Primera exposición de Nástio Mosquito en España

METANOEO, Nástio Mosquito
Espai d’art Contemporani de Castelló
Del 29 de enero al 15 de mayo de 2016

Nástio Mosquito (Angola, 1981) es un artista multimedia, cuya actividad artística se ha desarrollado en el campo de la performance y la instalación, enfrentando en su trabajo a distintos estereotipos culturales y situándose él mismo en una posición central para problematizar tanto su identidad personal como la de su público. Protagonista de sus piezas audiovisuales, utiliza la confusión identitaria para plantearnos el modo como la «locura humana» se manifiesta en la vida moderna.

La obra de Mosquito no resulta fácil de clasificar. En METANOEO, su primera exposición en España, recurre al lenguaje popular, de la música y de imágenes periodísticas para hacer aflorar tensiones presentes en la política, la vida contemporánea, la filosofía, la práctica curatorial y el mercado global del arte. El resultado es una serie de piezas descritas como divertidas, frescas, cínicas, profanas y vulgares, abarcando el cine, la música, la performance teatral, el vídeo y la instalación, frente a las cuales resulta difícil permanecer indiferente.

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En formas diversas Mosquito nos señala un futuro con distinciones claras entre las diversas formas artísticas, entre la cultura popular y las bellas artes y en el que la categorización de las identidades culturales se habrá convertido en algo superfluo o irrelevante. Su propia conciencia como miembro del mundo del arte convive con su preocupación por la política africana y concretamente por la angoleña —plasmada en su tratamiento del legado de la larga y sangrienta guerra civil de su país—, las políticas sexuales, el consumismo desenfrenado y otros síntomas de la globalización.

Formado en la industria de la televisión, donde trabajó como director y cámara, la práctica artística de Mosquito sobresale por su energía, inteligencia e ingenio. También ha participado a menudo en conciertos y festivales de música, realizando sus performances en el contexto de la creación visual y manteniendo una activa presencia online. En sus obras Mosquito ocupa el centro de la escena asumiendo frecuéntemente y mediante imitaciones diversos papeles para expresar ideas que se le ocurren, no tanto a partir de sus creencias personales como de observaciones sobre las contradicciones del comportamiento humano, tan patentes en la existencia moderna.

La distancia entre su identidad real y esas caracterizaciones le permiten expresarse de diversas formas: transgresor, cool, cínico, irreverente o vulgar. En viñetas complejas que evocan una larga tradición de poesía recitada e improvisación musical, nos brinda una dimensión alternativa a la forma en la que experimentamos el arte, así como las tensas realidades de nuestra sociedad globalizada.

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Un personaje frecuente en su trabajo es el de «Nástia», un sabiondo con falso acento ruso, un auténtico monstruo producto de la Guerra Fría, que representa a la perfección todos esos adjetivos. Nástia, el alter ego de Mosquito, surge periódicamente en su obra para proponer un retrato contradictorio del artista que sugiere un estado de ambivalencia constante.

El artista describe esa dualidad, su identidad alternativa, como «una forma de crear espacio… de incitarte a ver las cosas de otra manera». En la exposición se muestra la obra Nástia’s Manifesto (2008), una proyección circular cuyas palabras clave son: Hypocritical, Ironic y Do Not Give a Fuck (Hipócrita, irónico y no importa una mierda).

El lenguaje, deliberadamente provocativo, evidencia la fascinación del artista por la retórica. En sus propias palabras: «Me encanta el lenguaje, esas palabras que transmiten ritmo, deconstrucción… Uso todo lo que tengo a mano».

En Demo de Cracía (2014) el artista aparece en un estudio para rodar un videoclip para su single. Ahí, frente a una gran pantalla verde, danza y actúa antes de lanzarse a un discurso sobre Angola y la identidad. En esta exposición se estrenan la video instalación My father has no surname (2016) y la audio instalación Storytelling (2016).

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METANOEO es una colaboración con el artista español Vic Pereiró, colaborador habitual en los últimos 6 años. Junto a Vic Pereiró, Nástio forma el colectivo artístico llamado Nastivicious. Colectivo que para esta exposición produce una obra nueva obra: So much trouble in the world (2016), también se muestran sus piezas anteriores: Acts (2012) y iFind (2015). En definitiva, su aparente alegre performatividad, se convierte en un marco para hablar de temas que recorren desde la historia colonial hasta la dinámica geopolítica variable de las relaciones humanas. La poderosa presencia personal de Mosquito, el hábil sentido de la dinámica espacial y el humor perspicaz se combinan para desafiar nuestras percepciones de lo que consideramos confortablemente familiar.

