XX Premio Nacional de Pintura Real Academia de Bellas Artes de San Carlos

Convocante: Real Academia de Bellas Artes de San Carlos
Dotación: 6.000 euros
Modo de presentación: online
Plazo de admisión: 5 de abril de 2019

XX PREMIO NACIONAL DE PINTURA
REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN CARLOS

BASES

I. PARTICIPANTES

Podrán concurrir los pintores, mayores de edad, que no excedan los 50 años, españoles o extranjeros residentes en España.

II. CARACTERÍSTICAS DE LAS OBRAS

Tanto el tema como la técnica a utilizar serán de libre elección. Cada autor podrá concursar solamente con una obra, que necesariamente no habrá sido presentada a otro certamen. Las medidas de los cuadros no serán inferiores a 100 x 100 cm., ni superiores a 200 x 200 cm. en cualquiera de sus lados. Las obras estarán enmarcadas con un listón.

III. PREMIOS
El XX Premio Nacional de Pintura Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia consta de un primer premio de 6.000 euros y dos accésits de 3.000 euros cada uno. El autor del primer premio se compromete, en el plazo de un año, a realizar una muestra monográfica, con catálogo, de su obra reciente, puesta a la venta, en Espai d’Art Contemporani de El Corte Inglés Colón (5ª Planta) Valencia; para ello facilitará, a su cargo, de acuerdo con la propuesta, las obras a exponer.

IV. JURADO
El jurado estará formado por cinco miembros de la Sección de Pintura de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos. Entre ellos estará el Presidente de la Real Academia, que coordinará el Jurado. Las decisiones serán inapelables.

V. DESARROLLO DE LA CONVOCATORIA
La fecha límite de inscripción al XX Premio Nacional de Pintura Real Academia de Bellas Artes de San Carlos será el 5 de abril de 2019 hasta las 24:00 horas. La inscripción será exclusivamente a través de la página web: www.mundoarti.com, adjuntando la siguiente documentación:

Una fotografía de la obra en formato JPG con un máximo de 5MB
Un archivo PDF en el que se incluya el currículum vitae y un dossier de su trayectoria artística documentada.
Fotocopia del D.N.I. o pasaporte.

Analizadas las documentaciones presentadas, el jurado seleccionará hasta 12 de las propuestas que obtengan mayor puntuación. Los seleccionados, una vez informados, deberán entregar la obra, hasta el 17 de mayo de 2019, en Espai d’Art Contemporani de El Corte Inglés Colón, (Colón 27, 46004) Valencia.

Los participantes también podrán remitir sus obras por el medio de transporte que deseen, siempre bajo su cargo y responsabilidad. Para ello deberán adherir al dorso de su obra una nota en la que figure el nombre, edad, domicilio, localidad y teléfono del autor, junto con el precio y el título de la obra. De entre las 12 posibles obras seleccionadas como finalistas el jurado determinará, en una segunda sesión, las piezas premiadas.

Las tres obras premiadas (incluyendo los dos accésits) pasarán a formar parte de los fondos de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos, siendo a tal fin depositadas en el Museo de Bellas Artes de Valencia. Una vez depositadas las obras seleccionadas por el Jurado como finalistas en El Corte Inglés, no podrán ser retiradas hasta la finalización de la exposición. El fallo se hará público el día 12 de junio de 2019 a las 19’30 horas, en Espai d’Art Contemporani de El Corte Inglés Colón. Con las obras seleccionadas se realizará una exposición-venta entre el 12 de junio y el 20 de julio de 2019 en Espai d’Art Contemporani de El Corte Inglés Colón. A tal efecto, cada autor señalará a su obra el precio final de venta.

VI. La entidad organizadora del concurso pondrá el máximo celo en el cuidado de las obras recibidas, pero declina toda responsabilidad por extravíos, daños, robos o cualquier otro acto ajeno a su voluntad que se pueda producir durante su transporte, depósito o exhibición.

VII. Las obras finalistas, tras la muestra, deberán ser retiradas del 22 de julio al 3 de agosto de 2019 en Espai d’Art Contemporani de El Corte Inglés Colón, de 12 a 21 horas, o serán reexpedidas por el mismo conducto que fueron recibidas, corriendo la responsabilidad y gastos de envío por cuenta del autor.

Más información
Imagen de portada: De topos y viento (detalle), de Miguel Borrego, premio 2017

“Todos los artistas hacemos autorretrato”

‘Embody’, entrevista a Elvira Carrasco
Galería Mark Hachem
28 Place des Vosges, París
Del 18 al 28 de diciembre de 2018

La artista Elvira Carrasco, nacida en Cuenca pero afincada en Valencia, proviene de una familia donde la influencia cultural fue una constante desde que era pequeña. Decidió estudiar Historia del Arte pero en los últimos años su faceta artística ha resurgido y, a partir de su formación fotográfica en Londres, entró en la escena artística con su característico ‘Faces project’. Este proyecto llama la atención por lo versátil y colorido, así como por la aplicación del “conócete a ti mismo”. Su obra puede encontrarse en distintas galerías repartidas por la geografía española e internacional. En Valencia, sus obras puedes encontrarse en la Galería Maika de Valencia. Si bien Elvira produce su su obra principalmente en Valencia, tiene una gran repercusión en el extranjero, contando con el apoyo de galerías extranjeras como Mark Hachem, donde se expondrá su obra con motivo de la exposición ‘Embody’. Makma contacta con ella para acercarse un poco más a su producción.

Sé que probablemente es una pregunta que te hacen mucho pero ya que me gustaría empezar por tus estudios, ¿cómo influye a la hora de tomar referentes en tu producción el hecho de ser Historiadora del Arte?

Influye de manera muy contundente. Por supuesto, un rico y amplio conocimiento de la Historia del Arte, te ayuda a poder crear algo nuevo partiendo de tus predecesores e incluso contemporáneos. Me he dedicado durante, los años previos a “Faces Project”, a estudiar a fotógrafos creativos que me dieron una visión totalmente diferente de lo que para mí, hasta entonces, había sido la fotografía. Descubrí un mundo nuevo, lleno de posibilidades y quise, por supuesto, añadir mi granito de arena al mundo del arte con un proyecto innovador, que aportase algo distinto a lo ya conocido y realizado. Trabajé con varios proyectos hasta decantarme definitivamente por el actual y darle mayor protagonismo en mi carrera. Sin embargo, a pesar de estar más focalizada en fotógrafos en estos últimos años, cierto es que durante la carrera aprendí muchísimo sobre artistas, sus épocas, vivencias y producción; llamándome la atención numerosos de ellos, aunque no fue hasta que terminé mis estudios cuando me di cuenta de que yo quería formar parte de esta apasionante historia.

'Panacea'. Imagen cortesía de la artista.

‘Panacea’. Imagen cortesía de la artista.

En tu obra podemos ver como unes diversas técnicas (body painting, fotografía, dibujo…) para lograr un resultado final que, en realidad, aparenta ser muy improvisado…

En cada autorretrato doy una parte de mí. Ciertamente parece improvisado y, hay que darle rienda suelta a la improvisación, al nervio que te corre por el cuerpo a la hora de enfrentarte al “lienzo en blanco”, en este caso, mi rostro. Antes de comenzar cada obra, analizo y pienso qué colores quiero emplear, qué quiero transmitir a través de ellos y, no nos olvidemos, del papel tan importante que tiene la mirada en mis fotografías, te lleva a sentimientos y sensaciones placenteras o inquietantes. Juego con bocetos, anotaciones, composiciones de color. Pienso qué quiero conseguir y a dónde quiero llegar y después, el “nervio” o comúnmente llamado “genio creativo” hace su trabajo. No sé cómo explicar lo que se siente cuando vas a pintar o a crear algo, incluso a recitar un poema que sientes que te atraviesa el pecho… Es energía, vibración, miedo, angustia, frenesí y, el conjunto de todas esas emociones y sentimientos, ayudan a la ejecución de la obra.

