Paula Anta y la fotografía de ficción

Paula Anta. In Schwarz
Galería Aural
C/ Labradores, 14. Alicante.
Inauguración: 8 de febrero a las 20.30 h.
Hasta el 28 de marzo de 2014.

Paula Anta presenta su primera exposición individual en la galería Aural, donde muestra dos de sus últimas series fotográficas L’Arquitecture des Arbres, Edera y una intervención site specific. Paula Anta trabaja en series a partir de argumentos que luego desarrolla in situ. Trabajos para los que hace investigaciones previas, de las que obtiene el programa de su trabajo. Un tipo de fotografía, que a veces se ha llamado «documental conceptual» y otras veces «fotografía de ficción», en la que la preparación de la imagen es la clave del resultado. El Viaje, la Naturaleza y la Artificialidad unida a las Estructuras creadas por el hombre, la Historia y el Paisaje, son los temas que configuran el trayecto de su obra.

Paula Anta, Serie L'Arquitecture des Arbres, 2013. Installation made of a painted tree with black acrylic / C-print, 120 x 165 cm. Imagen cortesía de la galería.

Paula Anta, Serie L’Arquitecture des Arbres, 2013. Installation made of a painted tree with black acrylic / C-print, 120 x 165 cm. Imagen cortesía de la galería.

Paula Anta,  Serie L’Arquitecture des Arbres, 2013. Imagen cortesía de la galería.

Paula Anta (Madrid, 1977) es Doctorada en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. Su trabajo se ha mostrado a nivel nacional en Photoespaña, Palma Photo, CCCB, Matadero, Tabacalera, Círculo de Bellas Artes, Real Jardín Botánico de Madrid, Academia de San Fernando, Centro de Arte Moderno Hospital del Rey, Auditorio Nacional de Música de Madrid, Canal de Isabel II, Palacio Revillagigedo de Gijón o el Centro Cultural de la Diputación de Ourense, entre otros. Ha participado en ferias tanto nacionales como internacionales, como Arco, Just Madrid, Estampa, Loop, Foro Sur, Arteba o Diva en Nueva York. Ha ganado los premios y becas de la Fundación Aena, Comunidad de Madrid, Iniciarte, Purificación García e Injuve.Además, ha sido profesora de fotografía en la facultad de Bellas Artes de Cuenca de la Universidad de Castilla La Mancha. Y en los últimos años ha obtenido la beca de Ministerio de Asuntos Exteriores para la Real Academia de España en Roma y del Colegio de España en París.

Paula Anta, Casa. Imagen cortesía de la galería.

Paula Anta, Casa. Imagen cortesía de la galería.

Hablar del tiempo, para empezar a hablar

XIII Concurso Internacional Encuentros de Arte Contemporáneo
Museo de la Universidad de Alicante
C/ Colonia Santa Isabel, s/n. Sant Vicent del Raspeig (Alicante)
Hasta el 23 de diciembre de 2013

Es habitual, en esos momentos en los que no se sabe qué decir, hablar del tiempo. Lo hacemos subidos en ascensores, con vecinos o esperando para usar un cajero electrónico. Es una manera de llenar el vacío que se ha instalado en las relaciones humanas de proximidad, pero también es una forma de no entrar en conversaciones de mayor calado que podrían incomodar a nuestro fugaz interlocutor o podrían incomodarnos a nosotros mismos. ¿Quién no se ha bajado de un taxi arrepentido de haber abierto la boca o lamentando que el conductor no la hubiera mantenido cerrada? Por aquello de ser prudentes, tratamos de evitarnos a la larga la molestia de salir a la calle con chaleco antibalas… pero a fuerza de hablar del tiempo, se constata que algo está pasando: año tras año vemos como el verano se prolonga casi hasta diciembre, mientras que después el invierno se resiste a dejar paso a la primavera. Agudamente muchos persisten en aseverar que se trata del cambio climático, que a base de anunciar su advenimiento por fin a llegado, se ha hecho real y podemos constatar sus efectos. Durante un tiempo muchos lo creímos así. Es evidente que el modelo económico que se implantó a partir de las revoluciones industriales ha ido progresivamente incrementando su presión sobre los recursos naturales, a la vez que la generación de residuos ha crecido de un modo exponencial. El deseo de un lucro incesante, la ambición desbocada, ha logrado extender ese sistema económico prácticamente a todo el mundo y sus consecuencias se ponen de manifiesto de múltiples maneras, también causando efectos en el clima.

