¿No es país para jóvenes?

¿No es país para jóvenes?

Hace unos días entrevisté a un joven pintor mexicano, José Antonio Ochoa, el reciente ganador del premio de pintura de la Fundación Mainel. Repasando su trayectoria, me contaba con naturalidad cómo sus años de formación le llevaron de México a Chicago, luego a Sevilla y finalmente a Valencia. Ese detalle no me llamó la atención durante la conversación. Y precisamente por eso, testimonia algo de lo que tal vez no somos siempre conscientes, en el medio local: la capacidad de atracción que ejerce nuestra escena artística -y como parte de ella, la pictórica- entre creativos jóvenes. Seguro que, si nos preguntasen por la trayectoria vital de los artistas valencianos en el presente, tal vez muchos contestaríamos que lo normal entre jóvenes creadores es irse. Y sería parte de la verdad.

On the road de Jose Antonio Ochoa. Ganador XXI Premio Nacional de Pintura

On the road de Jose Antonio Ochoa. Ganador XXI Premio Nacional de Pintura. Imagen cortesía de Fundación Mainel.

Pero uno es historiador (del arte), cosa que ya no tiene remedio. Si te acostumbras a intentar mirar con un poco de perspectiva, surgen otros contextos, otros elementos de referencia. Empezando por las administraciones públicas, es ya lugar común tomar la apertura del IVAM en 1989 como el gran proyecto activador de la cultura artística valenciana contemporánea. Más allá de los altibajos en su historia, lo tiene todo para seguir siendo el referente esencial de la escena artística valenciana, por colección, por exposiciones, y por actividades. Desde fechas mucho más recientes, el Consorcio de Museos aspira a consolidarse como un actor atento a intereses y perfiles mucho más diversos, a proponer enfoques innovadores de gestión, y a vertebrar el territorio superando la tradicional focalización en la capital autonómica.

El siguiente elemento a considerar es, sin lugar a dudas, una Facultad de Bellas Artes de la UPV que ha tenido un desarrollo extraordinario en las últimas décadas. Bien dotada en cuanto a capital humano y a medios materiales, actúa como polo de atracción en la formación de -entre otros perfiles artísticos- pintores, dentro de una gran variedad de prácticas, de estilos y tendencias. Me cuesta valorarla como otra cosa que una historia de éxito: con sombras y luces, como todas, pero con neto predominio de las segundas, sobre todo si se compara con muchas de sus homólogas nacionales.

El coleccionismo privado siempre había estado ahí, pero ahora se está institucionalizando y va ganando visibilidad pública. Bombas Gens es el caso paradigmático, aunque ni mucho menos el único. Ahí están la Colección Martínez Guerricabeitia, o la Fundación Chirivella Soriano, o las múltiples iniciativas artísticas de DKV. Para cuando abra sede en 2020, las expectativas sobre la Fundación Hortensia Herrero son muy altas; lógicamente, tanto como el perfil de la familia Roig. Ninguna de estas colecciones se limita a un ámbito valenciano, pero tampoco se entendería que no contribuyesen a cultivarlo, incluyendo a los jóvenes.

Ya que hablamos de cultivar, las becas formativas para artistas también son importantes, incluso en tiempos de globalización y vuelos de bajo coste. Las becas Alfons Roig dan una dignísima continuidad a la labor ya centenaria de la Diputación de Valencia, en este campo. La colaboración del Ayuntamiento de Valencia con la Casa de Velázquez es un reciente añadido en este campo.

Exposicion XVIII Premio Nacional de Pintura. Cortesia de Jorge Sebastián Lozano

Exposicion XVIII Premio Nacional de Pintura. Imagen cortesia de Fundación Mainel

Y después de la formación, los premios para jóvenes. El concepto no está exento de dificultades, de las tensiones implícitas en diferenciar pintores jóvenes respecto a ¿emergentes? ¿media carrera? ¿precarios permanentes? La variedad de premios y enfoques refleja las soluciones propuestas, tanto desde la Administración como desde la sociedad civil. Hay dónde elegir: la Real Academia de San Carlos, el Senyera, el de la Fundación Mainel, el Mardel, la Bienal Comenge…

No quiero dejar de mencionar la continua vitalidad del arte público y el arte urbano, tan activos en nuestro entorno cercano. Intentar encajonar esa escena dentro de las coordenadas pictóricas, que son el marco de este texto, equivaldría a deformarla. Pero tampoco puede negarse que existen conexiones.

Por supuesto, esta panorámica -que no tiene ninguna pretensión de exhaustividad- estaría incompleta sin los retos de mejora. Muy especialmente, hay toda una serie de retos en cuanto a la escasa demanda de artes visuales en la sociedad valenciana. Los datos de mera asistencia a actividades artísticas hablan por sí solos. Sigue habiendo un desequilibrio entre la amplia oferta disponible y la demanda real. La compra de arte sigue siendo vista como algo fuera del alcance de las clases medias. En los casos en que sí hay voluntad de comprar, además, esa demanda se cubre mayoritariamente en ferias y foros internacionales. Todo esto se traduce a que los trabajadores del sector luchen seriamente por la mera supervivencia laboral, en un contexto caracterizado por la precariedad, según informes varios vienen refrendando.