Recientemente has empezado a trabajar la escultura en ‘Faces Project’, ¿cómo te estás enfrentando a este nuevo reto?

Pues con muchísima ilusión. Era algo que llevaba bastante tiempo pensando, dándole vueltas en mi cabeza para encontrar el mejor modo de conseguir esculturas para poder pintarlas como hago actualmente. Como suelo decir, son mis pequeñas joyas que produzco como complemento para seguir investigando “Faces Project” y materializar algo que, en mi rostro, acaba siendo fugaz. Además, esta técnica me permite también añadir complementos (ramas, huesos, collage…) a las figuras, lo cual me resulta extremadamente creativo y revitalizante.

Aunque la técnica cambie, el soporte siempre es el mismo: tu rostro. El uso del cuerpo y su experimentación en el arte está ligado muchas veces al concepto de identidad, ¿es este tu caso?

Considero que cuando un artista trabaja, ya sea consigo mismo o sobre un lienzo, está dándole al espectador (y por qué no, a sí mismo) un hilo del que tirar en cuanto a su personalidad se refiere. Todos los artistas hacemos autorretrato. Nuestras obras son parte de nosotros mismos, de nuestro interior y de nuestro propio mundo. Por supuesto que creo fielmente que los artistas nos cuestionamos cosas que para el resto del mundo seguramente pasen desapercibidas, tenemos dudas existenciales, cuestiones acerca de quiénes somos y por qué hacemos lo que hacemos para seguir vivos. El arte es un veneno que te ayuda a seguir hacia delante, es la mecha que enciende cada uno de nuestros días.

El autorretrato contemporáneo tiene muchas versiones. Por ejemplo, Cindy Sherman lo utilizó en su momento desde una perspectiva feminista, o Gillian Wearing con sus máscaras para mostrar la sociedad actual oculta; ¿te interesa explotar el autorretrato desde varias perspectivas?

Me interesa el autorretrato en todas sus versiones. Recuerdo que fui al IVAM de Valencia a ver la exposición que se hizo de Gillian Wearing y quedé realmente fascinada. Es una gran artista, me transportó a otro mundo, algo que grabo con gran ilusión dentro de mí. Incluso recuerdo la escultura de una de sus manos, también recuerdo los vídeos en los que la gente hablaba de sus miedos, inseguridades y preocupaciones, siempre dentro de una máscara que tapase su identidad. Creo que tanto Wearing como Sherman han abierto un gran debate en cuanto al autorretrato se refiere. Yo, sin embargo, podría hablar del autorretrato como soporte, como lienzo, dándole también valor a la obra de Yves Klein cuando utilizaba a esas mujeres llenas de pintura para sus creaciones. Lo tomo como el lienzo sobre el que expresaré con abstracción, forma y color, un mundo de posibilidades. Sin embargo, hay algo en lo que sí quiero hacer énfasis y es el uso de la mirada como referente, punto de encuentro entre el espectador y yo, de conexión mutua, como podría verse en los ojos de cualquier personaje de un museo, atravesando el lienzo.

'The Garden'. Imagen cortesía de la artista.

‘The Garden’. Imagen cortesía de la artista.

Hay algo de performático que, unido al concepto de lo efímero, hace que ‘Faces project’ pueda interpretarse desde lo multidisciplinar…

El proyecto abarca diferentes disciplinas artísticas. Se trata de una performance oculta al público, desde la soledad e intimidad de mi estudio, que se materializa en forma de fotografía. La pintura del rostro acaba formando parte del olvido, muy a mi pesar, y cambia de estado del propio cuerpo al soporte fotográfico. Sin embargo, todo este proceso, para mí, es un ritual, un momento en el que me encuentro sola conmigo misma, delante de diferentes pinturas, pigmentos y colores con los que realizaré un baile para conseguir mi objetivo final, el momento en el cual decido que la obra está preparada para ser fotografiada. A pesar de dicha soledad, sí que me planteo hacer performance delante de un público, algo que espero no tarde mucho en producirse.

¿Puedes adelantarnos algo de tus próximos proyectos?

Ahora mismo estoy ultimando detalles antes de empezar el nuevo año. 2019 viene cargado de viajes y nuevas exposiciones importantes para mi carrera, además de ferias de arte. Milán, Taiwán, Barcelona o Nueva York son algunas de las ciudades que puedo adelantar. En cuanto a ‘Faces Project’, sigo investigando cada día una nota nueva, sé que en mi cabeza todavía quedan miles de melodías por tocar y es eso lo que al final continúa moviendo mi motor.

¿Qué opinas sobre el panorama actual artístico?

El arte actual está colmado de sabiduría y experiencias. Los artistas más jóvenes nos movemos en los mundos de la tecnología y las redes sociales, lo cual nos permite exponer nuestro trabajo de forma eficiente. Miles y millones de personas estamos conectadas a través de aplicaciones en las que subimos nuestras creaciones para que un porcentaje elevado de gente pueda saber qué hacemos, cómo y por qué. El mundo está cada vez más globalizado, tendemos a unirnos cada vez más. Considero que, el estudio incansable de la Historia del Arte (desde sus inicios hasta hoy) llena de posibilidades una esfera que necesita artistas nuevos, apasionados y hábiles para llegar a las grandes galerías del mundo. Me considero afortunada por estar entrando en este bucle, tan importante a la vez que sufrido, en el que todo se convierte en una lucha constante del propio ser humano.

El giro constante del planeta nos lleva a los artistas a producir, pensar, viajar, distribuir y, poco a poco, crear una atmósfera reconocible y seria que pueda ser entendida por el público en general.

'Rock Gold'. Imagen cortesía de la artista.

‘Rock Gold’. Imagen cortesía de la artista.

Con esta reflexión sobre la hiperconexión actual y su ya inevitable incursión en gran cantidad de producciones artísticas, Elvira Carrasco presenta su personal proyecto ‘Faces project’ haciendo hincapié no solo en la parte técnica, sino en aquella que explora sus inquietudes, profundizando en la historia de la retratística y siempre con nuevos proyectos en mente. Para más información, se puede consultar su web www.elviracarrasco.com

María Ramis.

Óscar Vázquez Chambó, la construcción de la imagen

La vida de dos, de Óscar Vázquez Chambó
Sala d’Exposicions Municipal d’Algemesí (Casino Liberal)
Carrer de la Muntanya, 24. Algemesí (Valencia)
Hasta el 3 de diciembre de 2018

Hay que estar prevenido para adentrarnos en los submundos del artista pues su arte nos habla de algunos silencios de la realidad, espacios incómodos donde el propósito inquietante de lo inexorable se expresa con una crueldad infantil, como un niño que hiere con su inocencia.

‘La vida de dos’ lleva a la escena del arte el universo cotidiano y familiar del artista que reflexiona sobre la vida de sus padres, su pasado y presente, a través de juegos de color que nos sitúan en atmósferas simbólicas distintas. Las composiciones son equilibradas, con guiños al clasicismo pictórico, a la espiritualidad de los bodegones barrocos y con actitudes hieráticas de los personajes que nos remontan al simbolismo y función de la fotografía en su origen, impregnada de la transcendencia del retrato implicado en la muerte y la eternidad. Y es que todo se envuelve de un turbador fatalismo, como si este trabajo sirviera de preparación emocional del artista ante la inminente vejez de sus progenitores, que ejercen una resistencia a la degeneración de sus valores, de su amor y costumbres.

