Fuencisla Francés en el Centre Octubre

Fuencisla Francés, Bosquejo
Octubre Centre de Cultura Contemporànea
C/ Sant Ferran, 12. Valencia
Inauguración: 11 de diciembre, 20.30h.
Hasta el 5 de enero de 2016

La inauguración de la instalación Bosquejo de la artista segoviana Fuencisla Francés, contará con las intervenciones musicales de Llorenç Barber, Montserrat Palacios y Bartolomé Bermejo, además de una performance a cargo del ”Colectiu TAK” (grupo de estudiantes de performance de la Facultad de Bellas Artes de Valencia coordinado por Bartolomé Ferrando).

Fuencisla Francés expone desde 1970 en galerías, ferias, manifestaciones y centros culturales del Estado Español, Chile, Florida, Londres, México, Buenos Aires, Washington, Uruguay, Brasil, Cerdeña, Alemania y Sicilia entre otros lugares.

Prestigiosos teóricos del campo de la estética como Román de la Calle han dicho de su obra : ”Provoca lecturas diferentes, que permiten la apreciación dinámica del orden”.

En esta instalación encontraremos interrupciones, alteraciones con el fragmento, con lo discontinuo, donde la pequeñez convive con la grandeza en una relación de relaciones.

Se advierten piezas pintadas, de madera, tela, papel, que se integran en el espacio arquitectónico, donde las formas saltan y se expanden por el espacio sin límites, son estallidos de aquello que no comprendemos de lo que nos rodea.

Una fuga de aquel fluir que no se repite.

El grado de verde, de carmín, de rojo, los trazos…

Con las formas abstractas se mueve la realidad, sin someterse a una trama o a un orden prefijado, mezcolanza de hierros, ceniza, una cazuela, una fresa con los colores, con los sonidos.

“Convertirlo en recorrido, en sendero, en bosque”, dice también Llorenç Barber

¿National? No, Radical Geographics

Radical Geographics, de Rogelio López Cuenca
Institut Valencià d’Art Modern. IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Hasta 31 de enero de 2016

Hay una ciudad flotante y otra subterránea. La flotante es una especie de Matrix, por utilizar las palabras del propio Rogelio López Cuenca, que impide ver la otra. La subterránea, por cuanto se halla tapada por el “mundo del espectáculo, del entretenimiento y del ocio”, sólo emerge si se realiza cierta labor de “arqueología” o “psicoanálisis” de la ciudad oculta. Que es lo que ha hecho el artista malagueño, junto a nueve estudiantes de la Facultad de Bellas Artes de Valencia. El resultado se puede ver en la Galería 6 del IVAM, donde se presentaron esos contramapas o cartografías del territorio ajeno a los itinerarios programados por las instancias oficiales.

Instalación perteneciente a la muestra Radical Geographics, de Rogelio López Cuenca en el IVAM.

Instalación perteneciente a la muestra Radical Geographics, de Rogelio López Cuenca en el IVAM.

Radical Geographics, que es como Rogelio López Cuenca ha denominado el conjunto, juega poéticamente con esos dos registros de la ciudad: “Funciona como metáfora del propio proyecto”, explicó el artista. Remite por un lado a la revista National Geographic, “exitoso ingenio multimedia” que “reproduce y difunde un poderoso imaginario colonialista”, tal y como subrayó Teresa Millet, comisaria de la exposición. Y apunta por otro lado a esa “geografía crítica o radical” con la que López Cuenca pretende desvelar lo que Matrix esconde.

Radical Geographics, de Rogelio López Cuenca en el IVAM.

Radical Geographics, de Rogelio López Cuenca en el IVAM.

De manera que el mapa (no oficial) de Valencia mostrado en el IVAM, nada tiene que ver con el que recibe el turista en las oficinas de información municipal. Lo mismo sucede con el resto de itinerarios o constelaciones recogidos en el proyecto de López Cuenca: Lima, Valparaíso, México DF, Barcelona… En todos ellos, la “maquinaria de aplastamiento de las ciudades por parte de las políticas neoliberales”, va dejando paso a toda una serie de geografías críticas surgidas, según afirmó el artista, “de la reacción en contra de ciudadanos insatisfechos con esas políticas”.

Detalle del mapa de Valencia en la exposición Radical Geographics, de Rogelio López Cuenca, en el IVAM.

Detalle del mapa de Valencia en la exposición Radical Geographics, de Rogelio López Cuenca, en el IVAM.

Radical Geographics, que quiere funcionar “a modo de manuales de desorientación” (Millet), recoge en un gran mapa en proceso las diversas entradas y salidas por las que se puede acceder a la ciudad de Valencia. “No existe ni lugar ni dirección privilegiada desde donde leerlo ni cómo recorrerlo”, señaló la comisaria, de manera que tan pronto salta a la vista el Cabanyal, Salvem el Botànic, el accidente del Metro, las Fallas, los desahucios o el solar del propio IVAM, como un grupo de rock alternativo, determinados movimiento de defensa de la huerta, o el propio alcalde Joan Ribó manifestándose aburrido por el tema de las banderas.

Detalle del mapa de Valencia en la exposición Radical Geographics, de Rogelio López Cuenca, en el IVAM.

Detalle del mapa de Valencia en la exposición Radical Geographics, de Rogelio López Cuenca, en el IVAM.

“El arte permite hacer cosas que en la Academia no se pueden hacer”, apuntó López Cuenca, al tiempo que se preguntaba: “¿Esto es historia, geografía, poesía?” Sea lo que fuere, lo cierto es que Radical Geographics, en la era de Internet, termina ocupando cierto lugar oficial dentro del carácter contestatario que predomina en las redes sociales. De manera que la Valencia oficial, expulsada de la Galería 6 del IVAM, tiene como reverso la Valencia alternativa que allí se expone como territorio que sale naturalmente a flote.

Las “voces de las multitudes” que en ese gran mapa (no oficial) de Valencia aparecen, “como una red de resistencia contra el saqueo de lo común” (Millet), eclipsan ya en cierto modo la política basada en los “arquitectos estrella”. Lo cual, según López Cuenca, es reflejo de esa “reacción en contra” o carácter “revanchista” de los sufridos ciudadanos frente a los más satisfechos en Matrix. El gran panel donde se recoge toda esa geografía crítica en continuo proceso “se podrá ver posiblemente en una página web”, concluyó Millet.

Ver la noticia en El Mundo Comunidad Valenciana

Detalle del mapa de Valencia en la exposición Radical Geographics, de Rogelio López Cuenca en la Galería 6 del IVAM.

Detalle del mapa de Valencia en la exposición Radical Geographics, de Rogelio López Cuenca en la Galería 6 del IVAM.

Salva Torres

Art Dating ya está en marcha

III Art Dating
Máster Oficial en Producción Artística de la Facultad de Bellas Artes de Valencia
Octubre Centre de Cultura Contemporània
C/ Sant Ferran, 3. Valencia
IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Martes 19, miércoles 20 y jueves 21 de mayo de 2015

Art Dating es un programa docente organizado por el Máster Oficial en Producción Artística de la Facultat de Belles Arts de València, cuya  tercera edición se va a llevar a cabo en el Octubre Centre de Cultura Contemporánea y en el IVAM, Institut Valencià d’Art Modern Centre Julio González, los días 19, 20 y 21 de Mayo de 2015. Art Dating se engloba en el marco de SELECTA 15, un proyecto dirigido por el profesor Pepe Miralles que tiene como objetivo ofrecer una experiencia docente de profesionalización a los estudiantes del Máster.

Cartel anunciador de Art Dating.

Cartel anunciador de Art Dating.

La idea que impulsa Art Dating es propiciar una experiencia directa en la que el alumnado tenga la oportunidad de mostrar su trabajo en condiciones de horizontalidad y cercanía a artistas profesionales, críticos, gestores culturales, profesores y galeristas, situación que resulta poco frecuente para un artista en vías de profesionalización.

Estas son las actividades que se van a realizar.

Encuentros. Están dirigidos a estudiantes del MPA que han solicitado participar en los mismos. Cada día participan 10 estudiantes que podrán conversar con los profesionales sobre su trabajo. De 09: a 14:00 h.

Martes 19 de mayo

Profesionales invitados:

Mariano Poyatos Mora. Escultor y director del laboratorio y espacio de arte Collblanc.

Juan Carlos Meana, (Vitoria 1964) es Profesor Titular del Departamento de Pintura de la Universidad de Vigo en España. Se doctoró en Bellas Artes en el año 1993 en la Universidad del País Vasco, habiendo cursado estudios en la ENSBA de París con Cristian Boltanski. Su actividad se centra en la práctica artística contemporánea, especialmente la escultura y las instalaciones habiendo realizado veinte exposiciones individuales y numerosas colectivas.

Domingo Mestre (United artists from the Museum). Activista visual, escritor y productor cultural. Licenciado en BBAA por la UPV y máster interuniversitario en Gestión Cultural UV/UPV. En la actualidad forma parte de la Asamblea que gestiona el Solar Corona de Valencia y del equipo de organización del festival de arte urbano Intramurs, per l’art a València.

Isabel Puig Mir es licenciada en Historia del Arte por la Universitat de València. Su certeza en cuanto a la importancia de la educación en los espacios culturales, le lleva a completar su formación con el posgrado Educación artística y gestión de museos, dirigido por los profesores Román de la Calle y Ricard Huerta. Es socia fundadora de AVALEM, la primera asociación valenciana de educadores en museos y patrimonios, de la que es actualmente Presidenta.

Johanna Caplliure. Comisaria, filósofa y crítico de arte. Organizadora de actividades culturales. Licenciada en Historia del Arte por la Universitat de València UVEG. Licenciada en Filosofía por la Universitat de València UVEG.

Miguel Benlloch y Ángela Molina Climent con participantes de Art Dating2 (2014). Fotografía de Enric Mestre. Imagen cortesía de AVVAC.

Miguel Benlloch y Ángela Molina Climent con participantes de Art Dating2 (2014). Fotografía de Enric Mestre. Imagen cortesía de AVVAC.

Miércoles 20 de mayo

Profesionales invitados:

Jorge López. Artista visual y director artístico de Galería Punto.

José María Alonso Calero, nacido en 1969 en Málaga, España. Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada.

Víctor del Río es doctor en filosofía y profesor de Teoría del Arte en la Universidad de Salamanca, donde integra el equipo del Máster de Estudios Avanzados en Filosofía.

Kay Bear Koss es una artista, escritora y comisaria que ha trabajado con organizaciones comunitarias sin ánimo de lucro y proyectos artísticos en muchos países diferentes a lo largo de los últimos años.

