XXV PREMIO DE PINTURA “CIUTAT D’ALGEMESÍ”

  • Convocante: Ajuntament d´Algemesí
  • Dotación: 6.000 euros
  • Modo de presentación: primera fase online
  • Plazo de admisión: hasta el 23 de noviembre de 2019

Bases XXV PREMIO DE PINTURA “CIUTAT D’ALGEMESÍ”

  1. Se establece un premio de 6.000 euros que será indivisible y se podrá declarar desierto.
  2. El jurado se reserva el derecho a sugerir la adquisición de más obras, en calidad de accesitos. A este efecto, regirá la valoración económica de la obra, que presentará el autor junto a la documentación que se le solicita más abajo.
  3. Será condición indispensable que las obras presentadas sean únicas y originales y que no hayan sido premiadas con dotación económica en ningún otro concurso. El tema y la técnica serán totalmente libres y no se admitirán trabajos protegidos con vidrios o realizados con materiales cuyo transporte y manipulación presenten un riesgo para la integridad de la obra.
  4. Cada autor podrá presentar un máximo de dos obras, las medidas de las cuales no serán inferiores a 100 cm ni superiores a 200 cm por cada lado. Las obras no deben ir firmadas.
  5. La obra premiada pasará a ser propiedad exclusiva del Ayuntamiento de Algemesí, el cual, como propietario, podrá reproducirla siempre que lo considere necesario en cualquier tipo de apoyo o técnica (fotografía, litografía, grabado, etc.).
    Las obras se presentarán en el registro telemático que habilitará el Ayuntamiento a la página web: http://premipintura.algemesi.net. La resolución mínima será de 3 megapíxeles y el tamaño máximo del archivo de 5MB y en formato .jpg. Se indicarán los datos de la obra y del autor (del autor: nombre y apellidos, DNI, dirección y teléfono; de la obra: título, año, técnica y medidas). El plazo de admisión de las obras en formato digital será del 28 de octubre al 23 de noviembre de 2019 a las 13 horas. El jurado no conocerá el nombre de los autores de las obras hasta haber emitido su veredicto definitivo. Una vez analizadas las obras enviadas en este formato, el jurado realizará una primera selección de 30 obras y convocará a los seleccionados para que realicen el envío físico de las obras.
    Los concursantes seleccionados podrán entregar las obras personalmente, debidamente embaladas, o por agencia mediante portes pagados con embalaje de cartón o caja de madera a la dirección siguiente:
    Sala de Exposiciones Municipal
    Casino Lliberal
    C/ Muntanya, 24
    46680 Algemesí
    Gestor: Álex Villar – exposicions@algemesi.net
    Los concursantes seleccionados aportarán un currículum, una fotocopia del DNI o pasaporte, que entregarán cuando registren las obras; y un sobre acotado con el nombre del autor, el título de la obra y su valoración económica.
    El jurado, la composición del cual se dará a conocer en su momento, realizará una selección de las obras finalistas entre las que se determinará la ganadora. Además, se elaborará un catálogo con todas ellas y se organizará una exposición. Por ello, los participantes cederán el derecho de reproducción de las obras para el catálogo que editará el Ayuntamiento y prestarán la obra seleccionada para la exposición, que tendrá lugar entre los meses de enero a marzo de 2020. Además, se comprometen a no recogerla hasta el final de la muestra.
    Los listados de seleccionados, el veredicto y la fecha del acto oficial de entrega de los premios se harán públicos en la web municipal del Ayuntamiento de Algemesí www.algemesi.es.
    Las obras presentadas y no seleccionadas podrán ser retiradas a partir de los 15 días posteriores a la publicación del veredicto del jurado. Lo podrá hacer el autor o una persona autorizada, personalmente, entregando el justificante de registro sellado en el momento de entrega de la obra. Transcurridos 30 días desde la publicación del veredicto, si no se recoge se entenderá que el autor renuncia a su propiedad y quedará al poder del Ayuntamiento. La entidad organizadora devolverá las obras seleccionadas para la exposición por el mismo sistema de embalaje en que las recibió.
    El Ayuntamiento velará por la conservación de las obras inscritas, pero no se responsabiliza de los desperfectos y las pérdidas que se ocasionen por transporte, robo, incendio, etc. mientras estén en su poder.
    El Ayuntamiento se reserva el derecho a realizar las modificaciones pertinentes en estas bases siempre que considere que puede contribuir a un mejor desarrollo y al éxito del certamen.
    La participación en este premio supone la aceptación íntegra de estas bases.
    Las decisiones tomadas por el comité de admisión y por el jurado serán inapelables.

Más información

Imagen de portada: «Museum Hall II (Purple)», 2017, de Pedro Peña Gil. Técnica mixta, serigrafí­a con tintas UVI y resina epoxi pigmentada sobre madera lacada, 180 x 180 cm, primer premio en la pasada edición

XXII Mostra art públic / universitat pública

XXII Mostra art públic / universitat pública
del 30 de septiembre al 31 de octubre de 2019
Campus de Burjassot

Organiza: Servei d’Informació d’Estudiants de la Universitat de València  
Colabora: Vicerrectorado de Cultura y Deportes de la UV
Comisariada por Alba Braza

Artistas:

Salva Serrano
Valentina Lapolla
M.I.D.A.S. (Iván Albalate i David Trujillo)
Raquel Planas Díaz de Ceiro
Anja Krakowski
Äther Studio (Audrey Lingstuyl i Michael Urrea)

Otro año más el campus de Burjassot de la UV vuelve a ser un lugar de experimentación y producción de arte contemporáneo. Desde su primera edición, Mostra art públic / universitat pública, ha querido mostrar cómo el espacio público puede generar nuevas capas de contenido a la obras una vez estas establecen un diálogo con el contexto. Se suma desde hace dos ediciones un nivel más de información en cada trabajo, una vinculación con la ciencia que no sólo potencie discursos abordados desde el campo de la crítica y teoría actual, sino que refuerce la calidad y coherencia entre el proceso de producción e imagen final de la obra.

Para ello, la convocatoria invita a las artistas a producir mirando al entorno en el que se situará cada obra, dando un paso más desde lo físico y formal para abarcar las inquietudes y prácticas propias de las ciencias. Además, se ha puesto en marcha en esta nueva edición un curso dirigido a formar a un grupo de estudiantes reforzando una de las líneas de trabajo del SEDI, formar al estudiantado en otras materias más allá de las específicas de los estudios matriculados.

Salva Serrano, Herbes algorítmiques

En este edición se ubican dos obras en el espacio exterior, dos en el Museo de Historia Natural de la UV y otras dos en dependencias de la universidad, y se ofrece con ello un recorrido que abarca obras que van desde lo digital a lo natural.

En el jardín exterior del Centro de Investigación se sitúa Herbes algorítmiques, de Salva Serrano. Se trata de una instalación que busca homenajear la larga tradición científica y artística de inspiración en las plantas, a partir de la construcción de un jardín artificial formado por siete especies vegetales generadas computacionalmente mediante el empleo de algoritmos recursivos (L-Systems) y la aplicación de proporciones geométricas (Regla de Leonardo). El proyecto explora la arborescencia como lugar de encuentro entre arte y ciencia, desdibujando la frontera entre estos dos campos y cuestionando las caducas dicotomías natural/artificial, orgánico/digital y naturaleza/cultura. El nombre de la obra hace referencia a la Cátedra de Herbes de la Universitat de València, vinculada a la fundación del Jardí Botànic y una de las más antiguas de la institución.

Äther Studio, Oscuridad visible

También en la zona exterior del campus, Äther Studio propone Oscuridad visible, una instalación compuesta por una impresión en PVC y vinilo recortado. La obra parte de la idea de que el tratamiento mediático de la contribución de las mujeres en diversos campos científicos ha estado históricamente marcado por dos aproximaciones, la invisibilización y el sensacionalismo. Los méritos científicos de mujeres como Mileva Marić o Katharine Burr Blodgett son directamente ocultados u olvidados, mientras que la difusión de los de mujeres como Jane Goodall viene acompañada de adjetivos como “joven”, “bella”, “hermosa”, “rubia”, “cuello de cisne”… Ambas aproximaciones peligrosamente oscurecedoras.