Fotografía de Óscar Vázquez Chambó. Imagen cortesía del autor

Fotografía de Óscar Vázquez Chambó. Imagen cortesía del autor

‘La vida de dos’ no es un homenaje es un ejercicio valiente de indagación psicológica en el ecosistema familiar, para reconocer la independencia y respeto al mundo de sus padres. Precisamente la integridad del lenguaje del autor, la estética implacable sirve de distanciamiento emocional para poder hablar de temas incómodos, solapados y ocultos en las relaciones personales.

El arte como los sueños es un camino para explorar el inconsciente, purgar las pulsiones frustradas por la razón y la moral, por ello esta serie está impregnada de cierto surrealismo, elucubraciones del sinsentido que devienen en símbolos de la fidelidad en el ritual doméstico de los padres. El hogar es el paisaje íntimo y metafísico donde acontecen las acciones de las fotografías puras o intervenidas plásticamente, en las que el color (rojo, azul, verde, amarillo) ejerce de hilo conductor entre el pasado y el presente de una historia contada en imágenes construidas a partir de la herencia pictórica de artistas, entre los que podemos identificar el costumbrismo transcendente de Edward Hopper o el pop personal de David Hockney. Éste último inspiró sobre todo la expansión cromática de su serie anterior de desnudos femeninos que evocaban el mítico tema de la modelo y el artista, aunque su universo simbólico tiene ese sabor atemporal del arte nórdico.

Fotografía de Óscar Vázquez Chambó. Imagen cortesía del autor

Fotografía de Óscar Vázquez Chambó. Imagen cortesía del autor

Es precisamente el cine del finlandés Aki Kaurismäki quien insufla esa aura de quietud ensamblada entre la imagen y la sonoridad a un ritmo de intimidad contemplativa en la concepción del videoarte que completa la exposición.  El autor constata su presencia en la construcción de las imágenes, como el auténtico espectador que de repente sale a escena desvelando que él es el receptor, un mensaje para sí mismo. Entendemos la  obra como un proceso de aceptación de la vida y la decrepitud en el que  Vázquez hace guiños a sus mitos cinematográficos evocando la sinceridad brutal de Bergman, los encuadres de Hitchcok o la crueldad de Tarantino.

A todo ello contribuye la composición equilibrada, la conceptualidad de las líneas y la disposición de los objetos que participan en el  juego de significados y que saltan de la bidimensionalidad de la imagen fotográfica al espacio a través de instalaciones objetuales, haciendo de todo un conjunto simbólico. Así es la imagen construida de Óscar Vázquez que une el género del retrato y el pictoricismo de Gregori Crewdson, Duane Michals o David Lachapelle conduciéndolo hacia una esfera personal e íntima descifrada en códigos universales que habla del ser, del amor y de la muerte.

Fotografía de Óscar Vázquez Chambó. Imagen cortesía del autor

Fotografía de Óscar Vázquez Chambó. Imagen cortesía del autor

Alejandro Villar Torres

El ecosistema familiar de Vázquez Chambó

La vida de dos, de Óscar Vázquez Chambó
Sala d’Exposicions Municipal d’Algemesí (Casino Liberal)
Carrer de la Muntanya, 24. Algemesí (Valencia)
Inauguración: miércoles 24 de octubre, a las 20.00h
Hasta el 3 de diciembre de 2018

La Sala d’Exposicions Municipal d’Algemesí, ubicada en el mítico Casino Liberal, presenta la exposición ‘La vida de dos’ del artista visual Óscar Vázquez Chambó. La inauguración correrá a cargo de la alcaldesa de la ciudad, Marta Trenzano, y el concejal de Cultura, Pere Blanco. Fotógrafo, diseñador gráfico y creador audiovisual, Vázquez se ha ido forjando un espacio genuino en la esfera del arte contemporáneo en festivales como Imaginaria o Photoespaña, tras ganar el XVI Concurso Encuentros de Arte Contemporáneo en 2016.

Fotografía de Óscar Vázquez Chambó. Imagen cortesía del autor.

Fotografía de Óscar Vázquez Chambó. Imagen cortesía del autor.

Óscar Vázquez ha elegido su ciudad natal para presentar su proyecto ‘La vida de dos’ que lleva a la escena del arte el universo cotidiano de sus padres situándonos en atmósferas simbólicas distintas a partir de juegos de color. Como señala el comisario y profesor de la Universitat de València, Àlex Villar, “La vida de dos no es un homenaje a los padres, es un ejercicio valiente de indagación psicológica en el ecosistema familiar, para reconocer la independencia y respeto a las costumbres y rituales de sus progenitores. Precisamente la integridad del lenguaje del autor, la estética implacable sirve de distanciamiento emocional para poder hablar de temas incómodos, solapados y ocultos en las relaciones personales”.

El hogar es el paisaje íntimo y metafísico donde acontecen las acciones de las fotografías puras o intervenidas plásticamente, en las que el color (rojo, azul, verde, amarillo) ejerce de hilo conductor entre el pasado y el presente de una historia contada en imágenes construidas a partir de la herencia pictórica de los artistas. En ellas podemos ver la huella del costumbrismo transcendente de Edward Hopper o el pop personal de David Hockney.

Fotografía de Óscar Vázquez Chambó. Imagen cortesía del autor.

Fotografía de Óscar Vázquez Chambó. Imagen cortesía del autor.

La muestra se completa con una videocreación o cortometraje donde el artista se constata como constructor de las imágenes y auténtico espectador de las mismas, pues la obra es un ejercicio personal de aceptación de la vida y decrepitud de sus padres. En ella realiza un tributo a la sinceridad brutal de Bergman y a la solemnidad de Kaurismäki.

Como indica el concejal de cultura Pere Blanco, “Algemesí insiste en fomentar el estudio monográfico de artistas contemporáneos de La Ribera, como hemos hecho con Esteve Adam, Boix, Armengol y estamos preparando las muestras de los artistas de Algemesí Juan Carlos Forner y Jordi Machí, que estarán en la programación de 2019”. La muestra podrá ser visitada hasta el próximo 3 de diciembre y cuenta con el patrocinio de Bogedas Coviñas.

Fotografía de Óscar Vázquez Chambó. Imagen cortesía del autor.

Fotografía de Óscar Vázquez Chambó. Imagen cortesía del autor.

XLIX Salón de Otoño de Pintura “Ateneo Mercantil de Valencia”

Convocante: Ateneo Mercantil de Valencia
Dotación: 6.000 euros
Plazo de admisión: hasta el 31 de octubre de 2018
Modo de presentación: envío de la obra u online

El Ateneo Mercantil de Valencia convoca su XLIX Salón de Otoño de Pintura, dotado con un premio de 6.000 euros. Con los cuadros seleccionados por el jurado se realizará en el mes de diciembre una exposición y se publicará un catálogo. Este certamen se organiza desde el año 1955 (a excepción de los años 1983 y 1997) y, según las bases del concurso, los artistas deben ser menores de 45 años y disponen de libertad para elegir la temática de su obra, con la excepción de no presentar retratos. El procedimiento técnico es igualmente libre, a excepción de la acuarela, pastel, dibujo, cerámica o grabado. El formato ha de ser horizontal y el tamaño de las obras no debe exceder los dos metros ni ser inferior al metro de longitud. El plazo de admisión será desde el 1 de octubre hasta el 31 del mismo mes.

El Ateneo Mercantil de Valencia sigue apostando por la cultura en todas sus expresiones y por eso llega una nueva edición de uno de los Certámenes de pintura más importantes no sólo de la Comunitat Valenciana sino de toda España. De nuevo, nuestra institución apuesta por los autores jóvenes valencianos. Las obras premiadas pasarán a formar parte de los fondos pictóricos del Ateneo, por uno de los fondos más importantes de la ciudad ya que cuenta con obras de Michavila, Salvador Soria o Llorens Cifre.

BASES para participar de manera presencial:

1.ª El XLIX Salón de Otoño se dedicará a la pintura.

