, etc. sin duda un arduo camino musicológico que nosotros no podemos, ni debemos, discutir en este sencillo foro, en este concierto, cuya misión es principalmente entretener, al cual podemos añadir, como misión estimulante, reflexionar in sieme, conjugándolas con las imágenes del artista, sobre la función del arte, sobre la sociedad y sobre sus formas de comunicarse. Podemos, en resumen, vivir la música como un espacio de reflexión, de comunicación y también como entretenimiento.

Ernesto Casero. I am a man, 2015. Lápiz compuesto sobre papel. 70x100 cm. Cortesía galería pazYcomedias.

Ernesto Casero. I am a man, 2015. Lápiz compuesto sobre papel. 70×100 cm. Cortesía galería pazYcomedias.

 

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Programa:

Jean-Philippe Rameau (Dijon, 1683 – París, 1764) Rigaudon (de Dardanus) (1739) ( 3’)
para violín y violonchelo

Ulysses Kay (Arizona 1917 – New Jersey, 1995) Prelude W14 (1943) ( 3’)
para flauta

Anónimo Lichtenburger Lagerleid (c. 1933) ( 3’)
Joan Cerveró (Arr.)
para ensemble y banda sonora

Igor Stravinsky (1882-1971) Trois Pièces (1918) ( 4′)
para clarinete

Joseph Boulogne L’Amant Anonyme (G 75) / Ouverture ( 4’)
(Chevalier de Saint-Georges, 1745 – 1799) para ensemble

Anthony Braxton (Chicago, Illinois, 1945) Composition No 358 ( 8’)
para ensemble

Ernst Krenek Sonata No. 2 Op.115 (1948) ( 9′)
para violín

Rudi Goguel (Melodía) Börgermoorlied (1933) ( 5’)
Johannes Esser (Texto) para ensemble y banda sonora
Joan Cerveró (Arr.)

Joan Cerveró (Valencia, 1961) Waltz und Tango (1993) de Wozzeck ( 5´)
para ensemble

Joan Cerveró, director/acordeón
José Mª Sáez Ferríz, flauta
José Cerveró, clarinete
Mª Carmen Antequera, violín
Mayte García, violonchelo
Comisarios del ciclo Arts Happens Carlota Rodríguez/Rafael Martínez

Grup Instrumental de València.

El Grup Instrumental de València enfoca así los contenidos del concierto, enunciados en el programa:

En el prefacio del Tratado de Contrapunto del afamado y reverenciado teórico de la música alemana Heinrich Schenker (1868 – 1935) se puede leer: “… el hombre es superior a la mujer, el productor es superior al comerciante o al peón, la cabeza prevalece sobre los pies,…”, etc. Esta afirmación, que en nuestros días sería considerada como menos “políticamente incorrecta”, es una muestra más de como la idea de orden piramidal, de organicidad y de estructura normativa se ha venido utilizando para justificar y explicar, maliciosamente según nuestra opinión, la supremacía del orden “armónico” de la música frente a todo aquellos que sonase a diferente, alejado de la norma, demonizando con ello la disonancia y la experimentación, es decir la diferencia.

Esta idea de “ideal normativo” , en la cual se ha invertido mucho dinero, tiempo y energía no es ajena a los deseos hegemónicos de las fuerzas políticas y económicas que dominaron (y siguen dominando) nuestro viejo continente europeo e incluso el norteamericano como un fiel reflejo de occidente. Esta fuerzas políticas son las mismas f que anteriormente apoyaron, como un caso extremo, la eliminación de todo lo anormal, lo diferente, lo impuro, apoyándose y justificándose en una locura eugenésica llevada a los extremos del paroxismo ideológico. Y esto que se dio en la sociedad y en la cultura también afecto al arte y, por supuesto, a la música, fiel reflejo de los valores espirituales de los pueblos. Es en el arte sonoro donde los afectos y las emociones se vinculaban más directamente con “el alma del pueblo”.

