Cuando la calle entra por la ventana de los ‘Soñadores’

#MAKMAExposiciones | ‘Dreamers 2.0’, de VV.AA.
Comisaria: Cristina Chumillas
IX Festival 10 Sentidos | ‘Soñadores’
Las Naves, Centre d’Innovació
Joan Verdeguer 16, València
Del 10 de septiembre al 10 de octubre
Miércoles 9 de septiembre de 2020

“Las calle ha entrado por la ventana”, pronuncia Isabelle (Eva Green) durante una secuencia de ‘The Dreamers‘ (‘Soñadores’, 2003), de Bernardo Bertolucci; un lírico y metáforico modo de anunciar, con morfología de adoquín, la espontánea y virulenta irrupción de las revueltas de Mayo del 68 en el callejero doméstico (y universal) de París, abanderadas por una heteróclita y fecunda generación estudiantil que atesoraba por norte vindicativo la desaprobación de los poderes políticos y económicos.

Protestas enmarcadas en un convulso contexto nacional (aumento exponencial del desempleo, crisis industrial y exacerbada polarización partidista) e internacional (de marcados acentos anti-imperialistas, tras la eclosión, entre otras, de la Revolución cubana y el ineludible descrétido estadounidense a causa de la guerra de Vietnam).

Un escenario que no difiere en demasía de cuantos entornos administrativos, sociales y culturales han configurado el devenir geopolítico –con mutaciones epidérmicas– desde entonces hasta nuestro días (semejantes en crispación e incertidumbre).

Cartel de la IX edición del Festival 10 Sentidos, bajo el lema ‘Soñadores’, de cuya imagen gráfica se ha encargado la diseñadora PIlar Estrada. Fotografía cortesía del festival.

Por ello, el Festival 10 Sentidos, en su heterodoxa novena edición, centra su atención proposicional en la figura de los ‘Soñadores’, lema bajo el que se pretende focalizar la atención en “las generaciones más jóvenes, que se van a encontrar con un modelo de vida distinto, con unas circunstancias inéditas y con miles de sueños truncados. ¿Qué piensan? ¿Cómo conciben los años venideros? ¿Por qué luchan?”.

Y al calor de las explícitas referencias del celuloide, la programación de festival principia su cronograma presencial (tras la inciativa, volitiva y primaveral, de ‘Future Desires’) mediante ‘Dreamers 2.0‘, exposición colectiva, comisariada por la historiadora, galerista y gestora cultural Cristina Chumillas, que concita la obra de 27 artistas provenientes del Máster de la Universitat Politècnica de València (UPV) en sus diversas titulaciones (Animación, Artes Visuales y Multimedia, Fotografía, Ilustración y Producción Artística).

Tal y como refiere su comisaria, “son artistas en proceso de aprendizaje, que ponen en valor herramientas como el conocimiento y la innovación, que reivindican un modelo de sociedad diferente y cambiante donde se priorizan derechos fundamentales como la libertad de expresión o la pluralidad sexual, que luchan contra el machismo y los estereotipos de género”.

Cristina Chumillas, comisaria de la exposición, e Inma García, directora ejecutiva del Festival 10 Sentidos, durante la presentación de ‘Dreamers 2.0’. Foto: Jose Ramón Alarcón.

Creadores que «manifiestan su repulsa frente a la destrucción de las personas y del territorio», y que «exponen los temas que les afectan de una manera más personal, como la cuestión del tiempo o el vacío, abordado desde una visión estética clásica, y exteriorizan el temor que les provoca la crisis del cuarto de siglo», aservera Chumillas en su texto curatorial.

Una generación de artistas perfilada por las consecuencias de la denominada ‘Crisis del cuarto de vida’ –terminología rubricada, a finales de los años noventa, por la psicóloga Abby Wilner, que desembocaría en una publicación homónima, en 2001, junto a la periodista Alexandra Robbins–, que afecta a las personas comprendidas entre los 20 y los 30 años de edad (especialmente a aquellas con estudios superiores y titulaciones universitarias), quienes padecen un inquietante período de inseguridad frente a sus propias capacidades y ante el incierto porvenir, alumbrado desde la confusión y el desencanto.

Un conjunto de síntomas que se refugian tras la obra ‘Cuarter – Life Crisis Fest’, del artista asturiano Arze.design, quien emula la composición mural de decenas de carteles en los que descansa el concepto. “Uniendo, por un lado, la estética del movimiento vaporwave, nacido en Internet y ligado a sentimientos de depresión, crisis, ensimismamiento y nostalgia, y, por otro lado, los festivales de música, templos y focos sociales de la juventud contemporánea, surge este proyecto”, sentencia el artista.

Captura de uno de los chat que conforman la obra ‘Chat Player’, de Meritxell Ahicart. Fotografía cortesía del festival.

Igualmente, por ‘Dreamers 2.0’, entre otros, evolucionan conceptos críticos asociados a la injerente relación existente entre el espacio público y la publicidad (‘div class=”ad”>Public Spaces </div>’, de Jorge Pérez Higuera); la descomposición de los esteriotipos asociados a las personajes femeninos en los cuentos clásicos (‘Princesas por Apocalipsis’, de Raquel Juan Maestre); la invisibilidad de los individuos tras el ejercicio virtual y frente a las pantallas (‘Invisible’, de Paola Tejera Manchón’); la infame radiografía laboral padecida por las kellys en el depredador marco turístico de las Canarias (‘Islas Canarias’, de Alejandrx) o la simbología audiovisual tras el turismo hpiderdesarrollado (‘Ficciones Turísticas. La Mirada’, de Sara Fornés).

Y sugestiva y túrbida resulta la obra de Meritxell Ahicart en su composición ‘Chat Player’, que incluye capturas de pantalla de mensajes y fotografías de torsos y rostros anónimos fruto de su trabajo en una plataforma de chat erótico, “donde aportaba la identidad de perfiles ficticios con el pretexto de que hombres pudieran conocer mujeres y satisfacer sus fantasías», apunta la artista.

A la postre, ‘Dreamers 2.0’ procura un negativo final tan diverso como emparentado entre sí, cuyo nexo en común, tal y como indica Cristina Chumillas, es la materialización de “una reflexión social que, como individuos, creo que tenemos que hacer de manera independiente y, depués, intentar aplicar en el ámbito colectivo”.