Marisol Salanova es licenciada en Filosofia por la UV, Máster en Producción Artística por la Facultad de Bellas Artes de la UV, comisaria independiente y directora de Micromegas, editorial murciana dedicada a la publicación de ensayo sobre arte contemporáneo.

Javier Martín-Jiménez con Aris Spensas en Art Dating2 (2014). Fotografía de Enric Mestre. Imagen cortesía de AVVAC.

Javier Martín-Jiménez con Aris Spensas en Art Dating2 (2014). Fotografía de Enric Mestre. Imagen cortesía de AVVAC.

Jueves 21 de mayo

Profesionales invitados:

Paula Pastor es Licenciada en Historia del Arte y co-directora/fundadora de galeria9, Valencia.

Lorena Amorós Blasco es doctora en Bellas Artes por la UPV (2004). Fue galardonada con el I Premio Tesis Doctoral por el Instituto de Cultura Juan Gil-Albert de Alicante. Actualmente es profesora en la Facultad de Bellas Artes de Murcia.

Antonio Barroso es artista plástico, comisario de exposiciones y critico de arte, actualmente es Presidente del Festival de las Artes Ciutat Vella Oberta, miembro del consejo asesor de La Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Castellon MARTE, y director artístico de la galería de arte contemporáneo SHIRAS.

Alba Braza (Valencia, España, 1980) es comisaria de exposiciones y trabaja como coordinadora de proyectos culturales y de mediación didáctica en Culturama SL. Es licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Valencia, especialista en Museología, Museografía y Conservación de Museos por la Universidad Politécnica de Valencia y egresada en el Máster en Gestión y Análisis del Arte Actual por la Universidad de Barcelona.

Conversaciones: Cuatro estudiantes de nuestro Máster mantendrán una conversación con el profesorado invitado a esta actividad, que pertenece a otras facultades de Bellas Artes del estado español. De 16:00 a 17:30 h.

Martes 19 de mayo

Profesionales invitados:

Juan Carlos Meana, profesor Facultad de Bellas Artes de Vigo

Miércoles 20 de mayo

Profesionales invitados:

José María Alonso Calero, profesor de la Facultad de Bellas Artes de Málaga

Víctor García del Río, profesor Facultad de Bellas Artes de Salamanca

Jueves 21 de mayo

Profesionales invitados:

Lorena Amorós, profesora Facultad de Bellas Artes de Murcia

Mesas Redondas: Art Dating quiere tener una proyección en el contexto social y artístico de la ciudad de Valencia. Estas mesas redondas están abiertas al público en general y se realizan en el IVAM a las 19:00h.

Art Dating (2013). Las Naves. Fotografía de Verónica Francés.

Art Dating (2013). Las Naves. Fotografía de Verónica Francés.

Martes 19 de mayo

Otras prácticas artísticas, otros modos de hacer. Otras economías.

Profesionales invitados:

Domingo Mestre (United artists from the Museum). Activista visual, escritor y productor cultural.

Raúl Abeledo. París (1973). Doctor en Ciencias Económicas (2010) y Máster en Estrategias y Gestión Ambiental (1999).

Llorenç Barber. Músico practicante pionero del Arte Público Sonoro mediante intervenciones y propuestas como Conciertos de Ciudad, De Sol a Sol, Naumáquias, Tauromáquias, etc.

Miércoles 20 de mayo

Dispositivos para la profesionalización del artista.

Profesionales invitados:

Eva Caro. Licenciada en BBAA. Gestora cultural con experiencia en Museos de Etnología, Arte Moderno y Contemporáneo.

Marisol Salanova.

Jorge López

Izaskun Etxebarria, AVVACC, Artistes Visuals de València, Alacant i Castelló. Asociación destinada a reunir dentro de una forma jurídica común al colectivo de artistas visuales de la Comunidad Valenciana.

Jueves 21

Enseñar sin invisibilizar la diversidad sexual.

Profesionales invitados:

Ricard Huerta es profesor titular de educación artística en la Universitat de València. Director del Instituto Universitario de Creatividad e Innovaciones Educativas.

Tatiana Sentamans es Doctora en Bellas Artes, Profesora de la Facultad de BBAA de Altea, miembro del grupo artístico O.R.G.I.A desde su nacimiento en 2001, y del grupo de investigación FIDEX de la UMH.

Luis Noguerol, es Licenciado en Historia del Arte. Secretario de AVALEM. Coordinador Área de Cultura de FELGTB (2012-2015) y en la actualidad responsable de proyectos culturales en Lambda.

Andrés Latorre López. Licenciado en Historia Contemporánea e Historia del Arte por la Universidad de Valencia.

“Queremos desestigmatizar algunas enfermedades”

Entrevista a Ricard Mamblona y Pepe Miralles, directores de FICAE
I Festival Internacional de Cortometrajes Arte y Enfermedades
Facultad de Bellas Artes
Universidad Politécnica de Valencia
Del 14 al 16 de enero, 2015

El próximo miércoles 14 de enero se inaugura en la Facultat de Belles Arts de la Universitat Politènica de València el FICAE, I Festival Internacional de Cortometrajes Arte y Enfermedades, dedicado en exclusiva al mundo de la enfermedad a través de la mirada cinematográfica. Hemos entrevistado a los directores del Festival.

El FICAE es una iniciativa de la Cátedra Arte y Enfermedades de la Universitat Politènica de València y Proddigi Films con un interés por sensibilizar y generar conciencia sobre la enfermedad, y hacerlo mediante el cine. ¿Cómo nace el FICAE y qué puede aportar respecto a otros festivales sobre esta misma temática?

El FICAE nace de la fusión entre la Cátedra Arte y Enfermedades, que pertenece a la Facultat de Belles Arts de la UPV, y la productora Proddigi Films con el objetivo efectivamente de dar visibilidad y fomentar la sensibilización y conciencia social sobre la enfermedad como proceso de vida. También queremos que FICAE se convierta en un punto de encuentro de libre acceso entre cineastas, artistas, pacientes y público en general. En un primer lugar, lo que pretendemos es intentar desestigmatizar algunas enfermedades como la Hepatitis C o las enfermedades inflamatorias autoinmunes a través de visiones positivas. Especialmente, en la sección oficial, nos hemos enfocado a enfermedades tratables pero que todavía hoy siguen siendo desconocidas o entendidas de forma errónea, y rodeadas de prejuicios y metáforas moralizantes.

Apuntáis a una visión positiva y alentadora de la enfermedad. ¿Qué tipo de cortometrajes vamos a poder ver en FICAE?

El Festival está dividido en tres secciones: documental, ficción y animación, y cada una de estas modalidades acepta propuestas experimentales que son muy afines cuando se mezcla el mundo del arte con el mundo de la enfermedad. Se proyectarán alrededor de 70 cortometrajes de más de 15 países distintos. Las temáticas son muy variadas, que van desde la Hepatitis C o el VIH, las enfermedades mentales o el cáncer, hasta algunas enfermedades consideradas raras.

Casa del Alumno, sede del FICAE. Rotulación en la cristalera de la fachada realizada por Sabina Alcaraz. I Festival Internacional de Cortometrajes Arte y Enfermedades de la UPV.

Casa del Alumno, sede del FICAE. Rotulación en la cristalera de la fachada realizada por Sabina Alcaraz. I Festival Internacional de Cortometrajes Arte y Enfermedades de la UPV.

Aparte de la interesante programación de la sección oficial, ¿qué otras actividades paralelas se han programado en FICAE?

Entendimos desde el inicio de este proyecto que un festival no puede limitarse únicamente a la proyección de películas dentro de la sección oficial. Esta circunstancia y el hecho de que surja y se realice en un ámbito universitario nos hizo plantearnos la idea de extender el Festival a otras sedes, otros públicos posibles y otros contenidos. De esta manera en el Palau de Cerveró (Instituto de Historia de la Medicina y de la Ciencia López Piñero), se albergará la sección “Cine forum”, en la que miembros de CALCSICOVA y AVACOS-H, junto con profesores de la Universidad de Valencia visualizarán una serie de cortos y establecerán diálogos sobre sus contenidos. No podíamos olvidar una realidad de nuestra comunidad universitaria que es la desinformación sobre las infecciones de transmisión sexual y las políticas sanitarias. Por ello en la Casa del Alumno se ha preparado un programa de cortometrajes enfocados a la prevención de la salud titulado “Pensar la enfermedad”.
Durante el proceso de visionado de las películas que se presentaron a la sección oficial nos dimos cuenta de la gran cantidad de audiovisuales cuyas temáticas son las enfermedades que se comparten en redes sociales especializadas como Vimeo. Una selección de estos materiales, entendida como un anarchivo de la enfermedad, es lo que se podrá ver en dos lugares, la Mediateca de la Facultat de Belles Arts y en la página web de la Cátedra Arte y Enfermedades. La Mediateca habilitará un espacio para consultas digitales a otras propuestas que hemos titulado, “O-U-T (Otras unidades temáticas)”, en la que se podrán ver trabajos cuyos contenidos están centrados en la divulgación de las enfermedades poco conocidas por medio de documentales o campañas publicitarias, realizadas fundamentalmente por asociaciones e instituciones publicas. La web de la Cátedra albergará la sección “FICAE en línea” compuesta por los resultados de la elección de unos 500 audiovisuales seleccionados a partir de diversas categorías buscadas en Vimeo, y divididas en secciones como “La clase médica”, “Una vida buena”, “Las cuidadoras”o “Enfermedades sociales”. Todas ellas estarán a disposición de cualquier persona que esté interesada en consultar estos contenidos.

Fotograma de la película E-Agora? Lembra-Me, de Joaquim Pinto. I Festival de Cortometrajes Arte y Enfermedad de la UPV.

Fotograma de la película E Agora? Lembra-me, de Joaquim Pinto. I Festival de Cortometrajes Arte y Enfermedades de la UPV.

Y, curiosamente, abrirá el Festival un largometraje.

En efecto, el Festival se inaugurará con la proyección del documental “E Agora?, Lembra-me” del director portugués Joaquim Pinto. Es una película maravillosa y paradigmática explicada desde la primera persona del realizador quien padece Hepatitis C y tiene VIH. Nos pareció que el tono y la temática de este documental encajaba perfectamente con la esencia de nuestro Festival. Es todo un honor para nosotros contar con esta multipremiada película y con el apoyo de su director.

¿De dónde proviene el interés de esta Cátedra por unir el mundo del arte y la enfermedad?

