La mirada extrema de Yasuzo Masumura

Yasuzo Masumura. Retratos al límite
Filmoteca de Valencia
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Inauguración: jueves 17 de enero de 2019, a las 18.00h

El Institut Valencià de Cultura presenta en la Filmoteca el ciclo del cineasta japonés ‘Yasuzô Masumura. Retratos al límite’, en colaboración con Fundación Japón. El ciclo se inicia este jueves 17 de enero con la proyección de ‘Hoodlum Soldier’ (‘Heitai Yakuza’ 1965), una crítica a la violencia y los abusos dentro del ejército japonés en periodo de guerra.

Fotograma de 'Hoodlum Soldier'. Imagen cortesía de Filmoteca de València

Fotograma de ‘Hoodlum Soldier’. Imagen cortesía de Filmoteca de València

A pesar de ser uno de los cineastas japoneses más destacados de la posguerra, Yasuzô Masumura (1924-1986) es casi un desconocido en Occidente. Este ciclo ofrece la oportunidad de descubrir seis de sus mejores películas. Todas son adaptaciones literarias en las que Masumura muestra su particular mirada, en ocasiones extrema y al límite de lo convencional.

Referente de cineastas como Oshima, el cine de Masumura está poblado por personajes que en ocasiones bordean la locura. “No existe el deseo no reprimido; una persona que deja a cuerpo descubierto todos sus deseos solo puede ser considerada loca”, afirmó el director. Masumura también dijo que “lo que me interesa es crear locos que expresen sus deseos sin vergüenza, sin importarles lo que piensan los demás”.

Fotograma de 'Red Angel'. Imagen cortesía de Filmoteca de València.

Fotograma de ‘Red Angel’. Imagen cortesía de Filmoteca de València.

De esta forma, la sensualidad es un aspecto central en la obra de Masumura, que fue pionero a la hora de introducirla de manera más explícita en sus películas, a la vez que denunciaba una sociedad hipócrita y represiva.

El ciclo también permitirá disfrutar de una de las grandes actrices de la historia del cine japonés, Ayako Wakao, presencia recurrente en la filmografía de Masumura, ya que protagonizó 25 de sus películas. La actriz figura en el reparto de cuatro películas rodadas en los años sesenta que forman parte del ciclo: ‘Tatuaje/Spider Girl’, ‘Seisaku’s Wife’, ‘With My Husband Consiente’ y ‘The Red Angel’.

Fotograma de 'Spider Girl'. Imagen cortesía de Filmoteca de València.

Fotograma de ‘Spider Girl’. Imagen cortesía de Filmoteca de València.

¿Por qué hay amores que son letales?

Cátedra Berlanga
XVIII Jornadas de Historia y Análisis Cinematográfico
Palacio de Colomina
C / Almudín, 1. Valencia
Lunes 3 y martes 4 de diciembre de 2018

Al sociólogo Edgar Morin lo que más le sorprendió de Mayo del 68, del que ahora se celebra su 50 aniversario, era la paradoja de sentir una gran insatisfacción en la opulenta sociedad del bienestar. Hijos de burgueses acomodados manifestando un profundo malestar, cuya ira desbordaba los amables cauces democráticos en los que vivían. En las acolchadas paredes de los hogares parisinos, tenía lugar una insurrección contra ese orden burgués que reunía en sí la contradicción antes señalada: el confort propiciando la irrupción de cierta violencia.

Medio siglo después, la paradoja continúa. Y, con ella, la dificultad de comprender el malestar que nos aqueja cuando, asegurada la más estricta supervivencia, sentimos insuficiente ese bienestar. Lo mismo sucede en el marco privado de las relaciones personales. Alcanzadas ciertas cotas de igualdad, descubrimos de pronto una diferencia insalvable entre hombres y mujeres, e incluso entre sujetos de idéntica condición sexual. Para abordar todo ello, la Cátedra Berlanga pone en diálogo dos películas de 1967, Peppermint Frappé, de Carlos Saura, y La boutique, de Luis García Berlanga, sintomáticas de esa crispación hoy todavía no resuelta, cuando no agravada.

Fotograma de 'La boutique', de Luis García Berlanga.

Fotograma de ‘La boutique’, de Luis García Berlanga.

“Si la obsesión de un hombre reprimido por el franquismo es a lo que se reduce la trama de Peppermint Frappé, entonces la obra de arte queda suprimida en aras del debate ideológico y del contexto en que fue creada”, asegura Luis Martín Arias, profesor de la Universidad de Valladolid que participa en las jornadas  Amores Letales: La Boutique y Peppermint Frappé, que acoge el Palacio Colomina de Valencia durante los próximos días 3 y 4 de diciembre. Organizadas por la Universidad CEU Cardenal Herrera, el Institut Valencià de Cultura y la Fundación Aisge, en colaboración con la Asociación Cultural Trama y Fondo, reúne a una serie de expertos y profesionales del audiovisual que analizarán ambos textos para desentrañar lo que en ellos sucede.