Soñadores
Detalle de la obra ‘Cuarter – Life Crisis Fest’, del artista asturiano Arze.design. Foto: Jose Ramón Alarcón.

Jose Ramón Alarcón

Jürgen Schadeberg, canícula y conflicto

Fallece el fotógrafo alemán Jürgen Schadeberg a los 89 años
‘Jürgen Schadeberg, canícula y conflicto’
‘Realismo(s) & Playa’ | Revista Canibaal nº10
Octubre de 2018
Domingo 30 de agosto de 2020

Con motivo del fallecimiento del fotógrafo alemán Jürgen Schadeberg a los 89 años, MAKMA reproduce el reportaje que Jose Ramón Alarcón y Ximo Rochera –junto con Merche Medina– llevaron a cabo para el décimo (y último) número de la revista Canibaal –’Realismo(s) & Playa‘ (octubre de 2018)–.

Bajo la tórrida canícula de Barx –municipio montañoso de la comarca de la Safor, al sureste de la provincia de València– habita junto a su esposa Claudia (desde hace casi un lustro y por estocásticos motivos de amistad y errática búsqueda) una figura ineludible en el horizonte diacrónico de la historia de la fotografía, aquella que discurre bajo el convulso calor de la segunda mitad del siglo xx: Jürgen Schadeberg (Berlín, 1931).

La obra del octogenario fotógrafo alemán se ha ecumenizado como testimonio inmediato de cuantos acontecimientos acaecieron en Sudáfrica a partir de la década de los cincuenta –tras el acceso al poder del Partido Nacionalista de François Malan y la institucionalización del vergonzante sistema de segregación racial internacionalmente conocido como apartheid–, así como la ulterior y contemporánea República parlamentaria del África Austral en tiempos de liderazgo del Congreso Nacional Africano (CNA), abanderado por el eximio abogado y activista Nelson Rolihlahla Mandela.

Imagen de portada del reportaje publicado en ‘Realismo(s) & Playa’ (Canibaal nº10), en octubre de 2018. Foto: Merche Medina.

No en vano, su conspicua instantánea de un introspectivo presidente Madiba oteando a través de los barrotes de la que fue su celda en el penal de Robben Island es considerada una de las cincuenta fotografías icónicas del siglo pasado, razón de peso para que este extremo de su vastísima producción suela atraer sobre sí buena parte de los encomios y atenciones conferidos a su trabajo.

Sin embargo, no es únicamente esta veta de su longeva tarea la que, en principio, comanda las inquietudes del presente artículo. Con motivo de la primera edición del Festival del Libro SINDOKMA, organizado en València en noviembre de 2016 por la revista MAKMA, y gracias a la labor de Juan Pedro Font de Mora (director de la Librería Railowsky), Schadeberg tuvo ocasión de compartir con el público algunos de los acentos más significativos de su trayectoria vital y profesional, reportando a quienes suscribimos un motivo de atención que podría consumarse en forma de encuentro con el autor alemán cuando la ocasión y los proyectos respectivos volvieran a aproximarse.

De este modo, la decisión de articular el décimo número de la revista Canibaal en torno a los conceptos ‘realismo(s)’ y ‘playa’ tornaba conveniente y plausible la idea de retomar contacto y visitar la hacienda mediterránea del fotógrafo berlinés –paradigma de cuantas razones y semánticas puedan argüirse sobre el propósito de la revista en su (por el momento) último número– con el fin de transitar por el azaroso territorio de la memoria y descubrir algunos aspectos determinantes de su semblanza profesional.

«La suerte es ser el primero en llegar, el primero en narrar o mostrar»

Un autor como Schadeberg, cuya ilustración infante, en plenos albores de la Segunda Segunda Guerra Mundial, se gesta «a partir de las lecturas de Tolstói (León), Dostoievski (Fiódor), Chéjov (Antón) o Upton Sinclair» mientras es «testigo, cuando era muy pequeño, de la Noche de los Cristales Rotos» y que dispara su primera fotografía –tras la popular lente de una Instamatic– en un húmedo refugio antiaéreo berlinés (en 1942), a la par que, como declara nuestro autor, «tomé mi primera cerveza», parece haber sido nebulosamente destinado a solidificar testimonio, a documentar la existencia de todo lo que envuelve su fascinante y ubicuo horizonte vital, jalonado por acontecimientos que trascienden la mera y personal magnitud biográfica.

Página interior del reportaje publicado en ‘Realismo(s) & Playa’ (Canibaal nº10), en octubre de 2018.

«Era como estar sentado encima de una bomba, en el centro de la bomba; un momento de extraordinaria tensión»

Tras la senda del segundo matrimonio de su madre, que en Alemania «era una actriz de reparto y tenía amigos artistas a los que solía escucharles hablar», recala en el país sudafricano en 1950 –«Sudáfrica era terrorífica, una área de conflicto»–, en el que desarrollará su decisiva labor como fotógrafo documental (Leica M o Rolleiflex de formato medio en mano) y director artístico de la revista Drum (denominada en su inicios Africa Drum), icónico magazín de reportajes de investigación, vida urbana y hedonista de Sophia Town –popular suburbio negro de Johannesburgo–, perfumada con los influjos estéticos de la cultura negra norteamericana.

Schadeberg orienta su voluntad de retratar el pulso cotidiano de la excluida periferia y denunciar las insalubres condiciones laborales de buena parte de la mano de obra nativa en el cinturón minero del país sin obtener respaldo: «Fui a los periódicos y nadie quería saber nada. Envíe mis fotografías y nadie las quería publicar».

«Debes salir fuera a buscar la verdad, la historia verdadera»

Estos y otros vínculos e implicaciones del fotógrafo alemán con la comunidad negra determinan su forzosa salida del país y su retorno a un crispado Berlín encorsetado por el «Muro de la vergüenza» (Schandmauer). «En el Oeste había luces, color, entretenimiento… En el Berlín Este todo era gris».

En la Alemania Occidental de los años sesenta se erige en abrumado testigo fotográfico del resurgimiento clandestino de grupos nazis, cuyos overoles y cánticos uniforman una soterrada parte de la RFA que ningún medio alemán quiere mostrar; será la prensa extrajera (New Yorker o Paris Match) la que publique sus instantáneas.

