La audacia de Carlos Sáez conquista a Cañada Blanch

Carlos Sáez | VII Premi Col·lecció Cañada Blanch
‘L’altra condició’ | Exposición online
Galería Thema, La Mercería, Espai Nivi Collblanch, Aural Galería, Galería Vangar, Espai Tàctel, Alba Cabrera Art Contemporani, Shiras Galería, Luis Adelantado, The Blink Project, SET Espai d’Art, Galería Punto, Cànem Galería, Rosa Santos, Galería Cuatro, ISABEL BILBAO Galería de Arte y Galería Benlliure
Sábado 21 de noviembre de 2020

El artista Carlos Sáez ha sido galardonado, el pasado 12 de noviembre, con el Premi Col·lecció Cañada Blanch, dotado con 7.000 €.

En esta séptima edición –coincidiendo con la celebración del 50 aniversario de la institución– se ha pretendido que el ganador fuese alguien que, con ciertas notas futuristas, superase las barreras de lo común, en “continuidad con la línea de las anteriores adquisiciones de Fundación Cañada Blanch, que intenta salir de la perspectiva plástica y pictórica”, afirma el profesor de la Universitat de València Ricard Silvestre, comisario de la exposición por segunda edición consecutiva.

Un instante del acto de entrega del VII Premi Col·lecció Cañada Blanch al artista Carlos Sáez en el Aula Magna del Centre Cultural La Nau. Fotografía cortesía de la fundación.

Una muestra virtual, ‘L’altra condició’, que se caracteriza por servirtual en su totalidad, adaptándose a las exigencias y protocolos sanitarios, decantándose por el empleo de la vía tecnológica, formulada a través de la presente convocatoria, en la que, mediante propuestas pictóricas, escultóricas, fotográficas y audiovisuales, participan Galería Thema, La Mercería, Espai Nivi Collblanch, Aural Galería, Galería Vangar, Espai Tàctel, Alba Cabrera Art Contemporani, Shiras Galería, Luis Adelantado, The Blink Project, SET Espai d’Art, Galería Punto, Cànem Galería, Rosa Santos, Galería Cuatro, Isabel Bilbao Galería de Arte y Galería Benlliure.

De este modo, se ha diseñado la visión y ubicación de la obras, configurando un entorno nuevo que no solo reflexiona sobre el propio espacio, sino también sobre el tiempo, con ciertos tintes kantianos. Cada una de las 17 obras presentadas por las galerías partícipantes cobran importancia de manera individual, pero también en su conjunto, pues conforman una pieza dentro del marco transparente que la aúna, haciendo que estas sean visibles tanto desde fuera como desde dentro. De esta manera se consigue un discurso, una narración en la que se eliminan las barreras al espectador y se le invita a sumergirse en esta atmósfera desde su hogar.

La obra ganadora de Carlos Sáez, ‘ARM’, presentada por Espai Tactel, pasará a formar parte de la colección de la Fundación Cañada Blanch. Se trata de una pieza escultórica conformada por un brazo mecánico creado a partir de materiales propios del ámbito de trabajo que han sido desechados. El artista los recicla, convirtiéndolos en algo totalmente distinto, dotándolos de otra vida y un carácter más estético.

Parte, por tanto, de la mirada artística para transformar algo tan cotidiano y, aparentemente, carente de significado, en algo único y particular que excede las fronteras y lo eleva en el marco plástico, en sintonía con el resto de sus trabajos.

Una propuesta cuyas virtudes –“audacia, expresión plástica en la zona fronteriza de la exploración estética y transhumanismo”– ha contado con el refrendo de un jurado compuesto por José María Lasalle, ex secretario de Estado de Cultura; Alba Braza, comisaria de exposiciones; Luisa Espino, crítica de arte; Juan Viña, presidente de Fundación Cañada Blanch; Paula Sánchez, directora de Fundación Cañada Blanch; Manel Costa, miembro del Patronato de Fundación Cañada Blanch, y Norberto Piqueras, responsable de exposiciones Centre Cultural La Nau de la Universitat de València.

Con esta exposición virtual que nos ofrece la fundación, podremos comprobar que lo inmaterial también es parte de nuestra realidad, pues nos permite adentrarnos en un espacio artístico más bien metafísico que invade nuestros hogares.

Carlos Sáez
‘ARM’, de Carlos Sáez. Fotografía cortesía de la Fundación Cañada Blanch.

Beatriz Milla

Fundación Cañada Blanch, un puente a la cultura

#MAKMACultura #MAKMAOpinión | MAKMA ISSUE #02
Laura Lozano | Fundación Cañada Blanch, un puente a la cultura
MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, 2019
Viernes 28 de agosto de 2020

Cuando me preguntan qué se organiza desde Fundación Cañada Blanch nunca sé por dónde empezar. Diálogos Cañada Blanch, Foro Económico, Letras del Mediterráneo o Encuentros Cañada Blanch son solo algunas de sus actividades. Su nexo común está claro: tratar de conectar con la sociedad para dotarla de conocimiento y lograr que esta sea capaz de decodificar su realidad más inmediata.

“Debemos formular preguntas que valga la pena responder. Una vez las tenemos, la tarea de Fundación Cañada Blanch es facilitar los medios para poder resolverlas”, así es como Juan Viña, presidente de Fundación Cañada Blanch, materializa el objetivo de esta entidad que se centra en el fomento de la cultura y la educación.

La reflexión encuentra su espacio en esta institución: a través de los Diálogos Cañada Blanch se acerca a las cuestiones actuales más relevantes sobre la realidad social, gracias a especialistas que dialogan y debaten en torno a ellas. Es el caso de José María Guibert, rector de la Universidad de Deusto, así como de Irma Jiménez, directora de Asuntos Corporativos de Hewlett Packard Enterprise, que han participado durante este año.

Páginas iniciales del artículo publicado en MAKMA ISSUE #02.

Los Encuentros Cañada Blanch también juegan un papel fundamental: personalidades como Isabel Coixet, directora de cine y Juan Diego Botto, actor, han formado parte de este ciclo de conferencias que acercan sus obras y trayectorias vitales a la sociedad para potenciar valores como la competitividad, el esfuerzo, la colaboración y la solidaridad. Cerca de 1.000 personas ya han formado parte de esta experiencia.