Taller de arte sonoro en el EACC

El próximo 12 de diciembre, dentro de los programas didácticos que acoge el Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC) tendrá lugar el taller ”CARTOGRAFÍAS SONORAS: apuntes en torno al arte sonoro”.


DESCRIPCIÓN
Un mapa puede ser utilizado como modelo de ordenación, pero también como una invitación a trazar rutas previstas o imprevistas, por ello, y aprovechando la exposición de Ryoji Ikeda el Espai propone un seminario entorno al presente del arte sonoro, sus protagonistas y el modelo de exposiciones que lo acogen. De este modo, y con la ayuda de Juan Cantizzani, Antonio de Egipto, Ramón González-Arroyo, José Manuel Costa y Edu Comelles esperamos poder ayudar al público asistente a trazar sus propios recorridos, plantear posibles atajos o descubrir paisajes sonoros hasta ahora desconocidos.


PROGRAMA
Juan Cantizzani (Colectivo Weekend Proms) y Antonio de Egipto (Bandaàparte Editores)
MASE. Historia y presencia del Arte Sonoro en España
De todos los terrenos artísticos, quizás el que haya experimentado mayores avances tanto en su recepción como en su generación, sea el Arte Sonoro. Este es un concepto angélicamente indefinible, lo cual lo hace más libre pero no menos efectivo. Y, más allá del concepto, son obras, intervenciones concretas ante las que el público puede tener una experiencia directa, sin la necesidad de mediaciones teóricas o intelectuales. Es el inmediato poder del sonido. Un arte, si se quiere, para todos los públicos. MASE trata de continuar la línea de investigación sobre Arte Sonoro en el Estado Español iniciada por el proyecto Sensxperiment en 2006. Ya entonces, se pusieron en circulación una serie de materiales básicos y referenciales reflejados tanto en una publicación física cómo en una web específica (http://mase.es/old).

Desde aquel año 2006, el Arte Sonoro ha ido convirtiéndose en algo mucho más familiar para los públicos españoles. La puerta de entrada al conjunto del proyecto es una nueva web http://mase.es como espacio de documentación, repositorio, base de datos, archivo y banco de recursos, así como la nueva publicación que contienen algunas de las líneas de investigación generadas por el proyecto MASE durante su nueva edición celebrada entre 2012 y 2014.

De este modo y durante la ponencia se expondrán diversos aspectos y procesos de trabajo que el proyecto puso en marcha en esta nueva edición,

Así como una introducción a los contenidos de la publicación y líneas abordadas.

Weekend Proms (Juan Cantizzani) es un colectivo de producción cultural con sede en Lucena (Córdoba), que trata de generar y dinamizar espacios y redes de accióne investigación donde poner a prueba, explorar o desarrollar procesos de trabajo e iniciativas vinculadas con la práctica artística y su relación conla esfera pública, social e institucional.

Dedica especial atención aquellas propuestas que emplean o parten del sonido como medio de transmisión, producción de conocimiento y reflexión, como elemento de creación de subjetividad, como herramienta de observación social y práctica crítica. La actividad del colectivo da comienzo en 1994, constituyéndose como Asociación Cultural en el año 2000. Desde entonces vienen poniendo en práctica distintos procesos de trabajo, tratando de propiciar, apoyar y visibilizar diversas iniciativas que se inscriben en estos ámbitos.

http://weekendproms.tumblr.com

Bandaàparte editores (Antonio de Egipto)es una editorial independiente andaluza, nacida en octubre de 2012, que da cabida en su catálogo a lo que llaman “noescritores”, creadores que aun viniendo de disciplinas diferentes a la escritura encuentran en este medio una forma más de canalizar susinquietudes. Todo esto en torno a 4 colecciones (Narrativa, Poesía, Gráfica y Ensayo). Entre sus autores encontrarás músicos, gente del cine, delmundo de la tecnología, periodistas, artistas plásticos, visuales, sonoros… En la colección de ensayo apostamos por obras divulgativas que enprincipio podrían estar destinadas a minorías pero de las que creemos que no están reñidas con lo comercial. Las publicaciones de Bandaàparteestán reforzadas por un cuidado trabajo de edición.

www.bandaaparteeditores.com

Ramón González-Arroyo
El Sonido como Entidad Espacial. Arte Sonoro y Música Electroacústica.
Los mecanismos de nuestra percepción unidos a una concepción espacial del sonido han sido ejes fundamentales en la experimentación y creación de Arte Sonoro y Música Electroacústica. Se han trazado así dos líneas de evolución independientes, que acaso se han encontrado allá o aquí.