«Tenía mucho que hacer fotografiando la vida cotidiana, la miseria, la tristeza, la alegría, la música»

Schadeberg renuncia a enrolarse como fotógrafo bélico en determinados conflictos como el de Vietnam. Cuestiona los turbios objetivos de determinados periodistas y fotógrafos por rubricar su presencia por encima de los acontecimientos, la inmoral sed de notoriedad a través de la imagen explícita –recuerda, entre otros, el (malinterpretado) caso del Pulitzer Kevin Carter– y sentencia que, amén de determinados casos en los que la implicación emocional debe prevalecer sobre la tarea profesional («no hagas una fotografía, condúcete por el instinto, ayuda a esa persona»), «para ser un buen fotógrafo debes ser neutral, no dejarte conducir por los prejuicios».

Página interior del reportaje publicado en ‘Realismo(s) & Playa’ (Canibaal nº10), en octubre de 2018. Fotos: Merche Medina.

«Debes estar envuelto desde la infancia en las artes para evolucionar en la educación visual, musical, pictórica»

Jürgen Schadeberg recala en España a finales de los años sesenta para alimentar diversas facetas de su diletantismo artístico. Procura, de este modo, cursar estudios de pintura, «para investigar la luz, el color, la composición, entender el lenguaje corporal. Quería estudiar y explorar las diferencias respecto de la fotografía».

Igualmente, señala, «intenté estudiar guitarra clásica, pero no podía tocar porque era ya demasiado mayor (25 años). Cuando era pequeño nunca estuve expuesto a la música. Sucede con todas las disciplinas artísticas».

«Las playas son interesantes e importantes, porque la gente va allí a relajarse, a disfrutar»

En esta época toma contacto y orienta su mirada hacia el paisaje vacacional que perfila los estíos de la Costa del Sol. Aupado por un contexto henchido de albricias, la onerosa carga vital del fotógrafo se libera y únicamente porta consigo el denso poso de la experiencia y la naturaleza técnica para fijar la mirada en otras latitudes de la idiosincrasia popular (tal y como ya había demostrado con maestría en sus instantáneas sobre el universo del jazz y los músicos y bailarines negros de los guetos sudafricanos).

En estas descriptivas series caniculares sobre el verano y la playa –territorio en el que confluye buena parte de su acervo profesional– fijamos la atención y solidificamos la bienvenida colaboración de Jürgen Schadeberg con Canibaal.

«Veo la realidad desde el punto de vista técnico de la fotografía, a través de un lenguaje natural ya inherente por el aprendizaje y la práctica»

Una práctica que ha ejercido y sigue desarrollando sobre ideas recurrentes, erigiendo al individuo, al rostro, al lenguaje corporal y a las costumbres como temas centrales de su obra, que gobiernan, definitivamente, la impronta de su estilo.

Algunos títulos recomendados

‘The Way I See It. A Memoir’ (2017).
‘España Then and Now’ (Pagina & J & C Schadeberg, 2015).
‘Jürgen Schadeberg’ (2008).
‘Jürgen Schadeberg: Photographies’ (2006).

Jürgen Schadeberg
El fotógrafo Jürgen Schadeberg en su domicilio de Barx (València). Foto: Merche Medina.

Jose Ramón Alarcón y Ximo Rochera

Autocines

#MAKMAFotografía | MAKMA ISSUE #02
Gala Font de Mora | Autocines
MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, 2019
Viernes 14 de agosto de 2020

‘Autocines’, un proyecto fotográfico, actualmente en proceso, que nace a raíz de mi aprendizaje en ‘Casa’ –propuesta pedagógica realizada por Ricardo Cases y Pablo Casino, en el cual, entre otra enseñanzas, se hace un seguimiento personalizado de los proyectos de cada alumno–, muestra la vida en los autocines que sobreviven en España. El primero de ellos se inauguró en Madrid en 1959, si bien ahora no existe, como es el caso de tanto otros desaparecidos durante las últimas décadas.

Páginas iniciales del artículo publicado en MAKMA ISSUE #02.

A través de su contenido intento visibilizar estos espacios, casi olvidados, mediante un punto de vista personal y bajo una estética cinematográfica, en tanto que lugares desconocidos para la mayoría de la gente, pero acerca de los que tenemos un recuerdo asociado a las escenas de películas de otros tiempos y a los Estados Unidos, país donde nacieron.

Para la composición del proyecto considero importante fotografiar las diversas facetas que tienen estos emplazamientos atemporales: sus rincones, sus tribus (gente muy distinta según el autocine y la película que se proyecte) y, por último, los trabajadores que acuden allí a diario. De igual modo, me interesa el paisaje existente, en tanto que los autocines que aún perviven están situados, generalmente, muy cerca de la costa y suelen caracterizarse por disponer de una abundante vegetación.

Portada de MAKMA ISSUE #02, a partir de una de las obras del proyecto ‘Autocines’ (2019), de la fotógrafa Gala Font de Mora.

Igualmente, considero importante la conexión que se establece entre el público y la pantalla. A este respecto, en mis fotografías busco resaltar las expresiones y reacciones de los asistentes ante las escenas de la película, del mismo modo que me intriga dar testimonio de la intimidad que se crea dentro de los coches.

Hasta ahora, los autocines fotografiados están situados en la Comunidad Valenciana y Madrid, pero la finalidad del proyecto es recorrer todos los que aún quedan en España y, así, completar mi trabajo sobre estos interesantes escenarios.

  • Autocines

Gala Font de Mora

Inmediatez y perspectiva en una colección que se abre paso

#MAKMAExposiciones #MAKMAOpinión | MAKMA ISSUE #02
María Ramis | Inmediatez y perspectiva en una colección que se abre paso
MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, 2019
Jueves 13 de agosto de 2020

Podemos afirmar que la historia del coleccionismo en España está íntimamente ligada a la de las instituciones museísticas, un fenómeno que se extiende a países vecinos. Durante numerosas etapas, nobles, reyes, aristócratas y eclesiásticos se dedicaban a atesorar, bajo sus arcas, colecciones de objetos de valor artístico, científico y antropológico. La Revolución francesa no solo alteró la capas sociales del momento, sino que también marcó un antes y un después en el Museo del Louvre, cuyas puertas se abrieron a la sociedad.