El arte y la enfermedad, como el arte y la vida, no son dos cosas distintas, forman parte de lo mismo. La Cátedra Arte y Enfermedades, al igual que Proddigi Films, llevamos trabajando e investigando durante mucho tiempo con estos temas, como el proyecto “Perspectives: Art, Liver Diseases and Me” que aúna a artistas y pacientes de todo el mundo para la creación de múltiples obras que tengan que ver con la Hepatitis C.

Fotograma de 'The Normal Heart', de Ryan Murphi. I Festival Internacional de Cortometrajes Arte y Enfermedades de la UPV.

Fotograma de ‘The Normal Heart’, de Ryan Murphy. I Festival Internacional de Cortometrajes Arte y Enfermedades de la UPV.

El Festival durará tres días en los que seguro se generará debate e intercambio de ideas en torno al tema del arte y la enfermedad. ¿Algo que destacar para la gala de clausura?

La ceremonia de clausura y la entrega de premios tendrá lugar el día 16 en la Facultat de Belles Arts de la UPV. Habrá un primer y un segundo premio, valorados en 800€ y 400€ respectivamente, por cada categoría, así como menciones especiales con entrega de trofeo y acreditaciones. Aparte de los premios, el Festival pretende ser un espacio para el debate y la reflexión en torno al arte y la enfermedad y por ello hemos preparado para esta ceremonia de clausura la posibilidad de visualizar trabajos como los de la artista Mar Gascó, cuyo trabajo está relacionado con el mundo hospitalario, una canción de Xevi Pigem, que narra la experiencia de una persona que tiene Hepatitis C, el documental ‘La Candidata’, producido por la Fundació Àmbit Prevenció, y el trailer de la película ‘The Normal Heart’, del director Ryan Murphy, que narra el combate y los desacuerdos de un grupo de activistas de Nueva York que se negó a dejar a los grandes poderosos, los médicos, la prensa o la política, enterrar la realidad alrededor de la epidemia creciente de VIH y que tan necesario es recordarlo en estos momentos. Estos contenidos irán alternándose con las partes protocolarias de la gala y la entrega de premios.

Programa FICAE

consulta toda la programación aquí

Cartel anunciador del FICAE. Universitat Politècnica de València.

Cartel anunciador del FICAE. Universitat Politècnica de València.

Pintar el mundo mientras se hunde

Como parte del programa “Encuentros de Arte Contemporáneo”, que cada año organiza el Departamento de Arte del Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert, recientemente mantuve en la Casa Bardín de Alicante una conversación/entrevista en público con el artista Javier Palacios. Una de sus obras fue, en la presente edición, adquirida para la colección de la institución.

Javier Palacios y José Luis Pérez Pont en un momento de la entrevista, en el Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert.

Javier Palacios y José Luis Pérez Pont en un momento de la entrevista, en el Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert, el 28 de octubre de 2014.

Javier Palacios (Jerez de la Frontera, 1985) es un pintor que tiene una línea de trabajo muy personal, capaz de romper con el ejercicio más intimista y abordar otro tipo de aspectos y temas. Su obra, más atenta a los modos que a las modas, está recibiendo reconocimientos y puestas en valor.

Javier Palacios. Process absence (Zeitgeist), 2012. Acrylic and oil on board. 198 x 198 cm. Cortesía del artista

Javier Palacios. Process absence (Zeitgeist), 2012. Acrylic and oil on board. 198 x 198 cm. Cortesía del artista

Javier, en tu serie de “Rostros” consigues narrar la soledad del individuo y capturar los gestos de respiración. En tu pintura existe una dialéctica que supera los límites del “yo”, una obra en la que el concepto de colectividad se condensa, pues no se trata de retratos sino de imágenes que representan a muchas personas. Háblanos del planteamiento de colectividad de tu trabajo y en qué posición personal los llevas a cabo.

Una de las principales cuestiones que el espectador se encuentra al ver esta obra es que le da el carácter de retrato, es algo que realmente me incomoda. Desde que comencé esta serie, que después de mi periodo de formación es lo primero que considero como obra personal, había un interés muy claro en conectar con el espectador. Más que hablar sobre la persona que estaba representada, se buscaba un intento de crear empatía con la persona que lo estaba viendo. De esta forma, pese que al principio algunos de los cuadros están con los ojos cerrados, poco a poco la mirada empieza a adquirir protagonismo y una necesidad de conectar con la persona que está mirando la obra.

Quizás también la necesidad de crear un formato grande, que aunque algunas veces he intentado pintar en formato pequeño, me he dado cuenta que el camino era producir algo grande a lo que el espectador tuviese la necesidad de acercarse y así crear ese contacto con la persona representada.

Es curioso que desde que nacemos hasta que nos morimos, estamos viendo rostros y siempre existe esa sensación fuerte con la persona que tenemos en frente. Quizás utilizo esa fuerza a la hora de representar esos rostros en mi obra.

Javier Palacios. Process absence, 2012. Acrylic and oil on board. 198 x 198 cm. Cortesía del artista

Javier Palacios. Process absence, 2012. Acrylic and oil on board. 198 x 198 cm. Cortesía del artista

Es interesante la reflexión que realizas sobre la respiración. Un gesto insignificante. Me gustaría que lo introdujeras.

Para mí, esa forma de representar la respiración surge en un momento en el que estoy realizando un proyecto para el Máster de Producción Artística, donde se exige que busquemos algo que decir. En ese momento me doy cuenta de que quiero hablar de lo mínimo posible y a eso mínimo, darle la mayor trascendencia. De ahí surge ese camino de trabajo de representación de la respiración como algo esencial y de lo que la mayoría de las veces no nos damos cuenta. Esa respiración repetida es la que nos recuerda que algo es real, una repetición que también se verá a lo largo de la obra sobre todo con el juego minimalista en la repetición del formato que, sin embargo la imagen no pierde la fuerza.

Esa respiración que posteriormente me va llevando a otra reflexión,  fue muy importante al principio por esa necesidad que yo tenía de transmitir más allá del concepto que había detrás de la imagen.

Javier Palacios. Myth (Daniel), 2013. Oil and acrylic on board. 198 x 198 cm. Cortesía del artista.

Javier Palacios. Myth (Daniel), 2013. Oil and acrylic on board. 198 x 198 cm. Cortesía del artista.

Representas rostros que prácticamente ocupan toda la superficie del lienzo, con el fin de establecer un juego de comunicación y cercanía con el espectador. ¿Qué tal crees que nos comunicamos los unos con los otros?

Es una pregunta interesante porque yo pienso que la relación de los unos con los otros es algo que hoy en día es una problemática de la sociedad, y al mismo tiempo algo que está evolucionando de una manera constante. Una evolución marcada por las nuevas tecnologías, que hacen que en el “tú a tú” cada vez tengamos menos estrategias de saber enfrentarnos a la persona que tenemos delante. Quizás eso es algo que también se puede llegar a reflejar en estos rostros, la necesidad personal de querer comunicarnos con el mayor número de personas posibles. Sí que pienso que es un problema, pero al mismo tiempo es algo muy especial en el ser humano, el querer comunicarse.

Javier Palacios. Myth (Luciana), 2013. Oil and acrylic on board. 198 x 198 cm. Cortesía del artista

Javier Palacios. Myth (Luciana), 2013. Oil and acrylic on board. 198 x 198 cm. Cortesía del artista

Te encuentras en proceso de investigación para tu tesis, acerca de las utilidades que se le ha dado al rostro que escapan a la definición de retrato. ¿Nos puedes dar algunas claves?

La tesis se llama ‘Utilización del rostro en la pintura valenciana de principio del siglo XXI’, lo del siglo XXI es una especie de juego para poder acotar. En esa tesis quizás también por una necesidad personal, me doy cuenta de que el rostro se estaba escapando de lo que había sido hasta ahora, la herramienta del género del retrato. En se momento empiezo a indagar, centrándome en la ciudad de Valencia y me doy cuenta de que cada artista hace una propuesta donde la herramienta del rostro la aborda de un modo diferente. Por ejemplo Chema López tiene una utilización muy documental que luego emplea para un discurso personal donde a cada imagen, cogida de diferentes medios, consigue darle una coherencia; o Carmen Calvo en su obra tapa los rostros, hablando de lo íntimo y de la imposibilidad de la memoria; también Sergio Luna, Tania Blanco… cada uno tiene su propuesta. En mi tesis doctoral doy valor a la utilización del rostro y a la importancia de que muchas veces, se relaciona con el género del retrato dándole una antigüedad que, a mi parecer no lo tiene.

Javier Palacios. Last ecstasy, 2012. Acrylic and oil on board. 195 x 146 cm. Cortesía del artista

Javier Palacios. Last ecstasy, 2012. Acrylic and oil on board. 195 x 146 cm. Cortesía del artista

Creo que el momento que estamos viviendo es apasionante, pues existe la posibilidad –tras varias décadas- de poder introducir nuevas normas del juego, con las que regenerar una sociedad que ha caído en vicios y fraudes que urge atajar. Cada día emerge un nuevo pozo sin fondo de corrupción, al que han ido a parar los recursos públicos que habrían de garantizar el bienestar de la ciudadanía. En una conversación previa me manifestabas que tus “cabezas perplejas” condensan el estado de perplejidad en el que se encuentra tu generación, que no sabe cómo reaccionar ante un nuevo escenario en transformación. Las pautas transmitidas y aprendidas no son útiles para dar soluciones a las situaciones que nos enfrenta el día a día.

Es curioso que muchos de estos rostros, sean  personas cercanas a mí, de mi generación. Cuando me fijo en mí alrededor, voy viendo que no estamos en una buena situación, que hay lucha pero nos encontramos con una especie de muro que genera una ansiedad que es la que yo también he intentado representar por medio de esa profundización de la respiración en “Rostros”.

Mi generación es una generación bisagra, que hemos vivido los buenos tiempos y ahora nos estamos adaptando a nuevos modelos que no sabemos por donde nos van a llevar. Se le puede ver el lado positivo siempre, nosotros vamos a dar con las soluciones para intentar que esto mejore.

La realidad cambia a partir de pequeños gestos, de pequeñas acciones, que llevamos a cabo en nuestro entorno cotidiano. Nuestra sociedad durante mucho tiempo se ha dejado hacer. Ha delegado su responsabilidad en otros y ha confiado en que alguien venga a solucionar los problemas y, de alguna forma, esa renuncia nos ha llevado a una situación complicada.