Ramón González-Arroyo. Realiza sus estudios musicales en Madrid, continuando posteriormente en Utrecht, La Haya y París. Entre sus maestros: C. Bernaola, L. de Pablo, G. M. Koenig y H. Vaggione. Realiza cursos de informática musical en IRCAM, GRM y ACROE/ZKM. Combina su labor creativa como compositor con la investigación musical, colaborando o dirigiendo diversos proyectos en diferentes instituciones europeas. The Choreography of Sound, su proyecto más reciente, enmarcado en la investigación artística y que tuvo como sede el Instituto de Música Electrónica (IEM) de Graz, se adentra en la interacción entre materia sonora y espacio para explorar distintas formas de concepción del sonido musical. Surgen así diversas obras musicales, como Topoi o Fantasyu (on matter and color) que buscan potenciar la plasticidad del sonido musical como motor de creación. Sus obras, instrumentales, electroacústicas o de instalación, han estado presentes en diversas temporadas, festivales o museos de Europa, como Wien Modern, Berliner Inventionen, Musique en Scéne, Multiphonies, Signale, o el Kunstmuseum Bonn, Essl Museum de Viena y Koldo Mitxelena de San Sebastián.

José Manuel Costa
El arte sonoro expuesto
Una observación sobre la forma en que se ha presentado el arte sonoro y los problemas a que se ha enfrentado, lejos de suponer una mera cuestión técnica, explica muchas de características y problemas que definen las peculiaridades y la experiencia personal del mismo arte sonoro. Exponer un arte que también suena supone un profundo cambio de paradigma en el mismo concepto museístico. Comprender los problemas técnicos, administrativos, ergonómicos e ideológicos que plantea este tipo de práctica, supone en realidad comprender también la práctica en sí.

José Manuel Costa. Crítico de artes visuales y sonoras, periodista y comisario de exposiciones. Mientras estudiaba Medicina en la UCM, se incorporó al equipo de Onda 2, una de las FM de los primeros setenta que vinieron a renovar, no ya la música programable sino incluso la misma forma de hacer radio en España, actividad que continuó como uno de los fundadores de Radio 3 en RNE. Prácticamente al mismo tiempo empezó a escribir en revistas especializadas de música (Vibraciones, DiscoExpress), participando en la fundación de alguna de ellas (Ozono) y recalando finalmente en un recién nacido El País como crítico de música no clásica en obtener el Premio Nacional de la Crítica, pasó a fundar y dirigir Radio El País. A continuación saltó a la recién abierta revista La Luna de Madrid como subdirector de la misma, para luego pasar a ABC y fundar, junto a Catalina Luca de Tena el “Suplemento de las Artes” en ABC.

Edu Comelles
AGOST
Presentación en directo del disco Agost publicado en directo por el sello Spa.RK de Barcelona. La intervención se divide en dos partes, una breve explicación introductoria sobre el concepto y la producción del disco acompañada de una reflexión sobre el uso musical y compositivo de grabaciones de campo o paisajes sonoros y su puesta en escena performativa y gestual.

Agost es un disco creado utilizando, única y exclusivamente, el sonido de una copa de vino. El autor ha explorado las posibilidades sonoras, musicales y compositivas del acto de rozar con el dedo el cuello de una copa de vino o percutir el propio vidrio. El material ha sido sampleado, estirado, disminuido y transformado hasta crear un universo sonoro único. El cual se ha conjuntado con las intervenciones en el disco de cuatro músicos aportando la guitarra, el chelo y la percusión al trabajo de grabaciones de campo del propio Edu Comelles.