Como consecuencia pero también como causa de lo anterior, tenemos un escenario de medios de comunicación culturales muy fragmentado e inestable. Esta problemática no es específica del ámbito valenciano, sino que forma parte de una situación general nacional. No faltan iniciativas de calidad; falta escala. Ojalá los recién recuperados medios de titularidad autonómica sirvieran para mostrar que información, entretenimiento y cultura pueden coexistir de maneras creativas. Queda mucho por aprender, en este campo, pero la propia MAKMA es un ejemplo estimulante.

Otro reto radica precisamente en la gran proliferación de iniciativas. Pensemos en la escena local de festivales, pocas semanas después de Russafart. A la vez, no lo neguemos, muchas iniciativas adolecen de inestabilidad y falta de continuidad. Por introducir aquí un actor tan esencial como son las galerías, la crisis financiera se llevó por delante profesionales que ya parecían consolidados en nuestra escena; pero no se trata sólo de la crisis, es algo más amplio. Algún día habrá que escribir la historia de tantas galerías que abren y desaparecen antes de dos años, la de los premios que dejaron de convocarse tras pocas ediciones, la de ferias de arte o salas públicas de exposiciones que cierran tras décadas de actividad…

Inauguración XIX Premio Nacional de Pintura. Cortesía de Jorge Sebastián Lozano

Inauguración XIX Premio Nacional de Pintura. Imagen cortesía de Fundación Mainel

Dándole la vuelta a la moneda, no es menos reseñable el mérito y el esfuerzo detrás de las iniciativas que sí se mantienen en pie. Al principio cité un ejemplo, que conozco de primera mano, las 21 ediciones del premio de pintura Mainel para pintores menores de 35 años; por él han pasado muchísimos nombres que hoy ya vemos consolidados dentro del panorama expositivo. El mérito nunca corresponde a una sola institución, sino que suele explicarse por la colaboración de otros actores; en este caso, la generosa participación de los jurados es un punto esencial.

En cuanto a los propios artistas, la disparidad de situaciones entre ellos es tan grande que dificulta un diagnóstico compartido. Poco en común tienen nuestros nombres más internacionales y tantos jóvenes que empiezan a enviar sus dossiers al terminar la carrera. La dureza de la profesionalización artística es extrema. Desde el asociacionismo profesional, AVVAC ha jugado un papel relevante de organización y denuncia durante muchos años. Sus actuales problemas institucionales hacen visible la fragilidad de la estructura, el escaso atractivo del esfuerzo colectivo, que sin embargo sigue siendo imprescindible.

Mucho de todo esto resulta evidente al leer las entrevistas a artistas que vertebran Espais d’Art, la estupenda exposición todavía visitable en Bancaja. La propia sede de esa exposición es emblema del amargo devenir de un actor económico y social tan importante como fue la principal caja de ahorros valenciana. Los damnificados en ese proceso fueron muchísimos; uno de ellos, poco visibilizado, fueron los propios artistas valencianos. El actual equipo gestor sigue planteando exposiciones útiles en este sentido, cosa también digna de agradecimiento, pese a una limitación radical de medios, en comparación con los años dorados. Por contraste, el Caixaforum será sin lugar a dudas un foco de enriquecimiento cultural para Valencia, pero está por ver si se prestará una atención grande a la escena local. No parece ser parte de su modelo institucional, ni tampoco tendría por qué serlo, pero el nicho y la necesidad existen.

Tantos logros y tantos retos no deberían hacernos perder de vista el resultado de toda esta escena, aquí apenas bosquejada. Y no es otro que una galaxia -no se busquen aquí metáforas futbolísticas, por favor- de abundantes e interesantes pintores valencianos jóvenes. Por supuesto, no es sencillo definir su valencianidad, más allá de la circunstancia biográfica de formarse o estar activos, más o menos establemente, en Valencia. Pero, aprendiendo de nuestra historia, estaría bien que les valorásemos aquí antes de que obtengan fuera el reconocimiento que merecen.

Exposición XX Premio Nacional de Pintura. Cortesía Jorge Sebástian Lozano

Exposición XX Premio Nacional de Pintura. Imagen cortesía de Fundación Mainel

Jorge Sebastián Lozano
Universitat de València

 

‘Entre Mitos. Libros de artista.’ Gema Navarro Goig

Entre mitos. Libros de artista. Gema Navarro Goig
Biblioteca de la Universidad Politécnica de Valencia
Camino de Vera s/n. Valencia
Hasta 16 de mayo 2018

La Sala de exposiciones de la Biblioteca de la Facultad de Bellas Artes de San Carlos, Universitat Politécnica de València, acoge una muestra que pretende establecer un vínculo entre el libro de artista y el mito. Los mitos, se transforman perpetuando algunas de sus características esenciales, como el dinamismo y la propia adaptabilidad que encajan en muy diversos lenguajes. Con la recreación artística en formato papel que conforma la exposición, los propios mitos parecen ceder el protagonismo al propio libro de artista, un soporte y forma de expresión artística que está suscitando un creciente interés en el contexto del arte contemporáneo actual, así como en el ámbito del coleccionismo, diferenciándose del libro tradicional por su carácter objetual y la prevalencia de la imagen sobre el texto, hecho que lo distingue de los convencionalismos que delimitan a los otros libros, los que conocemos y usamos, que generalmente son fruto de producción fabril.