Me alegra que mi trabajo pueda dar pie a ese tipo de reflexiones. Yo tengo la creencia de que mi lucha es una lucha personal que pienso que puede trascender de muchas maneras. Quiero que sea una forma de ejemplo en un contexto adverso, intentar producir un trabajo que muchas personas ya darían por supuesto que es imposible de llevar a cabo. El hecho de ir todos los días a un estudio a producir un trabajo personal y tener la creencia de que eso puede seguir repercutiendo para mejor a mi alrededor o, con las nuevas tecnologías, para quienes no están tan cerca, para mí eso es algo que me hace querer seguir trabajando. De esa forma la lucha la interpreto como algo mas intimo, creyendo que estoy contribuyendo de una forma positiva. Aunque cualquier tipo de lucha que sirva para mejor, es de valorar.

Javier Palacios. Container souls, 2012. Oil on board. 92 x 120 cm. Cortesía del artista

Javier Palacios. Container souls, 2012. Oil on board. 92 x 120 cm. Cortesía del artista

Me gustó una frase tuya, en la que decías algo así como que los seres humanos nacemos como papeles extendidos y que la vida nos va marcando pliegues y formas que nos van definiendo. De esa idea procede tu serie de bolsas, “Almas”. Háblanos de esos trabajos.

Un dibujo de grafito fue el origen de esa reflexión. Más que hablar de conceptos, es algo poético. Mientras lo realizaba, me imaginaba que eso podía ser el alma de una persona desde un punto de vista muy general. El alma ha sido tratada desde diferentes puntos de vista a lo largo de la historia.

Si hay algo bueno ahí del momento en el que nos encontramos es que nada esta acotado y que al final, las propuestas personales surgen de la intuición y de la forma en que recuperemos el conocimiento que vamos teniendo. Esa idea de que la personas tenemos nuestras luces y sombras, y que la vida nos va creando y esculpiendo arrugas, que al mismo tiempo que nos dan brillo, nos dan oscuridad. Se trata de una estética algo barroca, que al mismo tiempo se limpia con ese espacio alrededor.

Las bolsas las empiezo a trabajar poco a poco, dándoles matices positivos mediante colores. Esculpo la bolsa, saco fotografía, con el ordenador trato el color y posteriormente la traslado a obra pictórica, sirviéndome la foto como referencia.

Para mí esta serie tiene algo de gramático, que recuerdan a las esculturas espirituales del barroco. Hay un juego formal muy evidente, sobre todo por la presencia de unos matices directos y simples junto con otros que son difíciles de explicar.

Javier Palacios. Soul, 2012. Oil on board. 70 x 70 cm. Cortesía del artista

Javier Palacios. Soul, 2012. Oil on board. 70 x 70 cm. Cortesía del artista

Es destacable la técnica tan depurada que tienes, hasta que no te acercas a la obra puede parecer que se trata de una fotografía, pero en la proximidad nos esperan los trazos de la pintura.

En este tipo de obras llegué a un punto de refinamiento y ahora quiero ver cómo juego con ella. A mí mismo me impactó y pensé que igual tenía que dar un par de pasos atrás y utilizar esa herramienta de otra manera. Evidentemente si hubiera hecho una foto no sería mejor ni peor, simplemente sería otra forma de trabajo. Sin embargo creo que hay cosas, bajo una sensibilidad, que se ven de forma diferente. El punto cercano con la imagen digital tratada con ordenador me parece un juego, que no se podría haber dado en otras épocas de la pintura, y por eso me parece interesante jugar con ella y ver qué puede pasar.

Javier Palacios. Soul, 2013. Oil on board. 147,5 x 198 cm. Cortesía del artista

Javier Palacios. Soul, 2013. Oil on board. 147,5 x 198 cm. Cortesía del artista

Hay una cita de Houellebecq que relaciona el arte contemporáneo con los restos de la sociedad actual, interpretando el arte como mondadura. ¿Qué aplicación tiene eso en tu obra o en tu método de trabajo?

Su forma tan dura de ver la realidad me atrae y me impresiona. Es un escritor que, mientras estoy trabajando, me hace reflexionar. No son reflexiones cerradas con las que yo trabaje, pero están dentro de mi cabeza mientras yo realizo la obra. Esa cita me encantó, esa idea de que el arte contemporáneo es una especie de resto de la sociedad que pese a que no puede tener la belleza que tenían en otros períodos, sigue siendo muy útil para entender el tiempo en el que estamos y puede llegar a ser real. A mí personalmente me hace sentir que estoy vivo.

Javier Palacios. Ente I, 2013. Acrylic fluor and pencil on board. 146 x 146 cm. Cortesía del artista

Javier Palacios. Ente I, 2013. Acrylic fluor and pencil on board. 146 x 146 cm. Cortesía del artista

En una evolución de esa línea de trabajo, abres para el espectador esas bolsas de basura y nos encontramos con “Entes”, unos desconcertantes conos de luz. Háblanos de la evolución de esos trabajos.

Como sucede con las Bolsas me doy cuenta de los restos industriales que vemos por la calle, unos restos que intento transformar en algo bello, si lo queremos llamar así. Estos entes surgen de esas bolsas de basura que están cerradas y me da la curiosidad de averiguar qué es lo que hay dentro de ellas. Un día dije “voy a abrirlas” y en lugar de encontrarme basura, me encontraba estas fuentes de luz que son formas abstractas que quiero que representen de la mejor forma posible un foco, una luz física y representada que al mismo tiempo está iluminando la bolsa de basura que anteriormente no tenia luz propia. A la vez se crea ese contraste entre una forma que no se sabe muy bien lo que es, que podría tener muchos significados y que no me interesa cerrar. Por eso mismo los llamo entes, ya que el significado de ente es aquello que tiene la capacidad de existir.

Aunque visto que no era basura, sí que tenían un punto positivo y pienso que la obra nos inquieta y creo que es lo que realmente le da la fuerza visual.

Javier Palacios. Ente III, 2014. Acrylic fluor and pencil on board. 38 x 50 cm. Cortesía del artista

Javier Palacios. Ente III, 2014. Acrylic fluor and pencil on board. 38 x 50 cm. Cortesía del artista

En un tiempo en el que el sentido común parece haber perdido significado y las pautas de lo preconcebido se manifiestan incapaces para generar seguridades, ¿optas por trabajar a partir de planteamientos proyectuales o de desarrollos más intuitivos?

La intuición tiene mucho que ver en mi trabajo pese a que luego las obras puedan parecer muy frías, son imágenes contundentes y directas pero la forma en la que surgen es pura intuición. Esto puede sentar mal, porque la intuición no surge de la nada sino que necesita un poso y un conocimiento que es lo que te permite jugar con unas cuestiones que de otra manera no existirían. Pienso que esto se va a ir desarrollando, porque hace poco leí un artículo que hablaba de que, en el momento en el que estamos, la creencia en el conocimiento cerrado se estaba viniendo abajo porque era lo que, de alguna manera, nos había llevado a la situación en la que nos encontramos. Por tanto cada vez se le iba a ir dando más importancia al tema de la intuición y la emoción, abriéndonos nuevas formas de conocimiento.

Pues yo creo que estaba en ese punto en el que no me creía mucho todo aquello que me llegaba e intentaba tantear cosas que no sabía lo que eran. Por eso me cuesta tanto explicarlo.

Javier Palacios. Ente IV, 2014. Acrylic fluor and pencil on board. 198 x 146cm. Cortesía del artista

Javier Palacios. Ente IV, 2014. Acrylic fluor and pencil on board. 198 x 146cm. Cortesía del artista

A los artistas se les somete a la misma lógica fungible que opera sobre la moda y la música, se les exige una renovación constante al son del impacto mediático como fe verdadera ¿En qué medida la mirada externa condiciona tus ritmos creativos y de producción artística?

Para mí es importante que haya un espectador viendo la obra. Pese a que me cueste explicarlo, no es una obra intimista sino que es bastante abierta. Es una obra que juega con elementos que pueden atraer al espectador desde muchas visiones.

Siempre trabajo pensando que hay un público. Hay un intento de comunicación con el otro, esa ansiedad creo que también se repite en mi línea de trabajo. Esa luz no deja de ser un punto de exclamación para que el espectador se pare y que exista una conexión entre la obra y el público.

En cuanto a lo que comentas del sistema que tenemos, cuando veo a artistas que llevan toda la vida trabajando, realmente los admiro. El público hoy en día es bastante duro, si algo pierde interés, mira hacia otro lado. El artista al final o se mantiene o desaparece. Esa tensión es buena pero no deja de ser dura para el artista.

Javier Palacios. Ente VII, 2014. Acrylic fluor and oil on board. 195 x 146 cm. Cortesía del artista

Javier Palacios. Ente VII, 2014. Acrylic fluor and oil on board. 195 x 146 cm. Cortesía del artista

Hace unos días, preparando esta conversación, me decías: “cuando estás en la facultad te crees que eres más importante que el mundo que te rodea”. Un tiempo después, ¿cuál es tu impresión acerca del periodo de formación? ¿Qué aprendiste en la Facultad de Bellas Artes de Valencia y que fue lo que no te enseñaron?

Yo siempre me he sentido afortunado de pasar por la Facultad de Bellas Artes de Valencia porque conocía antes la facultad de Sevilla. Yo nací en Jerez y allí la cultura artística, concretamente pictórica, no se da. Entonces cuando llegué aquí a Valencia fue un mundo nuevo, tanto por profesores como por los compañeros. Siento mucha gratitud por la facultad, además también me ha generado un contexto que me permite trabajar con la intuición.  Aprendí lo que significaba estar en la facultad, poder estar horas pintando y conocer gente que tenía los mismos intereses que tú, es una forma de vida. Una vez sales de la facultad y descubres lo duro que es todo, te das cuenta de que te dieron las herramientas para intentar luchar y ahora estamos en ese punto. Muchas cosas son como te decían, otras son diferentes… supongo que al final no dista de ser como cuando te formas en otras carreras, que el titulo es un punto y seguido para enfrentarte a otras cosas.

En mi familia siempre ha habido sensibilidad artística pero no hay que restar méritos, y en la Universidad he aprendido mucho de conceptos y técnicas. Aunque hay muchas cosas que se pueden mejorar o cambiar.

Javier Palacios. Ente II, 2014. Acrylic fluor, watercolor and pencil on board. 120 x 31 cm. Cortesía del artista

Javier Palacios. Ente II, 2014. Acrylic fluor, watercolor and pencil on board. 120 x 31 cm. Cortesía del artista

Lo estético es insuficiente para justificar el hecho artístico, el arte es algo más. Tampoco el mercado es el fin último de la creación artística. En tu caso, ¿por qué te dedicas a esto?