Oscuridad visible propone explorar la invisibilización u ocultación de las científicas a lo largo de la historia poniendo en evidencia su contribución en el campo del procesamiento de imágenes astronómicas. Para ello las artistas han seleccionado una imagen capturada y procesada por el Observatorio Astronómico de la Universitat de València, la cual posteriormente se ha intervenido mediante procesadores de texto sustrayendo las letras de los nombres de las científicas que forman parte del Departamento de Astronomía y Astrofísica. Finalmente han  obtenido una nueva imagen defectuosa —con efecto glitch—. La obra ha sido producida con la colaboración y el asesoramiento del personal del Departamento de Astronomía y Astrofísica, del Observatorio Astronómico y del Laboratorio de Procesado de Imágenes LPL de la Universitat de València.

Valentina Lapolla, YPJ – Jineology

Dentro del Museo de Historia Natural se sitúa YPJ – Jineology de Valentina Lapolla, en la sala del Meteorito y Ety/ento –mology de Raquel Planas Díaz de Cerio, en un antiguo armario de madera que formaba parte del mobiliario original de la antigua facultad de químicas y que hoy forma parte del Museu de la Universitat de València de Historia Natural.

YPJ – Jineology es una una instalación lumínica que pone en cuestión el modo de narrar de las ciencias sociales occidentales a través de un caso real creado en el contexto de la Universidad de Rojava, Siria, denominado Jineología.
La Jineología es una “ciencia de las mujeres y la vida libre», una forma de pensamiento que parte de de las mujeres combatientes del norte de Siria. La palabra se originó a partir de los términos kurdos Jin (mujeres), Jian (vida) y logos, palabra de origen griego que significa conocimiento. Dicha disciplina considera a las mujeres como el primer sujeto colonizado, un punto de partida con el que hacen una relectura del mundo que señala cómo la ciencia y el conocimiento, junto con las estructuras políticas, económicas y sociales, están sesgados por la estructura de poder de dominación sobre las mujeres subyacentes.
Analizar la Jineología (en el sentido foucaultiano) de las relaciones de poder entre hombres y mujeres, y en continuidad con los esfuerzos, la lucha y los logros del feminismo occidental, significa dar un paso más al afirmar la necesidad de construir una alternativa a través de la práctica, y no simplemente haciendo demandas.
Situar la obra en la sala del Meteorito del museo, lugar donde se reúnen conceptos como son inicio del mundo, museo y universidad, enfatiza la invitación a reflexionar sobre colonialismos y otros feminismos a través del software desarrollado específicamente que pone luz a la instalación.

Raquel Planas Díaz de Cerio, Ety/ento –mology

Ety/ento –mology es un ejercicio visual que traslada metodológicos del campo científico a la práctica artística. Así, el planteamiento de la obra parte de un acercamiento a la entomología y a la taxonomía para aplicarlo al lenguaje de la palabra escrita. Dicha traslación se formaliza en cinco cajas de coleccionista en las que se acumulan conceptos codificados y archivados que buscan evidenciar que estamos ante un discurso sujeto a una sociedad y a una historia concreta. 

Actualmente nombramos, definimos y clasificamos para intentar conocer y comprender el mundo a nuestro alrededor, un mundo que se ha diseccionado y parcelado en palabras para intentar abarcarlo. El lenguaje, entendido como discurso, se desarrolla dentro de las reglas culturales de la sociedad asimilando sus valores y juicios. Este mismo lenguaje nos proporciona el sistema de categorías con el que interpretamos la realidad, formando nuestra identidad individual y colectiva. Por esto, esta suerte de palimpsestos prueba a buscar estrategias de narración visual para situar al saber y al discurso como objeto de interrogación. (Producida con la colaboración y el asesoramiento del personal del Museo [UV] Historia Natural de la Universitat de València.)

Dentro de las dependencias de la universidad, se encuentra Artefacto (beyound us), de Anja Krakowski y My Identity Disclosed Art Space, de M.I.D.A.S. (Iván Albalate y David Trujillo).

Artefacto (beyound us) es una pieza escultórica reticular basada en los elementos estructurales de las ramificaciones radiculares del micelio. El proyecto se inspira en la La Teoría del Actor-Red (ANT), cuya importancia radica en que trata lo tecnológico en la explicación del mundo, de un modo equivalente a la manera en que se trata lo social, es decir considerando el conocimiento como una construcción en red en la que intervienen múltiples agentes y donde no se distingue entre humano y no-humano. La artista, en lugar de domesticar o de someter la fuerza orgánica, cede el protagonismo a los procesos y los tiempos de la naturaleza.

Anja Krakowski, Artefacto (beyound us)  

Se confronta una estructura geométrica estable con un procedimiento orgánico inestable: construyendo a partir del micelio se permite que el propio “agente” esté siendo representado, a la vez que interviene de un modo activo en su propia representación -más allá del control de la propia artista.

Artefacto (beyound us) podría funcionar como una metáfora que propone la superación de la noción de progreso como la línea temporal que define nuestra contemporaneidad y que en su lugar pone la atención en otras temporalidades coexistentes. Señalando a las “otras agencias” que intervienen en el proceso creativo, abogaríamos por el reconocimiento de lo que Donna Haraway llama  otredades significantes que son todas las agencias con todas sus formas de vida y sus diferentes temporalidades que en su coexistencia configuran el mundo tal y como es.

M.I.D.A.S, My Identity Disclosed Art Space

Finalmente, My Identity Disclosed Art Space es una obra interactiva que tiene como objeto evaluar cuál es la configuración psíquica del público mediante una experiencia que conecta con cuestiones que constituyen nuestra propia identidad.
Formalmente la obra rescata la estética de las máquinas Arcade popularizadas en los años ochenta reforzando el aspecto lúdico de la interacción. Su estructura de jugabilidad se basa en una ecuación matemática específica y una programación informática (lenguaje Python) que permiten al usuario/público quedar expuesto a una carga de información visual y auditiva de gran intensidad perdiendo como consecuencia la capacidad de respuesta racional y accediendo su inconsciente.
En ese lapso experiencial, cuya duración es de once minutos, se invita a responder a diferentes cuestiones ubicadas en una pantalla y, dependiendo de las respuestas elegidas, la ecuación matemática calcula las posibilidades de respuesta generando un lógica dentro del caos. El resultado obtenido ubica a dicho sujeto interactivo en un rango particular que puede ser traducido en términos peirceanos, ubicándose su estructura psíquica en un cuadrante del diagrama de Peirce. 

Para ello se parte del concepto de paradoja condicional, es decir, aquella paradoja que funciona si se hacen ciertas suposiciones, la más conocida es la de El huevo o la gallina: El antiguo dilema sobre qué fue primero, ¿el huevo o la gallina? Que en Arcade se transforma en ¿qué es antes, la estructura psíquica o las tomas de decisiones? 

Así, la obra integra cuatro cuestiones fundamentales en la relación arte y ciencia: el arte como interfaz para una comprensión del mundo más objetiva, la ciencia, y en concreto la matemática, como reguladora de eventos a priori caóticos, el entretenimiento como medio para el avance en el conocimiento humano y el autoconocimiento y el terreno académico como contexto transgresor de sus propios límites heredados.

Las obras podrán verse hasta el próximo 30 de octubre y se recogerá en una publicación que será presentada próximamente.


Créditos imágenes: Miguel Lorenzo
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Panayiotou y los límites de la marginación

‘Act II: The Island’, Christodoulos Panayiotou
Camden Arts Centre, Londres
Hasta el 5 de enero de 2020

El Camden Arts Centre, situado en el epicentro del barrio de Hampstead, en Londres, acoge la mayor exposición de Christodoulos Panayiotou en Reino Unido. En la muestra confluyen además de sus últimos trabajos, algunas de las obras realizadas en la última década y otras nunca vistas por el público inglés. Sin duda, una propuesta atrevida y atractiva que desde el 27 de septiembre de 2019 lleva recibiendo a un gran número de visitantes, que se aproximan a sus instalaciones con curiosidad y asombro, para participar del diálogo que las obras de Panayiotou establecen con el visitante, interpelándolo para reflexionar sobre todo aquello que negamos, lo marginal o pasado por alto. Aquello único y, al mismo tiempo, imperfecto.