“Si una película no es simple debate ideológico, sino que plantea el debate eterno de la naturaleza humana, más allá del contexto, será una obra de arte que nos interroga pasado el tiempo”, añade Martín Arias. De lo contrario, dice, quedará como texto para su valoración histórica. De manera que si la obsesión de Julián (José Luis López Vázquez) por Elena (Geraldine Chaplin) en la película de Saura, merece la pena estudiarse, es por ese carácter transversal que lo sitúa en la actualidad como perfil asociado a cierto deseo masculino.

Fotograma de Pepermint Frappé, de Carlos Saura.

Fotograma de Pepermint Frappé, de Carlos Saura.

Otro tanto cabe decir de La boutique, película que analizará Jesús González Requena, catedrático de la Universidad Complutense de Madrid, en su ponencia Máquinas crueles. “Maquinitas egoístas”, matiza, dado que a su juicio, en la película de Berlanga, “todos los personajes son malas personas”. Y dentro de ese mundo de “maquinitas malvadas”, los hombres “son igual de malos que las mujeres, pero infinitamente más torpes”, asegura. Le sorprende esa deriva de Berlanga cada vez que realiza sus películas fuera de España: como pasa en La boutique, rodada en Argentina, o Tamaño natural, en Francia. “Cuando sale de España todo resulta más desabrido; desaparece el lado humano que ves en sus otras películas”.

Begoña Siles, directora de la Cátedra Berlanga, pone el acento en algo que vincula a una y otra película: la aparición de ciertas obras de Antonio Saura, hermano del cineasta, en ambos textos. En concreto, obras de la serie Brigitte Bardot, icono sexual de los años 60 y 70, que el pintor realiza quebrando su imagen seductora para que aparezca cierto desgarro de su figura. “Por utilizar la frase del poeta Rilke, cuando dice que lo bello es el comienzo de lo terrible que todavía podemos soportar, diríase que en ambas películas aparece el fantasma femenino ligado con la muerte”.

Fotograma de 'La boutique', de Luis García Berlanga.

Fotograma de ‘La boutique’, de Luis García Berlanga.

“Todo deseo remite al fantasma del otro”, apunta Siles. Fantasma que “desemboca en la destrucción” cuando el sujeto “es incapaz de alcanzar al sujeto que hay detrás de ese imaginario”. Precisamente de Antonio Saura, cuya obra viene a coincidir en ambas narraciones, se ocupa Maite Ibáñez, doctora en Historia del Arte, que hablará de la “pintura rebelde” del artista aragonés, del que se cumplen ahora 20 años de su fallecimiento. Pintura rebelde que vuelve a rimar con ese carácter insurgente de Mayo del 68, que alcanza a nuestros días.

El crítico de cine Jorge Castillejo abordará La boutique desde la óptica de la guerra de sexos. Como se recoge en el Berlanga Film Museum, creado por Rafael Maluenda bajo la coordinación del propio Castillejo, la película narra la estrategia perversa de una madre (Ana María Campoy) que hace creer a su yerno (Rodolfo Beban) que su mujer Carmen (Sonia Bruno) padece una enfermedad terminal, con el fin de que el joven playboy deje sus amoríos y se centre en su esposa.

Fotograma de 'Peppermint Frappé', de Carlos Saura.

Fotograma de ‘Peppermint Frappé’, de Carlos Saura.

El director de cine Óscar Aibar (Platillos volantes, El Gran Vázquez o El bosque) incidirá en el humor de la dupla Berlanga Azcona y su influencia en los directores actuales, de los que él mismo se considera un buen ejemplo. “Invierte el humor de directores como Mario Monicelli, maestro de la comedia a la italiana, para adaptarlo a la psicología española”, señala quien se halla en estos momentos dirigiendo uno de los capítulos de la serie televisiva Cuéntame.

Paco Belda, por su parte, en tanto director de fotografía que ha trabajo con Carlos Saura (“me gusta más hablar de Cinematographer o Dirección Fotografía que de director”), rastreará la luz que emplea en sus películas el autor de Peppermint Frappé, La caza, Cría cuervos o Bodas de sangre. Para ello, se servirá de imágenes creadas por José Luis Alcaine, Teo Escamilla, Vittorio Storaro o el propio Luis Cuadrado, encargado de la fotografía de la película analizada en las jornadas de la Cátedra Berlanga. Dos días de ponencias, charlas, coloquios y proyecciones, en torno a esas diferencias entre lo masculino y lo femenino, entre lo clásico y lo moderno, tan difíciles de articular en la sociedad posmoderna.