2.ª El premio “Ateneo Mercantil” del Salón y que se convoca, será de 6.000 Euros. El Jurado se reserva el derecho a conceder uno o más accésit al premio o declararlo desierto, sí la calidad de las pinturas no alcanza el nivel deseado.

3.ª Podrán concurrir a dicho Salón cuantos artistas lo deseen y no superen los cuarenta y cinco años de edad, con un cuadro cuyo formato no sea superior a 2 metros ni inferior a 1 metro, procedimiento libre, con excepción de la acuarela, pastel, dibujo, grabado o cerámica.

4.ª El tema será libre, con exclusión del retrato.

S.ª El envío de la obra implicará la aceptación de las presentes bases, la interpretación de las mismas, la selección prevía que efectuará el Jurado que se designa y el fallo del mismo, que será inapelable.

6.ª Las obras premiadas quedarán de propiedad del Ateneo Mercant il, pasando a formar parte de la colección de esta entidad. Al artista ganador se le dedicará una exposición monográfica en el Ateneo Mercantil.

7.ª El plazo de admisión para el XLIX Salón de Otoño se abrirá el día 1de octubre de 2018 y terminará el día 31 del mismo mes, a las 19 horas. El horario será el de la Secretaría: de lunes a viernes, 9 a 14 horas y de lunes a jueves, de 16 a 19 horas. Las obras, a portes paga dos, serán remitidas al Ateneo Mercantil, plaza del Ayuntamiento, nQ 18, de Val encia, con indicación del título, nombre y domicilio del autor y del precio que desearía percibir, caso de venta, una vez que el premio haya sido concedido. Las obras no premiadas y no retiradas al 31 de diciembre de 2018 (en el mismo horario que para la admisión), quedarán propiedad del Ateneo Mercantil.

8.ª El Jurado calificador será designado por la Junta Directiva del Ateneo Mercantil y estará compuesto por: la Presidenta de la Entida d, un miembro de la Junta Directiva, un periodista crítico de arte, un Catedrático de BBAA o un Académico y un miembro de fuera de la ciudad , de reconocido prestigio.

9.ª Con los cuadros presentados y prevía selección realizada por el Jurado, se realizará una exposición en la Sala de Exposiciones del Ateneo Mercantil y se publicará un catálogo.

10.ª El Ateneo Mercantil no se hace responsable de los posibles desperfecto s que pudieran sufrir las obras presentadas a concurso, velando por la buena conservación de las mismas.

Bases completas

Lezama reabre para acoger El color de la primera luz

‘El color de la primera luz’, Alejandra Gandía-Blasco
Antigua Galería Lezama
Salvador 9, Valencia
Hasta el 26 de Septiembre de 2018

Alejandra Gandía-Blasco muestra en Valencia ‘El color de la primera luz’ en un lugar inimaginado. La antigua y mítica Galería Lezama abre sus puertas del 19 al 26 de septiembre para acoger la primera individual de esta artista valenciana tras años de investigación. La muestra recoge el trabajo fotográfico de los últimos años que destaca por su obsesión por el registro y por una ardua investigación. El comisario es José Luis Clemente y la singularidad del espacio requiere, fuera de horario, de cita previa (llamando al número 654352363).

La antigua Galería Lezama, luego Purgatori II, es un espacio emblemático, hoy en
desuso y apenas remozado, abre de nuevo sus puertas para este proyecto puntual.
Más conocida por su faceta como diseñadora, Alejandra Gandía-Blasco se forma en la
Facultad de Bellas Artes de Altea y Valencia donde finaliza sus estudios en 2011 para,
posteriormente, ampliar su formación en la Saint Martin's School of Art de Londres.
Su formación y práctica artística se asienta en la pintura y el dibujo, para trascenderlos
y llegar a la fotografía, soporte en el que viene trabajando en los últimos años, como
un medio de registro. Para Alejandra Gandía-Blasco no hay separación entre los
procedimientos usados antes en dibujos o pintura y el uso de la fotografía. De hecho,
el interés por registrar, estaba en esos soportes y pasa ahora a la fotografía, como una
solución de continuidad. Ella habla a menudo de esa necesidad casi obsesiva por el
registro, convirtiéndose en un concienzudo proceso de investigación. Como la propia
artista señala: “Me interesa muy especialmente el registro. Alcanzar el lugar, el
momento justo. La fotografía es para mí una forma de archivo a través del que intento
captar la luz y su expansión en posibilidades diversas de color”.

En este proyecto se presentan una veintena de fotografías en las que el motivo de
fondo es el amanecer y la puesta del sol. Sin embargo, no es el motivo
representacional en sí lo que interesa a Alejandra Gandía-Blasco. “Para ella, un
amanecer o la puesta de sol – señala el comisario de la muestra José Luis Clemente-
son un paisaje más en el que se condensan instantes precisos en los que todo cambia
por momentos. La intención de Alejandra por generar un archivo, en el que registrar
las formas cambiantes de un horizonte, va más allá de la representación del propio
horizonte, apenas esbozado en líneas y círculos. Lo que vemos en las fotografías no
son formas concretas y reconocibles. Estas fotografías se plantean en clave abstracta.
El color se convierte entonces en herramienta constructiva y, a la vez, en una
exploración de sensaciones. Se trataría de una especie de catálogo en el que se
registran sucesivas gamas de color a partir del efecto que produce la luz en un
momento preciso y que siempre es variable”.

Alejandra Gandía-Blasco y el comisario, José Luis Clemente. Imagen cortesía Ancom.

Alejandra Gandía-Blasco y el comisario, José Luis Clemente. Imagen cortesía Ancom.

Estas obras no obedecen a las convenciones técnicas de la fotografía. Alejandra
Gandía-Blasco usa la fotografía como si pintara. Es por ello, que para estas series
recurre al móvil para fotografiar. Su interés, por tanto, estaría más en la fotografía “al
uso”, en los modos en los que comúnmente las personas acabamos registrándolo todo
usando el teléfono. Es por ello que en sus fotografías se evidencian a veces tramas de píxel, desenfoques y otros procedimientos que ofrece la tecnología digital, para luego
llevarlos al papel fotográfico como gestos pictóricos. Hay en estas fotografías también
un interés por incorporar el accidente y el azar. En ese sentido, señala la artista, cómo
el origen de estas series de fotografías tiene que ver con un primer registro que hizo
en unas fotografías tomadas con el teléfono móvil en un vuelo de Alicante a París. A
partir de ahí, Alejandra Gandía-Blasco fue investigando sobre los procesos del propio
registro y las posibilidades que ofrece el teléfono móvil para abordar una
investigación, en la que lleva casi dos años trabajando y de las que aquí se muestra una
pequeña parte. Alicante, Atenas e Ibiza, son los lugares de los que parte y los
momentos que elige. A partir de ahí, de un registro primero, como si se tratara de un
apunte, Alejandra Gandía-Blasco comienza intervenir la fotografía que, en sus
formalidades deja de serlo, para tratarse más pintura. De esta forma, cada fotografía,
cada papel, es tratado por la artista como obra única, no sujeta a la multiplicidad que
ofrece comúnmente el papel fotográfico.

Señalar el atractivo que ofrece el espacio expositivo y que hace también esta
exposición particularmente interesante. No se trata de un espacio convencional, el de
una galería de arte o una institución. Se trata de un espacio en desuso y abandonado
que, como hemos señalado, fue un espacio expositivo relevante en el pasado. Por
tanto, sus paredes que guardan parte de la memoria de lo que fuera una galería de
arte, recuperan el blanco original para acoger ahora toda la expresión de color de
Alejandra Gandía-Blasco.

El horario para visitar la exposición es el siguiente:

De martes a jueves de 18:00 a 21:00horas / viernes, de 18:00 a 20:00 horas,
resto horario bajo cita previa llamando al 654352363.