Las piezas que os proponemos escuchar en este concierto tratan todas de un mismo tema, central o lateralmente, todas tienen una relación con la exposición propuesta. Y los comentarios de Schenker apuntados al inicio de estas notas, nos ponen en el camino de nuestras especulaciones. Shenker, quién fue el impulsor teórico e ideológico de una música alemana sobria, consolidada, orgánica, basada en la tradición, asoció de manera tácita la consonancia al orden y a la salud corporal, mientras que la disonancia era representativa de la anormalidad, la deformación y la parálisis. Apoyados en una tradición occidental, (políticamente manipulada), buscaron y apoyaron argumentos para alejar al demonio de la disonancia negando y despreciando a autores que propusieron tolerancia y apertura estilística, como lo fueron en su época Jean-Philippe Rameau (1683 – 1764), posiblemente el músico y teórico francés más importante hasta el siglo XIX, quien en su «Démonstration du principe de l’harmonie» escribió: “… De la sola resonancia del cuerpo sonoro, acaban de ver nacer la armonía, la base fundamental, el modo, sus relaciones en sus adjuntos, el orden o el género diatónico(…) sin hablar del modo menor, ni de la disonancia, siempre emanadas del mismo principio, (…)”. La disonancia era parte ya de la música para Rameau y no había pues necesidad de eliminarla, al contrario de adoptarla y tolerarla.

La idea de eliminar lo diferente, (-Delete where not like- es como hemos titulado a nuestra concierto), lo que se aparta del orden (político, económico y social, por supuesto) perduró muchos años tanto a partir de las teorías de Schenker, quien criticaba y deploraba los, según él, experimentos y excentricidades de Schönberg o Stravinski (este último también presentado en este concierto). Se interpretan pues en este concierto obras de autores que de una manera u otra han sido postergados, silenciados, anulados o, en el peor de los casos, aniquilados. Autores que como muy apropiadamente señala Alex Ross en su imprescindible libro El ruido eterno (Seix Barral, 2009) donde sólo se les da una opción: Fuga o muerte. Tal es el caso del checo Ernst Krenek, nacionalizado posteriormente estadounidense, quien tuvo que huir de la alemania nazi de una muerte segura por dos razones, la primera por ser judío y la segunda por haber escrito una ópera que utilizaba técnicas contemporáneas y se apoyaba en el jazz, a lo que habría que añadir que en su obra principal, la ópera Jonny spielt auf («Johnny empieza a tocar», 1926) personaje principal era de color. Debido a esta circunstancia fue incluido en la lista de la llamada Entartete Musik o música degenerada, lista de autores corrompidos que se apartaban de la ortodoxia y que había que prohibir, silenciar o eliminar. Hoy se interpreta en este concierto su exigente y bella Sonata No. 2 Op.115 para violín solo. Como ilustración y acompañamiento también se interpretaran dos obras que pertenecen al imaginario sonoro de los campos de exterminio nazi, donde la música, a pesar de todo fue una válvula de escape y de esperanza para alejarse de una muerte segura.

Dentro de los casos extremos de alienación y eugenesia es posiblemente en los casos de músicos de color donde ha existido una relación más conflictiva, a parte de la barbarie contra el pueblo y los artistas judíos como ya hemos dicho, ya que músicos de color son prácticamente  inexistentes en la música clásica.

La música clásica debido a sus altas necesidades técnicas y económicas ha sido patrimonio de las clases altas y estas siempre han protegido y defendido este atributo de clase (que se ha consolidado a través calificativos alienantes como: “la música culta”, ” la alta cultura” o términos altamente sectarios que lo único que proponían, y aún proponen, es una utilización de la estética como diferencia, la pertenencia “al grupo de los elegidos”. Tres músicos negros son propuestos como punto de referencia de esta reflexión, por una parte el primer compositor cuyas raíces son origen africano, el conocido como “el Mozart negro” Joseph Bologne, Chevalier de Saint-Georges (1745 -1799) nacido en la colonia francesa de Guadalupe.  Los dos compositores que también se presenta en este concierto tienen orígenes e influencias del jazz, aunque cada uno de ellos evolucionó de manera diversa, incluso divergente. Por un lado Ulysses Kay (1917 – 1995)   compositor estadounidense de origen afro-americano que después de estudiar con Luenig y Hindemith optó por un lenguaje neoclasicismo. Su Preludio para flauta es un compendio de recursos técnicos y expresivos que intentan aportar otras visiones de la música sin apartarse de la tradición. Caso contrario es el de Anthony Braxton (1945) quien desde sus orígenes como músico de jazz y como colega y participante en proyectos con grandes nombres de la historia del género como violinista Leroy Jenkins, el trompetista Wadada Leo Smith o en el proyecto de la Association for the Advancement of Creative Musicians, fundada en Chicago. Sus influencias van desde Ornette Coleman, John Coltrane, Paul Desmond o Eric Dolphy hasta  artistas “no de jazz” como John Cage o Karlheinz Stockhausen. De este carismático autor se va a interpretar un fragmento de su obra Composición #358, última de sus composiciones de lo que él titula con el distintivo de Ghost Trance Music. En esta obra se ven reflejadas todas la influencias históricas y estéticas de un periodo que va desde los años 50 a la actualidad, donde convergen el free-jazz, el fluxus, John Cage, la improvisación , la música ritual y la protesta política sobre la opresión estética e ideológica de la música blanca.