Fotograma de 'Peppermint Frappé', de Carlos Saura.

Fotograma de ‘Peppermint Frappé’, de Carlos Saura.

Salva Torres

Recuperando a Muriel Box

Muriel Box, una cineasta clásica
Filmoteca de Valencia
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Del 2 de octubre al 14 de noviembre de 2018

El Institut Valencià de Cultura presenta en la Filmoteca un ciclo de la directora británica Muriel Box (1905-1991), que está organizado por el IVC, el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y la Filmoteca Española, con la colaboración de Filmoteca Vasca y el Museo San Telmo. El ciclo se inició el 2 de octubre con la proyección de ‘Herencia contra reloj’ (1954), una comedia protagonizada por Shelley Winters, John Gregson y Peggy Cummins, sobre una disputa entre familiares por una herencia de dos millones de dólares.

Fotograma de 'Herencia contra reloj', de Muriel Box. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Fotograma de ‘Herencia contra reloj’, de Muriel Box. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Muriel Box se caracterizó a lo largo de toda su carrera como escritora y directora, desarrollada entre 1945 y 1964, por tratar temas complejos y prohibidos de manera muy lúcida y valiente como la prostitución, el abuso de menores, el aborto, los hijos ilegítimos o el sexo en la adolescencia. Como ocurre con las norteamericanas Dorothy Arzner e Ida Lupino, la revisión actual de su filmografía parece esencial para establecer un discurso feminista y una reivindicación del papel importante de las realizadoras en diferentes contextos y cinematografías. A pesar de disfrutar de un cierto prestigio cinéfilo, son pocos los estudios sobre su obra y apenas aparece reseñada en las historias generales del cine.

Muriel Box responde además al canon del cine independiente, a pesar de que trabaja con temáticas propias de los géneros clásicos y populares, como el melodrama, la comedia, el policíaco o el cine de época. Su obra como directora queda inscrita en un periodo de cambios en el cine británico, el de las comedias de la productora Ealing, la obra de otros independientes como Michael Powell y Emeric Pressburger y el nacimiento de la práctica documental crítica que derivaría en el ‘Free Cinema’.

Fotograma de 'Séptimo velo', de Muriel Box. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Fotograma de ‘El séptimo velo’, de Muriel Box. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Box empezó en el cine como ‘script’. En 1935 contrajo matrimonio con el escritor Sydney Box, con quien crearía cinco años después la productora de documentales bélicos Verity Films. Cuando después de la guerra Sydney se convirtió en el director de Gainsborough Pictures, Muriel pasó a ser la responsable del departamento de guiones.

En 1946, Muriel ganó el Oscar al mejor guión original por ‘El séptimo velo’, dirigido por Compton Bennett y escrito en colaboración con su esposo. Fue la segunda mujer en obtener un Oscar al mejor guión después de Frances Marion, que lo había ganado en 1930 y 1932. En 1949 codirigió ‘The Lost People’, un drama de posguerra iniciado por Bernard Knowles y que ella completó en el sesenta por ciento de metraje. En 1951, Sydney creó la compañía London Independiente Producers, en la cual Muriel pudo llevar a cabo argumentos que entonces no estaban muy vistos ni en el cine ni en la sociedad británica. Lo hizo a partir de una mezcla entre mirada autoral y cine de género, uno de sus rasgos principales.

Simon and Laura, de Muriel Box. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Simon and Laura, de Muriel Box. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Dirigió 14 largometrajes entre 1949 y 1964, de entre los cuales destacan sus peculiares comedias románticas en torno a la guerra de sexos, como ‘Herencia contra reloj’(1954) y ‘Simon and Laura’ (1955), con Peter Finch y Kay Kendall en los papeles de una pareja de actores de la vida real que se convierten en protagonistas de un programa de la BBC.

Destacó igualmente en el drama con ‘El vagabundo de las islas’ (1954), adaptación de una obra clásica de W. Somerset Maugham sobre alcohol, religión, puritanismo y epidemias; ‘This Other Eden’ (1959), en el cual afrontó el tema irlandés al relatar las tensiones en una pequeña ciudad donde se quiere erigir una estatua a un miembro del IRA, y ‘Too Young to Love’ (1960), una historia de prostitución de menores y aborto. También rodó curiosos relatos criminales, como ‘Street Corner’ (1953) sobre el trabajo diario de una mujer policía y ‘Subway in the Sky’ (1959), ambientado en el Berlín de posguerra.