Fachada principal del Camden Arts Centre. Fotografía: Andrés Herraiz.

Nacido en 1978 en Limassol, Chipre, Christodoulos Panayiotou ha realizado su obra entre París y Limassol. Su meteórica carrera profesional lo llevó en 2015 a la quincuagésimo sexta edición de la Bienal de Venecia como representante del pabellón nacional de Chipre. Entre sus exposiciones en solitario se encuentran la realizada en 2017 para la Casa Luis Barragán en México o la elaborada en Kitakyushu, Japón, en el mismo año, pasando por exposiciones en Estados Unidos (2012), Estocolmo (2013) o Bangladesh (2018), llegando hasta ‘Act II: The Island’, exposición que el artista presenta al mismo tiempo que ‘Dying on stage: chapter one, two and three’, actualmente en el Musée D’Orsay de París.

La obra de Christodoulos Panayiotou aúna tradición y vanguardia, adueñándose de cada superficie del Camden Arts Centre, transformando sus espacios e invitando al espectador a participar en una “yincana artística” donde las obras le interrogan y, a través de la cual, se aventura sobre mosaicos de inspiración greco-latina, pasando por improvisadas fontanas, zapatos de confección artesana y algún que otro cuarto invadido por las tinieblas, donde se proyectan juegos de fotografías tomadas por el artista, generando diálogos personales que satisfacen el placer escópico del visitante.

‘Bastardo’, obra de Christodoulos Panayiotou. Fotografía: Andrés Herraiz.

Sin duda, una de las obras que primero impactará al visitante será el imponente bloque de mármol que el artista adquirió directamente de la cantera de donde se extrajo y que, posteriormente, singularizó con la palabra ‘Bastardo’. A través de este sugerente título, el artista nos invita a repensar nuestra escala de valores y, para ello, remite al sistema de catalogación de los bloques marmóreos cuando estos son adquiridos. Improntados con marcas que verifican su calidad, procedencia y destino, Panayiotou subvierte este canon y rubrica con espray la pieza como espuria, poniendo, así, de relieve la impureza y lo imperfecto del material, motivo por el cual fue rechazado en su origen.

De lo sólido a lo fluido, la reflexión en torno a la practicidad en los límites de la marginación continua más allá de la pieza marmórea para acontecer en los márgenes de la fuente improvisada, que Christodoulos Panayiotou ha dispuesto en la sala número dos del Camden Arts Centre. Bajo el título prestado del dramaturgo Bertolt Brecht, ‘L’Achat du cuivre’ (‘The Price of Copper’), reflexiona en torno al valor añadido de las cosas. En su obra ‘Messingkauf Dialogues’ Brecht narra la historia de un hombre que se adentra en una tienda de instrumentos musicales, mostrando especial interés en una de las trompetas expuestas. Para el cliente, quien admite que no sabe ni tiene interés en aprender a tocar la trompeta, el precio del instrumento le parece bajo, mostrando tan solo atención al metal del cual esta compuesto. Con ello el relato del escritor alemán versa, al igual que la fontana de Panayiotou, sobre el valor añadido que el individuo infunde sobre los objetos, tan recurrente en el mundo del arte. La instalación, compuesta únicamente por una hoja de cobre en su estado más puro y una simple manguera, cobra un sentido totalmente diferente dependiendo del momento en que la visitemos. Si el agua corre por la superficie atezada de la pieza, esta será una fuente, mientras que en el momento que el agua deje de manar, tan solo una simple hoja de cobre.

‘The Price of Copper’, instalación de Christodoulos Panayiotou . Fotografía: Andrés Herraiz.

Texturas y materiales se dan cita en las diferentes salas del Camden Arts Centre, pasando de lo inhóspito a lo cotidiano, como atestigua la instalación ‘Independence Street’El artista irrumpe sobre el espacio museístico trayendo consigo los antiguos postes que conducían la electricidad en una de las calles más transitadas de su ciudad natal. Desechados y sustituidos por los actuales, los cinco pilares lígneos fueron víctimas del proceso de embellecimiento que algunas calles de la ciudad sufrieron en 2012. Con su caída desaparecieron también los carteles, las reivindicaciones políticas, los anuncios y los mensajes de amor. Todo ello ecos de la antigua Limassol que hoy reposan sobre el suelo de la sala número seis de la galería, donde el artista decide suprimir la presencia de luz artificial para que, con la penumbra del ocaso, el luto cubra todo el espacio.

‘Independence Street’, obra de Christodoulos Panayiotou. Fotografía: Andrés Herraiz.

La propuesta de Christodoulos Panayiotou se suma a la más que activa vida del barrio de Hampstead, donde contrasta con las pintorescas casas inglesas que acogen galerías de arte y anticuarios. El variado elenco de vendedores y vendedoras consiguen que salir un domingo se vuelva toda una aventura, en la que, sin duda, vale la pena dejarse llevar, ya sea tomando ‘Act II: The Island’ como punto de partida o como destino. En un mundo en el que Google Maps nos indica la mejor ruta a seguir, los espacios generados por la obra de Christodoulos Panayiotou nos enseñan que, en ocasiones, conviene perderse.

Fitzjohn’s Avenue, Londres. Fotografía: Andrés Herraiz.

Andrés Herraiz Llavador

Novedades en la Biennal de Mislata 2019

Convocante: Ajuntament de Mislata. Regidoria de Cultura.

Dotación: 13.250 euros

Mode de presentación: online

Plazo de admisión: hasta el 27 de octubre de 2019

La Biennal de Mislata incluye ciertos cambios en la convocatoria de Premios Adquisición Mislata 2019 – Compromiso social en las artes. Si bien se sigue manteniendo tanto la misma cantidad de obras seleccionadas, premios e importes (diez obras, un 1º premio de 7.000€ y un 2º de 6.000€ y 250€ para las ocho obras finalistas); como las características de las obras, técnica y formato libre siempre que sean ancladas a la pared y con una dimensión mayor de 60 cm en al menos uno de sus lados. Se incluyen dos nuevos aspectos diferenciadores, el primero referente a la temática y el segundo a la metodología a seguir para la selección de las obras.

Tal y como se especifica en las bases en el punto 7.1 en relación con el tema, se tendrá “especial atención por aquellas obras presentadas que demuestren un compromiso social asociado a la memoria. Se entiende memoria como un concepto amplio en el que queda contemplada tanto la idea de memoria personal como colectiva, así como la memoria histórica, el archivo, la amnesia y también aquellas interpretaciones de la memoria desde una perspectiva de género”.

Igualmente, se dedica el punto número 11 a explicar el funcionamiento de la selección de las diez obras que conformarán la exposición y de cómo se procederá a la selección de qué dos de estas son las ganadoras. Se diferencian dos fases de trabajo dirigidas por la comisaria de la BMMN, Alba Braza, la primera centrada en un jurado profesional que se hará público en breve y la segunda que abre paso a la participación ciudadana con un proyecto basado en la educación y la mediación artística.

“11.3.  La Comisión de Evaluación o Jurado estará compuesto por: tres invitadas externas expertas en el ámbito del arte contemporáneo (…).

11.4.  Para emitir su veredicto y considerando que la puntuación máxima a otorgar a cada obra será de 10 puntos, se establece el siguiente baremo para la selección de las propuestas finalistas por parte de dicha comisión de evaluación profesional:

● Currículum Vitae del o de la solicitante (Anexo I). Máximo: 1 puntos.
● Calidad artística de la obra y claridad de su explicación en el dossier  presentado (Anexo II). Máximo: 6 puntos.
● Adecuación de la propuesta a la convocatoria (Anexo II). Máximo: 3 puntos.

11.5.  La Comisión de Evaluación Profesional estará facultada para resolver cualquier cuestión no prevista en estas bases. Su decisión será inapelable.