Para finalizar el concierto hemos elegido un fragmento de la música de escena de la obra teatral del dramaturgo y médico alemán George Büchner, compuesta por Joan Cerveró (Valencia, 1961) para la producción homónima dirigida por Carles Alfaro en 1993. En esta obra, además de muchos otros dramáticos sucesos se narran, se presentan los experimentos realizados por los médicos con “voluntarios” quienes a cambio de dinero ofrecían sus cuerpos a la experimentación, a estas prácticas antinaturales, donde la persona se convertía en un producto, un medio para conocer los efectos de las drogas y las medicinas para así producir nuevos productos para una futura sociedad mejor (que es el título de esta exposición de Ernesto Casero: Better humans tomorrow!). El dramático y espasmódico vals , donde se inocula la droga al soldado Woyzec y el decadente y despiadado tango que baila este joven soldado cuando asesina a su amante María junto al lago iluminado por la luna, un lago teñido de sangre y locura. Música que nos habla de la vida y vida que nos lleva hacia la música.

Joan Cerveró. Foto: Marino Scandurra.

Joan Cerveró. Foto: Marino Scandurra.

El fantasma ideológico de la pureza

“Better humans tomorrow!”, Ernesto Casero
Galería pazYcomedias
Pl. Colegio del Patriarca, 5. bajo-dcha
Comisario: José Luis Pérez Pont
Hasta el 31 de octubre de 2015

De la higiene victoriana al fantasma ideológico de la pureza.

Una vez más, lo que se nos presenta bajo la mística apariencia
de ciencia pura y conocimiento objetivo de la naturalez
en el fondo se revela como ideología política, económica y social.
Richard C. Lewontin

Desde que Charles Darwin publicara en 1859 Sobre el origen de las especies por medio de la selección natural o la preservación de las razas favorecidas en la lucha por la vida, título que acortó en la segunda edición, han surgido múltiples defensores de una visión de la naturaleza que implica, por un lado, la competición por la supervivencia constituida como el principal mecanismo de evolución de las especies, y por otro, una visión individualista y jerárquica de las poblaciones en la que los individuos considerados “aptos” acaban eliminando y sustituyendo a los “no aptos”, interpretación que, pese a contradecir datos empíricos como las evidencias del registro fósil o los descubrimientos en genética como los genes Hox, sigue constituyendo el paradigma dominante en Biología.

Uno de los primeros pensadores que aplicó estas ideas a las sociedades humanas fue Francis Galton, primo de Darwin, conocido, entre otras cosas, por acuñar el término eugenesia. Para Galton, como para tantos otros preeminentes hombres de ciencia de la Inglaterra victoriana, era importante que, al igual que los ganaderos seleccionan a sus mejores animales para la cría y la reproducción, en las sociedades humanas se siguieran mecanismos de selección similares, para así conseguir sociedades cada vez más perfectas. Otro influyente pensador de la época, Herbert Spencer, autor de la expresión la supervivencia del más apto, abogaba por la supresión de los servicios públicos, como atención médica, educación o subsidios a los desfavorecidos, puesto que para él estas medidas constituían un obstáculo para que la selección natural eliminara a los individuos “no aptos”, contribuyendo así a una progresiva degeneración de la especie en las sociedades occidentales, lo que para Spencer las llevaría inevitablemente hasta su colapso.