Este año, además, Fundación Cañada Blanch ha ido un paso más allá y ha consolidado sus Encuentros Cañada Blanch en el Sporting. El Sporting Club Russafa Carlos Moreno Mínguez, en colaboración con la revista MAKMA, ha servido como espacio de intercambio de ideas entre artistas para debatir sobre el futuro de la profesión. Para ello, Marta Pérez Ibáñez, historiadora e investigadora del arte, gestora cultural y miembro del Instituto de Arte Contemporáneo (IAC), ha sido la encargada de ofrecer soluciones sobre cómo emprender en este sector.

Javier Reverte, Carmen Posadas, Ignacio Peyró y Espido Freire han sido solo algunas de las personalidades que han decidido acudir a Fundación Cañada Blanch de la mano de Casa Mediterráneo. Letras del Mediterráneo se ha convertido en un altavoz que fomenta el debate y el pensamiento crítico entre los países de la orilla del Mediterráneo. Tomando un carácter más cosmopolita, la fundación se ha convertido en un puente que conecta culturas.

Fundación Cañada Blanch es consciente de la importancia de los festivales en nuestro país, ya que se ha convertido en otra vía para contribuir a la divulgación de la cultura. Por eso, colabora a través de ayudas directas en la organización de PhotOn Festival, que se celebra en València, y el Festival dels Horts, que se sirve de la huerta valenciana de Picanya como escenario.

La economía, otra de las bases

Otro de los pilares básicos de la fundación es la economía. Para ello, Fundación Cañada Blanch realiza dos acciones para dos perfiles totalmente diferenciados. El Foro Económico Cañada Blanch, que está dirigido al tejido empresarial y las instituciones públicas, y las Jornadas Economía y Empresa, coorganizadas con la Facultat d’Economia de la Universitat de València, donde se aproxima a la comunidad estudiantil. Las tendencias más globales son las que marcan la agenda en ambas citas.

Portada de MAKMA ISSUE #02, a partir de una de las obras del proyecto ‘Autocines’ (2019), de la fotógrafa Gala Font de Mora.

Relaciones hispano-británicas, clave

Tomando como ejemplo a Vicente Cañada Blanch, su fundador, y con el fin de mantener la vinculación con el Reino Unido, esta institución financia estancias del alumnado de la Universitat de València en London School of Economics and Political Science mediante el Centro Cañada Blanch en Londres. “Contribuir al desarrollo formativo del alumnado valenciano” es otra de las claves para Fundación Cañada Blanch desde su constitución.

Asimismo, se mantiene la conexión con Borriana, ciudad natal de Vicente Cañada Blanch, donde se conceden distintos premios a los mejores expedientes académicos de las instituciones educativas de dicha localidad.

Pero Fundación Cañada Blanch no podría realizar todas estas acciones de manera independiente. Para ello, cuenta con vínculos que ha forjado tanto con instituciones públicas como privadas. Es el caso de la Universitat de València a través de Centre Cultural La Nau, con el que desarrolla acciones como elPremio Colección Fundación Cañada Blanch, en colaboración con la Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana (LaVAC) y el vicerrectorado de Cultura e Igualdad de la Universitat de València.

El seminario Aspen Institute-Cañada Blanch es otro de los ejemplos de colaboración de Fundación Cañada Blanch. Esta iniciativa, cuyo público va de los 25 a los 30 años, trata de encontrar personas que destacan por su capacidad de liderazgo y su proyección. Como partners, la entidad también cuenta con Berklee College of MusicValencia, así como el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana.

Por último, cabe destacar el Curso de Especialización en Turismo Cultural, que sigue eligiendo a esta entidad desde hace 17 ediciones. Todo ello con el apoyo de la Conselleria d’Educació, Cultura i Esport, la Agencia Valenciana del Turismo y la Federación Valenciana de Municipios y Provincias.

El futuro más cercano


Paula Sánchez, directora de la entidad, asegura que “pretende seguir aumentando las actividades que realiza la fundación, así como su implicación a nivel local y nacional. La directora, que va a cumplir dos años al frente de la entidad, cree que ‘”seguir creciendo es una oportunidad para beneficiar al conjunto de la sociedad y atraer el talento”, insiste.

Fundación Cañada Blanch
Ana Santos Aramburo (directora general de la Biblioteca Nacional), Antonio Ariño (vicerrector de Cultura y Deporte de la Universitat de València) y el poeta Antonio Orihuela durante los Diálogos Cañada Blanch en SINDOKMA Festival del Libro 2018.

Laura Lozano

Este artículo fue publicado en MAKMA ISSUE #02, revista especial en papel con motivo del sexto aniversario de MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, en junio de 2019.

Tomar medidas para vivir del arte

#MAKMAArtistas #MAKMAOpinión | MAKMA ISSUE #02
Marta Pérez Ibáñez | Tomar medidas para vivir del arte. La profesionalización del artista como vía para su supervivencia
MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, 2019
Martes 25 de agosto de 2020

La transformación del papel que el artista (aunque somos conscientes de la necesidad de que el lenguaje sea inclusivo y no sexista, optaremos por utilizar la forma masculina del término “artista” como forma neutra para economizar en el lenguaje, sin renunciar por ello a nuestro respeto por la igualdad entre géneros) ha jugado en el sistema del arte en España durante las últimas décadas ha sido rápida, profunda y ha tenido consecuencias evidentes, tanto para el sistema en sí mismo y sus mecanismos de desarrollo como para el surgimiento de nuevos agentes, herramientas y canales de conexión entre las diversas partes que lo componen.

La situación profesional y laboral de los creadores ha tendido siempre a la precariedad, situación que se ha visto agudizada por la crisis económica que se inició en 2008. Para definir con claridad cómo defender los derechos de este sector, cómo equipararlos al del resto de trabajadores y profesionales en nuestro país, y adecuar su reconocimiento social e institucional a la importancia de la producción artística en el desarrollo cultural español, ha sido imprescindible ahondar en la realidad del sector.

Páginas iniciales del artículo publicado en MAKMA ISSUE #02.