11.6. La Comisión de Evaluación Profesional o Jurado de personas expertas actuará como órgano colegiado a los efectos de elaborar los informes finales de valoración correspondientes debidamente motivados, así como el acta de propuesta de selección de las 10 obras seleccionadas que incluirá, a su vez, cuáles de entre ellas son las 4 finalistas (…)

11.7.  El acta de propuesta de selección con los correspondientes trabajos finalistas será notificada a las y los artistas interesados de forma individualizada, a fin de que puedan remitir las obras que formaran parte de la exposición de los Premios Adquisición Mislata 2019- Compromiso social en las artes visuales, de acuerdo con lo estipulado en estas bases. También se difundirá mediante la publicación en el Tablón de Anuncios y página web del Ayuntamiento: www.mislata.es.

11.8. Por otra parte, se constituirá, ex profeso y para la presente edición, una Delegación Ciudadana de la Biennal de Mislata Miquel Navarro. Su nombramiento se hará público en la página web del Ayuntamiento de Mislata (www. Mislata.es). Dicha delegación deberá estar formada por un representante de la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Mislata, que tendrá voz pero no voto y un máximo de 15 personas residentes en Mislata cuya formación profesional no esté relacionada con la gestión o la creación de artes visuales tanto a nivel profesional como amateur y  que no mantengan vinculación alguna con asociaciones, escuelas de formación en materia de artes plásticas o colectivos de estas mismas características de todo el territorio español. Su composición deberá ser representativa de diversos segmentos de edad de la ciudadanía del municipio y a título indicativo estará integrada por:

5 componentes cuya edad esté comprendida entre los 17 y 35 años.

5 componentes cuya edad esté comprendida entre los 36 y los 64 años.

5 componentes cuya edad esté comprendida desde los 65 años en adelante.

Desde la coordinación del certamen se velará por mantener la paridad en la configuración de dicha Delegación Ciudadana.

11.8.1 Las personas propuestas para formar parte de la Delegación Ciudadana de la Biennal de Mislata Miquel Navarro deberán asistir a tres sesiones/taller de formación y reflexión para adquirir las competencias correspondientes.

11.8.2 Las sesiones/taller de formación estarán a cargo de la comisaria de la bienal, quien velará por el consenso y la adecuación de los premios a los objetivos marcados en las bases de la convocatoria.

11.8.3 Las personas que conformen la Delegación Ciudadana de la Biennal de Mislata Miquel Navarro no recibirán remuneración económica ni deberán abonar ningún importe por su formación.  Para formar parte de ella será requisito no ser familiar de ninguno de las y los artistas seleccionados.

11.9. Será competencia de la Delegación Ciudadana de la Biennal de Mislata Miquel Navarro, 2019 extender una segunda acta en la que se proponga al órgano competente cuáles de entre las cuatro obras finalistas propuestas por el Jurado de Personas Expertas.  son merecedoras del Primer y el Segundo Premio. En la sesión de deliberación actuará como instructor del procedimiento el técnico de cultura del Ayuntamiento de Mislata.”

El plazo para la recepción de proyectos cerrará el próximo 27 de octubre. No dudéis en consultar aquella información necesaria (biennal@mislata.es), os mantendremos al día mediante las redes sociales.

Más info y bases completas.

Mujeres armadas de discurso en PhotOn 2019

‘Agitadoras de conciencia’
PhotOn Festival 2019
Diversas sedes de València
Hasta el 11 de mayo de 2019

La fotografía puede cambiarte la vida. Así lo creen en Photon Festival y así llevan demostrándolo desde los inicios del proyecto, hace ahora nueve años. Fragmentos de realidad que trascienden al tiempo y al espacio, relatos a golpe de imágenes, instantes encabalgados que narran el mundo sin necesidad de recurrir a las palabras. La existencia vista a través del objetivo de una cámara, ni más ni menos.

En 2019, ese terremoto visual que es Photon Festival llega a su novena edición y despliega una semana de encuentros y actividades bajo el lema ‘Agitadoras de conciencia’. Como explican desde la organización de la iniciativa, en este año la mayoría de ponentes que integran la programación son “mujeres poderosas” e inmersas en la tarea titánica de visibilizar los problemas de la sociedad que habitamos. Mujeres armadas con discursos potentes y muy personales, que aspiran tanto a ser quienes cuenten su propia historia como a reivindicar el papel femenino en el mundo de la fotografía. Mujeres que apuestan por mirar en lugar de ser el eterno objeto de las miradas. En este contexto, hasta el 11 de mayo de 2019 se sucederán conferencias, exposiciones y proyecciones nocturnas gratuitas y abiertas a todos los públicos. Por otra parte, también se realizarán los ya tradicionales visionados de porfolios.

Un instante de la rueda de prensa de presentación de PhotOn 2019. Fotografía cortesía del festival.

Esta nueva edición de PhotOn Festival fue presentada este martes 7 de mayo en el Centre Cultural La Nau de la Universitat de València (sede oficial del encuentro), durante un acto en el que estuvieron presentes Antonio Ariño, vicerrector de Cultura y Deporte de la UV; Juan Viña, presidente de la Fundación Cañada Blanch; Giuseppe Grezzi, regidor de Mobilitat Sostenible de l’Ajuntament de València; Armand Llàcer, director de comunicación de La Imprenta CG; Alfredo De Stefano, director del Festival Internacional de Fotografía de Monterrey y director de la revista Luz del Norte; y Tania Castro, directora de PhotOn Festival.

Durante la presentación del evento, Ariño resaltó el poder de la fotografía para “promover al cambio social”. Además, recordó que la Universitat de València, a través de La Nau, “forma parte del corazón de este proyecto”. En la misma línea señaló que ese emplazamiento emblemático de la historia valenciana “también es la sede de la Unitat d’Igualtat de la Universitat, por lo que no hay un espacio mejor para realizar el PhotOn Festival de este año, centrado precisamente en las mujeres”. Por su parte, Giuseppe Grezzi subrayó lo “emocionante” que resulta para la EMT poder participar en esta iniciativa e indicó que, mediante las imágenes del festival que serán expuestas en las marquesinas de los autobuses se crea “una ruta urbana que los ciudadanos pueden visitar en su día a día”.

En cuanto a Armand Llàcer, indicó que “es muy difícil sacar adelante proyectos tan interesantes y necesarios como PhotOn, proyectos capaces de movilizar conciencias”. En el mismo sentido, subrayó el gran valor de la Beca PhotOn, de la que La Imprenta CG es patrocinadora y responsable de imprimir en formato libro el proyecto ganador. Respecto a De Stefano, resaltó “el intercambio, las conexiones y la hermandad” que busca establecer entre su México natal y España “a través de la fotográfia”. “Es un buen vínculo, una buena forma de hacer que la fotografía trascienda y se entienda de una manera más global”, agregó. “La filosofía de PhotOn forma parte también de la filosofía de Cañada Blanch. Un valor muy importante en la edición de este año es la valentía, y, en especial, la valentía de las mujeres que integran la programación. A veces, esa valentía va aparejada de cierta soledad, pero vale la pena ser valiente”, indicó durante su intervención Juan Viña.

Una de las imágenes del proyecto ‘Agitadoras de conciencia’, de Nuria López. Fotografía cortesía de PhotOn.

“Hablamos de mujeres que se enfrentan a situaciones terribles, que luchan por la igualdad. Sentía que debía haber un espacio en el que se les pudiera dar cabida. Las protagonistas de PhotOn 2019 son mujeres con las ideas muy claras, a las que vale la pena prestar atención”, apuntó la directora del festival, quien reconoció que “todavía queda mucha batalla por dar para lograr la igualdad en los puestos de poder y responsabilidad”. Además, al finalizar la presentación también intervinieron algunas de las fotógrafas que portagonizan PhotOn 2019: Eva Máñez, Estela Sanchis, Raquel Ferreri y Liza Ambrossio, quienes compartieron su visión y experiencia como “agitadoras de conciencias”. Así, Máñez resaltó que “hasta ahora era muy complicado asistir a exposiciones de mujeres, de fotógrafas. Está clarísimo que se ha negado la mirada de las mujeres. Somos muchas, somos diversas y tenemos muchas cosas que contar. Por suerte, cada vez hay más interés por lo que tenemos que contar”.