Tras años de preocupación por los asuntos medioambientales, parece que por fin hemos logrado entender lo que está sucediendo: no se trata de un proceso de cambio climático, es en realidad un cambio de régimen político! Todos los indicadores lo constatan, prácticamente no hay margen de error, hemos pasado de un sistema democrático a una República Bananera y, claro, ahora nos corresponde un clima tropical.

Octavio Paz describía una situación en la que puede que debamos mirarnos: “(…) Durante más de un siglo América Latina ha vivido entre el desorden y la tiranía, la violencia anárquica y el despotismo. Se ha querido explicar la persistencia de estos males por la ausencia de las clases sociales y de las estructuras económicas que hicieron posible la democracia en Europa y en los Estados Unidos. Es cierto: hemos carecido de burguesías realmente modernas, la clase media ha sido débil y poco numerosa, el proletariado es reciente. Pero la democracia no es simplemente el resultado de las condiciones sociales y económicas inherentes al capitalismo y a la revolución industrial. Castoriadis ha demostrado que la democracia es una verdadera creación política, es decir, un conjunto de ideas, instituciones y prácticas que constituyen una invención colectiva. La democracia ha sido inventada dos veces, una en Grecia y otra en Occidente. En ambos casos ha nacido de la conjunción entre las teorías e ideas de varias generaciones y las acciones de distintos grupos y clases, como la burguesía, el proletariado y otros segmentos sociales. La democracia no es una superestructura: es una creación popular. Además, es la condición, el fundamento de la civilización moderna. De ahí que, entre las causas sociales y económicas que se citan para explicar los fracasos de las democracias latinoamericanas, sea necesario añadir la falta de una corriente intelectual crítica y moderna (…)” [1]

La desaparición progresiva de la amplia clase media española es uno de los indicadores que advierte de las transformaciones sociales y políticas que pueden tener lugar a medio y largo plazo, son tan semejantes a las causas indicadas tiempo atrás por Octavio Paz para describir la situación de otro continente, que debería servirnos al menos como señal de alarma. Las formas de componer y descomponer son las que son, y los “arquitectos” del orden global tienen nombres y apellidos; poco queda a la improvisación.

La fuerza implícita y explícita que arremete contra la educación, la cultura, los docentes, los creadores y sus gentes responde a la voluntad de filtrar en la consciencia colectiva ideas de desconfianza y demérito hacia estos ámbitos. Una sociedad poco formada es más manipulable, pues dispone de menos recursos para constituir juicios críticos acerca de los acontecimientos e inevitablemente su oposición a las imposiciones del poder será menor.

El arte contemporáneo lleva implícita en muchas ocasiones la enunciación de las distorsiones sociales y políticas de su tiempo, aunque no siempre gusta el reflejo que nos devuelve ese espejo. Un recorrido por los trabajos seleccionados para esta edición de Encuentros de Arte Contemporáneo (EAC) es un modo útil de navegar entre diferentes lenguajes y sensibilidades artísticas que a veces son miradas íntimas, formas de belleza subjetiva o realidades estéticas, mientras otras son ejercicios de prospección, signos sociales del presente o pulsos con la realidad. Para 2013 el jurado convocado ha designado a veinticuatro seleccionados, entre los que se encuentran significativos nombres del nuevo panorama artístico junto a otros de prometedora trayectoria. Procedemos a realizar un rápido recorrido a través de sus trabajos.

Vista general de la exposición en el MUA

Vista general del XIII Concurso Encuentros de Arte Contemporáneo en el MUA

Elssie Ansareo (México D.F., 1979) realiza mediante la práctica del archivo su proyecto “El observatorio”, una revisión del concepto de histeria utilizado en demérito de la mujer en el siglo XIX. En sus imágenes, voluntariamente teatralizadas, son figuras masculinas las que muestran todo un catálogo de cuerpos en tensión, que reproducen el conocido arco de la histeria como síntoma de esta patología que se ve simbólicamente trasladada de género, queriendo inquietar al espectador.