Para ello, desde 2013 –fecha en la que empezó a evidenciarse el cambio de paradigma que se apreciaba en el mercado español del arte y en su relación con el resto de agentes del sistema–, iniciamos una investigación que evolucionó desde las características de las nuevas galerías españolas nacidas durante la crisis, y continuó con el desarrollo de un profundo estudio sobre la situación económica y profesional de nuestros artistas –’La actividad económica de los/las artistas en España. Estudio y análisis’, Pérez Ibáñez, M. y López-Aparicio, I. (Fundación Antonio de Nebrija 2017). Segunda edición revisada y ampliada, publicada en 2018 por la Editorial Universidad de Granada–, que contribuyó a crear una conciencia social sobre la necesidad de optimizar la situación del sector, y aportó datos imprescindibles para la redacción del nuevo Estatuto del Artista, cuyo texto fue aprobado por unanimidad en el Congreso de los Diputados en 2018.

Durante la última década, el mercado laboral en España ha mostrado los signos de un profundo deterioro al que el sector de la producción artística no es ajeno. La actual situación laboral de los trabajadores culturales presenta claros signos de precariedad, y especialmente en el caso de los artistas plásticos y visuales, con altos niveles de autoempleo, baja retribución, inestabilidad y poca tasa de afiliación a los sistemas de seguridad social de los distintos países.

En los últimos años y debido a la crisis, deben ejercer un papel de autogestión, comunicación y promoción profesional, simultaneándolo con la producción artística, aun mostrando un alto nivel de aceptación de su situación y de su identidad como artista y una visión positiva de su trabajo, a pesar de la precariedad.

A este respecto, el libro de Remedios Zafra ‘El entusiasmo’, publicado en 2017 por Anagrama, abunda en la idea del artista y del trabajador cultural que, en un escenario de precariedad y desilusión, valora sin embargo la libertad y la creatividad como algo transformador, mientras la vocación y el placer por crear son instrumentalizados por un sistema que los avoca a la ansiedad y la frustración.

En países como España, la especial virulencia de la crisis provocó el cierre de numerosas galerías entre 2010 y 2012, con lo que la fuente de ingresos de muchos artistas procedente de la comercialización de la obra se vio seriamente perjudicada, compartiendo muchos rasgos del concepto de “precariado” que plantea Standing y el “biotopo artístico” de Pascal Gielen.

Además, la ausencia de un reconocimiento institucional de la figura profesional del artista o de un estatuto que regule su actividad, de un censo que cuantifique a los profesionales de este sector y sus condiciones laborales, la baja afiliación a asociaciones profesionales –única estructura de protección laboral–, más el deterioro general del sistema del arte, hacía imprescindible el mencionado estudio para aventurar modos de actuación y optimización de recursos a medio y largo plazo.

Portada de MAKMA ISSUE #02, a partir de una de las obras del proyecto ‘Autocines’ (2019), de la fotógrafa Gala Font de Mora.

Nuestra investigación, que contó con el aporte desinteresado de datos de más de 1.100 artistas en una encuesta exhaustiva, permitió analizar numerosos aspectos de la actividad artística en nuestro país, desde datos generales del colectivo, hasta aspectos específicos de su condición profesional y del rendimiento económico de su actividad, con especial interés en la relación actual entre los artistas y los distintos agentes del mercado del arte y los cambios sintomáticos apreciables en dicha relación.

Así, los datos cuantitativos resultantes del estudio, apoyados por un largo proceso de observación y contraste cualitativo de dichas conclusiones en continuo diálogo con artistas y otros agentes, nos llevaron a centrar nuestras conclusiones en los tres aspectos fundamentales que determinan la actual situación de los artistas en España respecto del sistema del arte, y que se pueden resumir así:

  1. La mayoría de los artistas españoles no puede mantener su actividad artística como principal fuente de ingresos, por lo que debe disponer de fuentes alternativas que le permitan subsistir: en ocasiones, dichos ingresos alternativos proceden de otras actividades asociadas a la creación, como la docencia artística, los ingresos por ayudas, subvenciones, honorarios de artista o trabajos de comunicación, comisariado, etc. No obstante, la actividad expositiva no ha cesado, por lo que son los artistas con sus propios recursos económicos, además de su tiempo, experiencia y creatividad, quienes mantienen la oferta artística que se expone en galerías y centros de arte, aun a pesar de no poder rentabilizar el trabajo realizado. La venta de obra, aunque sigue siendo la fuente principal de ingresos, demuestra no aportar a los artistas ingresos suficientes para mantenerse económicamente.
  2. Los artistas jóvenes presentan ciertas novedades en su relación con los distintos agentes del mercado y del sistema del arte: los nuevos modelos de negocio en las galerías de arte y en la forma de gestionar la comercialización de la obra, muestran que en efecto se puede detectar un cambio de paradigma significativo, con dinámicas diferentes orientadas a objetivos distintos, que requieren estrategias también distintas. En algunos casos, este cambio de gestión, utilizando nuevos canales de difusión y comunicación, muy relacionados con las nuevas tecnologías, parten de los artistas más jóvenes, aquellos que identificábamos como nacidos profesionalmente en la crisis.
  3. Existe un perfil de artista resiliente que ya desarrollaba satisfactoriamente su actividad en los años anteriores a la actual crisis y que, habiendo sufrido el menoscabo que supone el cierre de sus galerías de referencia y el descenso significativo en sus ingresos, ha sabido reconducir su carrera y sobrevive, por tanto, gracias a la actividad artística: es precisamente este grupo de artistas mayores de 40 años quienes, en gran medida, han demostrado que se pueden modificar las estrategias y los objetivos y reorientar las dinámicas para seguir manteniendo la actividad artística como fuente de ingresos. La necesaria adaptación a la complicada situación del mercado del arte en España hacen que la subsistencia del artista sea difícil, precaria, insegura e incierta. No obstante, como vemos, se mantienen constantes la actividad creadora y el compromiso.

Parece evidente, por tanto, que a fin de mantener la actividad artística como fuente de ingresos que permita la supervivencia del artista –algo a lo que todo creador, como profesional, tiene derecho– es necesario incorporar a dicha actividad aquellas que le acerquen a la situación del mercado y del sistema a mayor escala. La imagen del artista en su estudio, dedicado por completo a la creación, ha dejado paso a un perfil nuevo, más profesional, más global, más conectado con el mundo a través de las nuevas tecnologías; un artista que define su imagen de marca, que gestiona su carrera de forma mixta y mantiene abiertos todos los canales, que establece relaciones con aquellos agentes y en aquellas circunstancias que le son más propicias. Un artista, en suma, que se ha convertido en centro decisor y prescriptor, en un elemento fundamental en el sistema del arte.

arte, Marta Pérez Ibáñez
Marta Pérez Ibáñez durante su seminario ‘El artista y la autogestión: emprender en el mundo del arte’, impartido en el seno de los ‘Encuentros Cañada Blanch en el Sporting’ (junio de 2019). Foto: Jose Ramón Alarcón.