6 exposiciones, 6 miradas al mundo que nos rodea

En concreto, esta edición de PhotOn cuenta con seis exposiciones: ‘Little Black Dress’, de Yolanda Domínguez; ‘DesTieRRRadas’, de Pedro Armestre; ‘Llano’, de Juanita Escobar; ‘PhotOn Worldwide’, de András Polgár + Eden Bernal; el proyecto colectivo ‘Agitadoras de conciencia’; y ‘Jarque, la cámara y la vida’. Esta última muestra se inaugurará en junio y ha sido llevada a cabo con la colaboración del Museu Valencià d’Etnologia. Media docena de miradas que hablan de todo tipo de universos, coordenadas y experiencias vitales. La entrega de 2019 es la entrega de las mujeres poderosas (y empoderantes), sí, pero también la de mayor proyección internacional hasta la fecha. Así, Photon Festival cruza el océano y suma a sus colaboraciones europeas un acuerdo el mexicano Festival Internacional de Fotografía NL-Foto en Monterrey. Ambas entidades han lanzado un premio que permitirá a la persona finalista disfrutar de una exposición en este evento. Este nuevo galardón se suma al premio de promoción europea que este año vendrá de la mano de Photo Romania Festival.

Conferencias, visionado de portfolios… y las míticas proyecciones nocturnas

Entre las actividades que componen la edición de 2019, se encuentran las conferencias de Liza Ambrossio, Anna Surinyah, Eva Máñez o Yolanda Domínguez, entre otras ponentes. Además, el festival acoge sus ya míticas proyecciones nocturnas al aire libre, una cita de atmósfera casi mágica que ya resulta imperdible para los amantes de la fotografía. En esta entrega, algunas de las sesiones que se celebrarán en el claustro de La Nau son “Jarque, Carta Blanca”, organizada por Jorge Alamar y Pablo Casino; “Geografías del dolor”, de la periodista mexicana Mónica González; o la “Noche Festivales y Revistas internacionales”. Además, tanto las ponentes que integran la edición como los aspirantes a la beca PhotOn darán a conocer su trabajo en sendas veladas de proyecciones. Otra de las grandes citas que se entroncan en el ADN originario del PhotOn es el visionado colectivo de portfolios. Y, obviamente, la edición de 2019 no iba a ser una excepción: en esta ocasión los encuentros en los que reconocidos profesionales del sector estudiarán la obra de autores emergentes seleccionados se realizarán los días 10 y 11 de mayo.

‘Ceremonia del vodoo‘, de Eva Máñez, perteneciente al proyecto ‘Agitadoras de conciencia’. Fotografía cortesía de PhotOn.

#BecaPhotOn 2019

Un año más, esta gran celebración de la fotografía ha puesto en marcha en 2019 su reconocida #BecaPhotOn, una de las más importantes de España y dotada con 8.000 euros. En esta edición la iniciativa ha recibido proyectos de proveniente de Italia, España, Francia, Argentina, Ecuador, Costa Rica, México, Brasil, Hungría, Bélgica, entre otros países. Además, por primera vez también ha participado en el certamen ciudadanos de Japón. El jurado de la presente entrega cuento con Alfredo de Stefano, director de la Revista Luz del Norte de México y director del Festival de fotografía contemporánea de Monterrey N.L (México); y Sebastian Vaida, director del festival de fotografía PhotoRomania Festival (Rumanía), además de a los responsables de PhotOn Festival. Este equipo de expertos han seleccionado como finalistas de la beca a los autores David Arribas (España), Dawid Zieliński (Polonia), Florencia Trincheri (Argentina), Ignacio Marín (España), Karl Mancini (Italia), Marco Panzetti (España), Simone Tramonte (Italia), Vasiliy Kolotilov (Rusia), Wayra Ficapal (España), Ciro Battiloro (Italia).

Las sedes

Decir PhotOn supone también hablar de cómo la fotografía inunda València durante un puñado de días luminosos. Así, el festival cuenta entre sus sedes con La Nau, el Centre Octubre de Cultura Contemporània, la Fnac San Agustín y la Sala Colón de Metro València, espacios que componen un particular circuito expositivo por las arterias del ‘cap i casal’. Además, las imágenes se apoderan también del transporte público de la urbe, pues las piezas que componen la muestra ‘Agitadoras de conciencia’ abandonan los centros tradicionales de exposición para colmar las marquesinas de los autobuses de la EMT y las vallas de Metro València. ¿No es acaso la fotografía un viaje definitivo a través de las pupilas de los creadores? La novena edición del festival se lleva a cabo gracias al patrocinio del Centre Cultural La Nau, sede oficial, la Fundación Cañada Blanch, Sigma, One Shot Hotels y La imprenta CG. Como colaboradores y mediapartners el festival cuenta con EMT València, Metrovalencia, Centre Octubre, FNAC y Cerveza Turia, un año más, es la cerveza oficial del festival.

Imagen de la obra ‘Little Black Dress’, de Yolanda Domínguez. Fotografía cortesía de PhotOn.

MAKMA

Alumnos de ESAT exponen en Railowsky

Exposición fotográfica de alumnos de ESAT
Railowsky
C / Gravador Esteve, 34. Valencia
Inauguración: viernes 12 de abril de 2019, a las 19.30h

Un año más los alumnos de fotografía de la Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT) exponen sus trabajos fotográficos realizados en la asignatura Fotografía de Estudio, clases de teoría y práctica que se imparten en la escuela, y que en esta ocasión tendrá lugar en Railowsky a partir de este viernes 12 abril.

El referente artístico desarrollado en las clases del profesor Alberto Adsuara se realiza en el plató de fotografía de ESAT, siendo David La Chapelle el artista en el que los alumnos se inspiran, una práctica grupal para recrear la estética de éste fotógrafo y director norteamericano, creador de atmósferas coloristas, un artista irreverente provocador e inquietante.

Esta exposición de fotografías, comisariada por el propio Adsuara, fotógrafo, cineasta y responsable de Audiovisuales de ESAT, forma parte de su práctica docente que cada año realiza con su alumnado. Una actividad que imparte a los alumnos de primer curso de la carrera Arte & Diseño de la Escuela Superior de Arte y Tecnología de Valencia, ESAT www.esat.es.

Algunas de las imágenes de estos jóvenes estudiantes, así como otras mas personales pertenecientes a la misma asignatura, se podrán ver en esta exposición. Railowsky es una galería profesional de fotografía con casi 30 años de experiencia siempre preocupada más por el contenido que por el continente.

Por ella han pasado no sólo fotógrafos reconocidos, sino también históricos de la fotografía como Alberto Schommer, Ramón Masats, Xavier Miserachs, Bernard Plossu, Juan Manuel Díaz Burgos, Xurxo Lobato, Jean Dieauzaide, Koldo Chamorro Gary Winogrand, Mary Ellen Mark, Juan Manuel Castro Prieto, Ferdinando Scianna, Franco Fontana, Tina Modotti y Juan Rulfo, entre otros.

Cartel de la exposición fotográfica en Railowsky. Imagen cortesía de ESAT.

Cartel de la exposición fotográfica en Railowsky. Imagen cortesía de ESAT.

Spencer Tunick: cuerpo y naturaleza

Spencer Tunick
Intervención fotográfica en Valencia
En el marco de las actividades del festival Intramurs
Sábado 30 de marzo de 2019

A modo de descripción informativa
‘Valencia. La piel del mediterráneo’ es el título de la última performance del célebre fotógrafo norteamericano Spencer Tunick, realizada en el marco de las actividades del festival Intramurs, el 30 de  marzo de 2019 en la ciudad del Turia.

Tunick, famoso por sus fotografías de desnudos masivos en grandes espacios naturales y ciudades de medio mundo, congregó, aproximadamente, 1.300 personas voluntarias para tomar cuatro fotografías enmarcadas bajo el tema reivindicativo de los derechos de la mujer y el empoderamiento femenino.

Las cuatro performances fotográficas, llevadas a cabo alrededor de las Torres de Serranos de la ciudad de Valencia, se compusieron con los miles de cuerpos desnudos de los hombres y las mujeres participantes.