Rosana Antolí (Alcoy, 1981) viene desarrollando a través del dibujo y el vídeo una definida línea de trabajo que recurre a los instintos, a la animalidad del ser humano, como resorte para conectar con nuestros orígenes y volver a un “yo” primitivo que la sociedad ha ido progresivamente constriñendo. “My animal dance” pone en contacto las formas de ser más instintivas, entre las que se encuentran la atracción física y el impulso sexual, en una búsqueda de nosotros mismos alejados de los hábitos civilizados y los buenos modales como síntoma de ruptura con lo establecido.

Rosana Antolí. Zorrismos en rojo, 2011. Imagen cortesía del MUA

Rosana Antolí. Zorrismos en rojo, 2011. Imagen cortesía del MUA

Fernando Bayona (Linares, 1980) construye cuidadosamente imágenes que podrían ser el fotograma de un film. Sus fotografías van cargadas de referencias literarias que el espectador puede desentrañar o construir un relato propio a partir de las mismas. Su carga estética es sólo una máscara que reserva un alto contenido crítico. “What never was” es una de las tres series que componen el proyecto Hidden cycle, que se nutre de “La divina comedia” de Dante para hacer una libre interpretación de los sistemas autoritarios ocultos tras la idea de estado del bienestar y los resortes opresores del poder.

Los trabajos de Pablo Bellot (Alicante, 1976) son la sucesión coherente de una práctica artística que ha dirigido el foco hacia un aspecto de la realidad que, encontrándose en el epicentro de la civilización occidental, nos remite a los extrarradios de la condición humana. Su proyecto “Caminante” abunda en la idea de precariedad forzada como estado vital que convierte a toda una generación –mas bien a varias- en muertos vivientes, en seres excedentarios sin futuro ni posibilidad de presente (aquí y ahora).

Vista

XIII Concurso Internacional Encuentros de Arte Contemporáneo en el MUA

Hélène Duboc (Rouen, 1984) parte del caucho sintético para crear piezas de marcado carácter industrial, tanto por el material empleado como por las referencias a las que alude en su base teórica. Los cambios en la localización mundial de los puntos de producción han generado en nuestro entorno la proliferación de espacios fabriles abandonados, convertidos en templos para la memoria laboral de una época que se ha desvanecido como parte del mismo espejismo que los creó. Su representación y su archivo por parte de la artista contribuye a reforzar la idea de espacios en suspensión.

Ana Esteve (Agres, 1986) recurre al presente y a sus referencias personales más directas para enunciar mediante sus trabajos en vídeo algunas de sus preocupaciones, que son realmente las preocupaciones compartidas por una gran mayoría. “Bad romance”, “Futuro inmediato” y “Olimpiadas” sirven al espectador como toma de contacto con la realidad de un modo directo: el futuro, la incertidumbre, las catástrofes y los conflictos de identidad son los hilos con los que se tejen unas narraciones que no ofrecen la solución pero indican algunas de las encrucijadas del momento.

Cristina Fernández (Alicante, 1974) aborda con su proyecto “Paso de gigantes” la tarea de realizar una cartografía visual de lugares de la geografía española en los que la falta de recursos, o la mala gestión de los mismos, ha conducido al abandono de obras públicas iniciadas. Estructuras de hormigón que han pasado a formar parte del paisaje a partir de su invasión, desbordando el equilibrio previo. Puede que la inconsecuencia y la escasa repercusión de responsabilidades políticas sobre la gestión pública se encuentre en el trasfondo de situaciones como las aquí documentadas.

Chus García-Fraile (Madrid, 1961) con “A matter of faith” toma como punto de partida el cuestionamiento de las ideologías políticas y su paralelismo con las doctrinas religiosas. Para ello interviene lampadarios, introduciendo velas que componen los colores de las banderas de los países del G20. Según indica la artista, una de las concepciones de Feuerbach sobre la religión señala que el hombre crea un Dios ante el cual se subordina. Una relación que es asimilable al capitalismo: el hombre crea el capital y este lo domina.