La mirada errante (como la vida)

Maschi e Buchi, de Francesco Filangeri
Librería Railowsky
C / Gravador Esteve, 28. Valencia
Inauguración: viernes 14 de septiembre de 2018, a las 19.30h

Arquitecto al tiempo que fotógrafo, la fotografía acabó prevaleciendo como actividad profesional de Francesco Filangeri (Palermo, 1969). Si la formación como arquitecto la adquirió  de forma reglada, cursando estudios y obteniendo el grado en la Universidad de Palermo, su preciso conocimiento técnico de la fotografía procede de los años en que fue asistente en el estudio palermitano de Giuseppe Cappellani. Atento a la antropología de los espacios urbanos, Filangeri ha trabajado en Roma, Londres, Florencia, Palermo y Valencia, aunque nunca se ha interesado por el  genio de esos lugares.

“Vagar por las ciudades ha sido mi principal trabajo”, declaró este disciplinado cultivador del arte de deambular por las calles, una práctica asociada al urbanismo moderno que tuvo su gran eclosión en el París de Baudelaire o en el Berlín de Weimar. Celebración de la errancia como actividad significativa y también forma de resistencia, medio de combatir -reclama la urbanista Paola Berenstein Jacques en su Elogio aos errantes (2012)-, la pérdida de la experiencia física urbana como hábito cotidiano.

Francesco Filangeri. Imagen cortesía de Railowsky

Francesco Filangeri. Imagen cortesía de Railowsky

Maschi e Buchi es una serie formada por 14 dípticos que reúnen fotografías de hombres de diferente edad y de agujeros y cavidades también diversas. La brusca animalidad de la palabra maschi [machos] parece complementarse con la también desnuda referencia a los buchi [agujeros], que bien pueden evocar la genitalidad femenina y el alumbramiento de la vida. Fue la primera exposición de Filangeri y en cierto modo es un compendio de sus intereses, registros y recursos visuales. Como en un juego de espejos, estos dípticos de personas y lugares anónimos se entretienen en las porosas fronteras entre figuración y abstracción, entre fotografía y pintura, y sugieren irónicos contrastes y analogías en las formas, las escalas, las texturas o la tonalidad. Valgan de ejemplo ese joven cocinero cuya cabeza se trasmuta en capitel corintio, o la calidad rocosa del rostro de un hombre entrado en años junto a unos cantos rodados.

“Callejear -escribió Balzac-, es admirar sublimes cuadros de dolor, de amor y de alegría, es ver retratos graciosos o grotescos, es sumergir la mirada en el fondo de mil y mil existencias.”  Mil y mil existencias como las que contemplamos en estas imágenes. La fotografía es una instantánea y tiende por ello a suspender el curso del tiempo, pero esta galería de rostros y figuras que inicia un sonriente niño y culmina un anciano en precario equilibrio, nos recuerda, por el contrario, el maravillado e incesante fluir de la vida, y nos ofrece  un fugaz e intenso sentimiento del tiempo.

Filangeri

Obra de Francesco Filangeri. Librería Railowsky

Salvador Albiñana

Biennal de Mislata Miquel Navarro 2018

Convocante: Regidoria de Cultura del Ayuntamiento de Mislata
Dotación: 15.000 euros en total
Modo de presentación: a través de e-mail
Plazo de admisión: hasta el 28 de septiembre de 2018

La Biennal de Mislata Miquel Navarro es una iniciativa de la Regidoria de Cultura del Ayuntamiento de Mislata que surge para apoyar la creación artística contemporánea dando continuidad al trabajo realizado durante el período 1985-2008 a través de las Bienales de Escultura y Pintura “Vila de Mislata”.

En su primera edición, en el año 2016, la organización concede a modo de homenaje el nombre de la iniciativa al artista nacido y residente en Mislata, Miquel Navarro.

La Biennal de Mislata Miquel Navarro convoca públicamente bases abiertas a todos los y las artistas que deseen participar, sin distinguir edad, sexo, origen o residencia. Los años pares, la convocatoria está dirigida a proyectos de intervención en el espacio público con carácter relacional. Los impares, se promueve la adquisición de obra para colección de la institución estableciendo como eje temático el compromiso social en las artes visuales. En ambas convocatorias se prevé la publicación de un catálogo.

La Biennal asume el código de buenas prácticas artísticas ofreciéndose como un apoyo, servicio, plataforma y espacio de creación a disposición de los y las artistas.

BIENNAL DE MISLATA MIQUEL NAVARRO
CONVOCATORIA: PREMIOS DE ARTE PÚBLICO MISLATA 2018.
1. OBJETO
1.1. Las presentes Bases tienen por objeto regular el proceso de selección y concesión de los premios y ayudas a las y los artistas que deseen participar en la convocatoria Premios de Arte Público Mislata 2018.
1.2. Es finalidad de la presente convocatoria favorecer, ayudar y promocionar el trabajo de aquellas y aquellos artistas visuales en activo, dando cabida a todo tipo de propuestas innovadoras y representativas de las últimas tendencias artísticas.
1.3. La convocatoria Premios de Arte Público Mislata 2018 tiene como propósito:
a) Producir y exponer un máximo de diez obras en el espacio público del municipio
de Mislata.
b) Realizar una publicación que recoja las diez obras seleccionadas.
1.4. La publicación de las presentes Bases se realizará de acuerdo con lo establecido en el artículo 20.8 de la Ley General de Subvenciones.

2. RÉGIMEN DE CONCESIÓN.
Los Premios de Arte Público Mislata 2018, incluyen diez premios de acuerdo con los principios de publicidad, transparencia, objetividad, igualdad, no discriminación y mediante el procedimiento de concurrencia competitiva.

3.- MARCO NORMATIVO
3.1. Los premios y ayudas de la convocatoria de los Premios de Arte Público Mislata 2018 se concederán en concepto de subvención y se regirán por estas Bases, por la Ley de Haciendas Locales, por la Ley General de Subvenciones 38/2003, de 17 de noviembre, por el Real Decreto 887/2006 de 21 de julio, por las Bases de Ejecución del Presupuesto Municipal de 2018 y por la Ordenanza de Subvenciones del Ayuntamiento de Mislata.
3.2. Los premios y ayudas concedidos mediante esta convocatoria no precisan de su notificación a la Comunidad Europea.

4.- CUANTÍA, FINANCIACIÓN, PAGO Y JUSTIFICACIÓN
4.1. La dotación presupuestaria adscrita al pago de los premios y ayudas de los Premios de Arte Público Mislata 2018 asciende a 15.000 € y se efectuará con cargo a la aplicación presupuestaria 3340.481 del Presupuesto Municipal vigente para el año 2018.
4.2. La cuantía de cada premio será de 1.500 € y será abonada al 50% en dos pagos mediante transferencia bancaria con cargo a la aplicación presupuestaria 3340.481 del presupuesto del Ejercicio Económico 2018. El primero, se efectuará una vez hecha pública la resolución de la convocatoria, y el segundo, tras la ejecución e instalación del proyecto.
4.3. A los premios y ayudas que las/los galardonadas/os y participantes percibirán, respectivamente, se aplicará la retención legal fiscal vigente.
4.4. Las/los beneficiarias/os de los premios y ayudas deberán presentar certificaciones de estar al corriente de sus obligaciones con Hacienda, con la Seguridad Social y con el Ayuntamiento de Mislata. Asimismo deberán cumplimentar la ficha de alta de terceros.
4.5. La justificación de la concesión de los premios y ayudas se considerará realizada en la fecha de inauguración de la exposición que se detalla en la base 16.2, de esta convocatoria.
5.-PUBLICIDAD
Se dará publicidad de esta convocatoria en el Boletín Oficial de la Provincia y en la Base de Datos Nacional de Subvenciones, de acuerdo con los artículos 9.3 y 20.8. de la citada Ley 38/2003, General de Subvenciones, así como en la web municipal www.mislata.es.