Performance fotográfica de Spencer Tunick. Foto: Begoña Siles

Performance fotográfica de Spencer Tunick en Valencia. Foto: Begoña Siles

La primera escena, tomada en el propio Puente de Serranos, constaba de tres figuras: la primera, con el hombre tumbado y la mujer de pie; la segunda, con la mujer poniendo su pie sobre el pecho del hombre, y la tercera, con las mujeres dando las manos a los hombres para que se pudiesen levantar.

Performance fotográfica de Spencer Tunick. Foto: Begoña Siles

Performance fotográfica de Spencer Tunick en Valencia. Foto: Begoña Siles

La segunda escena, fotografiada en la Plaza de los Fueros, tenía dos posiciones: una con el hombre en posición fetal y la mujer de pie enfrente, y la otra, con el hombre de rodillas y la mujer dándole la espalda.

Performance fotográfica de Spencer Tunick en Valencia. Foto: Begoña Siles

Performance fotográfica de Spencer Tunick en Valencia. Foto: Begoña Siles

La tercera escena, realizada en la calle Roteros, contaba con la participación exclusiva de los hombres, tapados, a modo de crisálidas, con una tela blanca transparente.

Performance fotográfica de Spencer Tunick en Valencia. Foto: Begoña Siles

Performance fotográfica de Spencer Tunick en Valencia. Foto: Begoña Siles

Y la cuarta y última, se llevó a cabo bajo el árbol magnolio que hay en la esquina de Conde Trenor. En esta escena, sólo participaban las mujeres. Sus cuerpos tumbados se extendían como rizomas  alrededor del inmenso e imponente ficus.

La experiencia

Con esa acción decisiva de quitarse la ropa y participar en la instalación fotografía de Tunick, los miles de participantes expresaban una euforia catártica y unitaria propia de aquellos que sienten, de alguna manera, que han realizado un acto transgresor. Pero conviene recordar que Tunick, después de la querella contra el alcalde de New York en 1994 (la cual ganó) solo realiza sus instalaciones cuando consigue todos los permisos legales de la autoridad competente.

De este modo, Tunick cumple con la ley, no la transgrede. En todo caso, la trasgresión se situaría en otro marco ajeno a la ley civil y más próximo a ese otro precepto cultural relacionado con lo ancestral: el tabú al cuerpo desnudo. Los individuos participantes, así, sienten un acercamiento a un estado de naturaleza.

Spencer Tunick, en un momento de su intervención fotográfica en Valencia. Foto: Begoña Siles

Spencer Tunick, en un momento de su intervención fotográfica en Valencia. Foto: Begoña Siles

La mirada de Tunick

Tunick convierte a los miles de individuos desnudos en una forma compacta y abstracta. Una masa de cuerpos, sin vestimenta, que se extiende como una materia por el pavimento, por el asfalto o por la tierra. Y, como señala el fotógrafo, “creando un cuerpo vivo, orgánico que revela, desafía o reconfigura los puntos de vista de la desnudez y de la privacidad”.

La mirada fotográfica de Tunick revela los cuerpos desnudos de hombres y mujeres como una masa de la naturaleza, despersonalizada, simplemente cuerpos, sin sexualidad, sin erotismo, sin pornografía. Los cuerpos desnudos se expanden como una sustancia viva por el paisaje urbano en una confrontación entre la naturaleza y la cultura.

Y será la experiencia de la desnudez, como estado orgánico y natural, sobre la cultura, lo que prime ante la lente de Tunick, como ante el sentimiento de los participantes. Una desnudez que evita el repliegue del individuo sobre sí mismo y propaga un estado de comunión propio de un grupo atávico.

Spencer Tunick, durante su intervención fotográfica en Valencia. Foto: Begoña Siles

Spencer Tunick, durante su intervención fotográfica en Valencia. Foto: Begoña Siles

Se podría decir, como señala Georges Bataille en su libro ‘El erotismo’, que la acción decisiva de las performances fotográficas de Tunick de quitarse la ropa lleva al fotógrafo y a sus modelos a soportar “que somos seres discontinuos, individuos que mueren aisladamente en una aventura ininteligible; pero nos queda la nostalgia de la continuidad perdida. (…) La desnudez se opone al estado cerrado, es decir, al estado de la existencia discontinua. Es un estado de comunicación, que revela un ir en pos de una continuidad posible del ser, más allá del repliegue sobre sí”.

Una idea que Spencer Tunick afirma en las múltiples entrevistas: “Los participantes toman conciencia, en estos retratos de grupo, de la vida, de la muerte y del arte”.

Quizá sea ese sentimiento de comunión el que consiga que se produzca un silencio casi sepulcral, en el momento en que Tunick toma la cámara para sacar la fotografía del retrato grupal.  En ese instante, el murmullo producido por las miles de personas desnudas se ensordece: nada se oye, nadie se mueve.

Fotograma de 'Anticristo', de Lars von Trier.

Fotograma de ‘Anticristo’, de Lars von Trier.

Cuerpos como naturaleza: de lo imaginario a lo siniestro

Los retratos masivos de individuos desnudos no sólo forman una figura abstracta, sino también conforman el cuerpo como una masa de la naturaleza. Los cuerpos desnudos de toda puesta en escena de Tunick son retratados sin provocación, con una mirada casi naif que embellece la desnudez. Quizá lo que Spencer Tunick está presentando, tal y como apunta Carlos Cuadro, director del Centro Niemeyer de Avilés, “son los cuerpos en el paraíso. Su cámara es testigo de su particular visión del Juicio Final, no desde una visión simbólica religiosa, sino desde un racionalismo humanístico que sabe que no hay más paraíso que los cuerpos desnudos en contacto con la naturaleza”.

Por ello, en esta última instalación de ‘Valencia. Piel del Mediterráneo’, los cuerpos desnudos que se fusionan con la naturaleza, en concreto con el espléndido magnolio de Conde Trenor, sean sólo los cuerpos de las mujeres. De tal modo, el concepto de reivindicación y empoderamiento femenino, que subyace detrás de esta performance, alcanza en esta puesta en escena toda la coherencia en la obra del fotógrafo: el cuerpo femenino imaginario enraizado a modo de rizoma con el magnífico árbol. De nuevo, en esta performance fotográfica, el cuerpo femenino es representado como expresión máxima de la naturaleza.

Y ante esa visión imaginaria de la fotografía de Spencer Tunick de cuerpos desnudos fusionados a paisajes simbólicos de ciudades o de naturaleza, cabe incluir, por contraste, la mirada siniestra del director danés Lars von Trier en su película ‘Anticristo’ (2009). Lars von Trier muestra los cuerpos desnudos de hombres y mujeres enraizados de manera siniestra a la naturaleza, a la tierra; cuerpos desnudos como metáfora de una naturaleza siniestra y mortal. Y en ese universo de la película, la mujer, el cuerpo femenino, aparece como un cuerpo aciago, un cuerpo abyecto.

Y así, una vez más, el cuerpo femenino queda inscrito como unión imaginaria con la naturaleza –Tunick– o bien como fusión siniestra –Lars von Trier–.

Begoña Siles

Premio Nacional de Pintura GESTORES 2019

Convocante: Colegio de Gestores Administrativos de Valencia
Dotación: 7.000 euros
Modo de presentación: online
Plazo de admisión: hasta el 19 de abril de 2019

Un año más, el Colegio de Gestores Administrativos de Valencia convoca la XI Edición de su Premio Pintura, una cita referente para la cultura de nuestra ciudad que tiene como objetivo reconocer el arte joven de la sociedad nacional. Un elenco de profesionales del sector formará el jurado de esta edición que, como no podía ser de otra forma, llega pisando fuerte y con muchas novedades. Juan Manuel Bonet, crítico de arte y escritor; Pedro Maisterra, de la galería Maisterravalbuena; Violeta Janeiro, comisaria de arte, Oliver Johnson, pintor y ganador de la última edición; Álvaro de los Ángeles, crítico de arte; Maite Ibáñez, crítica de arte y Jorge Seguí, miembro de la Junta de Gobierno del Colegio serán los componentes de dicho jurado.

Como novedad, este año, los artistas presentarán sus obras en formato digital y tendrán de plazo hasta el día 19 de abril de 2019. De entre todas las obras
recibidas, el jurado realizará una preselección de 40 aspirantes que obtendrán el derecho a presentar físicamente sus obras al Premio Nacional de Pintura Gestores 2019.