Imagen: Cortesía de la comisaria Gema Navarro Goig. Detalle de MEDUSA, libro artista de Rufino de mingo

Imagen: Cortesía de la comisaria Gema Navarro Goig. Detalle de MEDUSA, libro artista de Rufino de mingo

Las obras que componen esta exposición se caracterizan por la diversidad de planteamientos y metodologías, ya que van desde el libro objeto, el escultórico, el desplegable o el tradicional de hojas cosidas, entre otros. La pluralidad se da también en las técnicas que los conforman: grabado, pintura, talla en madera, fotosensibles, collages, soportes poco convencionales, etc.

Imagen: Cortesía de la comisaria Gema Navarro Goig. Fotografía de la obra de Francesca Genna, titulada ' ACTEÓN'

Imagen: Cortesía de la comisaria Gema Navarro Goig. Fotografía de la obra de Francesca Genna, titulada ‘ ACTEÓN’

La muestra deja constancia de 23 artistas con una amplia trayectoria; algunos de ellos profesores de las Facultades de Bellas Artes de Madrid, Valencia y Palermo. La componen también creadores de diferentes países como Francia, Alemania, Argentina e Italia, que gozan de cierta tradición en la creación del libro de artista. Una parte de los participantes pertenecen al Grupo de Investigación de la Universidad Complutense de Madrid LAMP (el libro de artista como materialización del pensamiento) entre los está Gema Navarro Goig, comisaria de la exposición, conocedora de este ámbito que ha desarrollado en la docencia, actividad artística e investigación.

Imagen: Cortesía de la comisaria. Bestiario, obra de François Maréchal

Imagen: Cortesía de la comisaria. Bestiario, obra de François Maréchal

Comisaria
Gema Navarro Goig
Profesora Titular Facultad de Bellas Artes Universidad Complutense de Madrid

Artistas participantes
José Emilio Antón, Antonio Alcaraz, François Maréchal, Marta Aguilar, Carmen Hidalgo de Cisneros, Mónica Oliva, Rufino de mingo, Gema Goig, Francesca Genna, Gudrun Ewert, Blanca Rosa Pastor, José Manuel Guillén Ramón, Lola Pascual, Santiago Delgado, Carmen Grau, Carolina Maestro, Mariano Maestro, Vivian Asapche, Rosana Arroyo, Sylvain Malet, Emilio Morales, Silvana Blasbalg.

Premios FICAE en Valencia

Festival Internacional de Cortometraje Arte y Enfermedades
Clausura y entrega de premios de FICAE
16 de enero a las 18:30h
Auditori Alfons Roig de la Facultat de Belles Arts

FICAE, Festival Internacional de Cortometrajes Arte y Enfermedades, es una iniciativa de la Cátedra Arte y Enfermedades (UPV) y Proddigi Films, cuyo objetivo es fomentar la sensibilización y conciencia social sobre la enfermedad como proceso de vida, así como desestigmatizar la Hepatitis C y otras enfermedades tratables por medio de visiones positivas.

Casa del Alumno, sede del FICAE. Rotulación en la cristalera de la fachada realizada por Sabina Alcaraz. I Festival Internacional de Cortometrajes Arte y Enfermedades de la UPV.

Casa del Alumno, sede del FICAE. Rotulación en la cristalera de la fachada realizada por Sabina Alcaraz. I Festival Internacional de Cortometrajes Arte y Enfermedades de la UPV.

El próximo viernes 16 de enero a las 18:30 horas tendrá lugar en el Auditori Alfons Roig de la Facultat de Belles Arts de la Universitat Politècnia de València la Clausura y entrega de premiso en el que también se presentarán otros contenidos relacionados con la temática de este festival.

Al término del acto en la Sala Azul de la misma Facultat se ofrecerá una copa a todos los asistentes.

femCode: arte, mujeres y tecnología

Festival Miradas de Mujeres. femCode: arte, mujeres y tecnología
Facultad de Bellas Artes de San Carlos
Camino de Vera s/n. Valencia
Inauguración 6 de marzo a las 11:00 h.
Hasta el 7 de marzo de 2014

La exposición femCode: arte+mujeres+tecnología se desplegará por distintos espacios y aulas de la Facultad de Bellas Artes de Valencia, ya que el germen de las obras surgió en esos espacios.