Edu Comelles. Doctor en Bellas Artes, MSc en Diseño de Sonido (Edinburgh University) MA en Artes Visuales y Multimedia por la Universidad Politécnica de Valencia. Actualmente se encuentra involucrado en varios proyectos artísticos individuales y colectivos que entran en relación directa con el paisaje sonoro y la composición. Edu Comelles trabaja desde el año 2006 en composición sonora. Sus trabajos han sido publicados por varios sellos discográficos de libre distribución, tales como Resting Bell (Berlín), Test Tube (Portugal), Impulsive Habitat (Portugal) o Audiotalaia (España). Ha participado en festivales llevando al directo su proyecto personal y Cello + Laptop en colaboración con Sara Galán. Su obra ha sido expuesta o difundida en el Museo Reina Sofía de Madrid, el CCCB de Barcelona o en el MUAC de Ciudad de México entre otros. Es el fundador y director de Audiotalaia, una plataforma dedicada a la difusión y producción de músicas experimentales en España y también co-dirige, junto a Juanjo Palacios, la plataforma de difusión LEA Ediciones, centrada en grabaciones de campo. Actualmente trabaja junto a Fernando Ortuño en la Escuela Superior de Diseño de Valencia desarrollando un proyecto de investigación que plantea modelos expositivos para el arte sonoro y las músicas experimentales.

Horario: De las 11.30 h a las 14.00 h y de las 16.00 h a las 18.30 h
Precio: 5 € público en general
Modo de inscripción: A través de la dirección electrónica actividades@eacc.es
Fin de la inscripción: Viernes 11 de diciembre
Plazas Limitadas: Hasta cubrir aforo

Ryoji Ikeda. Datamatics en el EACC

Ryoji Ikeda. Datamatics
Espai d’Art Contemporani de Castelló
Calle Prim, S/N. Castellón de la Plana
Inauguración: 16 de octubre, 20 h.
Hasta el 10 de enero de 2016

El Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC) acoge a partir del 16 de octubre el proyecto audiovisual Datamatics de Ryoji Ikeda, compositor de música electrónica y artista visual japonés. Una aclamada reorquestación artística de las investigaciones que Ikeda lleva desarrollando desde el 2006 y que pretende explorar el potencial de percepción de sustancias invisibles en forma de datos que impregnan nuestro mundo.

Ryoji Ikeda. Data.Matrix [nº1-10],10 proyectores DLP, ordenadores, altavoces, peanas madera. Cortesía de EACC

Ryoji Ikeda. Data.Matrix [nº1-10], 10 proyectores DLP, ordenadores, altavoces, peanas madera. Cortesía EACC.

Ryoji Ikeda se hace eco en su obra de los elementos básicos (“composición de datos”) que estructuran nuestra sociedad de la información (datos y códigos binarios de la era digital y analógica) y el ritmo in crescendo de los flujos de datos con una estética minimalista. El resultado es una composición de belleza abstracta con un efecto ‘hipnótico virtual’ en el espectador, las características esenciales del sonido en sí e imágenes iluminadas con una precisión estética y matemática. La organización minuciosa de todo el conjunto le ha proporcionado una indiscutible reputación en el ámbito del medio visual y sonoro entendido como desafío cognitivo y emocional que se dirige a los propios sentidos y la mente, culminando en el cuestionamiento del ser en el espacio.

Datamatics consta de una serie de experimentos en distintos formatos (conciertos audiovisuales, instalaciones, publicaciones, discos) concretados en dos grandes instalaciones: Data-Matrix nº1-10 y Data-Scan nº1-9, colocadas y contrapuestas simétricamente por el propio Ikeda en dos pasillos del EACC. El recorrido fomenta un sentido agudo de presencia física en el aquí y ahora mientras que, sus composiciones audiovisuales abstractas, reconfiguran los elementos básicos de nuestra realidad digital en forma de paisajes de datos envolventes que consiguen una transformación estructural. Son composiciones que parten de principios primarios deconstruidos y recompuestos: transformaciones, visualizaciones y simplificaciones de datos científicos (el ADN del genoma humano, coordenadas astronómicas de estrellas en el universo, estructuras moleculares de proteínas y datos de la propia arquitectura de damatics). Dibuja tonos e imágenes a partir de ellos, transforma los códigos binarios en experiencia estética y convierte los datos digitales en parte integran, real y tangible de los sentidos humanos y el tratamiento psicológico.

Ryoji Ikeda. Data.Scan [nº1-9]. 9 monitores LED 27’’, ordenadores, altavoces, peanas madera. Cortesía de EACC.

Ryoji Ikeda. Data.Scan [nº1-9]. 9 monitores LED 27’’, ordenadores, altavoces, peanas madera. Cortesía EACC.