Cayetano García Navarro (Alicante, 1973) parte de la premisa de no pretender realizar un análisis teórico del paisaje mediante su trabajo fotográfico, sino acercar al espectador a sus propias vivencias y experiencias a través de sus imágenes. “Walking around the nature” muestra espacios naturales idílicos en los que la imagen se ve sometida a una vibración que la desdibuja, a la vez que la acerca a una idea emocional del entorno, alzando ese instante a la categoría de recuerdo palpitante.

Cayetano García

Cayetano García. Walking Around The Nature. 2013. Imagen cortesía del MUA

Carlos García (Elche, 1978) presenta, tras sus trabajos de graffiti técnico, un proyecto en el que la pintura definitivamente se libera del bastidor y salta del muro. “50.000 gr.” da título a un conjunto de piezas tridimensionales como resultado de la superposición de capas de material en un proceso en el que el tiempo juega su papel. La idea de instantaneidad, de inmediatez, se pone en crisis al enfrentarnos a estas obras, convertidas en alegatos de la consistencia informe que define tantos ejercicios de construcción social y personal urgidos por la fugacidad del tiempo.

Carlos García Peláez. 7 kilos de acrílico. 78 x 52 x 50 cm. Imagen cortesía del MUA

Carlos García Peláez. 7 kilos de acrílico. 78 x 52 x 50 cm. Imagen cortesía del MUA

Cuando el Senado de la antigua Roma decretaba la Damnatio Memoriae se procedía a eliminar cualquier elemento o inscripción que recordara a él. Olalla Gómez (Madrid, 1982) se apropia de esta referencia y la trae al actual contexto sociopolítico, borrando simbólicamente las imágenes representadas en las monedas de uno y dos euros. En el centro de las mismas introduce frases y pronunciamientos ciudadanos con los que el cuerpo social reclama un lugar central en la economía con una presencia no mediada.

Damnatio Memoriae. Olalla Gómez. 2013. Imagen cortesía del MUA

Olalla Gómez. Damnatio Memoriae (fragmento). 2013. Imagen cortesía del MUA

Olalla Gómez. Damnatio Memoriae, 2013. Imagen cortesía del MUA

Olalla Gómez. Damnatio Memoriae, 2013. Imagen cortesía del MUA

Olalla Gómez.Damnatio Memoriae, 2013. Imagen cortesía del MUA

Raúl Hevia (Santander, 1965) ha realizado un particular ejercicio de extroversión, escribiendo día a día un diario personal sobre muros y espacios públicos. “Lost year’s words” convierte el paisaje y el territorio en el soporte sobre el que el autor comparte reflexiones y sentimientos, haciendo que se produzca una relación singular entre ambos que deriva en una relectura del paisaje. El resultado son dípticos de imágenes que se componen de la escritura y el paisaje, como resumen vital de todo un año.

Marla Jacarilla (Alcoy, 1980) mantiene en sus trabajos una especial relación con la creación literaria. “Apropiación de principios” es una pieza en la que a partir de una reflexión del escritor Enrique Vila-Matas acerca de la importancia de las primeras frases de una novela, la artista recopila los 38 libros de ficción que posee para extraer 38 posibles maneras de comenzar una novela. “Aplicar estrategias ajedrecísticas en el campo del arte y esperar a ver qué pasa” es un trabajo en vídeo que plantea algunas cuestiones acerca de la difícil profesionalización del artista emergente.

Claudia Martínez (Catamarca, 1966) lleva a cabo con “Desborde” un ejercicio metafórico de la fragilidad de lo cotidiano. La composición múltiple de las cosas y la levedad del equilibrio que sustenta el orden natural y orgánico son aspectos en los que incide esta maleable instalación que, partiendo de pequeños fragmentos de material alambrado, se expande adaptándose al espacio como un organismo vivo y autónomo. El proceso de trabajo colaborativo de una veintena de personas, para hacer posible su materialización, sirve para resignificar algunos valores comunitarios.

Vista de la exposición

Claudia Martínez. Desborde (fragmento). 2013. Imagen cortesía del MUA.