Daybreak (Amanecer), de Muriel Box. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Daybreak (Amanecer), de Muriel Box. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

La sombra de Ingmar Bergman es alargada

Ciclo conmemorativo del centenario de Ingmar Bergman
Filmoteca de Valencia
Plaza del Ayuntamiento, 19. Valencia
Del 14 de septiembre de 2018 al 27 de enero de 2019

La Filmoteca inicia la temporada con un ciclo conmemorativo del centenario del nacimiento del director sueco Ingmar Bergman (1918-2007). Director de cine, guionista y dramaturgo, Ingmar Bergman está considerado como uno de los grandes cineastas del siglo XX. Autor de películas tan famosas como ‘Fanny y Alexander’ o ‘El séptimo sello’, Bergman estudió Historia del Arte y trabajó en el mundo del teatro antes de empezar en el cine con ‘Crisis’ (1945).

Con más de 40 películas dirigidas entre el cine y la televisión, Bergman recibió premios tan importantes como tres Oscar de Hollywood e incontables galardones en Europa. Desde el punto de vista más literario, Bergman escribió narrativa y teatro, y publicó varios de sus guiones. El ciclo se inició el viernes 14 de septiembre con un programa doble conformado por dos de las primeras películas del director sueco: ‘Música en la oscuridad’ (1947) y ‘Prisión’ (1949).

Fotograma de 'Un verano con Mónica', de Ingmar Bergman. Filmoteca de Valencia.

Fotograma de ‘Un verano con Mónica’, de Ingmar Bergman. Filmoteca de Valencia.

Esta extensa y completa retrospectiva sobre uno de los directores europeos más importantes de la historia del cine prosigue en septiembre con otros títulos clásicos de la década de los cincuenta como ‘Juegos de verano’ (1951), ‘Noche de circo’ (1953), ‘Una lección de amor’ (1954), ‘Un verano con Mónica’ (1952), ‘Sonrisas de una noche de verano’ (1955) y ‘Sueños’ (1955).

Fresas salvajes, de Ingmar Bergman. Imagen cortesía de la Filmoteca de Valencia.

Fresas salvajes, de Ingmar Bergman. Imagen cortesía de la Filmoteca de Valencia.

El 28 de septiembre, a las 20.00 horas, los profesores Juan Miguel Company y Luis Pérez Ochando presentarán el ciclo de Bergman y la proyección de ‘El rostro’ (1958) al público de la sala Berlanga. En septiembre, el ciclo concluye con dos de las grandes obras de Bergman y de la historia del cine: ‘Fresas salvajes’ (1957) y ‘El séptimo sello’ (1956).
En el mes de octubre se proyectarán algunas de sus grandes películas de los años sesenta, como ‘El manantial de la doncella’ (1959), ‘El ojo del diablo’ (1960), ‘Como en un espejo’ (1961), ‘Los comulgantes’ (1962), ‘El silencio’(1963), ‘Todas esas mujeres’ (1964), ‘Persona’ (1966), ‘La hora del lobo’ (1968), ‘La vergüenza’ (1968), ‘El rito’ (1969) o ‘La pasión de Anna’ (1969).

Ingmar Bergman. Imagen cortesía de la Filmoteca de Valencia.

Ingmar Bergman. Imagen cortesía de la Filmoteca de Valencia.

El ciclo concluirá con la proyección de la última etapa de su filmografía realizada entre 1970 y el momento de su defunción con películas como ‘Gritos y susurros’ (1972), ‘Secretos de un matrimonio’ (1973 + TV), ‘La flauta mágica’ (1975), ‘Cara a cara’ (1976), ‘El huevo de la serpiente’ (1977), ‘Sonata de otoño’ (1978), ‘Mi isla, Farö’ (1979), ‘De la vida de las marionetas’ (1980), ‘Fanny y Alexander’ (1982 + TV) y ‘Saraband’ (2003).

El séptimo sello, de Ingmar Bergman. Imagen cortesía de La Filmoteca de Valencia.

El séptimo sello, de Ingmar Bergman. Imagen cortesía de La Filmoteca de Valencia.

Filmoteca d’Estiu bate récord de asistencia

Filmoteca d’Estiu
Del 28 de julio al 26 de agosto de 2018

La Filmoteca de València ha alcanzado una cifra récord de cerca de 14.000 espectadores en su edición de este mes de agosto, 2.000 más que en la anterior edición, y ha obtenido una media de 556 espectadores por proyección, unas excelentes cifras que demuestran la consolidación de esta iniciativa veraniega del Instituto Valenciano de Cultura.