Marta Pérez Ibáñez

Este artículo fue publicado en MAKMA ISSUE #02, revista especial en papel con motivo del sexto aniversario de MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, en junio de 2019.

Cañada Blanch se hace eco de las mujeres de hoy en día

‘Mujeres de hoy’. Fundación Cañada Blanch
Paula Bonet y Luna Miguel
Jardí Botànic de la Universitat de València
C / Quart, 80. València
Jueves 23 de enero de 2020, a las 19.30h

‘’La tendencia natural del sistema en el que vivimos acostumbra a visibilizar a los hombres. Sin embargo, las mujeres estamos aquí e impregnamos todo lo que nos rodea. Este nuevo ciclo, ‘Mujeres de hoy’, defiende la igualdad y pone el foco en mujeres con una trayectoria propia”, así explica Paula Sánchez, directora de Fundación Cañada Blanch por qué nace este ciclo. ‘Mujeres de hoy’ es una iniciativa de la Fundación Cañada Blanch junto al vicerrectorado de Cultura y Deporte de la Universitat de València, que arranca este jueves, 23 de enero, a las 19:30, en el Jardí Botànic de la Universitat de València de la mano de la ilustradora Paula Bonet y la escritora Luna Miguel.

Actualmente, Paula Bonet aparece como una de las mejores artistas del mundo, según la editorial Taschen, junto a otros cinco españoles más -de un total de 100 artistas- y se ha convertido en un símbolo de la lucha feminista gracias a sus ilustraciones y sus obras en las que da voz al silencio, rompe tabúes y normaliza realidades tan comunes como la del aborto espontáneo. De hecho, en su próxima exposición, ‘Pintas como un hombre’, que tendrá lugar en el Centre Cultural La Nau en septiembre, dará un paso más allá e igual que en ‘Mujeres de hoy’ reflexionará sobre la falta de reconocimiento de la mujer o el surgimiento de la sororidad, tras años de constantes cuestionamientos por parte de hombres y también de mujeres.

La escritora Luna Miguel. Imagen cortesía de la Fundación Cañada Blanch.

La otra ponente, Luna Miguel es periodista, poeta y escritora, y cuenta con más de 27.000 seguidores en Instagram. Ha traducido a autores como Marcel Schwob, Cassandra Troyan, Tracy K. Smith y Arthur Rimbaud y en su última obra, ‘El coloquio de las perras’, homenajea a 12 autoras latinoamericanas, en su mayoría grandes desconocidas en España como son Aurora Bernández, María Emilia Cornejo, Rosario Ferré, Elena Garro, Agustina González, Gabriela Mistral, Marvel Moreno, Eunice Odio, Alejandra Pizarnik, Victoria Santa Cruz y Alcira Soust Scaffo.

Ambas fundirán poesía e ilustración en esta primera charla del ciclo ‘Mujeres de hoy’ a través de sus experiencias y de su trayectoria de la mano del gestor cultural, Francisco Tardío. Bonet y Miguel comentarán su manera de crear desde el prisma femenino, las dificultades que se han encontrado durante su carrera profesional, así como la importancia de insistir en formar parte de espacios que, hace apenas unos años, estaban reservados para los hombres.

La ilustradora Paula Bonet. Imagen cortesía de la Fundación Cañada Blanch.

El pánico al padre

Trayectos (des)esperanzados: de ‘París-Tombuctú’ (Luis García Berlanga) a ‘Todo sobre mi madre’ (Pedro Almodóvar)
Cátedra Luis García Belanga de la Universidad CEU Cardenal Herrera
Palacio de Colomina
C / Almudín, 1. Valencia
Lunes 8 y martes 9 de diciembre de 2019

Trayectos (des)esperanzados. Ese es el título que la Cátedra Berlanga, creada hace cinco años para promocionar la investigación y divulgación de la obra de Luis García Berlanga, propone en sus jornadas de cine que tendrán lugar en el Palacio de Colomina los próximos días 9 y 10. El diálogo entre la última película del cineasta valenciano, París-Tombuctú, y la de Pedro Almodóvar, Todo sobre mi madre, cuando ambas cumplen 20 años, permite abordar esos trayectos. Trayectos narrativos planteados de forma bien distinta, pero que giran en torno a un mismo problema: el pánico al padre.

Pánico que en París-Tombuctú adquiere tonos burlescos, mientras en Todo sobre mi madre adopta la tonalidad del más intenso melodrama. Y, en ambos casos, como consecuencia de la pregunta que se hacen los personajes, en determinados instantes, acerca del origen paterno. Se sabe, valga la redundancia, todo sobre las madres, poniendo en cuestión la paternidad, ya sea por ciertas dudas acerca de su ADN o simplemente por habérsela ocultado durante mucho tiempo a un hijo.

Toni Cantó (izda) y Cecilia Roth, en un fotograma de ‘Todo sobre mi madre’, de Pedro Almodóvar.

Para tratar de todo ello, siempre en torno a lo que puedan dar de sí esa y otras cuestiones implícitas en ambas películas, la Cátedra Berlanga cuenta con una serie de ponentes. Profesores y profesionales del cine que serán los encargados de ilustrar con sus intervenciones lo que universos fílmicos tan ricos como los de Berlanga y Almodóvar suscitan. Entre ellos, destaca la presencia del actor Toni Cantó, que encarnó al transexual Lola en Todo sobre mi madre, y que desvelará en las jornadas cómo trabajó aquel papel y cuál fue su experiencia durante el rodaje de un filme que logró el Óscar a la Mejor Película extranjera en 1999. 

Julián Núñez, ayudante de dirección con Berlanga en París-Tombuctú y con Almodóvar en Mujeres al borde de un ataque de nervios, añadirá su punto de vista con respecto al modo de crear que tenían ambos cineastas. Rafael Maluenda, que también tuvo oportunidad de trabajar con Luis García Berlanga en la película objeto del debate, se centrará en un aspecto llamativo, como son los “silencios en el bullicio berlanguiano”, tal es el elocuente título de su ponencia.