La exposición, en última instancia, pretende orquestar dos grandes instalaciones desde el punto de vista del compositor/artista Ikeda mediante una sincronización sumamente precisa en 19 obras convertidas en una sinfonía audiovisual individual inmersiva y sensorial. El proyecto, además, cuenta con la colaboración de Japan Foundation y Haus der elektronischen Künste Basel incluyendo un concierto a cargo del propio artista en el EACC.

Ryoji Ikeda, concierto único

Concierto audiovisual. Datamatics [ver 2.0]
Dirección, concepto y composición: Ryoji Ikeda
Computación gráfica, programación: Shohei Matsukawa, Daisuke Tsunoda, Tomonaga Tokuyama
Paranimf Universitat Jaume I de Castelló
15 de octubre de 2015, 20:00 h
Duración: 55’’
Precio: 5 € / Amics de l´Espai: 3´50 €

Datamatics es un concierto audiovisual de la serie homónima de Ryoji Ikeda, que forma parte del proyecto artístico producido por el Espai d’art contemporani de Castelló.

Utilizando datos puros como fuente de elementos sonoros o visuales, Ryoji Ikeda combina presentaciones abstractas y miméticas de materia, tiempo y espacio. De este modo el artista explora nuestras posibilidades de percibir esa multisustancia invisible de datos que impregna nuestro mundo, proyectando una dinámica imaginería generada por ordenador en un contenido blanco y negro, en el que no faltan unos sugestivos toques de color. Las intensas y, a un tiempo, minimalistas representaciones gráficas de datos creadas por Ikeda avanzan por múltiples dimensiones: a partir de unas secuencias 2D de patrones derivados de errores de disco duro y estudios de códigos software, las imágenes pasan a adoptar la forma de impresionantes visiones del universo en 3D. Las escenas finales añaden una dimensión extra, fruto de un procesamiento matemático tetradimensional, al ofrecer unas vistas espectaculares y aparentemente infinitas.

Una poderosa e hipnótica banda sonora acompaña a las imágenes por una meticulosa disposición en capas de componentes sónicos, generando unos espacios acústicos inmensos y aparentemente ilimitados. datamatics es una pieza poderosa y asombrosamente ejecutada que marca un hito tan significativo como excitante en la obra de Ikeda.

Ryoji Ikeda. Data.Matrix [nº1-10],10 proyectores DLP, ordenadores, altavoces, peanas madera. Cortesía de EACC

Ryoji Ikeda. Data.Matrix [nº1-10],10 proyectores DLP, ordenadores, altavoces, peanas madera. Cortesía EACC.

El 16 de octubre se inaugura en el Espai d’art contemporani de Castelló la exposición de Ryoji Ikeda, con una gran instalación pensada para la sala.

Lee Bul y la caída del optimismo utópico

Lee Bul
Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC)
C/ Prim, s/n. Castellón
Inauguración: 12 de junio, 20 h.
Hasta el 27 de septiembre de 2015

Lee Bul (1964, Corea), está considerada una de las artistas coreanas más importantes de su generación. Nacida en plena dictadura militar en Corea del Sur, se licenció en escultura por la Universidad Hongik a finales de los ochenta. Sus obras se interesan por la política en su sentido más amplio, para luego ahondar en muchas variantes de un idealismo muy humano que permea la cultura y la civilización. Su trabajo se apropia de diferentes dispositivos intelectuales desde la política de género, el idealismo, la modernidad, la ciencia-ficción o el desarrollo tecnológico. La influencia de todo ello se expresa a través de sus dibujos, fotografías, y performance (documentados a través del vídeo). Desde el principio siguió un camino iconoclasta creando obras que cruzaron las fronteras de los géneros y las disciplinas de manera provocativa. Los primeros trabajos basados en performances callejeras, muestran a una Lee Bul cubriéndose todo el cuerpo de esculturas blandas, que eran al mismo tiempo seductoras y grotescas.

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A partir de 1990 el trabajo escultórico cobra una especial relevancia evolucionando hasta la creación de instalaciones de enorme ambición. Sus esculturas Cyborg femeninas de los noventa se inspiraban en elementos de la historia del arte, la teoría crítica, la ciencia ficción y la imaginación popular para explorar las inquietudes provocadas por los avances tecnológicos disfuncionales, a la par que aludían a iconos de la escultura clásica.