Hay una anécdota de Kooning en la que le preguntaban qué sentido tenía seguir pintado, él contestaba que le gustaba esa forma de ser. A mí me gusta levantarme por la mañana, irme al estudio, aislarme… Creo que fue Barceló que dijo “pinto porque la vida es demasiado poco”. Pues yo pinto “porque la vida me parece demasiado” y necesito aislarme en el estudio, pese a que soy una persona que luego tiene contacto social, pero quizás por eso necesito ese lugar de aislamiento.

No sé, de momento estoy a gusto. No digo que en veinte años ya no sea pintor, porque el mundo de hoy es muy dinámico y no se puede pensar que las cosas no pueden cambiar, pero por ahora las cosas salen bien y el mercado, o como lo quieras llamar, me está aceptando y pienso que tengo mucha suerte. Veo a mi alrededor gente con muy buenos trabajos que no tiene tanta suerte. Eso aunque te ponga triste, también te da mucha energía porque pienso que te da una gran responsabilidad. Por eso continúo.

Cuando miras a tu alrededor, en el mundo del arte, ¿qué ves?

Pese que en el barrio de Ruzafa, en Valencia, vivimos en una pequeña burbuja, pensando que las cosas pueden funcionar, sí que es verdad que cuando miras a otros ámbitos te das cuenta. Las cosas siguen para adelante y no sé cómo, supongo que es por el valor humano de los individuos por sí solos.

Es curioso porque yo sigo pintando en este mundo que se viene abajo. Pero pienso que es necesario que haya personas que traten de que las cosas funcionen de otra manera o que intenten emplear el margen que hay para hacer cosas buenas, para que el resto tenga la oportunidad de pensar que vivimos en un mundo que realmente puede funcionar.

El arte ha sido poco a poco absorbido por los estándares de la sociedad del espectáculo, obviándose algunos valores sociales y culturales que resultan trascendentes. ¿Crees que se puede seguir haciendo arte?

Efectivamente. A veces, uno piensa que no tiene sentido hacer lo que hace o por qué estoy haciendo esto en un mundo que esta así, pero luego piensas “¿y si dejara de hacerlo qué pasaría?”, estoy seguro que ese espacio lo ocuparían cosas mucho más negativas. Hay una pequeña barrera de personas que sigue creyendo en cosas que a lo mejor no dejan de ser espejismos. Hay que intentarlo.

Javier Palacios. Ente V, 2014. Acrylic fluor and pencil on board. 27 x 22 cm. Cortesía del artista

Javier Palacios. Ente V, 2014. Acrylic fluor and pencil on board. 27 x 22 cm. Cortesía del artista

Preguntas del público:

Reme Navarro: La luz de la bolsa de basura, ¿es algo estético o hay algo de metáfora?

Sí que es algo común en todas las imágenes, al principio pueden parecer cosas básicas pero quiero creer que todo trasciende y que todo tiene un segundo significado. Y ese significado se abre, no es definido. Lo que viene detrás está abierto y efectivamente es esa luz, más abstracto que la luz hay pocas cosas. Para mi podría ser más bien, una mancha de pigmento, de color fluorescente a la que he intentado dar esa sensación lumínica. La luz no sería luz si no fuera por otros elementos, como la bolsa que le rodea.

De todas maneras, en esta última serie, ese punto donde todo lo que tengo en mi cabeza, me está llevando a explicar de una manera un poco crítica lo que me rodea. Habla mucho de la mentira, de lo bonito. Es una crítica que se entiende en el proceso en el que cojo elementos de la basura y los pintos con colores de metales preciosos, abstrayendo lo real. Pese a que intento mantenerme al margen, este trabajo sí que intenta ser una especie de crítica entrecomillada de todo lo malo que me rodea.

Javier Palacios. Ente VI, 2014. Acrylic fluor and pencil on board. 27 x 22 cm. Cortesía del artista

Javier Palacios. Ente VI, 2014. Acrylic fluor and pencil on board. 27 x 22 cm. Cortesía del artista

Víctor López: Cuando has hablado de tu serie de almas, de esas bolsas de basura, Me ha llamado la atención la comparación con la escultura barroca. A mí me ha venido a la mente otro género, como es el trampantojo. Esa intención del artista de engañar al espectador y hacerles creer que lo que están viendo es otra cosa, algo real. Quería preguntar si es algo intencionado por tu parte el intentar engañar al espectador, hacerle creer que es una fotografía para que se acerque y compruebe por sí mismo que lo que está viendo no es una fotografía.

Sí que hay un trampantojo desde el barroco, donde con la pintura se quiere expresar lo real, pero realmente hay que plantearse si realmente estoy intentando engañar al espectador en si eso podría ser real, o si eso podría ser una fotografía. Estamos tan mediados por la visión de lo fotográfico que no somos capaces de creer que la pintura pueda tener la capacidad de hablarnos de algo real, porque es un apartado que lo dejamos por la fotografía.

Ese trampantojo es un juego de intentar que, con el poco margen de atracción de la fotografía, el espectador se quede un segundo viendo la obra. Hoy en día tenemos un colapso de imágenes que hace que resulte complicado… el tamaño también aporta esa atracción. Ese trampantojo que al mismo tiempo intento que sea atracción, figuración, realidad e imagen ficticia. Con todo eso intento jugar cuando se observa la obra.

Javier Palacios. Ente VI, 2014. Acrylic fluor and pencil on board. 27 x 22 cm. Cortesía del artista

Javier Palacios. Ente VI, 2014. Acrylic fluor and pencil on board. 27 x 22 cm. Cortesía del artista

Pilar Tébar: Donde te encuadras, ¿en la abstracción o el hiperrealismo?

Quizás eso forme parte de mi juego, de estar en los límites de varias cosas. No estoy descubriendo algo nuevo sino que es una de las características  del arte actual. Moverse en los límites de todas esas casillas para que, con la intuición de la que hablábamos antes, crear algo nuevo que diga cosas nuevas. Para mí es muy importante el juego de utilizar ese aprendizaje pictórico para intentar producir una obra que al mismo tiempo sea abstracta, tenga algo detrás, que sea íntima pero espectacular. Se utilizan las herramientas de hiperrealismo, de la figuración o de la abstracción, muchos lenguajes para crear uno nuevo.

Javier Palacios. Ente VI, 2014. Acrylic fluor and pencil on board. 27 x 22 cm. Cortesía del artista

Javier Palacios. Ente VI, 2014. Acrylic fluor and pencil on board. 27 x 22 cm. Cortesía del artista

José Luis Pérez Pont

Comando Marisol: La resaca del festín

Game over vs. insert coin’, de Comando Marisol
La Llimera
C / Pérez Escrich, 13. Valencia
Hasta el 17 de octubre

Hace diez años el Comando Marisol, un equipo de cinco artistas valencianos que prefieren guardar el anonimato, hizo su primera aparición, en la Politécnica de Valencia. Una acción artística que denunciaba, con un humor muy ácido, las atrocidades cometidas durante la Guerra de Irak.

Una década después, más maduros pero no menos combativos regresan con ‘Game over vs. insert coin’, una exposición multidisciplinar, que se puede ver en La Llimera. Una docena de obras impregnadas del toque crítico que les caracteriza. En tono irónico, los autores se autodefinen como dos mentes escenógrafas, una mente instalo-pictórica y otra de-mente.

Obra instalación de Comando Marisol. La Llimera. Imagen cortesía del grupo.

Obra instalación de Comando Marisol. La Llimera. Imagen cortesía del grupo.

El leit motiv de la muestra gira en torno a la idea de España como un país hecho pedazos, tras los acontecimientos vividos en los últimos años. Un país en fase de resaca, tras haber sido el escenario de una desmesurada fiesta. Los componentes del colectivo afirman que la sociedad actual se encuentra ante una seria contradicción que enfrenta los valores humanos y los económicos. Esa contradicción genera una catástrofe cultural, que divide profundamente al individuo y a la sociedad. Comando Marisol refleja esta desoladora situación en la puesta en escena de un banquete del que sólo quedan los restos. Un festín en el que  unos comensales han quedado ahítos, mientras otros pasan más hambre que nunca.

“El nombre de Comando Marisol, surgió por casualidad”, cuentan. “Nuestra primera acción como colectivo fue en la época de las manifestaciones del No a la guerra. Decidimos hacer algo diferente, algo más allá de salir a la calle y manifestarnos. Así que creamos una acción donde el elemento central era una tómbola en la que  los premios a los participantes incluían desde duchas de gas a malformaciones. La banda sonora era la canción ‘La vida es una tómbola’ de Marisol, y fue por ello que nos bautizamos Comando Marisol. Un nombre que nos define bastante bien por nuestro espíritu crítico y guerrillero, y con ese aspecto como kitsch y humorístico muy característico de nuestra forma de creación”.

Obra instalación de Comando Marisol en La Llimera. Imagen cortesía del grupo.

Obra instalación de Comando Marisol en La Llimera. Imagen cortesía del grupo.

Aglutinantes del equipo

El aglutinante que los une son los cinco años de universidad en Facultad de Bellas Artes de Valencia, y otros cinco de comunicaciones vía skype, emails y video-conferencias. Dos de sus integrantes viven fuera, en Berlín y Nueva York,  respectivamente, y las corrientes artísticas de estas ciudades han modelado su trabajo.

En su habitual tono desenfadado afirman que, además de la amistad y las afinidades ideológicas y artísticas, su mayor aglutinante es la gelatina de fresa y la cola de conejo, productos que se aplican para hacer las imprimaciones. “Al igual que el pigmento se unta con la pintura para crear tonos, nosotros nos untamos con eso”, bromean.

La muestra de la Llimera es el inicio de una nueva etapa para Comando Marisol que lanzará una campaña de micro-mecenazgo para recoger fondos, “porque es la única forma de poder seguir con el proyecto a la vista de la falta de subvenciones para conseguir fondos culturales. Falta financiación para la cultura, para el arte y para seguir adelante con proyectos”, afirman. “El artista termina haciendo lo que es susceptible de ser subvencionable o vendible para poder subsistir. Nosotros tenemos un equipo de abuelas  trabajando las 24 horas del día en un sótano,  tejiendo bufandas para la próxima exposición”, alardea la mente de-mente.

Obra instalación de Comando Marisol en La Llimera. Imagen cortesía del grupo.

Obra instalación de Comando Marisol en La Llimera. Imagen cortesía del grupo.