La película más vista este año ha sido ‘La forma del agua’, de Guillermo del Toro, que ha sumado 1.913 espectadores en sus tres proyecciones. Por otro lado, hay que destacar que ‘The Bookshop’ (‘La librería’), de Isabel Coixet, en versión original subtitulada en valenciano, ha alcanzado la media más alta de espectadores, 805 por proyección.

La librería, de Isabel Coixet. Filmoteca d'Estiu de Valencia.

La librería, de Isabel Coixet. Filmoteca d’Estiu de Valencia.

Con esta actividad, que se ha alargado desde el 28 de julio hasta el 26 de agosto, la Filmoteca ha mantenido su oferta cinematográfica en la ciudad durante el mes de agosto con las proyecciones al aire libre en los Jardines del Palacio de la Música. Por primera vez desde sus inicios, la Filmoteca d’Estiu ha programado dos películas en versión original con subtítulos en valenciano: ‘The Bookshop’ (‘La librería’), de Isabel Coixet, y ‘M. Eine Stadt sucht einen Mörder’ (‘M. Una ciudad busca a un asesino’), clásico de Fritz Lang. También se ha proyectado la producción catalana ‘Estiu 1993’, en versión original con subtítulos en castellano.

La celebración de la Filmoteca d’Estiu es posible gracias a la colaboración del Ayuntamiento de València, que cede los Jardines del Palacio de la Música como espacio de las proyecciones, al patrocinio por noveno año consecutivo de Nedgia Cegas y a la colaboración de Cerveza Turia. Los criterios de programación de la Filmoteca d’Estiu son los mismos que se siguen el resto del año en la sala Berlanga: versión original, calidad en las proyecciones y un precio asequible.

The Square, de Ruben Ostlund. Filmoteca d'Estiu de Valencia.

The Square, de Ruben Ostlund. Filmoteca d’Estiu de Valencia.

Propuestas clásicas y actuales

Las películas se han estructurado en dos ciclos. En el ciclo “Cinema de hui” se han recuperado algunas de las películas premiadas en los Goya, los Óscar y los Premios del Cine Europeo. El ciclo ‘Cinema de sempre’, por su parte, ha ofrecido la posibilidad de gozar de clásicos imprescindibles en excelentes copias digitales. Ha sido una ocasión única para ver estas películas en pantalla grande y como parte de una experiencia colectiva, tal como fueran concebidas por sus autores.

Entre las películas del ciclo “Cinema de hui”, han figurado la chilena ‘Una mujer fantástica’ (2017), de Sebastián Lelio, Óscar a mejor película de habla no inglesa y Goya a mejor película hispanoamericana; ‘Muchos hijos, un mono y un castillo’ (2017), de Gustavo Salmerón, Goya al mejor documental, y ‘The Square’ (2017), de Ruben Östlund, Palma de Oro en el Festival de Cannes y mejor película en los Premios del Cine Europeo.

Estiu, de Carla Simón. Filmoteca d'Estiu de Valencia.

Estiu, de Carla Simón. Filmoteca d’Estiu de Valencia.

Han completado la programación de este ciclo ‘La forma del agua’ (2017), del mexicano Guillermo del Toro, Óscar a mejor película y mejor dirección; ‘Estiu 1993’ (2017), de Carla Simón, Goya a la mejor dirección novel, y ‘The Bookshop’ (‘La librería’) (2017), de Isabel Coixet, Goya a mejor película, mejor dirección y mejor guion adaptado.

Además de ‘Casablanca’ y ‘M. Eine Stadt sucht einen Mörder’ (‘M. Una ciudad busca a un asesino’) de Lang, el ciclo ‘Cinema de sempre’ ha presentado los clásicos ‘Sunset Boulevard’ (1950), de Billy Wilder; ‘Rebecca’ (1940), de Alfred Hitchcock, y un programa doble de películas mudas protagonizadas por el cómico Buster Keaton: ‘The goat’ (1921) y ‘The Navigator’ (1924).

La forma del agua, de Guillermo del Toro. Filmoteca d'Estiu de Valencia.

La forma del agua, de Guillermo del Toro. Filmoteca d’Estiu de Valencia.

El ‘poliamor’ de Paella Today

Paella Today, de César Sabater
Producida por Naumaquia y Cla-Cla Films
Filmoteca de Valencia
Miércoles 13 marzo de 2018

El director del Institut Valencià de Cultura, Abel Guarinos, acompañado por el director adjunto de Audiovisuales y Cinematografía del IVC, José Luis Moreno, participaron en la presentación de ‘Paella Today’, dirigida por César Sabater y producida por Naumaquia y Cla-Cla Films.