En los últimos 6 años, en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia, han sido muchas las mujeres artistas que se han formado y han desarrollado sus proyectos en el ámbito cultural utilizando diferentes recursos tecnológicos; trabajos vinculados a la producción de imágenes, instalaciones audiovisuales y/o interactivas, arte sonoro, etc. Complejos dispositivos que pueden servir para visualizar nuevas formas de hacer en la relación mujer, arte, tecnología y sociedad (MATS).

La propuesta “femCode: arte+mujeres+tecnología” consta de dos partes, una exposición en la Facultad de Bellas Artes de los proyectos realizados por estudiantes egresadas del Máster Artes Visuales y Multimedia, una muestra refleja la diversidad de acercamientos a la relación MATS.

La segunda parte es la edición de una web y un DVD monográfico sobre la relación MATS con entrevistas a las autoras, y un apartado de reflexión teórica realizado por profesores especialistas sobre el tema. Pensado como un proyecto multimedia interactivo, que promueve continuar indagando la trayectoria de estas mujeres y sus obras en la web.

Las artistas que participan son: Patricia Aragón, Ana Teresa Arciniegas, Magda Arques, Alejandra Bueno, Andrea Canepa, Azahara Cerezo, Vanessa Colareta, Mercedes Cuenca, Aurora Diago y Miriam Esteve, Izaskun Etxebarria, Sara Galán, Hanna Schultz, Cristina Ghetti, Blanca Giménez, Esther González, Nacarid López, Neus Lozano, Anna Katarina Martin, Lucía Montero Sánchez de las Matas, Yasmina Morán, Esperanza Moreno, Loli Moreno, Inés Parcero, Giorgia Partesotti, Iona Pergo, Giulia Perli, Julia Puyo, Laura R. Moscatel, Adriana Román, Carolina Vallejo.

La exposición está coordinada por Amparo Carbonell, Maribel Domènech, Trinidad García, María José Martínez de Pisón, Pepa L. Poquet y Marina Pastor.

Imagen de los proyectos de la exposición. Cortesía de la organización.

Imagen de los proyectos de la exposición. Cortesía de la organización.

Relato y documento de Xisco Mensua

Relato y Documento de Xisco Mensua
Sala de exposiciones Josep Renau, Facultat de Belles Arts de la UPV
Camino de Vera, s/n. Valencia
Inauguración: el 16 de enero 2014 a las 13h.
Hasta el 28 de febrero 2014

“¿Cómo reducir la distancia, cómo pensar la adecuación entre el placer sentido de esas sombras proyectadas sobre la pantalla, la inteligencia de un arte y la de una visión del mundo?” – Jacques Rancière. Las distancias del cine.

Existe una necesidad vital de contar historias, por más que los modos de hacerlo hayan rebuscado con obstinación en sus antítesis mutuas y la linealidad aparente de sus formas iniciales se haya transformado en complejas construcciones que persiguen parecerse al mundo que toman como ejemplo, y contarlo. Los relatos componen una visión del mundo que intenta ser explicado, siempre sabiendo el final y por ello mismo, intentando rebelarse en su contra. Las fronteras entre lo veraz y lo verosímil son algo más que géneros de un mismo lenguaje, pues dependen del modo como entendemos el mundo de afuera –y el afuera del mundo–, como leemos un texto, una imagen o una secuencia que combine ambos.

Es sobre textos e imágenes, sus dobles y sus reflejos, sobre lo que orbita el trabajo visualmente complejo y al tiempo esclarecedor de Xisco Mensua. Esta afirmación no es una contradicción en términos, salvo que entendamos como eso el hecho mismo de crear obras artísticas y productos culturales en claro enfrentamiento contra el tiempo. Su filosofía hace propia la frase de René Char que el artista ha utilizado como cita: “No tenemos más que un recurso frente a la muerte: hacer arte antes de que llegue”. La complejidad mencionada reside en asumir como tema de análisis y campo de expresión de lo artístico el compendio cultural de Occidente, sus fragmentos y sus ruinas; contenido en citas y pensamientos, capaz de hacer explosionar en diferentes sentidos de interpretación la concreción de una imagen, superponiendo niveles que funcionan tanto por separado como conjuntamente… Por su parte, el esclarecimiento se produce como una reacción lógica a todo esto, pues precisamente el intento de concentrar en una imagen de forma resumida tal complejidad, y de conseguir indicar lo que de complejo implica su propia presencia en tanto que imagen, es lo que lo hace entendible y asumible como narración de un hecho mayor. El relato lo entendemos, por muy duras que sean las circunstancias del trauma que lo provocan.