Michel Piccoli en un fotograma de ‘París-Tombuctú’, de Luis García Berlanga.

Begoña Siles, directora de la Cátedra Berlanga vinculada a la Universidad CEU Cardenal Herrera, que cuenta con el patrocinio del Institut Valencià de Cultura (IVC), Fundación Aisge y Fundación Cañada Blanch, en colaboración con Á Punt Media, la Asociación Cultural Trama y Fondo y la revista de artes visuales y cultura contemporánea Makma, será la encargada de mostrar las similitudes y diferencias entre ambas películas, pero girando de nuevo en torno a la cuestión del padre.

“Si hay algo que atraviesa los dos filmes es la necesidad que tienen los tres hijos Puchades [Concha Velasco, Amparo Soler Leal, Javier Gurruchaga], en París Tombuctú, y Esteban [Eloy Azorín], el hijo de Manuela [Cecilia Roth], en Todo sobre mi madre, de saber quienes son sus respectivos padres. Los primeros fantasean con la posibilidad de que sea el famoso matador Manolete, despreciando que sea el enano Ramonet su legítimo padre, mientras el segundo solo quiere conocer a quien su madre le ha ocultado desde que naciera”, explica Siles. “Pienso que el padre, ya sea mediante la farsa burlesca o a través del drama, es la figura anhelada que sin duda falla en ambos relatos. De ahí los trayectos desesperanzados a los que aluden las jornadas, motivados por una búsqueda de la paternidad, tan pronto vilipendiada como fútilmente deseada”, añade.

Amparo Soler Leal, Michel Piccoli y Concha Velasco en un fotograma de ‘París-Tombuctú’, de Luis García Berlanga.

Javier Rioyo, director del Instituto Cervantes de Tánger y gran conocedor de la obra de Berlanga, se centrará en la mala españolidad del autor de El verdugo, por cuya película fue censurado en el franquismo. De ese hilo tirará Rioyo, valiéndose precisamente de lo que Franco dijera de él tras el visionado de aquella película en su sala del Pardo, y una vez escuchados los reproches de los censores, tachándolo de rojo y anarquista: “Es algo peor: es un mal español”.

En este mismo sentido, Luis Martín Arias, profesor de la Universidad de Valladolid, se referirá a París-Tombuctú como una película que trata “la idea de España como problema filosófico”. “No habla ni de París ni de Tombuctú, sino de lo que está en medio que es España. Y en el personaje de Concha Velasco, que para mí es el principal porque Michel [Michel Piccoli] no deja de ser un mero viajero francés marginal, se da un problema de identidad, al no saber quién es su padre. Un problema totalmente delirante, porque ella cree que su padre es nada más y nada menos que Manolete, que tiene que ver con la identidad española, taurina, la fiesta de moros y cristianos, en fin, lo de siempre en el cine de Berlanga. Concha Velasco y España tienen un problema de identidad, que es lo que aborda la película”.

Fotograma de ‘Todo sobre mi madre’, de Pedro Almodóvar.

París-Tombuctú es la última película de Berlanga y termina con un cartel en el que se pueden leer las palabras: “Tengo miedo, L.” “Termina su filmografía con una comedia que ya no lo es, por ese final de tengo miedo. Si algo no tiene que producir la comedia es miedo. Y qué es lo que le da miedo a Berlanga: pues está claro, la destrucción de España, con ese toro de Osborne finalmente derruido. La destrucción de la idea de España, ojo, no de su unidad, aunque haya también alusión a ello con esa pancarta en la que se lee “Todo por las patrias”. De manera que el problema de España no es tanto su unidad como su identidad”, puntualiza Martín Arias.

Con respecto a Todo sobre mi madre, Jesús González Requena, de la Universidad Complutense de Madrid, señala que se trata de “una película curiosa, porque se proclama como un homenaje a todas las madres del mundo y, sin embargo, en el centro de la cadena de sufrimientos que afectan a las personajes está ese hijo quiere saber quién es su padre”. También destaca, en este sentido, el monólogo de la transexual Agrado [Antonia San Juan]: “Es un monólogo en el que dice que es muy natural ella y, al mismo tiempo, lo que está proclamando es el artificio completo de su esfuerzo por ser mujer”. Y añade: “Todos son mujeres u hombres que se han convertido en mujeres, en una especie de pánico con respecto a la posición del varón”.

“Toda la película es como una especie de alarido de sufrimiento rodeado de todo tipo de negaciones masivas de la masculinidad. Alarido de sufrimiento de un chico que hace una especie de suicidio loco detrás del deseo de la madre, porque a fin de cuentas Huma [Marisa Paredes] es lo que hubiera querido ser la madre”, remarca González Requena. Trayectos (des)esperanzados pondrá todo eso y más a debate en las jornadas de la Cátedra Berlanga, donde se proyectarán al inicio de cada sesión ambas películas.

Fotograma de ‘París-Tombuctú’, de Luis García Berlanga.

Salva Torres

La habitación oscura e inquietante de Greta Alfaro

Premio Col·lecció Cañada Blanch
‘Tempus Quietare. Voluntat contemplativa i art’, comisariada por Ricard Silvestre
La Nau de la Universitat de València
C / Universitat, 2. València
Hasta el 27 de octubre de 2019

El tiempo sereno y contemplativo frente a ese otro tiempo convulso de las prisas. Ricard Silvestre, como comisario de la exposición elocuentemente titulada Tempus Quietare, ha seleccionado obras de 18 artistas pertenecientes a otras tantas galerías valencianas de arte contemporáneo que conforman LaVAC, con el fin de someter a juicio esa temporalidad en sus dos registros opuestos. “El objetivo fundamental de la exposición es poner de manifiesto la necesidad de una voluntad contemplativa en el espectador, cuyo ejercicio se inscribe en la vivencia de un tiempo sereno frente a la inquietud del tiempo fugaz y consumible”, subraya Silvestre.

European Dark Room, de Greta Alfaro.

Y como símbolo de esa quietud inquietante, nadie mejor que Greta Alfaro, en quien ha recaído precisamente el Premio Col·lecció Cañada Blanch, que la Fundación homónima concede desde hace seis años a artistas que exponen sus trabajos en alguna de esas 18 galerías. Un premio de adquisición que la entidad presidida por Juan Viña otorga como muestra de su “firme compromiso con el futuro de la promoción artística, al dinamización del arte contemporáneo y el pensamiento crítico”. 