Este fue el innovador modelo que se acogió en España para enseñar las colecciones reales, abriendo, por fin, el Museo Nacional del Prado en 1819. Así, el concepto de coleccionismo experimentó diversos cambios durante ese siglo XIX y, aún más, tras la dictadura, ya que debían tenerse en cuenta los cambios que se producían sobre una sociedad más abierta, democratizada y necesitada de esa identidad cultural casi arrebatada en el pasado.

Si, como afirmamos, la historia del coleccionismo está ligada a la de las instituciones museísticas, cabe remarcar que, particularmente, en la historia de España hasta mediados del siglo XX no se creó una institución propiamente dedicada a apoyar y promocionar a artistas del momento.

colección,
Páginas iniciales del artículo publicado en MAKMA ISSUE #02.

A pesar de todo, ya han quedado atrás las protestas que en los años 50 algunos de los miembros de El Paso reclamaban –aquellos que, además de artistas, eran críticos y entre sus reprobaciones se encontraba la de no existir una conciencia colectiva para la realización de un arte español del momento, tal y como José Ignacio Gómez refiere en su artículo ‘El grupo El Paso y la crítica de arte’, para el número 11 de la revista ‘Espacio, Tiempo y Forma. Serie VII, Historia del Arte (1998)–, y el apoyo institucional al arte actual se convierte en algo ineludible e, incluso, aunque mucho más que mejorable, legalmente reglamentario.

Teniendo en cuenta este contexto y aceptando las implicaciones políticas de una decisión así, el pasado junio de 2018, tres amplias salas del Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC) de València se ocupaban con instalaciones, esculturas, pinturas, fotografías y videos; en general, piezas de arte que difícilmente encajarían en la acotación de una sola técnica, algo que viene siendo común y derivado de la multidisciplinariedad de los artistas actuales.

Todas ellas se caracterizaban por formar parte de un discurso más amplio: el primer acercamiento al establecimiento de una colección de arte contemporáneo perteneciente a la Generalitat Valenciana, una iniciativa encajada dentro del plan para incentivar el patrimonio artístico valenciano. Entre incertidumbres y divergencias –como ya reza el subtítulo del texto para el catálogo de ‘Primers Moments’, de Ricard Silvestre–, se presentaban las primeras 33 piezas de esta incipiente colección.

Tras los correspondientes actos y presentaciones para la prensa, cierta incertidumbre se veía reducida al afirmar que la continuidad en la compra era un hecho y no ya mero propósito. Esta realidad ha podido mostrarse al público este 2019 en el Museu de Belles Arts de Castelló, con la exposición ‘Peça 19’.

No obstante, este tipo de decisiones conllevan una serie de procesos de disgregación y conocimiento del panorama que son los retos a los que se han enfrentado profesionales encargados de escoger las obras.

Para ello, no se tuvieron en cuenta pautas generacionales, ni tampoco una restricción por temáticas, si bien es cierto que las propuestas debían pertenecer a artistas residentes en la Comunidad Valenciana o que su actividad profesional fuera ejercida, mayoritariamente, en territorio valenciano.

De este modo, se decidió comenzar por elaborar una lista de artistas abierta que atendía a criterios de creatividad, estéticos, históricos –debido a la convicción clave de que la originalidad se arraiga en el proceso histórico, pero también en la influencia futura– y económicos, que marcaban una guía para futuras decisiones y que, además, venían respaldadas por múltiples fuentes documentales.

Portada de MAKMA ISSUE #02, a partir de una de las obras del proyecto ‘Autocines’ (2019), de la fotógrafa Gala Font de Mora.

El resultado: un total de 51 piezas que juegan, intercambian y deliberan sobre algunas de las líneas de investigación imperantes en el panorama contemporáneo. Esta moldeable estructura se constituye en diversas direcciones, tangenciales y complementarias, como es la mirada al pasado, las propuestas feministas, las fricciones entre lo cotidiano y lo tecnológico, la cultura de la sostenibilidad y un claro binomio entre individuo y sociedad; todas proporcionan, además, manifiestos desavenentes sobre los debates más acuciantes.

La composición de estas líneas hace que todas se singularicen por su inmediatez, su composición poéticamente bidireccional y por mostrar esa doble perspectiva que imbrica con el trabajo artístico. No corresponde aquí apelar a la necesidad de que el sector público apoye y promocione las expresiones artísticas, el arte (más efectivo en minúscula por la capacidad demostrada de arrimarse al espectador, observador e, incluso, partícipe) en todas sus formas, sino simplemente resaltar la capacidad del artista para generar nuevas miradas.

Siendo así, diferentes técnicas y temáticas componen este contorno que empieza a vislumbrase mediante fotografía, pintura, obra gráfica, escultura, instalación, y ante la necesidad de incluir el formato performance –una herramienta ya común–, toda una serie de videos y diversa documentación sobre esos restos que genera.

Artistas más consolidados se encuentran con otros emergentes y, de manera paritaria en la selección, se pueden ir rastreando algunas de las bases conceptuales: dificultades en los procesos de comunicación, contextos de crisis, críticas al sistema socioeconómico, imposibilidad de la imagen, cuestionamiento del papel tradicional de la mujer, la capacidad de artificación de los nuevos medios e, incluso, la utilización de métodos sociales aplicados.

Una colección que, rememorando los inicios del coleccionismo, poco tiene que ver con el deseo de mantener casi en secreto el tesoro acumulado. Un paradigma divulgado, globalmente heterogéneo, que se equilibra, tal y como le corresponde a nuestros días, con la individualista percepción del ser.

‘Aquestes coses que fem avui dia’ (2015), de Damià Jordà.

María Ramis

Este artículo fue publicado en MAKMA ISSUE #02, revista especial en papel con motivo del sexto aniversario de MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, en junio de 2019.

Madrid Gráfica 2020 ‘COVID EXIT’

Madrid Gráfica 2020 ‘COVID EXIT’
Convocante: Asociación Diseñadores de Madrid (DIMAD) y Ayuntamiento de Madrid
Dotación: no hay
Modo de presentación: online
Plazo de admisión: hasta el 15 de agosto de 2020

CONVOCATORIA DE CARTELES PARA EXPOSICIÓN EN MADRID

Los diseñadores tienen ahora una importante tarea social que cumplir.

Después del éxito de las anteriores ediciones de Madrid Gráfica, y en un año desafiante que requiere de mensajes de aliento, ánimo y responsabilidad, DIMAD y el Ayuntamiento de Madrid, con el apoyo del Foro de Empresas por Madrid, convocan a todas las diseñadoras y diseñadores gráficos a participar en la gran exposición temática de carteles de 2020, bajo el lema: Covid Exit.