Cuando pensamos en arte recurrimos habitualmente a la imagen de la exposición, pero generalmente se pasa por alto los procesos de investigación y documentación que el artista debe realizar antes de la formalización de la obra. Esa carencia queda igualmente patente en la distribución de recursos económicos, casi siempre destinados a la exhibición, obviando la necesidad de apoyo en las fases previas. Ángel Masip (Alicante, 1977), con su proyecto, genera un contexto propio que introduce la investigación plástica en el espacio expositivo, mostrando un fragmento del desarrollo de la propia práctica investigadora.

Rosell Meseguer (Orihuela, 1976) aborda la temática del espionaje, recuperada del período de la Guerra Fria, que adquiere actualidad a partir del envenenamiento y muerte del espía Litvinenko en Londres o el caso Snowden. “OVNI Archive” es una recopilación realizada por la artista a partir de imágenes, recortes de prensa, documentos, libros y otros materiales que ponen en relación aspectos de la Guerra Fría con características de la actual crisis socioeconómica. Una especie de cinta sin fin en la que el movimiento es una ficción que garantiza que todo cambia para que nada cambie.

Diego Opazo (Santiago de Chile, 1966) engloba bajo el título de “Movimiento natural de los hechos” una serie en desarrollo de vídeos, entre los que se encuentran “Tíber” y “7:59”. Son trabajos que ponen el acento en hechos cotidianos con los que convivimos y que, a fuerza de repetición, nos pasan inadvertidos. Para reforzar formalmente la idea de eterno retorno nos muestra planos fijos en los que el movimiento viene determinado por los agentes naturales y humanos o por la interacción de ambos.

Diego Opazo Cousiño. Imagen cortesía del MUA

Diego Opazo Cousiño. Imagen cortesía del MUA

Juanma Pérez (Priego de Córdoba, 1970) apuesta por la arteficción con su “Geografía e historia de un lugar”. Si bien la geografía y la historia se ocupan de definir física y temporalmente la realidad de un lugar, el artista se ha propuesto la creación de un atlas emocional probablemente empujado por la imposibilidad sobrevenida de habitar este espacio y este tiempo. El ser humano dispone de la capacidad de imaginar, de proyectar para hacer posible lo inimaginable y lograr así objetivos con los que otros ni tan siquiera soñaron.

MP & MP Rosado (San Fernando, 1971) parten de una poesía de Walt Whitman para desarrollar su proyecto “Contengo multitudes”. A la vez que nos asemejamos a los otros, que nos disolvemos entre la masa, podemos llegar a entrar en contradicción con nosotros mismos –tal es nuestra naturaleza-, pues en ocasiones somos capaces a abrazar una idea mientras llevamos a la práctica la contraria. Los hermanos Rosado llevan a cabo una exploración del cuerpo y el espacio público desde una experiencia de fragmentación.

Julio Sarramián (Logroño, 1981) busca una nueva visión de la naturaleza a partir de su proyecto “Naturaleza hiper-transfronteriza”. Tomando como base la sencillez con la que el individuo puede acceder a la información y a la tecnología, el artista plantea una reflexión acerca de la forma paradigmática de entender el paisaje y el territorio de un modo transfronterizo. La experiencia virtual que nos garantizan herramientas como Google Earth han modificado nuestra configuración mental del espacio y la distancia.

Julio Sarramián. Naturaleza hiper-transfronteriza. 2013. Imagen cortesía del MUA

Julio Sarramián. Naturaleza hiper-transfronteriza. 2013. Imagen cortesía del MUA

Las “vídeo-acciones” de Saúl Sellés (Alcoy, 1986) surgen de la investigación alrededor de los estímulos que relacionan el deporte y la competición con los ideales estéticos y el culto al cuerpo, así como el papel entre narcisista y voyeur que cumple el espectador como parte de ese entramado. El propio artista, convertido en ejecutor, desarrolla lo que él denomina un espectáculo de seducción que se acompaña de “partituras de performance”, conformadas por dibujos vectoriales.