6.-PARTICIPANTES
6.1. Podrán participar las personas físicas y jurídicas, mayores de edad, sin límite de la misma, de cualquier nacionalidad o lugar de residencia.
6.2. La participación podrá efectuarse de forma individual o colectiva, siempre que los y las participantes cumplan el requisito que se detalla en el apartado 6.1.
6.3. Serán excluidos aquellos proyectos que, tanto a título individual como colectivo, sean elevados por aquellos o aquellas artistas que resultaron ganadores tanto en la convocatoria de los Premios de Arte Público Mislata, 2016, como en la convocatoria de los Premios Adquisición Compromiso Social en las Artes Visuales de 2017, de las Bienales de Mislata “Miquel Navarro”.
6.4. Cada participante, grupo o colectivo que desee concurrir en la convocatoria podrá presentar únicamente un proyecto. El envío de más de una solicitud por
persona física, jurídica o agrupación para presentar diferentes obras, o el envío de solicitudes de diferentes personas que presenten más de una obra, serán consideradas causa suficiente para la exclusión de dichas solicitudes.

7. CARACTERÍSTICAS QUE DEBEN REUNIR LOS PROYECTOS PRESENTADOS Y REQUISITOS DE PARTICIPACIÓN
7.1 Los Premios de Arte Público Mislata 2018 tendrán especial atención por aquellos proyectos presentados basados en la intervención en el espacio público teniendo en cuenta en su planteamiento la ciudad y sus habitantes, que sean generadores de situaciones que favorezcan la convivencia entre personas y que inviten a crear nuevos modelos de espacio público. Se valorará además que dicho planteamiento provoque nuevas relaciones basadas en la igualdad de género, la diversidad sexual, cultural, la ecología, la historia local y el respeto por el patrimonio.
La Biennal de Mislata “Miquel Navarro” toma su denominación en calidad de homenaje al célebre artista de Mislata, mas las obras presentadas mantendrán su independencia en cuanto a estilo e investigación respecto de la producción del artista homenajeado.
7.2.- El formato de las obras es libre pero éstas deberán considerar su perdurabilidad en la vía pública durante todo el período de exhibición de la Biennal y asegurar no provocar ningún peligro para el espacio y las personas que transitan en él.
7.3.- Los y las participantes podrán priorizar el espacio en el que llevar a cabo la intervención a partir de la documentación contenida en el Anexo II de la presente convocatoria, pero la ubicación final se decidirá en consenso con la comisaria de la presente edición.
7.4. La dotación económica de cada premio incluirá todos los gastos que pudieran derivarse en concepto de honorarios, producción, transporte, montaje, desmontaje y cesión de derechos de reproducción de la obra.
7.5. El Ayuntamiento de Mislata, colaborará con los correspondientes servicios de limpieza del espacio público y de documentación fotográfica de las obras que resulten premiadas.
7.6. De acuerdo con las características de los proyectos presentados, las y los participantes podrán priorizar el espacio para ejecutar la intervención sin que ello condicione el lugar que definitivamente les sea asignado
7.7. Los y las artistas cuyos proyectos resulten premiados asumirán el compromiso y la responsabilidad de ejecutar y disponer los medios para la instalación de los mismos en el espacio público que definitivamente les fuera asignado. En las fechas previstas en los apartados 16.1, 16.2 y 19 de estas bases.

8.- DOCUMENTACIÓN A PRESENTAR
8.1. La presentación de solicitudes deberá ajustarse a las siguientes indicaciones, estará debidamente cumplimentada en cada anexo y deberá incluir la documentación adicional que se solicite en ellos:
8.1.1. Anexo I: DATOS PERSONALES, FORMACIÓN Y TRAYECTORIA ARTÍSTICA DE LAS Y LOS PARTICIPANTES.
8.1.2. Anexo II: FICHA TÉCNICA, IMAGEN, O BOCETO DEL PROYECTO Y PROPÙESTA DE UBICACIÓN.
8.1.3. Anexo III: DECLARACIÓN DE AUTORÍA.
8.1.4. Anexo IV: DECLARACIÓN RESPONSABLE DE ESTAR AL CORRIENTE CON EL CUMPLIMIENTO DE LAS OBLIGACIONES CON LA AGENCIA TRIBUTARIA Y FRENTE A LA SEGURIDAD SOCIAL Y NO ENCONTRARSE INCURSOS EN NINGUNA DE LAS PROHIBICIONES PARA SER BENEFICIARIOS DE SUBVENCIONES PÚBLICAS, CONFORME ESTABLECEN LOS ARTÍCULOS 13.2 y 13.3. DE LA LEY GENERAL DE SUBVENCIONES.
9. FORMA Y PLAZO DE PRESENTACIÓN
9.1. Las solicitudes de participación en la convocatoria Premios de Arte Público Mislata 2018 se presentarán telemáticamente mediante el formulario envío al mail: biennal@mislata.es
9.2. Las solicitudes deberán de ir acompañadas de todos los documentos que se especifican en la base 8 de esta convocatoria.
9.3. El plazo de presentación de solicitudes se iniciará al día siguiente de la publicación de la convocatoria en el Boletín Oficial de la Provincia y finalizará el día 28 de septiembre de 2018.
9.4. En caso que se demore la publicación, el plazo será de diez días hábiles desde la publicación en el BOP.

10. SUBSANACIÓN DE LAS SOLICITUDES
10.1. Transcurrido el plazo de una semana desde la fecha de remisión de la solicitud, se contactará con la persona inscrita para confirmar que la documentación ha sido descargada correctamente y que la inscripción se ha efectuado con éxito. En caso de no recibir notificación alguna, las/los interesadas/os deberán ponerse en contacto con la organización.
10.2. Revisadas las solicitudes, se notificará a las/los interesadas/os que no reúnan los requisitos exigidos o que no aporten la documentación necesaria que subsanen la falta, o acompañen los documentos preceptivos, en el plazo máximo de diez días, con la indicación de que, en caso de no hacerlo, se considerará como desistida su
petición de participar, de conformidad con el artículo 68 Ley 39/2015, de 1 de octubre, de régimen jurídico de las administraciones públicas y del proceso administrativo común.

11. RESOLUCIÓN DE LA SELECCIÓN DE OBRAS Y DE CONCESIÓN DE LOS PREMIOS Y AYUDAS.
11.1. Para la preselección y valoración inicial de los proyectos presentados, el Ayuntamiento de Mislata ha nombrado a Alba Braza, profesional cualificada en el sector y responsable, a su vez, de las tareas de coordinación de la convocatoria.
Dicha profesional asumirá también el comisariado de la edición.
11.2. Se constituirá una comisión de evaluación encargada de la baremación de los proyectos presentados de acuerdo con los requisitos exigidos en la presente
convocatoria, que emitirá la correspondiente acta de los 10 proyectos ganadores de los premios.
11.3. La resolución de los 10 proyectos ganadores se efectuará según lo dispuesto en el apartado 12.3. de las bases de esta convocatoria, a fin de que cada artista premiado proceda a la ejecución e instalación del proyecto, según lo dispuesto en estas bases.
11.4. Las y los artistas seleccionados deberán de rellenar un documento de aceptación del premio que les fuera concedido.