Ideas como éstas y derivaciones más radicales, basadas en un supuesto cientifismo pero cargadas de ideología, y en las que bajo una pátina de argumentos pretendidamente biológicos se perseguían objetivos basados en la productividad y el mantenimiento del statu quo, saltaron rápidamente al continente europeo y a Norteamérica. En el primer tercio del siglo XX, y financiadas por fortunas como las de los Carnegie, Rockefeller, Harriman o Kellogg, surgieron en Estados Unidos diversas organizaciones para la promoción de medidas eugenésicas, constituyendo importantes grupos de presión que conducirían a la implementación de leyes de esterilización forzosa en diversos estados. Más de 60.000 personas fueron esterilizadas en este país por ser consideradas portadoras de “rasgos genéticos indeseables”, entre las que se incluían a los llamados “débiles mentales”, delincuentes, inmigrantes y mujeres de etnias minoritarias como los nativos americanos, hispanos o afroamericanos, principalmente. Similares programas de esterilización forzosa fueron llevados a cabo en países como Dinamarca, Islandia, Noruega o Suiza; en algunos, como Canadá o Suecia, estas prácticas se mantuvieron hasta los años 70.

Ernesto Casero, ''Better humans tomorrow!". Cortesía Galería pazYcomedias.

Ernesto Casero, ”Better humans tomorrow!”. Cortesía Galería pazYcomedias. Foto: Juan Peiró.

La eugenesia como movimiento no sólo abogaba por la mayor tasa de reproducción de los individuos considerados más aptos (eugenesia positiva) o la esterilización de los considerados menos aptos (eugenesia negativa), sino que constituía un conjunto de prácticas relativas a la conducta sexual, la alimentación, la salud, la llamada “higiene racial” y, en definitiva, la implementación de los códigos morales y sociales del pensamiento puritano anglosajón. Constituyó un movimiento del patriciado orientado a evitar la disolución de los valores morales y la estructura social que los legitimaba, patriarcal y racista, amparándose en argumentaciones pseudocientíficas para proveer de una explicación de tintes biológicos a cuestiones de estructura social, como la delincuencia, la pobreza o la segregación racial. Para los eugenistas las personas que ocupaban los puestos más bajos de la pirámide social se encontraban en esa situación porque eran biológicamente inferiores, la estructura social únicamente reflejaba la realidad genética, y para evitar la degeneración de la especie humana la eugenesia proveía de un conjunto de técnicas y medidas gubernamentales orientadas a la mejora del pool genético.

Parte de estas ideas racistas, sexistas, clasistas y discriminatorias han serpenteado a lo largo del siglo XX y han llegado, si bien transformadas en muchos casos en la forma aunque no en el fondo, hasta nuestros días. El determinismo genético o la perspectiva racial del CI continúan siendo caballo de batalla de ideólogos conservadores en todo el mundo, y la utilización mercantilista de la ingeniería genética, producto de una visión utilitarista de la naturaleza, constituye no sólo una importante amenaza a la biodiversidad sino a nuestra propia supervivencia como especie. Un creciente número de científicos reclaman un cambio de paradigma en biología que sea respetuoso no sólo con los seres humanos sino con nuestro planeta, desechando planteamientos simplistas y reduccionistas e integrando los conocimientos de la paleontología, la genética, la biología molecular y la microbiología en un sistema coherente basado en la investigación empírica, no en pre-conceptos e ideologías propios de épocas pasadas, como, por ejemplo, el fantasma ideológico de la pureza.

Durante el siglo pasado, la organización social de las condiciones normativas tendía a situar la pureza en el punto álgido de los valores culturales, permaneciendo así la contaminación en el último eslabón o incluso, en ocasiones, en el eslabón perdido. Esta concepción jerárquica de los valores culturales en torno a la pureza es, en parte, consecuencia de las categorías /trascendentes/ de pureza y contaminación, Dios y la Naturaleza.

En los códigos primarios, la pureza es una subcategoría positiva asociada a la legitimidad, bondad y autoridad, por tanto una categoría asociada un ser supremo. Aunque inalcanzable para el ser humano, éste debe esmerarse por aproximarse a la categoría máxima, estando así, cada vez más cerca de la perfección y la eficiencia. Esto es, presentándose como un abanderado fenomenológico del fantasma ideológico de la pureza.

Muestra del conjunto de obras de la exposición ''Better humans tomorrow!" del artista Ernesto Casero. Cortesía del artista.

Ernesto Casero, ”Better humans tomorrow!”. Cortesía Galería pazYcomedias. Foto: Juan Peiró.