Saúl Sellés. Imagen cortesía del MUA

Saúl Sellés. Imagen cortesía del MUA

Ion Sobera Ochoa de Ocariz (Bilbao, 1977) presenta su serie fotográfica “Viaje a ninguna parte”. Se trata de un trabajo con el que el artista pone en cuestión la constante tutela que, durante tanto tiempo, hemos recibido como individuos pertenecientes a una sociedad y a un determinado modelo social. La irrupción de la crisis en nuestras vidas ha significado la necesidad de revisar esas señales, de ponerlas en cuestión y abordar la necesidad de trazar nuevos caminos desde una lógica de los acontecimientos y las necesidades.

Mirimari Väyrynen (Helsinki, 1976) profundiza en los temas medioambientales para presentar al espectador una problemática global, con causas locales pero efectos que se desplazan sin atender límites ni fronteras. Pinta paisajes de bosque a base de capas que laboriosamente va superponiendo, hasta lograr unas imágenes vibrantes que interpreta como autorretratos. Para sus instalaciones emplea árboles naturales, madera quemada y ceniza, entre otros elementos para activar la conciencia del espectador.

Mirimari Väyrynen. Imagen cortesía del MUA

Mirimari Väyrynen. Imagen cortesía del MUA

“Estado de conservación” representa la apuesta de Salvi Vivancos (Alicante, 1977) por formatos y técnicas fotográficas y cinematográficas que renuncian al digital para dirigir la atención a los medios para fijar la imagen empleados por los pioneros de los siglos XIX y XX. El resultado son trabajos contemporáneos filmados mediante formas y en soportes desactualizados con los que pretende visibilizar la necesidad de conservar la memoria fílmica. En este caso simula el proceso de deterioro físico de la película.

“(…) El tiempo, ese gran saqueador, nos roba continuamente; pero una cosa es que nos desvalijen a lo grande y envejecer con la conciencia de haber tenido una vida plena, y otra que nos quiten todos los días pellizquitos miserables de cosas que ni siquiera hemos vivido. El infierno de nuestros contemporáneos se llama insipidez. El paraíso que buscan, plenitud. Los hay que viven y los hay que duran” [2]

Vista general del XIII Concurso Encuentros de Arte Contemporáneo en el MUA

Vista general del XIII Concurso Encuentros de Arte Contemporáneo en el MUA

José Luis Pérez Pont

[1] Paz, Octavio. Tiempo nublado. Seix Barral, Barcelona, 1983.

[2] Bruckner, Pascal. La euforia perpetua. Sobre el deber de ser feliz. Tusquets, Barcelona, 2001.

Transducciones: paisajes que desvelan historias olvidadas

José Miguel Carrera. Stephen Tourlentes. Paco Valverde. TRANSDUCCIONES
Galería Aural
C/ Labradores, 17. Alicante
Inauguración: el 23 de noviembre a las 20:30h
Hasta el 11 de enero 2014

Creo que nos quedamos ciegos, creo que estamos ciegos, ciegos que ven, ciegos que, viendo, no ven” – José Saramago

La fotografía ha estado siempre vinculada a la idea de captación de la realidad, condicionada por sus propios mecanismos técnicos y obviando la subjetividad del fotógrafo. Tenemos la necesidad de identificar, lo que nos lleva errónamente a reconocer, poniéndonos a salvo de esas inquietantes subjetividades, que son las creaciones que desentierran las visiones que subyacen bajo lo aparentemente visible. Se produce pues una fractura o fisura en los procesos de traslación entre la realidad y la representación dando paso a un discurso nuevo, distinto y sorprendente, un espacio para la construcción de una nueva realidad que proviene de una experiencia simbolizada y construida.

El título “Transducciones” responde a esa transformación, traducción, traslado o confrontación de una realidad estética visible de la imagen con una realidad pasada o presente invisible. Se trata de tres autores que abordan el paisaje no sólo como un género sino con una pluralidad de estrategias que señalan más aquello que no es visible en primera instancia, con la práctica de la investigación previa y el viaje, para finalmente construir una nueva idea o conocimiento del lugar. Los autores reflejan una serie de lugares registrados sin alteración ni apenas manipulación, donde el paisaje es entendido como microrrelato que trata de desenterrar historias destinadas al olvido.