Tras esta primera preselección, se notificará a los 40 artistas elegidos que dispondrán del 29 de abril al 14 de mayo de 2019 para proceder al envío físico de sus obras. Una vez finalizado el plazo de presentación, el jurado determinará 20 obras entre las cuales se encontrará la obra finalista y la obra ganadora. La entrega del premio se realizará en la cena anual de colegiados, San Cayetano, el 31 de mayo de 2019.
Esta edición Se asigna como primer y único premio la cantidad de 7.000 €, pasando la obra premiada a ser propiedad del Colegio, quien se reserva los derechos de reproducción de la misma.

Tanto el ganador como el finalista tendrán la oportunidad de realizar sus publicaciones individuales a definir según el caso (catálogo, libro de artista, etc…) coordinadas por el estudio de diseño gráfico el bandolero Lacabra. Cada publicación constará de una edición limitada de 50 unidades cuya extensión individual tendrá un máximo de 96 páginas. Dichas ediciones irán recopiladas en un estuche conmemorativo junto a una memoria del Premio, quedando reservados 20 ejemplares de publicación para el ganador y 20 para el finalista.

Año tras año, entre todos hemos conseguido que este premio se convierta en un referente del arte joven nacional, gracias a los artistas, al alto nivel de participación, la creciente calidad de sus obras y también, gracias a la profesionalidad de los jurados que nos aportan seriedad y prestigio.

BASES

A partir de la edición de 2019, la presentación de obras se realizará inicialmente en formato digital. De entre todas las obras recibidas, un primer jurado realizará una preselección de 40 aspirantes que obtendrán el derecho a presentar físicamente sus obras al Premio Nacional de Pintura GESTORES 2019.

En esta edición el jurado estará compuesto por:
Juan Manuel Bonet, crítico de arte, ex director de museo, escritor
Pedro Maisterra, de la galería Maisterravalbuena
Violeta Janeiro, comisaria de arte
Álvaro de los Ángeles, crítico de arte
Oliver Johnson, pintor y ganador de la última edición
Maite Ibáñez, crítica de arte
Jorge Seguí, COGAV

Participantes
Podrán optar al premio todos los artistas españoles o extranjeros.
Cada artista podrá concursar únicamente con una obra, siendo tanto el tema como la técnica de libre elección.
La obra deberá ser inédita y de reciente creación y deberá ir convenientemente firmada.
Las medidas no serán superiores a 200 cm. por cualquiera de sus lados.

Premio
Se asigna como primer y único premio la cantidad de 7.000 €, no pudiendo ser dividido ni declarado desierto, pasando la obra premiada a ser propiedad del COGAV, quien se reserva los derechos de reproducción de la misma.
Ganador/a y finalista tendrán la oportunidad de realizar sendas publicaciones individuales a definir según el caso (catálogo, libro de artista, etc…) coordinadas por el estudio de diseño gráfico el bandolero Lacabra. Cada publicación constará de una edición limitada de 50 unidades, de dimensiones 14X18 cm, cuya extensión individual tendrá un máximo de 96 páginas. Dichas ediciones irán recopiladas en un estuche conmemorativo junto a una memoria del Premio de pintura, quedando reservados 20 ejemplares de publicación para el/la ganador/a y 20 para el/la finalista. El resto de la edición quedará reservada para
los miembros del jurado y el archivo del Colegio Oficial de Gestores Administrativos de Valencia (COGAV).
El premio económico concedido estará sujeto a la legislación vigente en materia de I.R.P.F.

– 11 de marzo-19 de abril. 1ª convocatoria.
Presentación digital de obras
A partir de la apertura del plazo de admisión, y hasta el 19 de abril de 2019 (inclusive), las obras candidatas deberán enviarse a través de la plataforma gratuita Wetransfer (www.wetransfer.com) en formato digital y con asunto “(nombre artista). Premio Nacional de Pintura Gestores 2019” a la siguiente dirección de correo: premiopintura@gestoresvalencia.org. Tras la recepción del envío y la revisión de la documentación, el COGAV remitirá un e-mail de confirmación de la obra admitida a concurso.
El formato de presentación de la obra constará de un único archivo .PDF de alta resolución (25cm lado máximo / 300 ppp resolución) que contendrá una imagen completa de la obra presentada y los siguientes datos:
· Título de la obra
· Medidas y año
· Técnica
· Datos personales:
Nombre y apellidos
Nombre artístico
DNI
Fecha de nacimiento
Dirección de residencia
Teléfono de contacto
e-mail
Junto al archivo .PDF de la obra podrá adjuntarse, además, una única carpeta con la documentación adicional que se considere necesaria (curriculum, publicaciones anteriores en formato .PDF, etc…) a efectos de consulta para los miembros del jurado que lo requieran.

– 29 de abril-14 de mayo. Preselección y
presentación de obras físicas
Tras la preselección de la primera convocatoria, se notificará a las/los 40 artistas elegidos que dispondrán del 29 de abril al 14 de mayo de 2019 (inclusives) para proceder al envío físico de sus obras. Finalizado el plazo de presentación de obras a concurso, será el jurado quien determine finalmente las 20 obras seleccionadas, incluyendo la obra finalista y la obra ganadora. De esta selección es propósito del COGAV realizar una exposición pública (a falta de concretar en estos momentos). En cualquier caso, llegado el momento se notificará dicha posibilidad que, de no realizarse, conllevará la retirada de la obra por el mismo procedimiento que el fijado para el resto de obras en el apartado 6 de estas bases
Las obras presentadas físicamente deberán estar enmarcadas con un listón y no se admitirán las que vayan presentadas con cristal.
Las obras deberán ir acompañadas de su correspondiente ficha técnica, los datos de contacto del autor/a, fotocopia del D.N.I. o del Permiso de Residencia o documentación extranjera y la documentación adicional que se considere necesaria para el jurado (curriculum, catálogos, etc…).
Las obras deberán ser remitidas, bien personalmente o a través de agencia de transportes, de puerta a puerta al Colegio Oficial de Gestores Administrativos de Valencia, calle Poeta Quintana nº 1, Valencia 46003, de lunes a viernes, de 9 a 13 horas y de 16,30 a 18,30 horas, siendo el mismo por su cuenta y riesgo a portes pagados, en embalaje sólido y reutilizable para su posterior devolución.
Si estos no pudieran ser reutilizables por cualquier motivo, entendiendo por reutilizables caja de madera o similar, la organización pondrá a disposición plástico de burbujas a efecto de la devolución.

El Colegio de Gestores de Valencia, no responderá de las pérdidas, deterioros, robos o cualquier tipo de desperfecto que pudiera sufrir la obra remitida ni durante el traslado ni durante la estancia en sus locales.
Las obras no seleccionadas podrán ser retiradas por sus autores si fueron entregadas en mano en las oficinas de recepción o solicitar su remisión a portes debidos a su domicilio. Las que fueron entregadas a través de agencia serán devueltas por el mismo medio a portes debidos y con sus embalajes originales o si estos no pudieran ser reutilizables por cualquier motivo, protegidos por cualquier material habitual y bajo la responsabilidad del artista.

Jurado
El jurado estará constituido por Juan Manuel Bonet, Pedro Maisterra, Violeta Janeiro, Álvaro de los Ángeles, Oliver Johnson, Maite Ibáñez y Jorge Seguí.
El premio concedido se entregará oficialmente durante la cena que celebrará el Colegio Oficial de Gestores Administrativos de Valencia el 31 de Mayo de 2019. El fallo del jurado será totalmente inapelable.

Devolución de obras
La organización no se hace responsable de aquellas obras que no hallan sido retiradas a fecha de 30 de Junio del presente año, entendiéndose que a partir de esa fecha las mismas han sido abandonadas por el autor, pasando automáticamente a propiedad y libre disposición del Colegio de Gestores de Valencia.
El hecho de concursar supone la plena aceptación de estas bases.

Imagen de portada: Hound, 2008 (detalle), de Oliver Johnson (Londres, 1972), obra premiada en la pasada edición.