12.- ÓRGANO COMPETENTE PARA LA INSTRUCCIÓN, RESOLUCIÓN DEL PROCEDIMIENTO Y DIFUSIÓN DEL VEREDICTO.
12.1. Para la valoración de las obras propuestas se nombrará una Comisión de Evaluación o jurado que estará compuesto por: tres personas invitadas y expertas en el ámbito del arte contemporáneo. Su nombramiento se hará público en la página web del Ayuntamiento de Mislata (www. mislata.es). Integrarán también esta Comisión de Evaluación Alba Braza (comisaria de la Biennal) y una/un representante del Ayuntamiento de Mislata, que tendrá voz, pero no voto. Actuará como instructor del procedimiento el técnico de cultura del Ayuntamiento de Mislata.
12.2. El Jurado actuará como órgano colegiado a los efectos de elaborar el informe final de valoración correspondiente y la correspondiente acta de selección de proyectos.. En base al veredicto, el órgano instructor formulará el informe técnico para la resolución. La propuesta de resolución será elevada al órgano municipal competente, que será quien resuelva el procedimiento. Dicha resolución será inapelable.
12.3. La propuesta de resolución referida a los premios y selección de obras se difundirá mediante la publicación en la página web del Ayuntamiento: www.mislata.es y mediante un correo electrónico a los y las artistas seleccionados.
12.4. La comisión evaluadora estará facultada para resolver cualquier cuestión no prevista en estas bases. Su decisión será inapelable.

13.- CRITERIOS PARA LA VALORACIÓN DE LAS OBRAS.
Considerando que la puntuación máxima a otorgar a cada propuesta será de 10
puntos, se establece el siguiente baremo para la selección de las propuestas
finalistas:
• Currículum Vitae del o de la solicitante (Anexo I). Máximo: 1 punto
• Calidad artística de la obra y claridad de su explicación en el dossier presentado (Anexo II). Máximo: 3 puntos .
• Viabilidad y adecuación de la propuesta al espacio público seleccionado, así como a los tiempos y medios de producción. (Anexo II) Máximo 3 puntos.
• Adecuación de la propuesta a la convocatoria (Anexo II). Máximo: 3 puntos.

14. OBLIGACIONES DE LOS BENEFICIARIOS
14.1. Cada premio se considerará definitivamente adjudicado cuando el Ayuntamiento de Mislata reciba la aceptación escrita por parte de la ganadora o ganador. En caso de no ser así se perderá la condición de premiado/a o de artista seleccionado/a.
14.2. Las y los premiadas/os o seleccionadas/os adquirirán el compromiso de cumplir con los plazos establecidos en los apartados 16.1, 16.2 y 19 de estas bases.

15. SUSPENSIÓN Y REVOCACIÓN DEL PREMIO
El incumplimiento por parte de los premiados de las obligaciones expresadas en el apartado anterior de la presente convocatoria que hagan inviable el proyecto, permitirá que los premios y ayudas puedan ser revocados previo informe motivado de los responsables del proyecto y previo al trámite de audiencia del interesado, reintegrándose las cantidades que se hubieran percibido.

16.- INAUGURACIÓN DE LA EXPOSICIÓN DE LAS OBRAS SELECCIONADAS Y PREMIADAS.
16.1. El montaje e instalación de los proyectos premiados será coordinado y supervisado por la comisaria de la convocatoria y tendrá lugar a lo largo de la semana de la inauguración.
16.2. La inauguración de la exposición está prevista para el día 30 de noviembre de 2018 y su clausura para el día 13 de enero de 2019.

17.- PUBLICACIÓN DE CATÁLOGO
17.1. Para mayor difusión de la convocatoria, el Ayuntamiento de Mislata editará un catálogo con las obras premiadas y seleccionadas que se editará y presentará durante el año 2019.
17.2. El Ayuntamiento de Mislata se reserva los derechos de publicación y reproducción de los materiales gráficos que se deriven de la exhibición de los trabajos premiados o seleccionados en todos aquellos soportes elegidos para promocionar la difusión de la Biennal de Mislata Miquel Navarro en cualquiera de sus ediciones.

18. ACEPTACIÓN DE LAS BASES
18.1. El hecho de concursar supone la total aceptación de las presentes bases, quedando el Ayuntamiento de Mislata para dirimir cualquier eventualidad no prevista en ellas.
18.2. En caso de incumplimiento de este compromiso, por razones de causa mayor, será potestad del Ayuntamiento de Mislata tomar la decisión que estime conveniente al respecto. Su decisión será inapelable.

19. DESMONTAJE DE LAS OBRAS SELECCIONADAS.
Las obras seleccionadas deberán ser retiradas o desmontadas por sus autores durante un período máximo de 5 días a partir de la fecha de clausura de la exposición.

20.- PRERROGATIVAS
20.1. El Ayuntamiento de Mislata podrá solicitar información sobre la obra durante su fase de ejecución.
20.2. El Ayuntamiento de Mislata se reserva el derecho a prorrogar el periodo de exhibición de las obras premiadas.
20.3. El Ayuntamiento de Mislata no se responsabiliza de los daños que pudiera sufrir cualquiera de los proyectos ejecutados durante el período de exhibición.
20.4.. El Ayuntamiento de Mislata se reserva la posibilidad de suspender la convocatoria siempre que existan causas mayores.

21. PROTECCIÓN DE DATOS
En virtud de la Ley Orgánica 15/1999, de 13 de diciembre, de protección de datos, le informamos que los datos de carácter personal facilitados por los participantes serán
incorporados a un fichero. Para el ejercicio de sus derechos de acceso, rectificación, cancelación y oposición, podrán dirigirse por escrito al registro general del Ayuntamiento de Mislata (Ayuntamiento de Mislata, avenida Gregorio Gea, 34, 46920, Mislata, (Valencia).

INFORMACIÓN CENTRO CULTURAL DE MISLATA
Tel. 673379609 (de 8.30h a 14.30h)

Más información y bases completas

Arquitectura caduca, naturaleza perenne

‘Huellas/Traces’, de Pilar Pequeño
Librería Railowsky
Gravador Esteve 34, València
Hasta el 9 de septiembre de 2018

Los artificios creados por la mano del hombre están condenados a sucumbir al deterioro si son abandonados a su suerte. La naturaleza circundante, sin embargo, se regenera a sí misma y permanece incólume, aunque sufra cambios al ritmo de las estaciones y alguna baja. Lo caduco y lo perenne son las manecillas de un reloj metafórico que marca la evolución del paisaje y de quienes lo contemplan con mirada calma y profunda.

Imagen de la arquitectura deshabitada perteneciente a la serie realizada en el Mar Menor, incluida en la exposición 'Huellas/Traces', de Pilar Pequeño. Fotografía cortesía de la artista.

Imagen de la arquitectura deshabitada perteneciente a la serie realizada en el Mar Menor, incluida en la exposición ‘Huellas/Traces’, de Pilar Pequeño. Fotografía cortesía de la artista.

Es el mensaje que transmite ‘Huellas/Traces”, la sugerente exposición de la fotógrafa Pilar Pequeño, compuesta por 27 piezas en blanco y negro y color, que se puede ver en la librería Railowsy hasta el 9 de septiembre de 2018. Se trata de un trabajo realizado por Pequeño en dos etapas distintas –la primera entre los años 2000 y 2005, y la segunda entre 2012 y 2016–, en torno a un par de edificios de un significado muy especial para ella –uno situado en la desembocadura del río Miño y otro en el Mar Menor–.

Un trabajo sobre la acción del hombre en el paisaje, el paso del tiempo, la memoria y la recuperación de la naturaleza de los lugares abandonados. Situados ambos a la orilla de dos mares –-el Atlántico y el Mediterráneo–, representan dos tipos muy diferentes de arquitectura y de clima que reflejan cómo el entorno geográfico condiciona el carácter de las ruinas. La imagen de la palmera enmarcada en el pórtico –correspondiente a la serie sobre el Mar Menor–, primero viva y años después decapitada, es paradigmática de ese tratamiento de la mutación temporal: Tempus fugit.

Imagen perteneciente a la serie realizada en el Bajo Miño, incluida en la exposición 'Huellas/Traces', de Pilar Pequeño. Fotografía cortesía de la artista.