José Miguel Carrera (Madrid, 1960) presenta dos fotografías pertenecientes a la serie “La noche boca arriba” que comenzó a finales de los años 90, durante la estancia en un centro Zen de la Alpujarra granadina. Carrera apunta: “busco la confluencia de los dos antecedentes de la representación del paisaje: “paisaje interior”, la naturaleza como provocadora de emociones, y la estética fría del documentalismo topográfico o científico. Persigo documentos estéticos deliberadamente ambiguos: falsas puestas de sol, amaneceres eléctricos, claros de luna de neón”. Son paisajes nocturnos, paisajes escotópicos donde hemos de adaptar nuestra visión para que se nos revele la imagen y desvele la huella de la presencia humana en un presente incierto y un futuro por descubrir.

Stephen Tourlentes (Boston, 1959) presenta tres fotografías de su extensa serie que lleva realizando desde 1986 sobre las cárceles en EEUU donde hay corredores de la muerte. La noche parece también como protagonista donde los largos tiempos de exposición captan finalmente unas arquitecturas de luz. La luz en la oscuridad. Estas iluminan el paisaje nocturno otorgándoles de cierta magia e incertidumbre. Se produce pues un efecto transductor en donde la recepción de una señal, de una imagen, se transforma en una idea o concepto nuevo al desentrañar la verdad, al desvelarse mediante el título, la otra verdad o realidad que se nos quiere mostrar.

Paco Valverde (Jaén, 1969) trae un par de piezas de paisajes donde aún perduran las ruinas de una ciudad antigua. Nunca como hoy en día, la recuperación de los signos del pasado nos plantean interrogantes como dónde vamos, y como Valverde desde una perspectiva contemporánea se plantea de dónde venimos. La ruina olvidada, la restaurada y protegida, desde su privilegiada posición, ya no cumple su primitiva función. Restos de ciudades que antaño fueron enclaves de una civilización, una cultura, nuestros orígenes. Esta obra en concreto hace referencia a la perdida y misteriosa ciudad de Tudmir.

Paco Valverde. Las siete ciudades de Tudmir (II). 2010.  Puebla de Mula. Murcia. Copia cromogénica s/dibond laminado mate enmarcado en caja de madera

Paco Valverde. Las siete ciudades de Tudmir (II). 2010. Puebla de Mula. Murcia. Copia cromogénica s/dibond laminado mate enmarcado en caja de madera

Son artistas que recorren el territorio a lo Hamish Fulton o Robert Smithson como paseantes del land art, donde el paso del tiempo transforma el paisaje pero también transforma el sentido y la forma de referirnos y entender esos lugares que nos permita construir nuestra propia mirada. Se establece pues un diálogo entre paisaje y cultura. Paisaje entendido como contenedor de referentes, experiencias y acontecimientos, y la cultura entendida como determinante de la forma de pensar y actuar de los humanos en su presente. Valverde apunta en su blog El tercer paisaje: “Un pequeño ajuste de realidad con el que vaciarse de su apariencia y armarse de nuevos significados”.

El viaje no termina jamás. Sólo los viajeros terminan. Y también ellos pueden subsistir en memoria, en recuerdo, en narración…El objetivo de un viaje es sólo el inicio de otro viaje” – José Saramago

Bajo la melodía

Basso Continuo
Juan Carlos Nadal

Comisariado por Begoña M. Deltell

Las Cigarreras
C/ San Carlos, 78, Alicante
Hasta el 30 de junio de 2013

Juan Carlos Nadal, "Basso Continuo". Foto de Sala. Imagen cortesía de Galería Aural.

Juan Carlos Nadal, «Basso Continuo». Foto de Sala. Imagen cortesía de Galería Aural.

Basso Continuo responde a un concepto que proviene de la música. Es una especie de rumor que existe bajo (basso) la melodía y que organiza toda la composición sin dejar de sonar (continuo) hasta que termina. Juan Carlos trabaja la improvisación bajo el impulso de la intuición y la experiencia en un acto casi performático, rítmico y coreográfico impuesto por el gran formato.