Un pensamiento crítico que Silvestre sintetiza en ese título de ‘Tempus Quietare’ por oposición a ese otro tempus fugit, al que se refirió el vicerrector de Cultura, Antonio Ariño, y sobre el que profundiza el propio comisario: “El del arte no es un tiempo utilitario, sino un tiempo por sí mismo y al cual se abandona el espectador”. La obra con la que Alfaro ha logrado el premio Cañada Blanch, correspondiente a la Galería Rosa Santos, ahonda en esta percepción, mostrando una oscura habitación bañada en un marrón oscuro, que parece detenida en el tiempo para observar con calma la parálisis a la que nos convoca esa estancia inquietantemente vacía.

Miembros del jurado, comisario de la exposición y responsables de Fundación Cañada Blanch y Centre Cultural La Nau. Imagen cortesía de La Nau.

“Fotografía y video, sin aditamentos formales, recuerdan lóbregos episodios, deteniéndose desde un encuadre fijo de brillos pringosos”, tal y como describe la obra el propio Silvestre, quien reclama del espectador “un pensar activo”, que subraya mediante la palabra con-templación. Un tiempo “liberado” y en el cual “se sucedan las ideas y sus relaciones para que la habitación no sea una mera caja oscura”. Tiempo detenido por efecto de ese color pringoso con aroma a chocolate, que mezcla lo dulce y lo amargo de un espacio inmóvil de tan viscoso.

El resto de piezas seleccionadas para la exposición ‘Tempus Quietare. Voluntad contemplativa y arte’, dialogan en este mismo sentido. Así lo hace ver Silvestre, que invita a surcar las obras y los artistas reunidos en la Sala Estudi General de La Nau, con el fin de acceder a ese “tiempo aquietado que entendemos dilata y prolonga la duración” de cada una de las piezas, ensanchando “su belleza a través del recogimiento estético más ocioso”. Artistas como Anna Bella Geiger, Antoni Tàpies, Helga Grollo, Nacho Carbó, Victoria Santesmases, Claudio Zirotti, Hamish Fulton, Cristina Almodóvar o Hugo Martínez-Tormo, por citar algunos de los seleccionados, se hacen eco de ese tiempo agitado de la contemporaneidad, ofreciéndose como resistentes del mismo a través de su obra como vehículo del sosiego contemplativo.

Dos de las obras finalistas del Premio Col·lecció Cañada Blanch. Foto: Makma

La exposición, organizada por la Fundación Cañada Blanch, el vicerrectorado de Cultura de la Universitat de València y LaVAC (Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana), en colaboración con la Universitat Politècnica de València, reúne tanto la obra ganadora de Greta Alfaro, cuyo galardón está dotado de 7.000 euros, como las de los 17 artistas restantes, permaneciendo en La Nau hasta el 27 de octubre. Seis ediciones de un premio que este año cuenta con la novedad de la identidad gráfica creada por Antonio Ballesteros, basada en una serie de puntos rojos, símbolos de la compra de obras en las galerías, agrupados “a modo de mecano” con el que poder jugar para crear diferentes composiciones. Una identidad “duradera, versátil, que transmita confianza y que no resulte aburrida”, según explicó el propio autor.

La Col·lecció Cañada Blanch, que viene creándose desde hace varios años, ahora en torno a los artistas que exponen en LaVAC, pretende fundamentarse en el criterio de los propios comisarios y las galerías, según dio a entender Juan Viña. De esta manera, frente a la más ecléctica selección de obras, se impone en los dos últimos años la argumentación de los comisarios, empezando por Ricardo Forriols, encargado en la pasada edición de dicha selección, y continuando con Ricard Silvestre, quien se refirió al “carácter reivindicativo” de las obras en el marco de esa temporalidad sosegada: “Que sea la contemplación la que te lleve a eso”.

European Dark Room, de Greta Alfaro.

Salva Torres

Greta Alfaro, Premio Col·lecció Cañada Blanch

‘Tempus quietare. Voluntat contemplativa i art’
Premio Col·lecció Cañada Blanch 2019
Sala Estudi General
Centre Cultural La Nau de la Universitat deValència
Universitat 2, València
Hasta el 27 de octubre de 2019

La artista Greta Alfaro, con la obra titulada ‘European Dark Room #4’, de la galería Rosa Santos, ha sido elegida como Premi Col·lecció Cañada Blanch 2019 –galardón dotado con 7.000 euros–. Una obra que forma parte de la exposición ‘Tempus quietare. Voluntat contemplativa i art’, que acoge el Centre Cultural La Nau de la Universitat de València.

La obra premiada, escogida por unanimidad, está formada por una fotografía de gran formato y un vídeo de una antigua fábrica tabacalera en Madrid. Según Ricard Silvestre, comisario de la exposición, esta composición obliga al espectador a contemplar para entender la obra ya que con ‘mirar solo no vale, necesitas un tiempo para capturar qué sucede en ella’. Asimismo, añade que la temporalidad se refleja “no solo por los elementos que la conforman sino por el momento escogido por la artista para ubicar la obra puesto que se enmarca dentro de un periodo imperial de España”.

Imagen de la obra ‘European Dark Room #4’, de Greta Alfaro. Fotografía cortesía de la Fundación Cañada Blanch.

De este modo, hasta el próximo 27 de octubre de 2019 podrá visitarse esta muestra ubicada en la Sala Estudi General de La Nau y que recoge las obras de las galerías de arte de la Comunitat Valenciana que componen la Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana (LaVAC). La exposición está organizada por la Universitat de València, Fundación Cañada Blanch y LaVAC, con la colaboración de la Universitat Politècnica de València.

El jurado de esta edición ha estado integrado por Lorena del Corral (crítica de arte), Luisa Espino (crítica de arte), Juan Viña (presidente de Fundación Cañada Blanch), Paula Sánchez (directora de Fundación Cañada Blanch), Manel Costa, miembro del Patronato de Fundación Cañada Blanch y coleccionista de arte y Norberto Piqueras (responsable de exposiciones Centre Cultural La Nau de la Universitat de València).

‘Tempus quietare. Voluntat contemplativa i art’ está concebida como un recorrido para conocer cómo las galerías participantes materializan esa percepción del tiempo y de la serenidad para la contemplación del arte de la que trata la exposición. Igualmente, es una crítica velada a la era digital y de la multitarea que ha creado espectadores “ausentes, fugaces y sin mirada”. La muestra está compuesta por una treintena de obras escultóricas, pictóricas, fotográficas y audiovisuales, en distintos lenguajes, soportes y formatos.