Las obras más recientes de Lee Bul tienen doble inquietud; a la vez centradas en el futuro y restrospectivas, seductoras y sugerentes de ruinas. Esculturas suspendidas como lámparas de araña, a modo de complejos ensamblajes que brillan con abalorios de cristal, cadenas y espejos, que evocan de una forma conmovedora castillos en el aire. Estas esculturas reflejan esquemas arquitectónicos complejos de principios del siglo XX, así como imágenes arquitectónicas totalitarias surgidas de las experiencias de Lee Bul en su Corea militar. Ejemplo de ello son las obras After Bruno Taut (Beware the Sweetness of Things), 2007 y Untitled (“reflective highway”), 2010.

La exposición del Espai recoge algunos de sus trabajos escultóricos donde se pone de manifiesto la caída del optimismo utópico, generando formas más propias de un imaginado escenario de futuro tan deslumbrante como imposible, con obras como Bunker (M. Bakhtin), 2007/2012, Via Negativa, 2012 y Souterrain, 2012.

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Lee Bul.  A Perfect Suffering (2011). Cortesía EACC.

Quizá la más explícita de sus obras sea Mon grand récit: Weep into stones… (2005), con su topografía montañosa reminiscente de los rascacielos descritos por Hugh Ferriss en su libro The Metropolis of Tomorrow (1929). Una torre de transmisión cercana emite un mensaje LED parpadeante extraído de Hidriotafia (1658) de Thomas Browne: “weep into stones / fables like snow / our few evil days.” (“llorar hasta volverse de piedra es fábula: las aflicciones producen callosidades, las desgracias son resbaladizas, o caen como la nieve sobre nosotros”). Varias maquetas a escala se sostienen sobre andamios: una carretera en bucle elaborada de contrachapado curva, una ínfima Torre de Tatlin, una escalinata de estilo Modernista que aparece en la Dolce Vita de Fellini, y una sección transversal invertida de Santa Sofía.

La exposición se acompaña de una publicación, producida en colaboración con el Artsonje Center, de Seúl; el Musée d’Art Moderne GrandDuc Jean de Luxemburgo; IKON Gallery de Birmingham, el Korean Cultural Centre UK de Londres y el Musée d’art moderne et contemporain Saint-Étienne Métropole. Esta exposición ha itinerado por los espacios anteriormente mencionados y finalizará en el Espai d’art contemporani de Castelló.

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Lee Bul. Mon grand récit: Weep into stones… (2005). Cortesía EACC.

Jordi Colomer en la nit de l’art de Castellón

Jordi Colomer,  La-Re-Mi-La Festa de la roba bruta
Espai d´Art Contemporani de Castelló
15 de mayo de 2015, 21.30 h.
Nit de l’Art, Castellón

Presentación del vídeo La-Re-Mi-La Festa de la roba bruta que da cuenta del evento con el mismo nombre desarrollado el pasado marzo de 2014 en la población castellonense de San Mateu a iniciativa del EACC. La proyección estará acompañada de la música de la banda de Sant Mateu que interpretará música de Carles Santos. Se trata de un proyecto del artista barcelonés Jordi Colomer, que convocó la colaboración del compositor y de la Banda así como de buena parte de los habitantes de la localidad de Sant Mateu para la creación de una macro-performance, una fiesta popular, que consistía en un recorrido entre los 2 edificios de lavaderos públicos que se encuentran a uno y otro lado del centro de la ciudad y que datan de los primeros años del franquismo, con una singular arquitectura “neo-popular”o de Estilo “vernacular-español”, hoy visitados por los turistas, pero en evidente desuso. En los lavaderos, mientras la banda tocaba la música delirante de Carles Santos, y el cantante iniciaba un strip-tease, los hombres y mujeres del pueblo de todas la edades -a los que se añadieron algunos forasteros de paso- enjabonaban con garbo, sábanas, calcetines y ropa interior, acto catártico colectivo encaminado a contradecir el dicho según el cual “la ropa sucia se lava en casa” e invitando por el contrario a una limpieza general nada discreta. Posteriormente todos los participantes se dirigían al segundo lavadero, donde se terminaba el proceso de enjuagado, para acabar colgando la ropa limpia en un gran tendedero instalado en plena vía pública. Durante el recorrido, una especie de procesión laica, sonaba obsesivamente la música repetitiva del La, Re, Mi, La, una pieza de Santos para piano que data del año 1979 y que fue adaptada para banda y tenor en esta ocasión a propuesta de Colomer. El evento obtuvo un formidable éxito de participación popular, y tiene vocación de establecerse como fiesta tradicional, que se celebre todos los años.