Presenta tu diseño hasta el 15 de Agosto. Un comité profesional elegirá los 100 más creativos y originales que se mostrarán en la Central de Diseño – Matadero y en dos enclaves emblemáticos de la ciudad: la plaza de Oriente y Juan Goytisolo.

Qué es Covid Exit

El tema elegido para Madrid Gráfica en 2020 es el de la Nueva Normalidad tras la crisis de la COVID-19. Y ‘Covid Exit’ el lema inspirador, el contenido obligado y textual para los carteles expuestos.

La grave crisis humana y sanitaria provocada por el coronavirus, y la interrupción forzosa de toda la actividad económica y social en el mundo, ha puesto contra las cuerdas a gobiernos, instituciones, científicos y empresas y se ha convertido en un revulsivo global que deja tras de sí, además de millones de contagiados y cientos de miles de muertos, numerosas preguntas esenciales que reclaman respuesta, y que afectan a buena parte de las grandes certezas sobre las que está organizada nuestra vida política, nuestra actividad económica, y nuestra sociedad misma.

Pero como todas las crisis, ésta conlleva una oportunidad. Recomponer la normalidad perdida, supone entrar en un periodo de cambios. Un tiempo en el que se redefinirá qué parte de nuestra vida y de nuestra organización social se va a recuperar y qué parte estamos en riesgo de perder o debería ser conscientemente revisada. Sociólogos, pensadores, políticos, economistas, científicos…, y también diseñadores, reflexionan ahora sobre las debilidades mostradas durante la pandemia y las oportunidades abiertas.

El diseño gráfico es una profesión con una clara función social. Pero en momentos especiales, la gráfica debe demostrar la importancia de la mejor comunicación. Los carteles, específicamente, son una poderosa herramienta de transmisión de mensajes de forma eficaz y memorable, como dice el escritor norteamericano especializado en diseño gráfico, Steven Heller: “Los carteles siempre han desempeñado un papel en las emergencias de salud pública, en tiempos de guerra o en las epidemias” .

Los diseñadores tienen ahora una importante tarea social que cumplir. Llenar las calles con un mensaje de aliento, ánimo y responsabilidad a la vez. Haciendo que el diseño contribuya a recuperar la vida urbana, cultural y social, y el pulso económico de la sociedad, esencial para lograr una recuperación plena.

Necesitamos carteles que transmitan mensajes elaborados, bajo diferentes puntos de vista pero con un tema y un lema común: Covid Exit. Carteles que lleguen hondo, que sustituyan a las argumentaciones largas por mensajes sencillos y fuertes que a través del sentimiento, el sentido del humor o la fuerza gráfica, hagan pensar. Mensajes que lleguen a la vez al ojo, a la cabeza y al corazón.

Admisión

Cada participante podrá presentar solo un cartel y el lema ‘Covid Exit’ deberá figurar en el mismo. El contenido puede ser interpretado desde una perspectiva personal, social, política, crítica o cualquier otra que el autor considere oportuna.

El comité de selección podrá excluir aquellos trabajos que atenten de manera explícita contra derechos humanos fundamentales o que planteen algún tipo de discriminación de sexo, raza, religión…, o aquellos que estén sometidos a alguna denuncia por plagio.

Los carteles se podrán subir desde el 6 de julio hasta el 15 de agosto en el sitio web: www.madridgrafica.org

Todos los participantes deberán rellenar el formulario ‘Convocatoria Covid Exit’ en la web con sus datos.

Formatos

Los archivos deben enviarse en 2 versiones, ambos en formato vertical, con las siguientes características:

Alta

– PDF

– Tamaño: 120 x 161 cm

– Peso máximo: 15MB

– Color CMYK

– Resolución: 300 dpi

– Texto deberá estar trazado

Baja

– JPG Tamaño: 1526 x 2048 px

– Peso máximo: 800KB

– Color RGB

– Resolución: 72 dpi

Más información y formulario de inscripción

MAKMA

Arte a pie de calle

#MAKMAArtistas | MAKMA ISSUE #02
Salva Torres | José Luis Cueto Lominchar: Arte a pie de calle
MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, 2019
Sábado 8 de agosto de 2020

Lo ha llamado ‘Pura formalidad’. Y aunque la forma tiene mucho que ver con el modo de capturar la fascinante realidad atrapada desde un sexto piso –después un cuarto por razones de cambio de alquiler–, lo cierto es que José Luis Cueto la trasciende a poco que detengamos la mirada en sus encuadres. La pura formalidad de sus fotografías, que viene a ser prolongación de otras series relacionadas con esa misma captura de diversos gestos femeninos desde lo alto a pie de calle, lejos de ser un asunto meramente formal, por mucho que el título así lo pretenda, se convierte en trasunto de cosas mucha más hondas.

Páginas iniciales del artículo publicado en MAKMA ISSUE #02.

Y una de esas cosas es, sin duda, el deseo, de cuya insaciabilidad dio buena cuenta Sigmund Freud, siendo Jesús González Requena, en diversos artículos en la revista Trama y Fondo, quien mejor lo ha traducido al registro de los textos artísticos. Entre sus reflexiones cabe destacar su idea de que el deseo “está más allá del objeto, de su posesión siempre decepcionante”. Y si esto ocurre así es porque el deseo se funda en la imagen y algo de la imagen “escapa al orden de la información”, que es tanto como decir de esa pura formalidad aludida.

La forma que José Luis Cueto utiliza para ofrecer en imágenes el deseo insaciable de atrapar esos gestos femeninos, relacionados con detalles de obras pictóricas, fotográficas, escultóricas o cinematográficas, no hace más que subrayar ese anhelo, acotándolo. De ahí su “iconofilia”, que le lleva a estar “horas y horas viendo imágenes”. Horas interminables, como interminable es ese deseo, más bien pulsión escópica, que solo encuentra la paz precisamente en esa aprehensión de la imagen enmarcada en una serie a modo de relato.

“Frente a la simple alucinación de la posesión imaginaria del objeto de deseo, se levanta la articulación simbólica que elabora la pulsión y la convierte en deseo”, de forma que, “más que poseer el objeto”, termina contando “el hecho y el acto de recibirlo”, puntualiza González Requena. Cueto, que abrió esta colección titulada ‘Pura formalidad’, de entre las más de 30 que maneja, siempre en torno a detalles del cuerpo femenino capturados en su andadura cotidiana por la calle, canaliza esa pulsión escópica a través del deseo narrativo que finalmente contiene esa insaciabilidad visual.