Miembros del jurado del Premio Col·lecció Cañada Blanch 2019 junto a la obra de Greta Alfaro. Fotografía cortesía de la Fundación Cañada Blanch.

La exposición cuenta con la participación de 18 galerías de la Comunitat Valenciana: Galeria Thema, La Mercería, Plastic Murs, Aural Galería, Galeria Vangar, Espai Tàctel, Alba Cabrera Art Contemporani, Espaivisor, Shiras Galería, Luis Adelantado, The Blink Project, SET Espai d’Art, Galería Punto, Canem Galería, Rosa Santos, Galería Cuatro, ISABEL BILBAO Galería de Arte y Galeria Benlliure.

Durante la rueda de prensa también se ha presentado la nueva marca del premio, una de las novedades de esta edición, obra del diseñador gráfico Antonio Ballesteros. La creación de esta identidad propia pone en valor la trayectoria del Premi Col·lecció Cañada Blanch. Ballesteros ha explicado que en el diseño se pueden identificar a las galerías que participan en esta edición ya que están representadas por los 18 puntos que lo conforman.

Imagen del vídeo ‘European Dark Room #4’, de Greta Alfaro. Fotografía cortesía de la Fundación Cañada Blanch.

MAKMA

Premio Col·lecció Cañada Blanch, percepción y calma

‘Tempus quietare’
Premio Col·lecció Cañada Blanch 2019
Sala Estudi General
Centre Cultural La Nau de la Universitat deValència
Universitat 2, València
Del 26 de septiembre al 27 de octubre de 2019
Inauguración: jueves 26 de septiembre de 2019 a las 19:00

‘Tempus quietare’ es el nombre de la exposición que reúne las obras presentadas al Premio Col·lecció Cañada Blanch 2019. La muestra se inaugurará el próximo 26 de septiembre de 2019 en el Centre Cultural La Nau de la Universitat de València (Sala Estudi General, 19:00). A través de este título, Ricard Silvestre, comisario de su 6ª edición, reflexiona sobre la temporalidad e intemporalidad del arte: la importancia de la percepción de este y de la serenidad de su contemplación. Se convierte así en una crítica velada a la era digital y de la multitarea cuya consecuencia más directa es “un vagabundeo intelectual” y una “digitalización hiperexcitante” con la creación de espectadores “ausentes, fugaces y sin mirada”, así como “la confección sistemática de un tiempo sin contemplación”, según explica el comisario.

En palabras de Silvestre, el arte “no se basa solo en recibir imágenes”, por eso crea este espacio donde se asienta una colección en la que debatir “los síntomas de nuestro tiempo”, pero también donde disfrutar de la creación artística contemporánea. La exposición reivindica la necesidad de una voluntad contemplativa por parte del espectador. Se trata de perseguir la experiencia estética en un tiempo de quietud y sosiego, donde el público ejerza todos los sentidos y conecte desde su bagaje con la obra presentada.

La exposición cuenta con la participación de 18 galerías de la Comunitat Valenciana: Galeria Thema, La Mercería, Plastic Murs, Aural Galería, Galeria Vangar, Espai Tàctel, Alba Cabrera Art Contemporani, Espaivisor, Shiras Galería, Luis Adelantado, The Blink Project, SET Espai d’Art, Galería Punto, Canem Galería, Rosa Santos, Galería Cuatro, ISABEL BILBAO Galería de Arte y Galeria Benlliure. Cada una de ellas han presentado obras pictóricas, escultóricas, fotográficas o audiovisuales que estarán expuestas hasta el próximo 27 de octubre de 2019.

La exposición con motivo de este premio está organizada por Fundación Cañada Blanch, el Vicerrectorado de Cultura y Deporte de la Universitat de València y LaVac (Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana) en colaboración de la Universidad Politécnica de València.

El Premio Col·lecció Cañada Blanch

El Premio Col·lecció Cañada Blanch se elegirá entre las distintas obras de la exposición. El galardón está dotado de 7.000 euros y la obra seleccionada pasará a formar parte de la colección de Fundación Cañada Blanch. Un jurado compuesto por representantes del ámbito de la cultura, así como de las entidades organizadoras serán quienes se encarguen de tomar esta decisión.

Este premio es la muestra, un año más, de un firme compromiso con el futuro de la promoción artística, la dinamización del arte contemporáneo y el pensamiento crítico por parte de Fundación Cañada Blanch, la Universitat de València y LaVac. Asimismo, el galardón se ha consolidado como una apuesta única por las galerías de la Comunitat Valenciana y sus artistas.

MAKMA

Tras la brecha generacional de Echanove y Gómez

‘Dos miradas, dos generaciones’
Diálogos Cañada Blanch
Con Juan Echanove y Ricardo Gómez, moderados por Carlos del Amor
Centre Cultural La Nau
Universitat 2, València
Jueves 12 de septiembre de 2019

La solvencia en el trabajo para apostar por generaciones más jóvenes. Según el actor Juan Echanove, esa es la clave para derribar la brecha generacional en el escenario. “Cuando te subes a un escenario sabes quién es capaz de soportar la responsabilidad de crear un personaje que va a contar una historia con otros y yo sé que Ricardo Gómez lo es, aunque haya una diferencia de edad de más de 25 años’’; así lo ha explicado Echanove en el inicio de la temporada de Fundación Cañada Blanch, que ha tenido lugar en el Paraninfo del Centre Cultural La Nau ante más de trescientas personas.

Desde la mirada de Echanove, la generación de Gómez tiene una particularidad y es que está vacía de vanidad. Además, cuenta con un alto grado de libertad, portabilidad e información y sus integrantes son más responsables y creativos. Sin embargo, el actor más joven, aunque ha coincidido con su compañero, ha insistido en que “debemos esforzarnos el triple”, por lo que es complicado decir que no –principalmente en el ámbito laboral–, ya que “nos encontramos con demasiadas personas esperando a quedarse con nuestro sitio”.