La obsesión que muestra la sociedad, en el contexto occidental, por la pureza, en términos de limpieza, de desinfección, por lo impoluto, deriva, dicho a modo muy rápido y general, no únicamente de los códigos primarios, sino también de acontecimientos históricos como la revolución industrial. Los hacinamientos de los trabajadores en las ciudades, junto con la falta de recursos, dieron lugar a grandes plagas, al miedo a caer enfermo, al peligro del contagio, y a la necesidad de buscar un remedio para estos riesgos y plagas, lo que supuso para el capitalismo la oportunidad de apropiarse de los remedios, y así explotar los nuevos conocimientos.1 En la búsqueda de soluciones para las grandes epidemias, empezó una lucha contra los gérmenes, una lucha por la desinfección. Comenzó a articularse una lucha por el anhelo del cuerpo desinfectado, íntimamente ligado a las condiciones materiales de los primeros años del capitalismo. Esta lucha, alcanzó su clímax en la época victoriana, con el desarrollo de lo que el colectivo artístico Critical Art Ensemble llaman una disciplina de lo doméstico, una disciplina articulada que genera necesidad y garantía de que los valores patriarcales no serán disueltos, generando una necesidad de la desinfección surge también la necesidad por los productos que la pueden llevar a cabo, los productos de limpieza, unos productos que, por tanto, se vuelven deseables. Por lo que este deseo, como apunta el colectivo, no supone simplemente algo funcional, sino que acontece a modo de neutralizador de la ansiedad provocada por unas biopolíticas hiper-reales.

 Lo que nos interesa retomar de los trabajos desarrollados por el colectivo, junto con profesionales de distintas áreas de conocimiento, entre ellos biólogos, es exponer cómo el miedo y el peligro se llevaron, intencionalmente, al extremo por intereses económicos y de poder, puesto que esta lucha contra los gérmenes suponía, y supone, grandes beneficios para el capitalismo, así como supuso su posterior institucionalización.

Es de especial interés para abordar cuestiones relacionadas a la pureza como valor que debe guiar la existencia, prestar atención a las dos últimas décadas del siglo XIX en las que tanto médicos como científicos identificaron que uno de los focos de enfermedad, los gérmenes, podía residir en el polvo. La conocida empresa Bissell, activa en la actualidad, ofreció entonces una primera solución: las limpiadoras de vapor, un producto que aseguraba la limpieza total, un producto que surge de la lucha contra los gérmenes. Esta intensa lucha, y la aparición de productos para facilitarnos la victoria, convirtió a la higiene en un asunto social, doméstico y personal, lo que generaba, a su vez, el correspondiente miedo a fracasar y caer enfermo. Por tanto, los fabricantes vieron cuan beneficiosa resultaba la bioparanoia: “the great the fear, the better for the household sanitation and disinfectant industries.” Por tanto, la empresa feroz por la pureza ya no permanecía en el desarrollo de los marcos teóricos de ideólogos del capitalismo, sino que se asentaba directamente en la cotidianidad, convirtiendo la lucha contra lo impuro en el emblema de la victoria del fantasma ideológico de la pureza.

Estas estrategias nos enfrentan al constructo de un cuerpo desinfectado de un cuerpo desinfectado, puro, que forma parte de nuestro ideario social, pero que, paradójicamente, es imposible, es un cuerpo inalcanzable, tomando la potencialidad de la metáfora del cuerpo desinfectado en relación a las tesis eugenésicas. No puede existir un cuerpo desinfectado porque sin gérmenes moriríamos, los necesitamos para desarrollar múltiples funciones, y aunque muchos resultan peligrosos para nuestra salud, con otros co-existimos en una relación simbiótica. Pero en cambio, nos dedicamos a fulminar a todas esas bacterias que la publicidad nos ha mostrado como potencialmente peligrosas, ofreciéndonos, a su vez, la solución para acabar con ellas, el producto mediante el cual conseguir un cuerpo desinfectado. Esta búsqueda por la desinfección genera una relación histérica con las bacterias, y también unos beneficios para la industria. Unos beneficios que provienen del constructo artificial del sentirse seguro frente a estos enemigos. De asumir que un cuerpo desinfectado es la única garantía para mantenerse a salvo, la empresa fracasada para combatir una bioparanoia diseñada con un cuerpo ideal imposible, reduciendo la condición humana al ámbito de la biología, fomentando que vivamos bajo la amenaza constante de aquellos impuros que pueden alterar nuestro índice de pureza, y por tanto, legitimando que deban ser erradicados o modificados hasta encontrarse dentro de los parámetros establecidos de pureza y contaminación, promocionando la necesidad de pureza como promoción del bien común.