Durante la presentación, Abel Guarinos señaló que “es importante dar apoyo desde el IVC a los directores valencianos en sus óperas primas, como es el caso de César Sabater, para ofrecer producciones que puedan estar presentes en los festivales y en los mercados cinematográficos, y que puedan ser exhibidas en salas comerciales”.

Guarinos también destacó que “la incidencia que hace la película en la gastronomía valenciana, en nuestra cultura y en la ciudad de València como escenario cinematográfico, añaden un punto más de interés a la participación del IVC en esta producción”.

La película cuenta con una ayuda a la producción de largometrajes del Institut Valencià de Cultura por valor de 150.000 euros. También tiene el apoyo de À Punt Mèdia, València Turisme y Publips Service Plan. Escrita por César Sabater y Juanjo Moscardó, ‘Paella Today’ está protagonizada por Pablo Rivero, Olga Alamán, Pau Gregori, Alberto Jo Lee, Emilio Mencheta, David Amor, Brays Efe y Mamen Garcia, y cuenta con la colaboración de Lolita Flores y Pablo Carbonell.

‘Paella Today’ es una comedia rodada en la ciudad de València que satiriza el ‘poliamor’ a través de la historia de dos amigos enfrentados por una chica. Se trata de un alegre, culinario y tórrido triángulo amoroso con la paella de fondo en el que los dos protagonistas masculinos, Pep y Vicent, desearán y lucharán por Lola, la chica perfecta. No obstante, ella tiene un pequeño ‘defecto’ que ninguno de los dos conoce: ‘no puede ser de nadie’.

Representantes institucionales y miembros de la película 'Paella Today' en la presentación en la Filmoteca.

Representantes institucionales y miembros de la película ‘Paella Today’ en la presentación en la Filmoteca.

Valie Export y el goce femenino

The practice of love, de Valie Export
Dentro del ciclo ‘El cos com a arma’
Filmoteca de Valencia
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Martes 6 y miércoles 7 de marzo de 2018

“Texto de placer: el que contenta, colma, da euforia; proviene de la cultura, no rompe con ella y está ligado a una práctica confortable de la lectura (intriga de predestinación). Texto goce: el que pone en estado de pérdida, desacomoda (tal vez incluso hasta una forma de aburrimiento), hace vacilar los fundamentos históricos, culturales, psicológicos del lector, la congruencia de sus gustos, de sus valores y de sus recuerdos, pone en crisis su relación con el lenguaje”.

Esta cita de Roland Barthes de su libro libro ‘El placer de texto’ deja en evidencia los efectos de la escritura en aquel que la recorre. Los textos de la emblemática artista feminista Valie Export movilizan cierto goce tanto en su forma, como en su contenido.

Valie Export. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Valie Export. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

El espectador de cortos y performances como ‘Man&Woman&Animal’ (1970), ‘Remote…Remote…’ (1973), ‘Syntagma’ (1984), ‘Tapp und Tastkino’ (1968), ‘Hyperbulie’ (1973), ‘Adjunt dislocations’ (1973), ‘The voice as performance, acta and body’  (2007) o de sus dos experimentales largometrajes, ‘Invisible Adversaries’ (1977) y ‘The practice of love’ (1984), será desbordado por el brío gozoso de las texturas y narrativas de estos. Y será a través de ese brío por donde penetre, como señala Barthes, la ideología. Y la ideología que hace penetrar con fuertes oleadas Valie Export es la ideología feminista, tal y como ella manifiesta.

“De alguna manera me enteré por revistas y periódicos que existía algo llamado feminismo, en concreto por medio de revistas americanas. (…) Me puse a trabajar sobre la manera en que la Historia del Arte muestra los comportamientos femeninos, en cómo trata a las mujeres o los temas femeninos. A través de ello pude hacer que mi arte llevase un mensaje social”.

Fotograma de 'Invisible adversaries', de Valie Export. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Fotograma de ‘Invisible adversaries’, de Valie Export. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Valie Export, a través de diferentes técnicas artísticas, performance, cine, fotografías, dibujos, instalaciones y vídeos, tiene la voluntad de cuestionar el rol de la mujer, del cuerpo femenino, tal y como ha sido pensado, representado por el arte y la sociedad patriarcal. Un cuestionamiento que lleva a la agresión y a la provocación, tal y como ella declara: “Yo inserto el sujeto femenino dentro de las estructuras masculinas de poder. La penetración, la agresión y la provocación son todavía importantes elementos del arte dramático, porque ellos retan el diálogo y la discusión”.