El ciclo de #DiálogosCañadaBlanch ha contado con la presencia de los dos actores y del periodista cultural Carlos del Amor, que ha sido el encargado de moderar esta conversación. Del Amor ha señalado que, aunque es evidente la brecha generacional que existe entre ambos, viendo su relación “esa distancia desaparece”. Así lo han podido comprobar los asistentes en las proyecciones que han repasado su último trabajo juntos, ‘Rojo’, una obra teatral que los ha llevado por toda la geografía nacional, así como sus respectivas trayectorias.

Paula Sánchez, directora de Fundación Cañada Blanch, ha sido la encargada de presentar a los invitados. Durante su intervención, Sánchez ha querido subrayar el papel que, actualmente, juega esta institución como agente cultural. “Aprender a mirar es una de las posibilidades que nos ofrece un diálogo entre estos intérpretes. Por eso, desde Fundación Cañada Blanch apostamos por actividades como estas. Es innegable que nos enriquecen a todos”, ha comentado la directora.

De este modo, Juan Echanove y Ricardo Gómez se suman a la lista de personalidades con las que Fundación Cañada Blanch ha tenido la oportunidad de trabajar y que han permitido que uno de los objetivos de esta entidad se cumpla: impulsar la cultura y acercarla a la sociedad. Anteriormente, la directora de cine Isabel Coixet, la escritora Espido Freire y el actor Juan Diego Botto también han formado parte de las actividades de Fundación Cañada Blanch.

Ricardo Gómez, Carlos del Amor y Juan Echanove durante un instante de los Diálogos Cañada Blanch en el Centre Cultural La Nau. Fotografía cortesía de la Fundación Cañada Blanch.

MAKMA

Viaje con Javier Reverte en #LetrasdelMediterráneo

Javier Reverte en #LetrasdelMediterráneo
Fundació Cañada Blanch y Casa Mediterráneo
Jorge Juan 4, València
Miércoles 17 de abril de 2019 a las 19:30

Fundación Cañada Blanch y Casa Mediterráneo prosiguen su programación conjunta #LetrasdelMediterráneo mediante un encuentro con el escritor y periodista Javier Reverte, que tendrá lugar el próximo miércoles 17 de abril, a las 19:30, en el Paraninfo del Centre Cultural La Nau. La actividad es gratuita con aforo limitado.

Javier Reverte es un conocido escritor, viajero y periodista, profesión que ha ejercido durante casi 30 años. Tres décadas de vivencias que acercará a los asistentes, dando unas pinceladas también sobre la propia evolución del periodismo. Moderará el encuentro la periodista Sonia Marco.

El autor hablará principalmente sobre sus viajes: “toda mi vida me ha gustado escaparme, ya en el colegio trataba de escaparme siempre”. Entre sus experiencias destaca su primer viaje, en el que “me impresionó mucho el mar, fui corriendo a ver si el agua era salada, a ver si no me habían engañado. Hoy todavía hay personas del interior de España que nunca han visto el mar”.

Portadas de algunos de los títulos más significativos del escritor y periodista Javier Reverte.

Portadas de algunos de los títulos más significativos del escritor y periodista Javier Reverte.

Estas y otras experiencias alrededor del mundo servirán para realizar un retrato personal sobre su enigmática trayectoria y por qué recomienda viajar solo para escribir y hablar con la gente de los pueblos que visita. Ejemplo del interés que suscita Reverte es el documental ‘Imprescindibles: Javier Reverte, el amigo de Ulises’, una producción de La 2 de RTVE que forma parte de una serie sobre personajes destacados de la cultura española del siglo XX.

Javier Reverte trabajó como corresponsal de prensa en Londres de 1971 a 1973, en París de 1973 a 1977, y en Lisboa en 1978. Articulista, cronista político y redactor jefe de prensa, Reverte fue enviado especial a numerosos países de todo el mundo, trabajando como reportero en el programa ‘En Portada’, de TVE, y subdirector del desaparecido diario Pueblo. En la última década ha publicado numerosos libros de viajes, como ‘El sueño de África’, ‘El corazón de Ulises’ y ‘Canta Irlanda’, donde recoge sus impresiones sobre el país y recorre la historia y leyendas de la isla.

Además, por todas sus aventuras en más de 70 países, la Sociedad Geográfica Española le ha nombrado miembro de honor; galardón que ha recibido recientemente de manos de Su Majestad el Rey Felipe VI.

Una personaje relevante de la cultura y sociedad que forma parte de la apuesta de Casa Mediterráneo y Fundación Cañada Blanch por auspiciar iniciativas para dar a conocer nuevas perspectivas a través del arte, la literatura y la música.

El pianista marroquí Marouam Benabdallh protagoniza el ciclo #Artesdelmediterráneo, que se celebrará el 22 de mayo en el Centre del Carme.

El pianista marroquí Marouam Benabdallh protagoniza el ciclo #Artesdelmediterráneo, que se celebrará el 22 de mayo en el Centre del Carme.

Actividades futuras

La programación de Fundación Cañada Blanch continuará en mayo con varias actividades, como el ciclo Conectalks, compuesto por cinco ponencias que comenzarán el martes 7 de mayo. La primera, bajo el título ‘El universo invisible: agujeros negros y el radiotelescopio ALMA’, estará a cargo de Rafael Bachiller, director del Observatorio Nacional.

Del 7 al 11 de mayo la Fundación invita al público a asistir al Festival Photon, evento que patrocina desde su primera edición y que por noveno año consecutivo continúa apostando por este proyecto que visibiliza y potencia a los fotógrafos.

La música será otra de las protagonistas dentro de la programación conjunta de Fundación Cañada Blanch y Casa Mediterráneo, con el concierto del pianista marroquí Marouam Benabdallh, dentro del ciclo #Artesdelmediterráneo, que se celebrará el 22 de mayo en el Centre del Carme.

Por último, continuando con la estela de Javier Reverte, en mayo estará en la sede de la Fundación la escritora Espido Freire dentro del ciclo #LetrasdelMediterráneo, el miércoles 29 a las 19:00.

Con esta fuerte apuesta, Fundación Cañada Blanch trabaja por incentivar el pensamiento crítico y profundizar en las experiencias del público programando una oferta cultural variada y diferente que pueda generar interés para la población.

El escritor y periodista Javier Reverte durante un instante del documental ‘Imprescindibles: Javier Reverte, el amigo de Ulises’, de RTVE.

El escritor y periodista Javier Reverte durante un instante del documental ‘Imprescindibles: Javier Reverte, el amigo de Ulises’, de RTVE.