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Como señala Ignasi Duarte en el texto que acompañará el evento; “Si así fuera, estaríamos, probablemente, ante la mejor obra de Colomer hasta la fecha, ya que se trata de una apuesta para enraizar una obra artística en el territorio e inmortalizarla en la memoria colectiva, proyectándola directa hacia el futuro. Una pirueta conceptual que recogería el testigo quimérico de aquellos primeros conceptuales que aspiraron a un arte desmaterializado. O remontando la Historia del Arte, la propuesta podría interpretarse como una suerte de materialización de los relatos pintados por Brueghel. Un artificio tan vital, tan grotesco, tan ridículo y extraordinario como el hecho de pasear unas tinas de ropa sucia por las calles de un pueblo podría convertirse en la primera obra de artista reproducida como fiesta popular.

¿Quién teme al arte contemporáneo? Los habitantes de Sant Mateu no”.

El trabajo se engloba en el marco de SINCRONIES proyecto producido por el Espai d´Art Contemporani de Castelló y la Universitat Jaume I de Castelló con la intención de invitar ciertas localidades de la Provincia de Castellón a acoger nuevas creaciones de Arte contemporáneo. En la edición precedente de Sincronies (2013), Lara Almarcegui realizó un proyecto en la población de Benlloch.

Silencios y estigmas en el EACC

Silencios y Estigmas. Pensar la enfermedad a través de la mirada cinematográfica
Actividad dirigida por Pepe Miralles y Ricard Mamblona
Espai d’Art Contemporani de Castelló
C / Prim s/n. Castellón
Sábado 9 de mayo

El estigma sigue estando presente en la concepción social de ciertas enfermedades. Los silencios, disfrazados de asuntos íntimos, enuncian la dificultad de presentarnos públicamente como enfermos en una sociedad que prioriza la ausencia de enfermedad como el único factor para tener una vida buena.

Detalle del cartel anunciador de 'Silencios y estigmas'. Cortesía de FICAE y EACC.

Detalle del cartel anunciador de ‘Silencios y estigmas’. Cortesía de FICAE y EACC.

Esta selección de cortometrajes nos servirá para intentar dar respuesta a cuestiones que consideramos necesarias seguir planteando: las leyes penalizadoras de la infección por VIH en ciertos países, las causas que están en la génesis de la continuada necesidad de organizarse ante un entorno hostil, las dificultades todavía vigentes de convivir socialmente con el VIH, cómo funcionan los programas de “rehabilitación”, y qué mecanismos están presentes en la incomprensión de las alteraciones mentales.

Cartel de 'Silencios y estigmas'. Cortesía de FICAE y EACC.

Cartel de ‘Silencios y estigmas’. Cortesía de FICAE y EACC.

‘Silencios y Estigmas. Pensar la enfermedad a través de la mirada cinematográfica’, forma parte de las actividades nómadas del I Festival Internacional de Cortometrajes Arte y Enfermedades, realizado a Universitat Politècnica de València en enero de 2015.

Fotograma de 'Inside the Box', de David Martin-Porras. FICAE y EACC.

Fotograma de ‘Inside the Box’, de David Martín-Porras en ‘Silencio y estigmas’. FICAE y EACC.

Proyección de  cortometrajes:
11.30 a 14.00 h
‘Inside the box’. Director: David Martín-Porras (Ficción, 15’)
‘Queen by Night’. Director: Meeri Koutanemi (Documental, 9’)
‘Quiero ser’. Director: Jared Jacobsen (Docudrama, 9’)
‘Encadenados’. Director: Pablo Miralles (Ficción, 19’)
‘O pacote’. Director: Rafael Villa Nova Aidar (Ficción, 18’)

Fotograma de 'Resiliencia', en 'Silencios y estigmas'. FICAE y EACC.

Fotograma de ‘Resiliencia’, de Gonzalo Vergara Moreno, en ‘Silencios y estigmas’. FICAE y EACC.