En el contexto contemporáneo, un contexto híbrido, son diversas las voces que, desde distintos ámbitos del conocimiento, proponen la necesidad de abrir un espacio de reflexión colectiva sobre la necesidad de combatir el paradigma mecanicista-reduccionista del determinismo biológico pasando a una concepción dialéctica que problematiza con una perspectiva utilitarista tanto de los seres humanos como de la naturaleza y el resto de especies con las que convivimos, ya que entendemos que las posibilidades que nos brindan las biotecnologías han evidenciado una concepción errónea de las mismas: confundir el uso de la tecnología como extensión de las facultades humanas, para re-pensarnos, con una voluntad correctiva que no deje margen al error. La obsesión por la corrección y restauración, por la determinación, significa desterrar la incertidumbre en favor de la búsqueda de una certeza, pero esta búsqueda de la certeza no parece ajustarse demasiado a nuestro contexto contemporáneo, cambiante y lleno de incógnitas, donde los seres humanos somos los primeros que navegamos por una existencia dicotómica. Por tanto, si cedemos a la voluntad por corregir toda perturbación, si cedemos al determinismo biológico, entonces deberemos aceptar que en el camino hacia la búsqueda de la certeza absoluta, probablemente perdamos parcelas de libertad, fortaleciendo las bases de un fantasma ideológico que articula las narrativas hegemónicas, que parten de concepciones jerárquicas de los valores culturales y establecen las bases de argumentaciones racistas, sexistas, clasistas y especistas. En contraposición, biólogos, teóricos y artistas apuestan por una concepción dialógica y transversal que aúne todos los conocimientos recabados y que sirva como herramienta para seguir abordando la complejidad de los sistemas desde la integración del error como posibilidad de apertura.

Ernesto Casero / Laura Benítez

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1Para más detalle sobre los diferentes remedios adoptados en las epidemias europeas de la época industrial véase Critical Art Ensemble, “Bioparanoia and the Culture of Control”, 415.

El futuro de la política cultural en Valencia

Ciclo Política cultural valenciana. Encuentros con candidatos
Galería pazYcomedias
Plaza del Patriarca, 5. Valencia

A solo unos días de las elecciones municipales y autonómicas, con una nueva escena social y de partidos, el resultado de las mismas es seguramente el menos previsible de las últimas décadas.

Con el fin de tener un conocimiento más amplio y cercano de los programas en materia de política cultural de los diferentes grupos políticos que concurren a la cita electoral, proponemos una serie de encuentros con candidatas y candidatos en sesiones independientes.

De formato flexible, tras una presentación de las claves del programa cultural se establecerá un diálogo marcado por las preguntas e intervenciones de los asistentes.

Programa de encuentros:

Consol Castillo (Coalició Compromís). Martes 12 de mayo, 19 h.

Carmen Amoraga Toledo (Partido Socialista del País Valenciano). Miércoles 13 de mayo, 19 h.

-Iñaki Fernández (Unión Progreso y Democracia UPyD). Lunez 18 de mayo, 19 h.

Áurea Ortiz Villeta (València en Comú). Martes 19 de mayo, 19 h.

– Julia Climent (Secretaria Autonómica de Cultura), Marta Alonso (Directora General de Cultura) y José Luis Moreno (Director General de Culturarts). Partido Popular Comunitat Valenciana​. Miércoles 20 de mayo, 19 h.

-Emilio Argüeso (Ciudadanos – C’s Valencia). Jueves 21 de mayo, 19 h.

-Robert Lisart (Esquerra Unida del País Valencià). Viernes 22 de mayo, 19 h.

La Galería PazYcomedias de Valencia, con la colaboración de la Plataforma Valenciana x la Cultura, promueve este encuentro coordinado por Jose Luis Perez Pont para debatir abiertamente acerca de las políticas necesarias para el sector cultural valenciano.
Este ciclo forma parte del programa de actividades paralelas de la exposición “Sobre el cómo y el cuánto”, de Isidro Lopez-Aparicio, que actualmente puede visitarse en pazYcomedias. Un proyecto específico desarrollado para la galería acerca del valor y el uso del dinero, que cuenta con una instalación realizada in situ que cuestiona el desmantelamiento del sistema educativo.