Imagen perteneciente a la serie realizada en el Bajo Miño, incluida en la exposición ‘Huellas/Traces’, de Pilar Pequeño. Fotografía cortesía de la artista.

“Las ruinas me fascinan”, afirma Pequeño, que disfruta de sus vacaciones familiares en Altea (Alicante). “Empecé a fotografiarlas en 1975, en concreto las del Balneario de Mondariz. A estas les dediqué un estudio más profundo a lo largo de varios años, con un intervalo de tiempo”.

El edificio del Bajo Miño, en Pontevedra, está situado cerca del lugar donde pasó su infancia, en la frontera con Portugal. “A finales del siglo XIX fue construido por los Jesuitas para albergar un selecto centro de enseñanza donde iban a estudiar los hijos de la burguesía de la época. Una cuna del saber, germen de las universidades de Deusto y Comillas. Allí estudió mi padre. Luego se le dio otros usos y hoy se encuentra en estado ruinoso”.

Imagen perteneciente a la serie realizada en el Mar Menor, incluida en la exposición 'Huellas/Traces', de Pilar Pequeño. Fotografía cortesía de la artista.

Imagen perteneciente a la serie realizada en el Mar Menor, incluida en la exposición ‘Huellas/Traces’, de Pilar Pequeño. Fotografía cortesía de la artista.

El otro espacio que cautivó a la fotógrafa, en el extremo  opuesto de la península, tiene también su historia. Era la vivienda de Ramón Franco, el héroe del Plus Ultra y hermano del dictador, que fue  durante una época jefe de la base militar de Murcia. “Lo descubrí por casualidad cuando fui al Mar Menor con mi marido, que es muy aficionado a los deportes náuticos”, recuerda Pequeño. “Entonces se podía acceder libremente a él y me gustaba ir allí a pasear y a leer, a observar con calma los cambios de la luz a lo largo de las horas”.

Pequeño utilizó imágenes en blanco y negro hasta que, entre 2009 y 2016, fue adoptando el color, yendo más allá del cromatismo tradicional. Invernaderos, paisajes y plantas son motivo ineludible de su objetivo y, con ellas, el agua, la luz, la vida y la muerte. “Me gusta controlar todo el proceso de elaboración de la fotografía y antes eso era imposible trabajando con color”, comenta. “Con las cámaras digitales ya es posible y por eso me pasé al color”. En ‘Huellas/Traces’ está muy presente esa dualidad, blanco y negro versus color, que enfatiza la sensación del paso del tiempo, al resaltar su efecto transformador tanto sobre la piedra como en el paisaje.

Imagen perteneciente a la serie realizada en el Bajo Miño, incluida en la exposición 'Huellas/Traces', de Pilar Pequeño. Fotografía cortesía de la artista.

Imagen perteneciente a la serie realizada en el Bajo Miño, incluida en la exposición ‘Huellas/Traces’, de Pilar Pequeño. Fotografía cortesía de la artista.

“La diferencia entre la ruina y el escombro es la memoria”, escribe Rosa Olivares en el libro catálogo editado con motivo de la exposición. “La vida que albergó ayer lo que hoy es piedra; estas paredes que ya no protegen a nadie ni a nada fueron colegio, casa, universidad, campo de concentración, albergaron no solo a personas, a niños, a hombres, sino a sus sueños y a sus miedos (…) Pilar Pequeño realiza un trabajo casi de estudio arqueológico volviendo a los mismos lugares abandonados, que no parecen interesar a nadie, repletos de historias de otros tiempos”.

Por su parte, María Teresa Gutiérrez Barranco señala: “Huellas es un relato visual sobre la poética del paso del tiempo. En él confluyen avatares de dos recorridos. Dos escenarios que se funden en una única narración personal (…), un profundo y conmovedor diálogo con dos edificios que van muriendo lentamente. Transformación del fin en un nuevo comienzo”.

Imagen perteneciente a la serie realizada en el Bajo Miño, incluida en la exposición 'Huellas/Traces', de Pilar Pequeño. Fotografía cortesía de la artista.

Imagen perteneciente a la serie realizada en el Bajo Miño, incluida en la exposición ‘Huellas/Traces’, de Pilar Pequeño. Fotografía cortesía de la artista.

Bel Carrasco

 

 

 

 

 

 

 

 

Residuos, deshielo e incendios en Las Naves

‘Fotos pel Canvi’, de VV.AA.
Las Naves
Joan Verdeguer 16, València
Hasta el 8 de septiembre de 2018

Las Naves, a través de su red Connecta Cultura, y la Fundación Observatori del Canvi Climàtic. del Ayuntamiento de València, han organizado esta exposición de fotografías, en la que trece artistas de ámbito internacional denuncian el terrible panorama al que la acción humana ha sometido al medio ambiente.

Nombres como los de Gregg Segal, Caroline Power, Kerstin Langenberger, Georgina Goodwin, Patricia de Melo, Mark Gamba, Xaume Olleros, Olmo Calvo, Eloy Alonso, Miguel Lorenzo, Marc C. Olsen, Paulo Oliveira y la propia comisaria de la exposición, Tania Castro, son los autores y autoras de esta exposición que permanecerá en Las Naves hasta el próximo 8 de septiembre de 2018.

Imagen de la obra 'Acabando con los recursos del planeta', de Mark Gamba. Fotografía cortesía de Las Naves.

Imagen de la obra ‘Acabando con los recursos del planeta’, de Mark Gamba. Fotografía cortesía de Las Naves.

Por primera vez en España y en el seno de la exposición se presenta el trabajo del fotógrafo estadounidense Gregg Segal, ‘Seven days of garbage’ (siete días de basura), en el que el autor ha invitado a varias personas a no tirar los residuos que producían durante una semana para retratarlos con ellos tras siete días. Las imágenes nos muestran el gran número de residuos que producimos cada uno de nosotros. Se estima que cada persona genera 478 kilogramos de residuos al año y su tratamiento tiene graves carencias. Esta situación, entre otras cuestiones, origina importantes emisiones de gases de efecto invernadero.

Por su parte, Caroline Power pone el ojo sobre el grave problema del plástico; en las fotos y videos, que se difundirán a través de las redes sociales de Las Naves, la autora muestra la ínsula de plástico que se ha creado en la isla de Roatán, en el Caribe.

Igualmente, el deshielo y sus consecuencias son reflejados en las imágenes de Kerstin Langenberger, Eloy Alonso y Marc C. Olsen.

Imagen de la obra 'Plástico', de Paulo Oliveria. Fotografía cortesía de Las Naves.

Imagen de la obra ‘Plástico’, de Paulo Oliveria. Fotografía cortesía de Las Naves.

Los incendios forestales son cada vez más grandes y más devastadores, siendo uno de los impactos más claros del cambio climático advertidos por la ONU. En España, solo el año pasado, se quemaron un total de 174.788 hectáreas, aproximadamente un 0,63% del total del territorio. Sobre este tema se observa, con dolor las imágenes de Patricia de Melo,Tania Castro y Miguel Lorenzo.

En la exposición también se pueden ver imágenes del internacionalmente galardonado Olmo Calvo, de Mark Gamba, Paulo Oliveira, Georgina Goodwin y el fotógrafo valenciano Xaume Olleros, autor de la reconocida portada del Times durante la Umbrella Revolution en Hong Kong.

Esta exposición forma parte de la línea abierta recientemente en Las Naves, en la que se ha puesto en marcha un grupo de trabajo con el sector fotográfico de València, apoyando, así, a las industrias creativas culturales desde el área de la innovación.

Imagen de la obra 'España, camino de ser un gran desierto', de Eloy Alonso. Fotografía cortesía de Las Naves.

Imagen de la obra ‘España, camino de ser un gran desierto’, de Eloy Alonso. Fotografía cortesía de Las Naves.