El predominio del dinero

Con materiales baratos comprados en Mercadona y comida basura, “al fin y al cabo, lo único que pueden comer muchas personas”,  reflexionan sobre cómo ha afectado la crisis al mundo de la cultura, sobre todo a nivel humano. “La exposición se basa en lo que hemos vivido estos últimos años: conmemoraciones, celebraciones e inauguraciones  de proyectos que no tienen ningún sentido, y que son un malgasto. Un instrumento de los políticos para recrearse en sus logros y ponerse la medalla. Por ejemplo, la Ciudad de las Artes. Continente versus contenido. Mucho dinero invertido en el ladrillo y nada en los contenidos.”

“No es sólo malgasto español, sino internacional”, apunta la artista afincada en Berlín. “El derroche es un instrumento del neo-liberalismo basado en la importancia del dinero. Nos hemos cargado las luchas de los trabajadores, los derechos que nuestros padres había conseguido, y la evolución de un  bienestar falso”.

Obra instalación de Comando Marisol en La Llimera. Imagen cortesía del grupo.

Obra instalación de Comando Marisol en La Llimera. Imagen cortesía del grupo.

“Esta exposición surge de una necesidad que se originó hace diez años y que sigue vigente”, indica la artista de-mente. “Queremos hablar otra vez de un problema que todavía está ahí,  y que ha ido a peor. Lo hemos hecho con  pasión, porque  echando la vista atrás, diez años después de un desastre humanitario como fue la guerra de Iraq, estamos todavía peor”.

“Cada uno ha llevado el tema a su terreno sin pensar en si iba a tener o no aceptación”, señala la artista instalo-pictórica. “Sin pensar que va a ser juzgado por un galerista o por una institución. Crear con la libertad de no pensar en la aceptación. Libertad que radica en hacer lo que realmente queremos, con la libertad de crear porque sí”.

Cartel promocional de la última exposición de Comando Marisol. Imagen cortesía del grupo.

Cartel promocional de la última exposición de Comando Marisol. Imagen cortesía del grupo.

Bel Carrasco

Sinergias y Vacíos (III)

Éste es el último artículo sobre el estudio realizado en torno a los aspectos positivos y negativos de Art Dating / Dialog en su primera edición. En este caso nos centramos sobre el posible impacto de las jornadas en la profesionalización de los participantes.

El tema de la profesionalización de los artistas es uno de los ejes fundamentales sobre los que se asienta AVVAC; buen ejemplo de la labor continuada que realiza la asociación en esta dirección fue la presentación de su presidenta Tania Blanco en el coloquio organizado por la Fundación Mainel el viernes pasado. Como se comentó durante el coloquio, el artista es considerado por el Estado, al menos en términos fiscales, un profesional. Por ello es fundamental que desde la asociación, la Facultad y las instituciones se le acerquen herramientas que le faciliten posicionarse como tal.

Valoraciones positivas

En el artículo I destacamos que ocho de los treinta y siete participantes comentaron que los encuentros les había permitido recabar información que pensaban repercutiría en su profesionalización. La mayoría de esta información había sido transmitida por artistas profesionales.

Pero además de adquirir consejos y valoraciones, cinco participantes mencionan lo positivo que les ha resultado poder conectar con el sector profesional. Resulta interesante observar que cuatro de los cinco comentarios recogidos están en relación con un encuentro con galeristas. Por otra parte, cuatro de los participantes contrastan la información que aportan los profesionales con respecto a la que se recibe en el mundo académico.

Participante 28 comenta que le ha parecido una buena experiencia, porque “desde el mundo académico luego es difícil dar el salto, y ésta es una forma de hacerlo”.

Participante 13 dilucida acerca de la importancia de su contacto con Galerista 3 y Galerista 4: “ellos están ahí fuera al pie del cañón. Esta vez no es algo que se me está diciendo desde dentro de la facultad”.

Participante 15 destaca de su contacto con Galerista 3 y Galerista 4: “han aportado una crítica y un posicionamiento más objetivos (que los demás profesionales)”.

Participante 23 explica: “es muy útil, me ha servido mucho”. Continúa diciendo: “para los estudiante es como un tortazo con la realidad, muy necesario. Para los artistas profesionales como yo también es fundamental para refrescarse”.

Mesa redonda, segundo día. Fotografía de Verónica Francés

Mesa redonda, segundo día. Álvaro de los Ángeles, Paula Alonso, Tomeu Simonet y Miguel Ángel Hernández. Fotografía de Verónica Francés

En una línea similar, seis participantes explican que participar en Art Dating / Dialog les ha permitido guardar el contacto con alguno de los profesionales. Resulta significativo que en cuatro casos sea con galeristas, y otros tantos con críticos. No se menciona a ningún artista invitado.

Participante 1 aporta que Galerista 2 le ha pedido el Portfolio.

Participante 2 comenta que Crítico 1 irá a ver su exposición (la cual se inauguraba unos días después).

Participante 16: tanto Crítico 3 como Crítico 4 quieren mantener el contacto, ya que ambos trabajan con planteamientos similares a los suyos.

Participante 28 menciona que Galerista 5 le ha dado su tarjeta.

Mesa redonda, primer día. Fotografía de Verónica Francés

Mesa redonda, primer día. Fotografía de Verónica Francés

Por otra parte los contactos y las sinergias establecidas han llevado a quince participantes a ser seleccionados para aparecer en unas reseñas en MAKMA. La selección la realizaron tres de los críticos invitados.

Art Dating: mi selección (I), por José Luis Pérez Pont
Art Dating: mi selección (II), por Johanna Caplliure
Art Dating: mi selección (III), por Rosa Ulpiano

Aspectos negativos

En los anteriores artículos las críticas se centraron sobre el problema de la sinergia y la falta de preparación por parte de algunos participantes. En esta entrega aportamos las críticas sobre el modelo organizativo. La mayoría de los comentarios, tanto por parte de los participantes como de los profesionales, giran en torno a la gestión del tiempo. Cinco participantes hablan de este problema:

Participante 19 lo explica así: “yo creo que no daba tiempo suficiente a hablar con todos. Mi sensación es que fue algo frenético, y aún así no pude hablar con todos los invitados del mundo del arte”.

Participante 33 comenta: “me ha parecido muy breve todo”.

Participante 13 aporta acerca de su encuentro con Crítico 3: “le han cortando su aportación a mitad, por falta de tiempo”.

Del lado de los profesionales, nueve de dieciocho son los que aluden a la falta de tiempo. Redundan en ello cuatro artistas, dos críticos y tres galeristas. Tanto un artista como un crítico lo achacan a un excesivo número de participantes.

Artista 4: “El tiempo ha sido demasiado corto, lo que lleva a contactar sin poder profundizar”.

Crítico 6 explica que ha resultado difícil “medirme el tiempo; quizás deberían haber habido menos artistas”.

Galerista 5: “No puedes profundizar con gente durante tan poco tiempo; es difícil dar un feedback”.

En el último grupo de críticas se recogen reflexiones de cuatro profesionales acerca de las infraestructuras del local dónde se llevaron a cabo las jornadas (Aula 2 de Las Naves). Tres críticos critican el espacio, tanto por la falta de metros como por las dificultades a la hora de presentar los trabajos, mientras que un artista lamenta la falta de conexión a Internet.

Mesa redonda, primer día. Fotografía de Verónica Francés

Mesa redonda, primer día. Nacho Paris, Alba Braza, Fermín Jiménez y Ernesto Casero, Fotografía de Verónica Francés

Propuestas

Las propuestas en este último artículo giran en torno al formato de los encuentros.

Se recogen propuestas de siete profesionales. Por un lado, un galerista y un crítico plantean la posibilidad de que tras los encuentros personales, diversos profesionales protagonicen un debate teórico sobre los trabajos presentados.

Galerista 5 aporta que tras el “tú a tú” podría ser interesante que debatieran todos los profesionales con los artistas.

Crítico 6 sugiere lo siguiente: “¿Qué tal si por la mañana se hiciese un tête à tête, y por la tarde el artista les recuerda brevemente qué hace, y entre todos los profesionales dialogan ante él?”.

En la primera edición de Art Dating / Dialog, las tardes fueron dedicadas a mesas de debate en torno a la situación del sector de las artes visuales en tiempos de crisis. Los profesionales invitados de cada día (dos artistas, dos críticos y dos galeristas) protagonizaron un debate en el que reflexionaban sobre cómo la situación socio-política afectaba a su profesión. Se habló del rol de las instituciones y de la gestión de los recursos, y se plantearon posibles estrategias. Estos debates fueron retranscritos y seguramente sean fruto de un futuro estudio.

Público mesa redonda, primer día. Fotografía de Verónica Francés

Público de mesa redonda con intervención de Pepe Miralles, primer día. Fotografía de Verónica Francés

Conclusiones

Este estudio muestra que Art Dating / Dialog, establece una estructura donde los jóvenes artistas reciben aportaciones y participan en dinámicas que fomentan su profesionalización.

Se observa además que el formato de los encuentros personales resulta idóneo para establecer una comunicación eficaz entre los participantes y los profesionales invitados, generando un alto porcentaje de satisfacción tanto entre los jóvenes artistas como entre los galeristas, críticos y artistas profesionales invitados.

Otro de los elementos que aparece como favorable es el hecho de invitar a profesionales que pertenecen a tres de los ramos protagonistas del arte contemporáneo; cada uno aporta una perspectiva distinta y la suma de todas genera una visión poliédrica muy necesaria para el artista en periodo de formación.

Por otra parte, es fundamental depurar el presente modelo de Art Dating / Dialog,  para mejorar los aspectos menos favorables de esta primera edición.

Es indispensable desarrollar nuevos procesos de selección de los participantes, en los que además se tenga en cuenta la sinergia entre participantes y profesionales. A ese respecto, es importante reflexionar acerca de las propuestas que se recogen en el presente estudio y que fueron formuladas por ambos grupos.

También es necesario gestionar adecuadamente el tema de la información. Se debe desarrollar una estrategia de difusión tanto para la convocatoria como para la presencia de público en los debates. Resulta imperioso lograr una mayor concienciación e implicación de los participantes a la hora de preparar su presentación. Por último, se debe remitir la información de los participantes a los profesionales invitados para que puedan a su vez preparar y afinar sus aportaciones.

En cuanto a los debates teóricos, puede ser interesante combinar las mesas redondas de la tarde con otros modelos que propicien la reflexión y la crítica a la situación del arte contemporáneo entre los diferentes protagonistas del sector.

En la página de AVVAC hemos publicado el estudio entero, incluyendo la lista de participantes y profesionales invitados en la primera edición.

Estamos de pleno en la organización de la próxima edición, e iremos informando de forma periódica a través de las redes sobre la organización y los procesos de selección.