Portada de MAKMA ISSUE #02, a partir de una de las obras del proyecto ‘Autocines’ (2019), de la fotógrafa Gala Font de Mora.

Diversos gestos y detalles del cuerpo femenino son enlazados con obras ilustres de la tradición visual del arte. En sus relaciones formales comparecen desde esculturas griegas a pinturas renacentistas (‘Diana Cazadora’, de la Escuela de Fontainebleau, o ‘El Salvador’, de El Greco) o barrocas (Rubens), pasando por otras más o menos contemporáneas (John Everett Millais, Jules Marey, René Magritte) e, incluso, cinematográficas (‘El perro andaluz’, de Luis Buñuel). Todas ellas asociadas a movimientos gestuales de la multitud de jóvenes que Cueto capta desde lo alto de su ventana.

“El arte tiene una dosis de amoralidad”, sostiene el artista, que compagina su actividad creativa con las clases en la Universitat Politècnica de València, de la que es vicerrector de Cultura. Amoralidad ligada a una pulsión cuya energía desbordante corre el peligro de aniquilar el goce estético. Salvo que se transforme en deseo por vía de la narración y el más productivo relato, que es lo que hace José Luis Cueto Lominchar, al que nuevas series le aguardan.

Arte, José Luis Cueto
Composición de fotografías de José Luis Cueto en equilibrio comparativo con diversas obras de referencia en la historia del arte.

Salva Torres

Premio Internacional de Carteles MAKMA al MuVIM

Convocante: MAKMA
Dotación: 7.000 euros
Modo de presentación: online
Plazo de admisión: hasta el 31 de julio de 2020

Premio Internacional de Carteles MAKMA al MuVIM
Comunicación/ Incomunicación

El cartel como mapa y territorio ilustrado de las contradicciones humanas

Comunicar, anunciar, instruir, notificar, manifestar, transmitir. Incomunicar, ocultar, omitir, boicotear, enmudecer. Dos polarizadas temáticas tan antagónicas como radicalmente contemporáneas, a partir de las que reflexionar acerca del individuo y su entorno íntimo, social, cultural y político. Entorno sacudido (las circunstancias obligan) por una pandemia que este año nos ha forzado al confinamiento en casa. Es ahí, entre las cuatro paredes de nuestros hogares, donde más se ha puesto en evidencia la necesidad de comunicarnos, al tiempo que sufríamos la incomunicación. No es oportunismo, sino la oportunidad por antonomasia para reflexionar en torno a tan áspera experiencia, que nos ha conmovido a todos obligándonos, más que nunca, a repensar nuestras formas de vida. El cartel, que viene de muy lejos, se antoja como una de las mejores formas para sintetizar las múltiples contradicciones que nos asolan hoy en día.

Bases

MAKMA Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea convoca la primera edición del Premio de Carteles, con el lema ‘Comuniación/Incomunicación. El cartel como mapa y territorio ilustrado de las contradicciones humanas’, cuya exposición tendrá lugar en el MuVIM, Museu Valencià de la Il·lustració i de la Modernitat.

  1. La convocatoria está abierta a cualquier persona, tanto a título individual como colectivo, sin límite de edad y con las restricciones e incompatibilidades previstas en la legislación vigente.
  2. Los carteles deben ser inéditos, específicos y adaptados a los requisitos técnicos y temáticos que se indican en las presentes bases. Cada participante podrá presentar hasta tres propuestas diferentes.
  3. Los carteles podrán realizarse empleando cualquier técnica o procedimiento pictórico, fotográfico, digital o mixto. En cualquier caso, todos los carteles se reproducirán en papel, dentro de un formato 50 x 70 cm. con orientación vertical.
  4. Para su valoración por parte del jurado, se enviará un archivo en formato JPG con un volumen no superior a 5 MB. En caso de resultar seleccionado, se requerirá el archivo en alta resolución para su reproducción.
  5. Los archivos se enviarán hasta las 23:59 h. del 31 de julio de 2020 por correo electrónico a convocatorias@makma.net indicando: nombre, apellidos, dirección, teléfono, correo electrónico y fotocopia del DNI, pasaporte, tarjeta de residencia u otro documento legal de identificación.
  6. Los carteles seleccionados formarán parte de una exposición que tendrá lugar en el MuVIM a finales de 2020, con posterioridad a la finalización de la pandemia. Las propuestas premiadas se darán a conocer con ulterioridad a la apertura del museo.
  7. El jurado estará formado por profesionales de reconocido prestigio en el ámbito del diseño, las artes visuales y la cultura contemporánea. Su composición se comunicará tras la deliberación.
  8. Se otorgará un primer premio dotado con 5.000 euros, y dos accésit de 1.000 euros cada uno.
  9. La participación en esta convocatoria implica la aceptación de las presentes bases. El fallo del jurado será inapelable.
  10. Los autores/as tanto del cartel premiado como de los accésit cederán a MAKMA y al MuVIM los derechos de reproducción y comunicación pública del mismo.
  11. MuVIM y MAKMA recibirán una copia firmada, cada uno, de la obra premiada.

FAQ Preguntas frecuentes

¿Tiene que figurar en el cartel el lema ‘Comunicación/Incomunicación. El cartel como mapa y territorio ilustrado de las contradicciones humanas’?
No es necesario. El lema, su subtítulo y el texto introductorio de las bases son la referencia conceptual y temática para crear el contenido del cartel, pero no es necesario que figuren en su composición. De ser obligatorio, se hubiera incluido en las bases un epígrafe específico con las indicaciones pertinentes.

¿Debo incluir los nombres de MAKMA, el MuVIM o sus logotipos?
No, tal y como se indica en las bases, no se requiere la inclusión de estos elementos.

¿Puedo presentar un cartel en horizontal?
No, en las bases se indica la obligatoriedad de la orientación vertical.

¿Es necesario enviar el archivo original en PDF?
No, en la fase de selección de propuestas solo se ha de enviar una imagen JPEG para su valoración por parte del Jurado.