En este proceso existen dos partes interconectadas: la comprensión de una serie de elementos e informaciones circunscritos al ámbito del pensamiento, donde también se encuentran el arte y la cultura visual, y su exposición en forma de composiciones en apariencia sencillas, o como imágenes simbólicas que encierran varios significados pero que resultan claras e inteligibles. De igual manera, resulta apasionante interesarse por la sencillez de una imagen en tanto que representa o construye una parte de la realidad que conocemos o que queremos transformar. Un reloj pintado en un lugar estratégico dentro de un papel de dibujo podrá ser muchas otras cosas, pero siempre será ante todo un reloj pintado: el tiempo detenido e interpretado como objeto, mucho más parecido en ese caso al concepto del kairós que al de cronos, pero un reloj al fin y al cabo que debe leerse también en ese sentido, como en un juego de recreaciones. Surge entonces el aspecto documental que ofrece cualquier imagen, su vinculación a un contexto y a un mundo histórico. No representa una confrontación contra el relato o su construcción, sino que, muy al contrario, es el elemento clave para entender la narración que nos interpela desde lo visual; el punto de apoyo para volar en dirección de la imaginación y el azar, o en dirección de cierta verdad del mundo afianzada en la experiencia.

La obra de X. Mensua necesita con frecuencia conformarse como polípticos que, influenciados por la narratividad dislocada e intermitente de los paneles del Atlas Mnemosyne de Aby Warburg, componen archipiélagos o constelaciones. También a estas formaciones astrológicas fue necesario buscarles una referencia figurativa, un relato que las vinculara a las formas de la mitología entonces vigente. Incluso la mayor de las abstracciones ha sido sometida al ritmo que marcan las figuraciones y su montaje. Los polípticos de X. Mensua, incluyendo los aquí mostrados (Trance, Song y No return), emplean sin embargo una retícula cartesiana: no difieren de tamaño entre sí, no ofrecen la diferencia de sus referencias cruzadas. Más bien al contrario, afrontan tal diversidad del modo como lo plantea Jean-François Chevrier: “La uniformidad de la imagen se opone a la heterogeneidad de los objetos y de los materiales. […] La imagen iguala lo que agrupa” (La fotografía entre las Bellas Artes y los medios de comunicación, p.38). La igualación del formato permite establecer puentes entre materias de estudio y análisis, pero también crear huecos e intersticios entre ellas, como la secuencia detenida y puesta en escena de un movimiento incesante que necesita del intervalo para ser ella misma. No es posible entender estas composiciones sin ver las imágenes como partes de un todo generado a su vez por las ausencias, las pausas y los silencios de los huecos intermedios.

Xisco Mensua. No Return. 2010. Tinta sobre papel. Políptico de 12.60 x 80cm

Xisco Mensua. No Return. 2010. Tinta sobre papel. Políptico de 12.60 x 80cm. Imagen cortesía Patronato Martínez Guerricabeitia.

Las frases que se pintan o se dibujan, el texto convertido en imagen, es también una forma de copia. Este concepto, en ocasiones confundido con el plagio o el hurto, es vital para entender el proceso generador de sentido que el arte contemporáneo posee. Las referencias propias del medio artístico se agigantaron en parte por la inclusión de los medios de comunicación en la sociedad, en el relato subsiguiente de la historia y en el modo de entender la estética de la reproductibilidad. La seriación y la copia se han convertido en la principal motivación del artista, quien mira el mundo y lo representa para crearlo de nuevo. El artista Rogelio López Cuenca (se) acusaba, entre otras cosas, de “repetir palabras empapadas por la saliva de otros”; imagen ilustrativa de lo que simboliza la creación contemporánea.

Si el reloj pintado podía ser una imagen de gran complejidad y también de gran sencillez, ¿cómo ver el texto que se pinta? Al leerlo, se comprende lo que dice, pero también se entiende cómo se hace, cómo se ha hecho. La sencillez de este gesto contrasta con la profundidad de su mensaje: “sueño sin fin ni tregua en nada”. ¿Puede verse esto como un posible epitafio del arte que pelea contra el paso del tiempo?

Epitafio sobre la tumba de Walter Benjamin

Epitafio en el Monumento al filósofo alemán Walter Benjamin en Portbou, Cataluña. Imagen cortesía del artista.

CURSO DE FORMACIÓN ESPECÍFICA

Relato y documento. Creación, edición, montaje e interpretación de imágenes.
Curso-taller paralelo a la exposición, impartido por el profesor Álvaro de los Ángeles
Del lunes 10 al viernes 14 de febrero 2014
De 10:30 a 14:30h
Número de plazas: 25 (10 de ellas para asociados de AVVAC)
Importe de la matrícula: 60 € alumnos UPV ; 80 € alumnos externos

El arte visual contemporáneo vincula dentro de su práctica elementos dispares a los propiamente artísticos, incluyendo revisiones a la tradición cultural de la Modernidad y planteamientos encaminados a la plena emancipación del público. Lidiar con las imágenes en el presente, un presente desbordado de imágenes, implica mirar más allá de ellas y plantearse cómo se generan, a partir de qué premisas, en relación a qué tradición visual, para quién se producen o cuáles son las consecuencias de su creación y difusión en la sociedad. El arte, en este sentido, se plantea qué poder de decisión sobre su tradición visual sigue teniendo y cómo relacionarse con otras materias culturales, sociales y políticas.