Mercedes Vandendorpe

Pincha aquí y lee la primera parte de este estudio. Sinergias y vacíos (I).
Pincha aquí y lee la segunda parte de este estudio. Sinergias y vacíos (II).

Sinergias y Vacíos (II)

En este segundo artículo, reagrupamos los comentarios y críticas que giran en torno a la construcción del discurso que manejaron los jóvenes artistas que se presentaron a la primera edición de Dialog (Art Dating).

Valoraciones positivas

20 de los treinta y siete participantes han destacado haber recibido comentarios positivos por parte de alguno de los profesionales invitados. Catorce de estos comentarios son en referencia a un encuentro con un crítico, nueve con un galerista y cuatro con un artista. Por otra parte, algunos de los participantes (cuatro) mencionan que los encuentros les ha motivado a continuar con su trabajo.

Participante 5 comenta que tanto Artista 1 como Galerista 2 “han destacado mi       buena técnica”.

Participante 16 resume así su encuentro con Galerista 3 y Galerista 4: “me han     dicho que mi línea de investigación tiene un desarrollo claro. Comentaron que sé qué quiero hacer y adónde quiero llegar”.

Participante 25 aporta de Crítico 5: “me ha dado muy buen feedback” y de Crítico 6 “me ha aportado confianza en mi trabajo”.

Participante 29 destaca que Crítico 6 ha comentado positivamente la estética de su trabajo; “muy cuidada y delicada”. 

Greta Alfaro y Pedro Paz. Fotografía de Lola Calzada

Greta Alfaro y Pedro Paz. Fotografía de Lola Calzada

Además de las sugerencias sobre la obra visual, los participantes han recibido comentarios acerca del discurso. 10 participantes destacan este aspecto. Seis de los comentarios fueron hechos por galeristas, cuatro por artistas y cuatro por críticos. Algunos de los comentarios recomiendan reforzar –o clarificar– el discurso (seis sugerencias) mientras que otros son para felicitar al artista por la adecuación de su discurso a la obra (cinco comentarios).

Participante 1 comenta que ha estado hablando con Galerista 2 de qué importancia le da el artista a su obra y cómo se lo transmite al público a la hora de exponer.

Participante 14 explica que Artista 4 le ha recomendado “acoplar mi obra a un discurso sólido; dice que no debo limitarme a trabajar sólo la imagen”.

Participante 19, con Crítico 4: “Detectó algunos puntos de mi discurso que podría trabajar más para que no haya lugar a confusión”.

Participante 22 menciona que Artista 4 “Me recomienda introducir más cuerpo teórico, y preguntarme dónde quiero colocarlo (el proyecto) y porqué”.

Dialog, primer día. Fotografía de Verónica Francés

Dialog, primer día. Fotografía de Verónica Francés

Por otra parte, 14 participantes explican que en los diversos encuentros personales han recibido conocimientos teóricos y referentes artísticos.

La mayoría de estas informaciones fueron aportadas por artistas profesionales (siete comentarios) y por críticos (también siete). Dos comentarios refieren a conversaciones mantenidas con galeristas. Por otra parte, nueve participantes mencionan haber recibido recomendaciones de artistas a los que investigar.

Participante 22: tanto Crítico 3 como Crítico 4 “me han recomendado el estudio de ciertos artistas”.

Participante 23 aporta que Artista 6 le ha hablado de “las diferencias entre la pintura y la fotografía”.

Participante 32 comenta de manera general que todos le han aportado “consejos y muchos referentes de artistas que trabajan con los mismos medios, estética o conceptos”.

Aspectos negativos

En el campo de las críticas, nos centramos sobre las comentarios hechos por los profesionales invitados sobre a la falta de preparación por parte de los participantes. 5 de los dieciocho profesionales subrayan este aspecto; tres son críticos, uno es artistas y otro es galerista. Tres de los comentarios recalcan los problemas en el discurso.

Crítico 1 explica que “en muchos casos ni siquiera el propio artista había hecho una selección de sus trabajos”.

Crítico 3 comenta acerca de los participantes: “No había demasiada vertebración; a menudo el discurso estaba desfasado con respecto a la producción”.

Galerista 4 dilucida acerca de la falta de profesionalización en la presentación. Así se lo ha explicado a muchos: “Esto no sirve como presentación a una galería”. 

Fermín Jimenez y Rubén Espada. Fotografía de Verónica Francés

Fermín Jimenez y Rubén Espada. Fotografía de Verónica Francés

Propuestas

En el anterior artículo, las propuestas de los profesionales para la próxima edición giraron en torno a posibles fórmulas para mejorar la sinergia entre participantes y profesionales invitados. En esta segunda entrega aportamos sus reflexiones sobre el tema de la selección de los participantes. Por una parte, se recogen dos comentarios positivos acerca de la diversidad de los participantes:

Crítico 3 comenta que Dialog le ha permitido acceder a “nuevos perfiles de trabajo”.

Galerista 5 explica que ha sido enriquecedor “poder compartir con una serie de       artistas con lenguajes diferentes, de muchas edades. Conocer un poco lo que se está viviendo aquí en Valencia”.

Por otra parte, como ya se mencionó en el anterior artículo, 7 de los dieciocho profesionales invitados insisten en la necesidad de una selección, sobre todo en lo que respecta a los socios. A la hora de formular propuestas, dos galeristas proponen que los propios profesionales invitados hagan la selección. Otros dos profesionales (un artista y un crítico) recomiendan que la convocatoria sea más abierta.

Galerista 3 subraya: “se notaba mucho las diferencias entre los diferentes participantes”.

Crítico 3 “En una segunda edición hay que pensar el filtro de preselección ¡Pero que sea muy amplia!”

Artista 5 recomienda abrir una convocatoria nacional para que más artistas puedan acudir, algo parecido al encuentro de porfolio en PhotoEspaña. “¿Por qué a PhotoEspaña se presentan cientos de personas y a esto no?” 

Rosa Ulpiano y Marco Ranieri. Fotografía de Lola Calzada

Rosa Ulpiano y Marco Ranieri. Fotografía de Lola Calzada

Para la convocatoria de Dialog 2014, es crucial establecer una reflexión sobre cuál es el objetivo de estas jornadas, y a qué tipo de participantes debe estar dirigido. Siendo una colaboración entre AVVAC y la Facultad de Bellas Artes (más concretamente con el Máster de Producción Artística) hay que recordar que un alto porcentaje de participantes son estudiantes, y que como tales, asisten a dichas jornadas buscando completar su formación mediante los aportes de los profesionales que están trabajando en el sector.

En este punto del proceso todas las reflexiones son bienvenidas.

 Mercedes Vandendorpe

Pincha aquí y lee la primera parte de este artículo: Sinergias y vacíos (I)
Pincha aquí y lee la tercera y última parte de este artículo: Sinergias y vacíos (III)

 

Sinergias y Vacíos (I)


Está a punto de iniciarse la preparación de la nueva edición de
Dialog (Art Dating),  un proyecto organizado por AVVAC (Asociación de Artistas de Valencia, Alicante y Castellón) en colaboración con el Máster Oficial en Producción Artística de la Facultad de Bellas Artes de Valencia. El último evento se llevó a cabo en Las Naves, Espacio de Creación Contemporánea, los días 3, 4 y 5 de julio 2013.

Desde sus inicios, AVVAC ha buscado establecer vías de colaboración con la Facultad, con la finalidad de concienciar a los estudiantes sobre las cuestiones de profesionalización del artista y su necesaria vinculación con el Manual de buenas prácticas. En enero de 2012, esta colaboración se concreta en la forma de unas jornadas a enmarcar en la programación de Selecta 13, un evento que el Máster en Producción Artística viene organizando desde 2010 para dar visibilidad a los trabajos de los alumnos y generar un puente con el mundo de las galerías. El grupo de trabajo está formado por el profesor Pepe Miralles, y por Tania Blanco, Víctor Melià y Mercedes Vandendorpe por parte de AVVAC.

La propuesta está basada en la idea de Showroom. Además de invitar a galeristas y críticos, se plantea traer a artistas de trayectoria internacional para que puedan aportar su propia visión y experiencia a los alumnos. En la misma línea, se resuelve abrir la convocatoria a los socios de AVVAC, para favorecer la creación de puentes entre alumnos y artistas profesionales. Se completa el programa organizando mesas de debate abiertas al público para dar voz a los profesionales invitados de cada día.

Se acuerda invitar a 18 profesionales (2 artistas, 2 críticos y 2 galeristas cada día) y que los propios alumnos elijan con qué profesionales quieren coincidir. Se reservan 30 plazas para los alumnos del máster y 15 para los socios de AVVAC, los cuales son seleccionados por orden de inscripción.

La primera jornada da comienzo a las 10:00 de la mañana, con la llegada de los participantes, que van ocupando las mesas y organizando la presentación de sus trabajos. Una hora más tarde, con la llegada de los profesionales, se procede a una breve presentación, tras la cual los 6 profesionales se dirigen cada uno hacia un participante, estableciendo de forma natural un tête à tête.

A través de la crónica que se ha empezado a redactar, se percibe que los participantes se sienten cómodos con este tipo de encuentros. Se organizan entrevistas sistemáticas con los participantes para saber cuáles son sus reacciones tras cada encuentro personal. Después, se entrevistan a los profesionales para recoger sus opiniones, críticas y valoraciones.

A lo largo de los tres días, se recogen de manera aleatoria los comentarios de 37 participantes y de 18 profesionales.

Basándonos en la crónica redactada durante la primera edición, publicamos los resultados del estudio realizado. Para su divulgación en la red, hemos favorecido la división del estudio en tres artículos en los que se entremezclan resultados del estudio con fragmentos de la crónica. Este primer artículo sobrevuela los puntos esenciales del estudio.

Valoraciones positivas

Al leer la crónica, uno de los primeros temas que aparece de manera reiterada es la idea de que la dinámica de los encuentros personales ha sido positiva.

Así lo expresan diecisiete participantes; de una forma u otra realzan lo importante que les ha parecido poder sentarse a hablar con un profesional en un tête à tête. Esto se comenta ocho veces con respecto al encuentro con un galerista, siete con respecto a un artista y cuatro con respecto a un crítico. Diez de los diecisiete comentarios recogidos destacan la sensación de horizontalidad, cercanía o comodidad.

Participante 1 comenta acerca de su encuentro con Galerista 2: “ha sido una gran oportunidad de mostrarle mi porfolio”.

Participante 3, con Galerista 1: “experiencia muy positiva, esperanzadora”.

Participante 6, en su encuentro con Artista 2: “expliqué mi trabajo de primera mano y de forma horizontal”.