La penetración, la provocación y la agresión son las técnicas dramáticas para poner en un “estado de pérdida y desacomodar” al lector de su obra; a la vez que para tambalear -deconstruir- los  “fundamentos  culturales, históricos, psicológicos”, con respecto a la representación de lo femenino y de la mujer.

Igual deberíamos pensar que la provocación y la agresión, esas técnicas dramáticas de la obra de Valie Export, evidencian además un cierto deseo femenino. Un deseo que hace huella en el goce del propio cuerpo femenino.

Su obra no sólo habla desde la conciencia ideológica de la crítica feminista de la artista, sino también desde la lengua inconsciente del sujeto artista. Y será esa lengua la que hace que la obra de Valie Export rasgue los velos de la máscara femenina, para mostrar un cuerpo femenino descarnado en su goce.

Fotograma de 'The practice of love', de Valie Export. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Fotograma de ‘The practice of love’, de Valie Export. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Begoña Siles

Straub y Huillet, la revolución era esto

Jean-Marie Straub y Danièle Huillet
Ciclo ‘Hacer la revolución es volver a colocar en su sitio cosas muy antiguas pero olvidadas’
Filmoteca de Valencia
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Hasta el 8 de febrero de 2018

El Institut Valencià de Cultura presenta en la Filmoteca el ciclo ‘Hacer la revolución es volver a colocar en su sitio cosas muy antiguas pero olvidadas’, sobre la pareja de cineastas franceses Jean-Marie Straub y Danièle Huillet, que se inauguró con la proyección el 9 de enero del cortometraje ‘Machorka-Muff’ (1962) y del mediometraje ‘No reconciliados’ (1964).

Fotograma de 'No reconciliados', de Straub y Huillet. Imagen cortesía de la Filmoteca de Valencia.

Fotograma de ‘No reconciliados’, de Straub y Huillet. Imagen cortesía de la Filmoteca de Valencia.

Jean-Marie Straub (1933) conoció a Danièle Huillet (1936-2006) en 1954. Se casaron en 1959 y trabajaron siempre unidos bajo la firma Straub-Huillet. La pareja de cineastas es una referencia fundamental en el ámbito del cine y del arte contemporáneo desde comienzos de los años sesenta.

Cómplices distantes de una parte de la ‘nouvelle vague’ francesa (Rivette, Godard, Moullet) y periféricos respecto al nuevo cine alemán, Straub-Huillet realizan sus primeras películas entre Alemania, Italia y Francia, lo que caracteriza una filmografía rodada en tres países y lenguas diferentes. En ese sentido, plantean una reflexión sobre la historia, la identidad y las fronteras europeas. También se apropian de otros lenguajes artísticos (dramas, novelas, músicas, partituras y pinturas) de diferentes momentos históricos, que interpretan en el presente como un acontecimiento crítico.

Fotograma de 'El novio, la actriz y el proxeneta', de Straub y Huillet.

Fotograma de ‘El novio, la actriz y el proxeneta’, de Straub y Huillet.

En el cine de Straub-Huillet, textos, obras e imágenes forman parte de una secuencia que describe una pedagogía revolucionaria de la cultura y de la historia a lo largo del tiempo. Tras el fallecimiento de Danièle Huillet en 2006, Jean-Marie Straub ha continuado trabajando y defendiendo una poética del cine como ruptura y revelación.
Organizado por el Museo Reina Sofía en colaboración con Filmoteca Española y comisariado por Manuel Asín y Chema González, el ciclo incluye quince películas de Straub-Huillet, así como nueve cortometrajes dirigidos por Jean-Marie Straub, tras el fallecimiento de su mujer.

La retrospectiva, que podrá verse hasta el 8 de febrero, se inicia con las dos primeras películas de la pareja de cineastas: ‘Machorka-Muff’ es un cortometraje de 18 minutos, basado en un relato corto de Heinrich Böll sobre la falsa paz de la reconstrucción y el rearme de Alemania, y ‘No reconciliados’ es uno de los títulos más importantes del cine alemán de los últimos cincuenta años y se centra sobre tres generaciones de una familia de arquitectos que viven los cambios sociales y políticos de Alemania entre 1914 y 1954.