Programa detallado del curso

  1. Se analizará la exposición “Relato y documento” de Xisco Mensua, instalada en la Sala Josep Renau, a partir de los conceptos que componen el título y en relación al método de trabajo del artista.
  2. Las restantes sesiones teórico-prácticas combinarán el visionado de películas o secuencias, la exposición de conceptos teóricos, la lectura de fragmentos o citas pertinentes y la realización de trabajos prácticos.
  3. La última sesión implicará la puesta en común y discusión de los trabajos realizados por los participantes en el curso.

Al terminar el curso el alumno podrá:

  1. Tomar consciencia de la complejidad de la construcción de relatos y realidades que implica la creación y edición de imágenes en el momento presente.
  2. Ensayar teórica y visualmente alrededor de conceptos como: copia, traducción, edición, montaje, cita, relato y documento.
  3. Plantear la práctica y la teoría como formas interrelacionadas.
  4. Entender algunas de las herramientas que emplea el arte visual contemporáneo, mostrado a partir de ejemplos representativos.

 Para más información:  www.cfp.upv.es

Álvaro de los Ángeles

Art < 30: una muestra de artistas jóvenes

Art < 30. Varios artistas
Sala de Exposiciones de la UPV (Edificio del Rectorado)
Camino de Vera, s/n. Valencia
Inauguración: el 9 de enero 2014 a las 20:00h
Hasta el 25 de marzo 2014

La Universitat Politècnica de València, a través de su Área de Actividades Culturales, presenta la exposición “Art<30”, una muestra que recoge una selección de obras de jóvenes artistas contemporáneos.

La muestra surge a partir de la celebración de la sexta edición del concurso Art<30, convocado desde 2008 por la Facultad de Bellas Artes de la Universitat de Barcelona y que, con el paso del tiempo, se ha convertido en un referente nacional de la joven creación artística y ha contribuido de manera significativa a las carreras profesionales de sus ganadores.

Organizado por la Sala Parés y la Galería Trama, el certamen cuenta con el patrocinio de la Fundación Banco Sabadell, y, a partir de 2012, con itinerancias de las obras ganadoras gracias a DKV Seguros, la compañía especializada en salud firmemente comprometida con el arte contemporáneo y que recientemente ha creado Arteria DKV, un programa dedicado a impulsar la creación artística siempre de la mano de la salud y la mejora de la calidad de vida de las personas.

 Joan Bennàssar, Sin título (2013). Serie Permanent Vacation. 45x60 cm. Fotografía digital – Impresión inkjet sobre papel Harman

Joan Bennàssar, Sin título (2013). Serie Permanent Vacation. 45 x 60 cm. Fotografía digital – Impresión inkjet sobre papel Harman

De enorme variedad en cuanto a técnicas, la exposición incluye 30 obras de los 10 artistas ganadores del certamen (nueve individuales – Joan Bennàssar, Marta Domingo, Inma Femenía, Beatriz Hernández, Sergi Mesa, Adrián Montenegro, Marta Sánchez, Aldo Urbano y Virginia Vallilengua – y uno colectivo: Jenny Owens/Candela Torres), cuyos trabajos van desde la fotografía digital a la inyección de tinta sobre papel de algodón, pasando por acrílicos, óleos y técnicas mixtas sobre tabla o lienzo.

A la presente edición de Art<30 han concurrido un total de 79 dossiers de artistas menores de 32 años que cursan o han cursado sus estudios en facultades de Bellas Artes de España, Francia o Portugal. Entre ellos, un jurado formado por diversos decanos de las mismas ha seleccionado las obras que durante los próximos tres meses podrán ser observadas en la sala de exposiciones UPV.

Inma Femenía, Nokia X6 #1 #2 y #3 (2013). Serie Nokia X6. 80x60 cm. Inkjet sobre papel de algodón

Inma Femenía, Nokia X6 #1 #2 y #3 (2013). Serie Nokia X6. 80×60 cm. Inkjet sobre papel de algodón

Pensar con las manos

Pensar con las manos

Sala Josep Renau, Facultad de Bellas Artes de Valencia
Hasta el 5 de julio de 2013

"Pensar con las manos", imagen cortesía de UPV.

“Pensar con las manos”, imagen cortesía de UPV.

 

Se trata de un innovador proyecto expositivo que permitirá a los visitantes conocer el universo creativo de Pep Carrió e Isidro Ferrer, dos diseñadores de reconocida trayectoria, y adentrarse en sus obras a través de dispositivos de Realidad Aumentada, animación en 2D y 3D, vídeo y otros contenidos multimedia.

“Pensar con las manos” está concebido como un proyecto experimental que pretende explorar las posibilidades que ofrecen las nuevas tecnologías aplicadas al mundo sensible e imaginativo de las obras de Isidro Ferrer y Pep Carrió.

El proyecto ha sido desarrollado por Unit, Edición experimental, un colectivo formado por investigadores de la Facultad de Bellas Artes y la Escuela Técnica Superior de Ingeniería Informática de la UPV y que cuenta con la colaboración de la empresa de comunicación gráfica La Imprenta CG.