Participante 21, con Crítico 4: “trato muy directo sin barreras: diálogo abierto”.

Participante 25 destaca de Crítico 6: “me ha aportado confianza en mi trabajo; me he sentido muy cómoda hablando con ella”. 

 Norberto Dotor y Juan Carlos Rosa. Fotografía de Verónica Francés

Norberto Dotor y Juan Carlos Rosa. Fotografía de Verónica Francés

De forma más específica, quince participantes expresan haber recibido críticas y aportaciones concretas con respecto a su trabajo. Es interesante señalar que se ha recogido el mismo número de comentarios por parte de artistas, galeristas y críticos: once para cada grupo. Varios de estos comentarios (nueve) animan al artista a centrarse sobre una determinada vertiente de su trabajo. En cambio, cuatro comentarios son recomendaciones para ampliar el campo de investigación.

Participante 10: Galerista 1 le ha comentado: “hay que especializarse en un medio y desarrollar una idea clara. Tener un trabajo muy definido”. Le ha recomendado centrarse en sus proyectos fotográficos.

Participante 13 comenta de Crítico 3: “me ha dado ideas nuevas acerca de las cosas que ha visto en mis cuadros”. De Crítico 4 dice: “me ha explicado claramente: esto te funciona, esto no, y esto regular. Muy clara.”

Finalmente, Galerista 3 y Galerista 4 le han recomendado centrarse en la parte de su trabajo orientado al arte público.

Otra de las ventajas que ha aportado los encuentros personales ha sido recabar información que repercuta en la profesionalización de los artistas.

Ocho participantes mencionan este punto, enfatizado mayoritariamente por los artistas profesionales. La información que éstos aportaron tuvo que ver en ocasiones con la explicación de los escollos que ellos mismos encontraron; tres de los ocho comentarios en los que se mencionan a los artistas van en esta dirección. Los galeristas son mencionados en este punto cuatro veces, y los críticos en dos ocasiones.

Participante 8 explica que Artista 2 le ha recomendado qué actitud mantener con respecto a concursos y convocatorias.

Participante 23: Artista 6 le ha hecho sugerencias para obtener dinero que le permita exponer la obra. También le ha explicado cómo distribuir una obra. Por otra parte, Galerista 5 le ha hablado de la relación entre el artista y la galería.

Participante 28 comenta de Galerista 5 que ésta le ha explicado “como entrarle a una galería”.

Participante 31, con Artista 5: “me ha hablado de cómo mover el vídeo en galería y cómo vender el video cuando es en serie”.

Nuria Enguita y Verónica Francés. Fotografía de Lola Calzada

Nuria Enguita y Verónica Francés. Fotografía de Lola Calzada

Por otra parte, del lado de los profesionales invitados, se recogen quince comentarios valorando de forma positiva su experiencia en Dialog. Cinco de estos comentarios ponen el énfasis en el tête-à-tête y sus posibilidades de diálogo. Dos de los comentarios son de galeristas, dos son de artistas y uno es de un crítico.

Galerista 2 afirma que le ha parecido “genial el formato de tú a tú”.

Artista 3 menciona que “hay cosas que salen más en la intimidad del tú a tú”. Le parece interesante “la posibilidad de lo personal”.

Crítico 3: “Experiencia fantástica y muy necesaria”. Le ha interesado poder hablar de uno en uno con los artistas.

A Galerista 3 le ha interesado esta posibilidad de diálogo ya que “no podemos defender a los artistas en los que no creemos”. Añade: “no hay propuestas como ésta, en las ferias se está para otra cosa”.

Artista 4 comenta que le parece interesante el que “gente que está terminando la facultad pueda conocer las perspectivas de los que ya llevan tiempo caminando”.

Crítico 7 expresa así su experiencia: “Muy bien, muy positiva”. Dilucida que “la parte de la proyección de los artistas es la complicada; este tipo de actos facilita esto”. 

 Miguel Ángel Hernández y Aaron Duval. Fotografía de Verónica Francés

Miguel Ángel Hernández y Aaron Duval. Fotografía de Verónica Francés

Aspectos negativos

En el campo de las críticas, se recogen comentarios de nueve participantes que transmiten sensación de insatisfacción con respecto a uno o varios de sus encuentros personales. Siete participantes refieren al hecho de recibir pocos o ningún comentario. La mayoría están en relación con un encuentro con un galerista (seis comentarios) o con un crítico (cinco). Un comentario refiere a un artista.

Participante 9 dice de Galerista 1: “no le ha interesado”.

Participante 20, hablando de Galerista 3, Galerista 4 y Artista 3: “me han escuchado, pero sin muchas aportaciones”.

Participante 25 comenta de Crítico 7 “no hubo casi feeling. No era quizás la persona adecuada para ver mi trabajo, a pesar de que había buena comunicación”.

Participante 27, de Crítico 6: “no sabía qué decirme”.

Por su parte, cinco profesionales critican la falta de sinergia entre participantes y profesionales. Cuatro de los comentarios son de artistas y refieren de forma específica a la falta de afinidad con respecto a algunos participantes. El quinto comentario es de una galerista. Uno de los artistas menciona la utilidad de poder elegir los encuentros. Otro destaca que al final de la mañana los profesionales estaban cansados, reduciendo la posibilidad de un feedback enriquecedor.

Artista 3 afirma: “he echado de menos poder hablar con más artistas que trabajen en la naturaleza”.

Artista 6 piensa que debería haber una mejor distribución de los artistas con los profesionales, pues él tenía la sensación de estar “tan lejos de algunas prácticas” que no podía aportar mucho.

Siete profesionales critican la falta de selección con respecto a los participantes. Dos de estos comentarios aluden de forma específica al problema de la selección de los socios.

Galerista 2 subraya que le ha parecido “terrible la selección”. Continúa explicando: “si son artistas que están formándose, se puede entender, y nosotros como profesionales invitados tenemos algo que aportar. Pero a artistas que ya están metidos en una trayectoria y dinámica, no hay nada que aportarles; éste no es el lugar para ellos”.

Por otra parte, ocho profesionales explican que les hubiese sido útil recibir un dossier de los participantes antes del inicio de las jornadas.

Artista 1 comenta que le hubiese gustado haber recibido con antelación la lista de participantes con un statement de cada uno “para pensar mejor las recomendaciones que podía aportarles”. 

 Marcelo Fuentes y Merche Herrán. Fotografía de Lola Calzada

Marcelo Fuentes y Merche Herrán. Fotografía de Lola Calzada

Propuestas

Tras dar sus valoraciones sobre las jornadas, los profesionales invitados aportaron de forma espontánea sus reflexiones acerca de cómo mejorar la próxima edición de Dialog. En este primer artículo se recogen las propuestas en torno a las dinámicas de los encuentros personales.

Se recogen cinco aportaciones de profesionales buscando resolver el problema de la sinergia entre participante y profesional. Un galerista sugiere que los profesionales pasen diez minutos con cada participante y luego decidan con quienes desean profundizar. Los demás comentarios (cuatro) ponen de manifiesto que los profesionales no deben necesariamente tener un encuentro con cada participante; dos artistas subrayan la idoneidad de encontrarse sólo con aquellos que consideren más afines, mientras que un tercer artista plantea que esa elección la hagan los participantes mediante una lista expuesta en la sala. Un crítico advierte que esta última propuesta puede generar nuevos problemas, ya que los profesionales menos conocidos podrían tener a muy pocos participantes inscritos en su lista.

Por último, un crítico comenta que sería conveniente que todos estos comentarios en realidad deberían de hacerse ante los participantes.

La difusión de este estudio en MAKMA parte de un deseo doble: por un lado busca recoger la sugerencia de Crítico 5 y compartir con todos los participantes  comentarios y propuestas hechas por los profesionales. Por otro lado, pretende reavivar el debate que se inició durante las jornadas sobre la necesidad de reflexionar conjuntamente acerca de fórmulas y dinámicas que refuercen el contacto entre los diversos protagonistas del sector de las artes visuales.

Mercedes Vandendorpe

femCode: arte, mujeres y tecnología

Festival Miradas de Mujeres. femCode: arte, mujeres y tecnología
Facultad de Bellas Artes de San Carlos
Camino de Vera s/n. Valencia
Inauguración 6 de marzo a las 11:00 h.
Hasta el 7 de marzo de 2014

La exposición femCode: arte+mujeres+tecnología se desplegará por distintos espacios y aulas de la Facultad de Bellas Artes de Valencia, ya que el germen de las obras surgió en esos espacios.

En los últimos 6 años, en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia, han sido muchas las mujeres artistas que se han formado y han desarrollado sus proyectos en el ámbito cultural utilizando diferentes recursos tecnológicos; trabajos vinculados a la producción de imágenes, instalaciones audiovisuales y/o interactivas, arte sonoro, etc. Complejos dispositivos que pueden servir para visualizar nuevas formas de hacer en la relación mujer, arte, tecnología y sociedad (MATS).

La propuesta “femCode: arte+mujeres+tecnología” consta de dos partes, una exposición en la Facultad de Bellas Artes de los proyectos realizados por estudiantes egresadas del Máster Artes Visuales y Multimedia, una muestra refleja la diversidad de acercamientos a la relación MATS.

La segunda parte es la edición de una web y un DVD monográfico sobre la relación MATS con entrevistas a las autoras, y un apartado de reflexión teórica realizado por profesores especialistas sobre el tema. Pensado como un proyecto multimedia interactivo, que promueve continuar indagando la trayectoria de estas mujeres y sus obras en la web.

Las artistas que participan son: Patricia Aragón, Ana Teresa Arciniegas, Magda Arques, Alejandra Bueno, Andrea Canepa, Azahara Cerezo, Vanessa Colareta, Mercedes Cuenca, Aurora Diago y Miriam Esteve, Izaskun Etxebarria, Sara Galán, Hanna Schultz, Cristina Ghetti, Blanca Giménez, Esther González, Nacarid López, Neus Lozano, Anna Katarina Martin, Lucía Montero Sánchez de las Matas, Yasmina Morán, Esperanza Moreno, Loli Moreno, Inés Parcero, Giorgia Partesotti, Iona Pergo, Giulia Perli, Julia Puyo, Laura R. Moscatel, Adriana Román, Carolina Vallejo.

La exposición está coordinada por Amparo Carbonell, Maribel Domènech, Trinidad García, María José Martínez de Pisón, Pepa L. Poquet y Marina Pastor.

Imagen de los proyectos de la exposición. Cortesía de la organización.

Imagen de los proyectos de la exposición. Cortesía de la organización.