Isidro López-Aparicio. Funambulismo educativo, estructuras formativas, 2015. Cortesía Galería pazYcomedias.

Isidro López-Aparicio. Funambulismo educativo, estructuras formativas, 2015. Cortesía Galería pazYcomedias.

Balance de la política cultural valenciana

Mesa redonda: Política cultural valenciana. Balance de legislatura
Galería pazYcomedias
Plaza del Patriarca, 5. Valencia
6 de mayo de 2015, 19 h.

En este momento de crisis económica los cambios devenidos en el concepto mismo de cultura, el lugar que ocupa en la sociedad del conocimiento y la articulación colectiva de determinadas demandas sociales y profesionales al respecto, plantean la necesidad inaplazable de una renovación del modelo de actuación pública en el ámbito de la cultura. En una economía moderna basada en el conocimiento y la creatividad, los recursos destinados a educación, investigación y pensamiento no son un gasto sino una inversión. De ahí que se haga necesario evaluar profundamente la utilidad, el sentido y la función de las políticas públicas llevadas a cabo hasta ahora y, analizando la situación del sector, trabajar en la elaboración de programas que propongan respuestas nuevas y soluciones eficaces ante el momento que atraviesa el sector cultural en la Comunitat Valenciana.

Tras una legislatura particularmente convulsa en materia de política cultural y ante las elecciones municipales y autonómicas a la vuelta de la esquina, se propone un balance de estos últimos cuatro años a través de un diálogo con los portavoces parlamentarios de cultura de los grupos políticos con representación en Cortes Valencianas:

-Miguel Ángel Mulet (Partido Popular)
-Juan Soto (PSPV-PSOE)
Josep Maria Pañella Alcàcer (Coalició Compromís)
Esther López Barceló Esquerra Unida del País Valencià (EUPV)

Modera: Jose Luis Perez Pont

Con la colaboración de la Plataforma Valenciana x la Cultura

Esta mesa redonda forma parte del programa de actividades paralelas de la exposición “Sobre el cómo y el cuánto”, de Isidro López-Aparicio, que actualmente puede visitarse en pazYcomedias. Un proyecto específico desarrollado para la galería acerca del valor y el uso del dinero, además de una gran instalación realizada in situ con la que se cuestiona el desmantelamiento del sistema educativo.

Isidro López-Aparicio. Funambulismo educativo, estructuras formativas, 2015. Cortesía Galería pazYcomedias.

Isidro López-Aparicio. Funambulismo educativo, estructuras formativas, 2015. Cortesía Galería pazYcomedias.

Lo especulativo y el valor de las cosas

Isidro López-Aparicio. Sobre el cómo y el cuánto
Galería pazYcomedias
Plaza del Patriarca, 5. Valencia
Inauguración: 24 de abril de 2015, 19 h.

La Galería pazYcomedias presenta la exposición “Sobre el cómo y el cuánto” del artista Isidro López-Aparicio, producida para la ocasión, que ocupará la sala principal de la galería en diálogo con una intervención sonora de Isidoro Valcárcel Medina (Premio Nacional de Bellas Artes) en el espacio Glass Wall de la entrada.

Isidro López-Aparicio interviene con sus proyectos en contextos sociales, como herramienta colaborativa, pero también sobre algunos aspectos cotidianos de las relaciones humanas aquejados de cierta atrofia.

En la sociedad actual el valor de las cosas forma parte de un ámbito especulativo. Tanto lo económico como lo legal es susceptible de estructuras de poder en el que las cosas desaparecen por su valor en términos economicistas. Pero los objetos, poseen un valor más allá  de su tasación, que se basan en su relación con las personas, en su utilidad, en su carga simbólica y  conceptual, en su vínculo con lo humano. Los elementos que representan el valor económico son utilizados como objetos por López-Aparicio en “Sobre el cómo y el cuánto”. Consciente de su simbolismo, son usados como meros objetos que forman parte de construcciones o sirven de vehículo para cuestionar su propia función.

Los procesos son una parte fundamental en el trabajo de Isidro López-Aparicio, pues su reflexión no persigue necesariamente objetos finales, sino experiencias capaces de condensar y comunicar las ideas que maneja.