La exposición se compone de más de un centenar de obras de Pep Carrió e Isidro Ferrer, entre dibujos, cuadernos, collages y objetos que, vistos a través de la pantalla táctil de un soporte móvil, se activan virtualmente y sus contenidos aparecen multiplicados y ramificados, a veces de forma lúdica, mediante animaciones en 3D, otras, de manera documental e informativa, a través de vídeos y material sonoro.

“Pensar con las manos” permite experimentar y mirar la obra de Isidro Ferrer y Pep Carrió de otra forma, pero también visionar otros formatos divulgativos, como textos de autor o entrevistas, y relacionar la obra expuesta con diferentes imágenes de archivo. Se trata de un experimento que pretende ofrecer un amplio inventario de las posibilidades que brindan las nuevas tecnologías en el acceso al conocimiento y en el enriquecimiento de nuestra percepción.

Libro interactivo

La exposición se complementa con una publicación interactiva que recopila los cuadernos de los autores como parte de su proceso de trabajo. El libro lleva por título “Abierto todo el día. Los cuadernos de Isidro Ferrer y Pep Carrió”, y pretende ser un claro ejemplo de cómo los libros impresos tradicionales pueden convivir con las nuevas tecnologías y servir de soporte para formas innovadoras de conocimiento. A través de sus casi 300 páginas, el lector puede crear sus propios itinerarios, activando vídeos, animaciones y contenidos interactivos mediante la pantalla de su dispositivo móvil.

"Pensar con las manos", imagen cortesía de UPV.

“Pensar con las manos”, imagen cortesía de UPV.

El Cabanyal en imágenes

Cabanyal en imatge.  Exposició a les cases del Cabanyal
Del 10 al 19 de mayo de 2013
Cabanyal, Valencia

 

00
Carrer de Sant Pere, 83, baix
Propostes urbanístiques i arquitectòniques
Tato Herrero i Aitor Varea “Prolongar El Cabanyal”
EKA “Portuaris, de bloc a veinat”
Anna María Bordas “Passar sense trencar”
Francisco Requena “KBNL”
Ruggero Lupo “Recette Urbane”
Rossella Marsibilio “[ri]Cabanyal”
Punt d’informació, XV edició Cabanyal Portes Obertes
Cabanyal Arxiu viu
Cristian Gil Gil

Arquitectos.  Imagen cortesía Plataforma Salvem el Cabanyal

Arquitectos. Imagen cortesía Plataforma Salvem el Cabanyal

 

01
Carrer de Sant Pere, 89, baix
Mau Moleón
Homenatge a José Luis Sampedro

 

02
Carrer de Sant Pere, 68
Enrique Carrazoni
Julia Navarro i Cristina Cucinella

 

Craftivismo. Imagen cortesía Salvem el Cabanyal

Craftivismo. Imagen cortesía Salvem el Cabanyal

03
Carrer dels Àngels, 32
Victor M. González Danza

 

04
Carrer d’Escalante, 195, 1er
Màster Fotografía, UPV (Paco Llop, Pablo Martínez, Natalía Figueroa, Jaume Albert, Carme Godella -Ovidi Sambonet i Idoia Cabaluig-)

 

05
L’ Escola. Carrer del Progrés, 159, 1er
Alumnes EASD (Rosi Moreno, Jorge López, Patricia Gázquez, Lola Calzada, Mónica Monroy, Marta Villalta i Alex Salvador)

 

06
Carrer del Pare Lluis Navarro 166, 1er
Fotolateras (Lola Barcia i Mariela Forcadell)
La Comunidad

 

08
Carrer de la Reina, 125, baix
Paco Moltó
Videos alumnes assignatura Tecnologies de la Imatge II. BBAA, UPV
Alex García Sauri, video
Javier Múgica, llibre
Raquel Fonfria Mateo i Maria Carbonell Cubells (càmera: Salut Ferrer i Nora Arias)

 

09
Carrer de la Reina, 140,1er
Mira Bernabeu

Mira Bernabeu. Imagen cortesía Plataforma Salvem el Cabanyal

Mira Bernabeu. Imagen cortesía Plataforma Salvem el Cabanyal

 

10
Carrer dels Pescadors, 32, 1er
Juan Peiró i José Azkarraga

Juan Peiró.  Imagen cortesía Plataforma Salvem el Cabanyal

Juan Peiró. Imagen cortesía Plataforma Salvem el Cabanyal

11
Carrer del Rosari, 98, baix
Anna Marti, Amparo Cerveró, Basilio Moreno, María José Tomás
Aranzazu Cañizares Viana

 

12
Carrer de Josep Benlliure, 47, baix
José García Poveda, el Flaco
Laboratorio de Luz

 

13
Carrer de la Barraca, 31, 1er
José Aleixandre
Manuel Molines

 

14
La regadera. Carrer del Progrés, 23
José Penalba
Joaquin Berchez

José Penalba.  Imagen cortesía Plataforma Salvem el Cabanyal

José Penalba. Imagen cortesía Plataforma Salvem el Cabanyal

 