Presenta para esta gran exposición una serie grandes lienzos donde el gesto es el elemento predominante. Su obra exhibe un poderoso grafismo sobre la base de amplias manchas de color, generalmente monocromáticas en rojo vivo, berenjena oscuro, negro, gris o blanco, con las que conforma sólidas construcciones gestuales.

Sin duda, la escultura es una evolución o desarrollo natural de su pintura. El gesto adquiere dimensión, el campo pictórico trasciende el plano y conquista el espacio invadiendo al espectador física y mentalmente.

El artista muestra un interés por el pensamiento oriental, pues su gesto se aproxima a la pincelada de la caligrafía tradicional china y japonesa que podemos ver en toda una serie de grafitos sobre papel de medio y gran formato. Su obra tanto pictórica como escultórica muestra una energía firme, dirigida, expresiva y automática que precisa sin embargo de un cierto control en la que la herramienta empleada, la brocha, el rodillo, el grafito, o los sargentos y aprietos para plegar el aluminio, son prolongación de la mano, del brazo, del cuerpo. Su obra es fundamentalmente experimental sirviéndose de la pincelada ancha para modelar la luz generando una curiosa e inquietante mirada.

Apunta el artista “En todo mi trabajo, independientemente de la apariencia que tenga, siempre está inherente la mirada de pintor”.

Juan Carlos Nadal es licenciado en Bellas Artes de San Carlos por la Universidad Politécnica de Valencia. Obtiene en el 2011 la Beca Fundación ARTE Y DERECHO de Madrid. Entre sus individuales destacan las realizadas en las galerías Edgar Neville, Valle Ortí, PazyComedias de Valencia, Canem de Castellón y galería Aural de Alicante; en el Ayuntamiento de Valencia, Museo de la Universidad de Alicante, La Llotgeta de Valencia o la sala de La CAM en Alicante. Entre sus colectivas destacan galería Visor de Valencia, ARCO con el MUA, Diputación Provincial de Alicante, CAM de Elche, Atarazanas de Valencia, Feria Sevilla Arte Actual con Valle Ortí, Palacio Revillagigedo (Cajastur) en Gijón, CIGE (China Internacional Gallery Exposition) en Beijing, China; ArteSantander y ArtLisboa con Galería PazYcomedias, “Cartografías de la creatividad. 100% valencianos” en el Centro del Carmen de Valencia y en el Museo de Arte Moderno de Santo Domingo en La República Dominicana; Berliner Liste con Galeria 3Punts de Barcelona.

 

Juan Carlos Nadal, "Basso Continuo". Foto de Sala. Imagen cortesía de Galería Aural.

Juan Carlos Nadal, «Basso Continuo». Foto de Sala. Imagen cortesía de Galería Aural.

Rafael Hernández. La pintura como investigación lingüística y terapéutica

Casa Bardín. Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil Albert
Hasta el 22 de marzo de 2013
Alicante

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El programa expositivo ARTE EN LA CASA BARDIN, abrirá el 2013  con la exposición del artista RAFA HERNÁNDEZ, comisariada por la crítica Isabel Tejeda.  La muestra será la sexta del proyecto de exposiciones y actividades que se mantienen los martes en la Casa Bardin, sede del IAC Juan Gil-Albert. El programa pretende  activar, potenciar y dar una sustantiva visibilidad a los artistas e igualmente a nuestros críticos de arte y comisarios, centrando su interés en el arte de hoy. Y para conocer el arte es preciso mostrarlo: el artista se presenta con su obra y el comisario se sitúa frente a ella entablándose entre ambos un diálogo, un intercambio de pensamientos y palabras con nuestro “no cubo blanco”, puesto que la sede del Gil-Albert es un espacio polivalente, abierto a la cultura en su polisémica acepción. Esta institución parte de lo provincial, arranca de nuestro entorno natural pero aspira a interactuar en una órbita más amplia, en un ámbito cultural que tienda puentes más allá de nuestros límites, que haga visibles los proyectos soñados.

De igual modo por su vinculación directa a la actividad  Arte  en la Casa Bardin, se llevarán a cabo dos visitas guiadas y una jornada  en la que artista y comisaria conversarán sobre la obra y trayectoria del autor.