¿Si mi imagen es demasiado pesada para ser enviada por e-mail, puedo recurrir a plataformas como WeTransfer?
No, el tamaño máximo admitido del archivo JPEG es de 5MB y su envío es exclusivo por correo electrónico a la dirección convocatorias@makma.net

¿Podemos presentarnos como colectivo?
Sí, es posible presentarse como colectivo. En este caso deberá adjuntarse los datos personales de todas las personas integrantes: nombre, apellidos, dirección, teléfono, correo electrónico y fotocopia del DNI, pasaporte, tarjeta de residencia u otro documento legal de identificación.

6é Premi Culturama

Convocante: Culturama
Dotación: 1.000 euros
Modo de presentación:
Plazo de admisión: hasta el 12 de agosto de 2020

Culturama convoca el 6º Premio Innovación Social en Juventud, un premio dirigido a jóvenes con propuestas basadas en procesos de empoderamiento ciudadano activo que usen como herramienta la creatividad e incluyan buenas prácticas en el ámbito sociocultural. 

Un convocatoria dirigida a premiar, visibilizar e impulsar proyectos del ámbito de la juventud que integran las buenas prácticas y contribuyen  a mejorar nuestra realidad.

Organiza: Culturama.
Con la colaboración de la Direcció General de Joventut del IVAJ, el Área de Juventud y Deportes de la Diputación de València, la Concejalía de Juventud del Ayuntamiento de Valencia, el Área de actividades culturales de la Universitat Politècnica de València VACE, el Consorcio Xarxa Joves.net, Consell Valencià de la Joventut y de la Associació de Professionals de Joventut de la Comunitat Valenciana.

Ya está abierto el plazo de recepción de proyectos para la 6ª edición del Premio Culturama Innovación Social en Juventud, una convocatoria que surge para apoyar proyectos con carácter innovador en el ámbito juvenil que basen su desarrollo en la cultura contemporánea para provocar cambios en la realidad social.

Esta sexta edición, que celebra a su vez los veinticinco años de creación de la empresa organizadora, Culturama, quiere incidir en aquellas propuestas dirigidas a potenciar estrategias de inclusión para colectivos que se enfrentan a situaciones de desigualdad o discriminación.

La convocatoria, abierta hasta el 12 de agosto a las 14h, culminará con una jornada de presentación pública de los proyectos finalistas y la entrega del premio, dotado con 1.000 €, en un acto que tendrá lugar el próximo día 25 de septiembre en el Espai Jove VLC. Posteriormente se publicará un libro en el que se recojan las experiencias más destacadas de la edición.

Culturama, como empresa profesional de la mediación cultural y del ocio educativo, tiene la voluntad de contribuir a destacar ideas que generen espacios de reflexión y discusión que mejoren el contexto social así como establecer redes de colaboración entre las entidades públicas que trabajan en el ámbito de la juventud. El Premi Culturama, iniciativa ya consolidada como una de las convocatorias de referencia para proyectos de innovación cultural en España ha permitido desde su origen, en el año 2010, mapear en tiempo real las iniciativas de juventud innovadoras que se han puesto en marcha en diferentes lugares del territorio español. Formando parte de las acciones que la empresa lleva a cabo para respaldar iniciativas innovadoras con alto potencial de compromiso social, desarrolladas por personas físicas, o jurídicas, sin ánimo de lucro, la convocatoria, asimismo es una herramienta para difundir proyectos en los que  la cultura se convierta en un valor esencial de progreso y para crear redes de colaboración entre entidades con intereses comunes. 

CULTURAMA SL

Culturama SL es una empresa que inicia su actividad profesional en el año 1995 con sede social en el municipio de Mislata.

Su proyecto empresarial tiene como premisa facilitar el desarrollo de servicios socioculturales y de ocio educativo a entidades públicas y privadas. Culturama desarrolla iniciativas de formación y educación, propuestas expositivas, estudios de público en museos, organiza ferias y eventos, coordina programas internacionales y aboga por una cultura implicada, el ocio creativo y el desarrollo comunitario.

Su planteamiento de empresa se fundamenta en la participación como agente activo en la creación de un modelo de sociedad más justa y solidaria, y por ello ha desarrollado su plan de Responsabilidad Social Empresarial con el que generar un diálogo con el entorno social a través del cual poder ofrecer respuestas y herramientas adecuadas y lo pone en práctica, entre otras acciones, convocando el Premio Culturama a la innovación social en juventud.

Información y bases completas: www.culturama.es / premi@culturama.es / tel. 963 799 473

Más información:
Culturama – info@culturama.es / tel.: 963 799 473  – www.culturama.es


Premis Alfons Roig 2020

Convocante: Diputació de València
Dotación: 40.000 euros en total
Modo de presentación: envío de dossier
Plazo de admisión: hasta el 29 de julio de 2020

L’Àrea de Cultura de la Diputació de València convoca dues modalitats per al Premi Alfons Roig 2020.

Alfons Roig (1903-1987) ha sigut un referent per a la Diputació de València. Persona vinculada a la pròpia corporació, a més de ser un crític actiu i excel·lent coneixedor de les realitats del món de l’art, i donant d’una magnífica col·lecció d’obra contemporània.

El premi Alfons Roig de la Diputació de València es va crear com a homenatge a aquesta figura capdavantera en la modernització del país, promotor de l’interés social envers el pensament i l’art contemporani.

L’edició 2020 aporta una substancial novetat, la d’instaurar una doble modalitat del premi. 

El Premi Alfons Roig a la trajectòria artística, amb una dotació de 22.500 euros, estarà orientat a reconèixer aquelles persones amb una dilatada carrera en el camp de les arts artístiques i visuals.

Bases:

El Premi al projecte artístic, amb una dotació de 17.500 euros, tractarà d’impulsar aquell artista que presente un projecte a realitzar i que convoque l’aprovació d’un jurat especialitzat.