Para López-Aparicio, el arte no es solo un campo de satisfacciones estéticas y desarrollos ficcionales, sino que la realidad es el argumento de lo creativo.

Esta muestra, comisariada por José Luis Pérez Pont, es la segunda del programa de Galería pazYcomedias centrado en expresiones artísticas de cuestionamiento y crítica social, y que se inició con la exposición de Yara El-Sherbini (artista participante en la Bienal de Venecia 2015). El programa continuará con Fermín Jiménez Landa, Escif, Ernesto Casero, Rogelio López Cuenca, Antoni Abad y Nuria Güell, entre otros.

Isidro López-Aparicio. La más cara, 2015. Cortesía Galería pazYcomedias.

Isidro López-Aparicio. La más cara, 2015. Cortesía Galería pazYcomedias.

Isidro López-Aparicio es un artista con una sólida presencia y reconocimiento profesional participando con asiduidad en ferias internacionales y realizando numerosas exposiciones individuales y colectivas en España, Italia, Reino Unido, Portugal, Alemania, Holanda, Bélgica, Estados Unidos, Hungría, Finlandia, Rusia, Egipto, China, Grecia, Fiji, Rumania, Papua Nueva Guinea, Noruega, Jordania, Unión de Emiratos Árabes, etc. en centros como Darat al Funum (Aman, Jordania), Inter Art Gallery, 798 Art Distric (Pekin, China), Tate (Londres, UK), GAM, Galería de Arte Moderno de Palermo, Sicilia, Columbia, ARTifariti, Sahara Occidental, S.C., EEUU, Tamarind, N. Mexico, Imatran Taidemuseo, MNCA Reina Sofía, Madrid, Finlandia, Pushkinskaya 10 Art Center, St. Petersburg, etc.  Premiado y becado para la ampliación de estudios y la creación artística en más de treinta instituciones. Ha comisariado cinco festivales artísticos internacionales trabajando con más de un centenar de artistas y miembro del panel de expertos del proyecto comisarial internacional Artist Pension Trust.

Ha trabajado en un centenar de instituciones de los cinco continentes, en la actualidad compagina su docencia en la Universidad de Granada con otras en instituciones de Finlandia y del Reino Unido. Autor de numerosos libros y artículos.

Master en Gestión Medioambiental, EU, Miembro del Instituto de investigación de la Paz y los Conflictos y Director del Grupo de Investigación CreaciónECI.

Presidente de honor del Fine Art European Forum y de la ejecutiva de la European League of Institutes of Art. Miembro de la comisión editorial del Journal of Art Research. Presidente de la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales de España. Vicepresidente de la Unión de Artistas Andaluces. Estrella de oro por la EU por programas de movilidad.

Mujeres y cambio social en el mundo árabe

Mesa redonda con motivo del Día Internacional de la Mujer:
“Culturas y modelos de género: Una mirada a través de la danza del vientre”.
Galería pazYcomedias
Plaza del Patriarca, 5, bajo. Valencia
Viernes 6 de marzo, 18 h.

Con la proyección del documental ‘Balady’ (Doha Mayer. Hassala-El Cairo / Emilie Vidal, Interarts-Barcelona), 2013.

Composición de la mesa:
Emilie Vidal (codirectora de ‘Balady’)
Lubna Abu Omar (doctora)
Soukaina Sghiuouri (Filóloga y especialista en estudios de género)
Diana Zarzo (directora de GNRD – Spain)
Modera: Maite Ibáñez (historiadora del Arte y miembro de ACM)

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El documental ”Balady” observa cómo los roles y modelos de género afectan a nuestro cuerpo a través de la danza del vientre y los intercambios culturales. Rodado en Egipto, España, Túnez y Francia, el proyecto ofrece una reflexión sobre los estereotipos culturales, la libertad de expresión y el protagonismo de las mujeres dentro de los cambios sociales del mundo árabe. El cortometraje se ha presentado en diversos festivales logrando abrir debates sobre nuestra representación social, a partir de la organización de talleres de danza oriental y entrevistas a ciudadanos y artistas.

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Pincha aquí para ver el trailer de Balady.

Balady es el resultado de un proyecto conjunto desarrollado por Global Network For Rights And Development (GNRD), Hassala Films, Tandem e Interarts. Con la colaboración de la Asamblea de Ciudadanos y Ciudadanas del Mediterráneo (ACM).