Jean-Marie Straub y Danièle Huillet. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Jean-Marie Straub y Danièle Huillet. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Homenaje por el centenario de Melville

Centenario Melville
Filmoteca de Valencia
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Del 28 de noviembre de 2017 al 14 de enero de 2018

El Institut Valencià de Cultura presenta en la Filmoteca un ciclo de homenaje a Jean- Pierre Melville con motivo del centenario de su nacimiento, que se inauguró el martes 28 de noviembre con la proyección de ‘Bajo el nombre de Melville’ (2009), de Olivier Bohler.
Este documental biográfico reúne entrevistas, material de archivo y fragmentos de las películas de Melville para intentar explicar el impacto emocional que tuvieron la Segunda Guerra Mundial y la carrera militar del director francés en su filmografía.

Fotograma de El último samurai, de Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Fotograma de El silencio de un hombre (Le samurai), de Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Organizado en colaboración con el Institut Français y la Jean-Pierre Melville Foundation, el ciclo reúne nueve de las trece películas de Jean-Pierre Melville, que podrán verse en copias digitales restauradas. Entre las películas que podrán visualizarse en diciembre figuran clásicos como ’24 horas en la vida de un payaso’ (1946), ‘El silencio del mar’ (1949), ‘Bob, el jugador’ (1955), ‘León Morin, sacerdote’ (1961), ‘El confidente’ (1962), ‘El ejército de las sombras’ (1969) y ‘Círculo rojo’ (1970).

Fotograma de 'Le cercle rouge', de Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Fotograma de ‘Le cercle rouge’, de Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Se trata de una oportunidad única de disfrutar del estilo singular de un cineasta que este año habría cumplido 100 años y que fue considerado el padre espiritual de la ‘nouvelle vague’ francesa y un maestro absoluto del denominado género ‘polar’ o policíaco francés.

Es particularmente interesante que el ciclo pueda verse en paralelo al que la Filmoteca dedica al cine negro clásico, pues esto hace posible comparar y entender aún mejor el ejercicio de apropiación y destilación de los códigos del género que Melville llevó a cabo en muchas de sus películas.

Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

 

Seis aspirantes valencianos a los Premios Goya

Finalistas a los Premios Goya
Miércoles 13 de diciembre de 2017

La Academia del Cine ha dado a conocer la lista de los finalistas de los Premios Goya 2018. El audiovisual valenciano y sus profesionales están presentes en seis nominaciones de varias categorías en esta edición. Entre los nominados figuran profesionales valencianos que residen y trabajan fuera de la Comunitat Valenciana pero también películas que han contado con participación de productoras valencianas.

Fotograma de The fourth kingdom. Imagen cortesía de la Filmoteca de Valencia.

Fotograma de The fourth kingdom. Imagen cortesía de la Filmoteca de Valencia.

En la categoría Mejor Cortometraje Documental figura ‘The Fourth Kingdom’, dirigido por el alicantino Adán Aliaga y Álex Lora, y producido por Isa Feliu y Miguel Molina. ‘The Fourth Kingdom’ forma parte del catálogo Curts 2017, con el que el Institut Valencià de Cultura promociona anualmente el cortometraje valenciano en festivales y en los mercados internacionales del audiovisual.

Fotograma de 'Colores'.

Fotograma de ‘Colores’, de Sami Natsheh y Arly Jones.

En la categoría Mejor Cortometraje de Animación figura ‘Colores’, dirigido por los alicantinos Sami Natsheh y Arly Jones, y producido por José Antonio Saura, y ‘El ermitaño’, dirigido por Raúl Díez y producido por Daniel Díez y Raúl Díez. ‘El ermitaño’ cuenta con las ayudas a la producción que convoca anualmente el Institut Valencià de Cultura dentro de la categoría de cortometrajes.

Paco Plaza (izda) entrevistado por Javier Caro.

Paco Plaza (izda) entrevistado por Javier Caro.

En las nominaciones al Goya a la Mejor Música Original está presente el alicantino Eugenio Mirá por ‘Verónica’, mientras en el apartado al Mejor Guión Original figuran Fernando Navarro y el valenciano Paco Plaza por ‘Verónica’. Paco Plaza también está presente en las nominaciones a Mejor Director por la misma película.

A la 32 edición de los Premios Goya optan un total de 130 películas estrenadas en nuestro país entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 2017. De estas 130 producciones, 79 son de ficción, 47 son documentales y 3 de animación. También concurren este año 63 filmes europeos y 35 cortometrajes:15 de ficción, 10 documentales y 10 de animación. De las 130 historias candidatas a la 31 edición de los Premios Goya, 53 son óperas primas. En cuanto a los guiones, 97 son originales y 28 son adaptados.

Estructurados en 28 categorías, a las que hay que sumar el Goya de Honor, la gala de los Goya 2018 se celebrará el 3 de febrero en el Madrid Marriott Auditorium Hotel.

Verónica

Fotograma de ‘Verónica’, de Paco Plaza.