De conformidad con lo previsto en los artículos 17.3 b) y 20.8 a) de la Ley 38/2003, de 17 de noviembre, General de Subvenciones, se publica el extracto de la convocatoria cuyo texto completo puede consultarse en la Base de Datos Nacional de Subvenciones (https://www.pap.hacienda.gob.es/bdnstrans/ge/es/convocatorias)

Primero. Beneficiarios:
El premio solamente podrá ser otorgado a un/una artista en el ejercicio
actual de su tarea profesional y artística. El premio reconocerá la prometedora carrera profesional y la obra del/de la galardonado/ a.
Las personas candidatas al premio serán artistas valencianos/as, que tengan la vecindad administrativa en cualquiera de los municipios de la Comunitat Valenciana, según lo dispuesto en el artículo 3 del Estatut d´Autonomia de la Comunitat Valenciana y el artículo 14 del Código Civil.
También podrán ser candidatas al premio las personas que, sin cumplir lo anterior, acrediten una de las siguientes circunstancias:
a) Haber cursado un mínimo de 120 créditos o equivalente en estudios superiores de cualquier Universidad pública de la Comunitat Valenciana.
b) Haber realizado un mínimo de una exposición individual en cualquier galería de arte, casa de cultura o centro expositivo de la Comunitat Valenciana.
Los/las solicitantes deberán presentar un dosier, con un proyecto artístico inédito que pueda ser desarrollado por el/la premiado/a, si la Diputación de Valencia decide producir una exposición que desarrolle dicho proyecto.

Segundo. Objeto
El objeto de este Premio es otorgar una dotación económica en reconocimiento del especial interés del proyecto artístico que resulte ganador con la finalidad de dar a conocer y difundir la obra de un artista emergente dentro del ámbito de las artes plásticas y visuales
valencianas.
La Diputación de Valencia podrá en el año 2021 producir una exposiciónque desarrolle el proyecto artístico que resulte premiado, con la colaboración del/de la artista.

Tercero. Bases reguladoras.
La Ordenanza General de Subvenciones (OGS) de la Diputación de Valencia, aprobada por acuerdo de Pleno de 28 de marzo de 2017 y publicada en el Boletín Oficial de la Provincia de Valencia (BOP) núm. 101, de 29 de mayo de 2017.

Cuarto. Dotación económica
El Premio Proyecto Alfons Roig tendrá dotación económica de 17.500 euros. Este premio está sujeto a la retención correspondiente del Impuesto sobre la Renta de las Personas Físicas (IRPF).

Quinto. Jurado
El Premio Alfons Roig al Proyecto Artístico será otorgado por un jurado compuesto por personas de reconocida trayectoria y experiencia en el ámbito de las artes visuales, y nombrado por el diputado que ejerce las competencias en materia de cultura.

Sexto. Financiación.
La financiación del gasto derivado de la concesión, en régimen de concurrencia competitiva, se imputará a la siguiente aplicación presupuestaria: Aplicación Presupuestaria 301 334.07 481.00 Importe: 17.500 euros.

Séptimo. Forma, plazo y lugar de presentación de los proyectos artísticos.
Las solicitudes junto a la documentación adicional requerida, se presentarán en el plazo de 30 días hábiles a partir del día siguiente a la publicación del extracto de convocatoria en el BOP. Las solicitudes se dirigirán al Presidente de la Diputación y se podrán presentar por los siguientes medios: En la carpeta ciudadana de la Sede Electrónica de la Diputació de València (www.sede.dival.es), En el Registro General de la Diputación de Valencia (Palacio de la Batlía, calle Serranos, núm. 2, 46003 Valencia), o en los lugares que determina el artículo 16 de la Ley 39/2015 de 1 de octubre, del Procedimiento Administrativo Común de las Administraciones Públicas.
En las solicitudes se declarará responsablemente que la persona no está incursa en ninguna de las prohibiciones para obtener la condición de beneficiaria, previstas en el art. 13 de la Ley 38/2003, de 17 de noviembre, General de Subvenciones (LGS) y en el art. 6 de la OGS.

Octavo. Documentación a aportar
Las candidaturas al Premio al Proyecto Alfons Roig 2020 tendrán que presentar un dosier, en los términos establecidos en la convocatoria.

Más información y bases completas

Fragments y el paisaje urbano de Markel Redondo

IV Beca Fragments | Markel Redondo
Unió de Periodistes Valencians
Viernes 12 de junio de 2020

La Unió de Periodistes Valencians ha otorgado al fotógrafo Markel Redondo la IV Beca Fragments para la producción de un ensayo fotográfico destinado a investigar la transformación del territorio de la Comunitat Valenciana a través del paisaje.

Según ha explicado el autor en su propuesta, viajará “por todo el territorio con el fin de establecer un relato contemporáneo de los paisajes afectados por el urbanismo brutal entre la década de los 90 y los 2000, poniendo especial atención a las zonas del litoral”.

Fotografía de Markel Redondo. Imagen cortesía de la Unió de Periodistes Valencians.

El objetivo final, tal y como ha señalado Redondo, es el de documentar los efectos que producen el desarrollismo urbano, el turismo y la desertización tanto en el paisaje como en los habitantes. “Espero que el proyecto sirva también para reflexionar sobre el tipo de entorno y el tipo de turismo que queremos”, ha afirmado, al tiempo que ha cuestionado “si buscamos un turismo de masas que busca sol, golf y fiesta o un turismo sostenible que respete el medio ambiente y sea coherente con el entorno y el resto de habitantes”.

Markel Redondo (Bilbao, 1978) es graduado en fotografía y vídeo por la Universidad de Bolton (Reino Unido). Completó sus estudios en China con un máster en fotoperiodismo. Ha colaborado para varios medios internacionales y estatales como Time, New York Times, Le Monde, Stern y El País Semanal, entre otros. Actualmente está representado por Panos Pictures y desde 2018 es operador de drones habilitado por AESA en España. Ha participado en diferentes exposiciones y festivales como, Getxophoto, DOCfield Barcelona, Singapore International Photo Festival, Angkor Photo festival y Guernsey Photo Festival.

Fotografía de Markel Redondo. Imagen cortesía de la Unió de Periodistes Valencians.

El ganador de la cuarta edición de la beca dispondrá de un año para realizar su proyecto, con un presupuesto de 6.000 € en honorarios y un mínimo de 9.000 € para la producción de una exposición y un fotolibro. Fragments, con la coorganización de la Generalitat Valenciana, la colaboración del MuVIM y del Área de Cultura de la Diputación de Valéncia, y el compromiso y patrocinio de Aguas de Valencia, es un proyecto cultural compuesto por una beca de producción, un proyecto expositivo, un proyecto editorial y un programa de actividades que reflexionan sobre el periodismo gráfico.

Detalle de una las fotografías de Markel Redondo. Imagen cortesía de la Unió de Periodistes Valencians.

MAKMA