Descargar BASES aquí

El octavo cielo de Silvia Mercé en Color Elefante

‘Algunas especies raras’, de Silvia Mercé
Galería Color Elefante
Sevilla 26, València
Hasta el 12 de abril de 2019

Buscar a través del arte su lugar en el mundo, descubrir y conquistar ese recodo íntimo en el que las ausencias se transforman en luz y ya no duelen tanto, cartografiar un mapa propio de emociones donde las coordenadas crucen en el mismo plano recuerdos y anhelos, espejismos y vivencias.

Enloquecer la brújula, esquivar el Norte, distraer los rumbos y lanzarse al mar. Y, entonces, cambiar de esencia, de piel, fundirse con las profundidades teñidas de leyendas e historias, plantar cara a las mareas, escuchar sin miedo el eco lejano de los cantos que en la antigüedad cautivaron a aquel héroe aqueo, superar límites y así… dejarse mecer, permanecer.

Silvia. MAKMA

Solo desde ese lado, desde esas aguas, rocas, islas, orillas…, desde esa mirada, es posible imaginar visiones contemporáneas inyectadas de color, energía y talento como las que nos propone en esta exposición la artista Silvia Mercé –que puede visitarse en la galería Color Elefante hasta el 12 de abril de 2019–.

Sirenas, “sirenos”, seres mitológicos revolcados de modernidad; hábitats, fondos y paisajes marinos imbuidos de fuerza y sugerente transgresión. Peces, cetáceos… que se escapan de su ámbito, sumergiéndose en un fascinante caos de trazos, líneas y esbozos. El agua que seduce y atrapa, el cielo que empuja a la elevación, a la trascendencia. Lo desconocido, lo misterioso, siempre ha despertado la curiosidad de la artista. Su primera exposición, a mediados de los años noventa, que tuvo lugar en La Esfera Azul, se llamó ‘Mirando las estrellas’. Desde entonces, su inspiración ha transitado varias veces en busca de respuesta por el octavo cielo, desde donde, según la teoría medieval geocéntrica, estos astros irradian su luz. También las plantas que imagina Silvia Mercé trepan y se elevan hacia lo infinito. De savia bruta y hoja perenne, se agarran a la vida negando su rareza y fragilidad.

Imagen de la serie ‘Algunas especies raras. Géneros, familias, tribus y subespacios’, de Silvia Mercé. Fotografía cortesía de Color Elefante.

Imagen de la serie ‘Algunas especies raras. Géneros, familias, tribus y subespacios’, de Silvia Mercé. Fotografía cortesía de Color Elefante.

‘Algunas especies raras. Géneros, familias, tribus y subespacios’, serie representada en esta muestra, nos habla de la identidad inmutable, de la incapacidad manifiesta de la raza humana de mezclarse con los otros, de mimetizarse con la naturaleza, de empatizar.

Inquieta, impulsiva, errante, Mercé necesita experimentar, enredarse con nuevos retos, dar vueltas por el mundo, enriquecerse de sensaciones, alimentar su alma, para más tarde parar, tomar aliento y regresar a sus puntos de referencia a los que se aferra fuerte.

De sus viajes, de cómo vive y cómo siente, nacen obras que encapsulan recuerdos. Fotografías, collages, dibujos, pinturas… que ella luego mezcla y manipula digitalmente, deteniendo en el tiempo imágenes que son ya reminiscencias, momentos que fueron mágicos; frases repetidas, marcadas a modo de tatuaje que reflejan un estado de ánimo, un grito en la noche, un estallido de felicidad, una ráfaga de placer. Esquinas de la memoria que el color tiñe, intensificando para siempre instantes que no volverán, pero que reivindican su presencia en estos micromundos que componen la existencia.

La artista Silvia Mercé durante un instante de la inauguración de 'Algunas especies raras' en Color Elefante. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

La artista Silvia Mercé durante un instante de la inauguración de ‘Algunas especies raras’ en Color Elefante. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Marisa Giménez Soler

XXII Mostra art públic / universitat pública

Convocante: Universitat de València
Dotación: 12.000 euros
Modo de presentación: online
Plazo de admisión: hasta el 29 de abril de 2019

La Mostra art públic / universitat pública és una iniciativa que pretén dinamitzar els espais públics del campus de Burjassot i transformar l’entorn universitari en un lloc d’intervenció artística obert a la societat. Per això, l’organització selecciona una sèrie de projectes artístics de caràcter efímer que establisquen un diàleg entre art i ciència, com a exercici i repte de la cultura contemporània, i que interactuen amb l’espai universitari del Campus de Burjassot.

La Mostra és una iniciativa que organitza el Servei d’Informació i Dinamització de la Universitat de València (Sedi) amb la col·laboració del Vicerectorat de Cultura i Esport de la Universitat de València.

Participants

Persones majors d’edat de qualsevol nacionalitat o lloc de residència. Les propostes es poden presentar mitjançant una sol·licitud individual o col·lectiva. Cada participant o equip pot presentar només una sol·licitud i un projecte.

Requisits

S’hi poden presentar qualsevol mena de projectes artístics d’art públic que s’exposaran en el campus Burjassot de la Universitat de València durant un període de quatre setmanes, fixat entre els mesos de setembre, octubre i novembre.

mostraUV

Es tindran en compte les condicions següents:

La intervenció proposada en el projecte no pot comportar en cap cas una agressió o deteriorament dels edificis, les instal·lacions o el context arquitectònic i urbanístic del campus.
Les instal·lacions artístiques situades a l’exterior del campus s’han d’adequar a la seua ubicació a l’aire lliure i, per tant, els materials i les condicions del muntatge han de garantir la resistència als factors meteorològics al llarg de quatre setmanes.
Les imatges utilitzades per al desenvolupament dels projectes no poden estar subjectes a drets de propietat i, en tot cas, l’artista serà responsable de la utilització i l’obtenció dels drets d’ús d’aquestes imatges.

Sol·licituds

Les sol·licituds s’han de presentar mitjançant el formulari disponible en ENTREU, seu electrònica de la Universitat de València, o en qualsevol altre registre previst en l’article 38.4 de la Llei 30/1992 de Règim jurídic de les Administracions Públiques i del Procediment Administratiu Comú.

Si no sou membres de la Universitat de València, consulteu aquestes indicacions per a crear un usuari extern de la seu electrònica [Indicacions, pdf].

Criteris per a la valoració dels projectes (fins a 10 punts)

El jurat aplicarà en la valoració dels projectes els criteris següents:

La qualitat artística dels projectes (fins a 5 punts).
La relació dels projectes amb l’objecte de les bases (fins a 1,5 punts).
L’adaptació de les intervencions artístiques al campus i la seua capacitat de transformació, dinamització i adaptació a l’entorn (fins a 1,5 punts).
La incorporació de la perspectiva de gènere i/o dels criteris de sostenibilitat ambiental en la definició dels projectes (fins a 1 punt).
La vinculació a línies d’investigació en qualsevol estructura de recerca del campus de Burjassot (fins a 1 punt).

Termini de presentació

Del 27 de febrer al 25 d’abril de 2019, a les 14.00 hores.

Dotació econòmica

La dotació econòmica per a cadascun dels projectes premiats serà de 2.000 €. Aquesta dotació es farà efectiva de la següent manera: un 50% després de la resolució de la concessió, i l’altre 50%, una vegada acabada l’exposició (inclòs el desmuntatge de les instal·lacions i el lliurament d’un text explicatiu de l’obra destinat al catàleg).Les quantitats econòmiques indicades per a cada projecte estan sotmeses a les retencions i impostos corresponents que siguen aplicables en cada cas.

Comissariat

La comissària de la XXII Mostra art públic / universitat pública és Alba Braza.

Jurat

El jurat de está integrat per:

Alba Braza Boïls, comissària de la Mostra art públic/universitat pública.

M. Teresa Ibáñez Giménez, tècnica de gestió cultural de la Fundació General de la Universitat de València.

Josefa López Poquet, artista visual i professora del Departament de dibuix de la Universitat Politècnica de València.

Juan Guardiola Román, director del Centro de Arte y Naturaleza-CEDAN (Huesca).

Más información
Imagen de portada: Jorge Isla, proyecto LUV-A, 2018. Foto: Jorge Lorenzo