15
Plaça de l’Armada Espanyola, 3, baix
Silvia Molinero

Silvia Molinero. Equip Salvem Cabanyal Canyamelar. Imagen cortesía de Plataforma Salvem el Cabanyal

Silvia Molinero. Equip Salvem Cabanyal Canyamelar. Imagen cortesía de Plataforma Salvem el Cabanyal

Diálogos arte y salud en Patio Herreriano

Museo Patio Herreriano

Colección DKV-Colección Arte Contemporáneo

Valladolid

C/ Jorge Guillén, 6

Hasta el 5 de mayo

Diálogos. Colección DKV-Colección Arte Contemporáneo en el Museo Patio Herreriano surge de la interacción entre dos importantes colecciones de arte contemporáneo de nuestro país. Se han seleccionado obras de ambas colecciones para establecer una conversación temática y formal con el trabajo de cada uno de los autores. Las parejas que se crean de este modo construyen a su vez nuevas relaciones entre sí, en una red de conexiones inéditas en torno a un eje común.

Arte y salud es el eje que articula este diálogo entre obras, artistas y colecciones. Del mismo modo que el Arte ha ampliado sus fronteras en el último siglo, también la noción de Salud se ha expandido hasta ser considerado un estado de completo bienestar físico, mental y social.

La exposición da lugar a una visión de la diversidad de lenguajes estéticos en el panorama artístico actual desde el punto de vista de la salud. Asimismo, permite contrastar dos colecciones diferentes entre sí por la naturaleza de su titularidad, por sus criterios de selección y por su extensión geográfica y temporal, pero con evidentes nexos de unión entre sí. 

“Diálogos” reivindica la centralidad del diálogo y la construcción de puentes entre obras, creadores, instituciones y disciplinas, como parte de un esfuerzo común enfocado a generar bienestar desde el Arte y la Cultura. Incidiendo en esta línea de trabajo, y a partir de los contenidos de la exposición, se han programado talleres para personas con diversidad funcional del Centro Ocupacional del Ayuntamiento de Valladolid. Con los materiales producidos en esta actividad se organizará una exposición que se presentará en la sala de exposiciones de la Fundación Integralia DKV, en la sala de exposiciones cuidArt del Hospital Marina Salud de Dénia y en la Sala Cero del propio Museo Patio Herreriano.

Casi en paralelo a la realización de los planos del Hospital Marina Salud de Dénia, se gestaba la idea de convertirlo en un espacio más humano y saludable a través del arte. Así surgió la colección DKV Arte y Salud, germen de la actual Colección DKV. Con el tiempo, esta colección ha ido aumentando, y ya está integrada por más de 310 obras de diversas disciplinas, como la pintura, la fotografía o la escultura, pertenecientes a 120 artistas de toda la geografía española, que en su mayoría iniciaron su trayectoria en los años noventa. 

Con esta muestra, DKV Seguros pretende difundir esta iniciativa e impulsar a través de las obras que componen su colección el arte como fuente de creatividad, innovación y salud. La exposición “Diálogos. Colección DKV-Colección Arte Contemporáneo en el Museo Patio Herreriano” fue inaugurada por el Alcalde de Valladolid, Francisco Javier León de la Riva, la Concejala de Cultura y Turismo, Mercedes Cantalapiedra, el Consejero Delegado de DKV Seguros, Josep Santacreu, la Comisaria de la exposición y Asesora del Proyecto ARTERIA DKV, Alicia Ventura, el Director de la sucursal DKV de Valladolid, Víctor Ramírez y la Directora del Museo y co-comisaria de la exposición, Cristina Fontaneda.

El arte como herramienta terapéutica

El arte es un gran estímulo para la innovación, la creatividad y contribuye a mejorar la salud de las personas. Por este motivo, DKV Seguros impulsa un programa de arte, ARTERIA DKV, a través del cual promueve diferentes acciones encaminadas a fomentar la creación artística, como una vía de comunicación y expresión, un motor de salud y una forma de potenciar el pleno desarrollo personal.

Dentro de este programa, se encuentran diversas iniciativas como la Colección DKV, cuyas obras visitan espacios de diferentes ciudades españolas, el concurso Art30 y la iniciativa Fresh Art, que difunden la obra de jóvenes artistas, o la cátedra de empresa DKV Arte y Salud en colaboración con Facultad de  Bellas  Artes de la Universidad Politécnica de Valencia (UPV),  que pretende colaborar en la formación de nuevos artistas.

Museo Patio Herreriano de Arte Contemporáneo Español se inauguró en Valladolid el 4 de junio de 2002 fruto del acuerdo entre el Ayuntamiento de Valladolid, y la Asociación Colección Arte Contemporáneo. El Ayuntamiento de Valladolid ha aportado al Museo el magnífico edificio, una parte del antiguo Monasterio de San Benito y los recursos necesarios y la constitución de la Fundación Patio Herreriano para gestionarlo. La Asociación CAC, formada en el año 1987, ha cedido gratuitamente sus fondos permitiendo dar realidad al proyecto.