16.00 a 18.00h

Resiliencia. Director: Gonzalo Vergara Moreno (Documental, 12’)
Caradecaballo. Director: Marc Martínez Jordán (Ficción, 8’)
Cadaunería. Director: Francina Verdés (Documental, 21’)
Abriendo puertas. Director: Tomás Bases (Ficción, 10’)
Médula. Director: Melisa Miranda Ulloa (Documental, 19’)

Entrada libre
Con la colaboración de Medicus Mundi y CASDA (Asociación ciudadana contra el sida de Castellón)
Arte y enfermedades
Facebook FICAE

Detalle del cartel anunciador de 'Silencio y estigmas'. Cortesía de FICAE y Espai d'Art Contemporani de Castelló.

Detalle del cartel anunciador de ‘Silencio y estigmas’. Cortesía de FICAE y Espai d’Art Contemporani de Castelló.

EACC: Encuentro con Bleda y Rosa

Espai Amics. Encontres. Bleda y Rosa
Espai d’art contemporani de Castelló (EACC)
17 de abril de 2015, 20 h.
Entrada libre

María Bleda (Castellón, 1969) y José María Rosa (Albacete, 1970) trabajan en equipo desde principios de los años 90. El núcleo fundamental de su trabajo es la representación del territorio, con el que buscan resaltar el complejo cruce de culturas y tiempos que lo conforman. El poso del tiempo, la huella y la memoria son los elementos intangibles que construyen sus obras. A lo largo de compactas y destacadas series como “Campos de fútbol”, “Campos de batalla”, “Ciudades” y “Origen”, Bleda y Rosa han consolidado una propuesta que registra la historia latente que habita en los espacios, un pasado que ellos exploran activando nuestro imaginario y nuestra memoria.

Bleda y Rosa. Cortesía EACC.

Bleda y Rosa. Cortesía EACC.

Destacables son sus exposiciones en Kunsthalle zu Kiel (2003), Universidad de Salamanca y CAAC (2009), Real Jardín Botánico (Ante el Tiempo, PHE 2010); así como su participación en Mediterranean: between reality and utopia, The Photographers’ Gallery, Londres (2004) o MANIFESTA 4, Frankfurt a.M. (2002). Su obra se encuentra en colecciones de museos como MNCARS, Musée d’Art Moderne de Céret-EPCC, FNAC. Fonds National d’Art Contemporain, CGAC, MUSAC y ARTIUM, entre otros. En 2008 fueron galardonados con el Premio Nacional de Fotografía.

José María Rosa y María Bleda. Cortesía de los artistas.

José María Rosa y María Bleda. Cortesía de los artistas.

Javier Núñez Gasco inaugura en el EACC

Javier Núñez Gasco. Fuera de acto
Espai d’art contemporani de Castelló
Inauguración: 6 de febrero, 20 h.
Hasta el 26 de abril de 2015

Fuera de acto es una propuesta de confrontación entre la obra artística y el público, mediante la exposición variable de algunos de los trabajos realizados por Javier Núñez Gasco en el ámbito de las artes escénicas durante los últimos años. Este proyecto, comisariado por José Luis Pérez Pont, se ha concebido específicamente para el Espai d’art contemporani de Castelló como una experiencia vinculada a las artes vivas.

La muestra plantea una ruptura de los acuerdos establecidos dentro de las exposiciones de arte contemporáneo. La exposición se convierte en obra en sí misma y la obra que se presenta siempre está en constante cambio. No interesa que el objeto expuesto sea un fin sino un catalizador de acción. De este modo se pretende romper la estructura formal de la exposición otorgando todo el protagonismo al público, que es el que dota de contenido y transforma los acontecimientos. Es aquí donde radica su verdadero propósito.

En los trabajos de Javier Núñez Gasco, especialmente aquellos en los que se introduce en el territorio de las artes escénicas, la realidad y la ficción se muestran indistinguibles ante el espectador. Su implicación directa, performativa, es una característica que se formula con éxito en sus obras. Sus proyectos guardan una lógica entre sí, como resultado de una dinámica que persigue crear realidades en lo social, alimentándose del contacto con lo extraordinariamente sencillo de cada día. La observación y la reflexión acerca de lo que sucede a su alrededor, a nuestro alrededor, encuentra en sus obras una formalización imaginativa, liberada de juicios de valor que en la exposición del Espai encuentra su última expresión.

Javier Núñez Gasco. La Tempestad. Cortesía del artista.

Javier Núñez Gasco. La Tempestad. Cortesía del artista.

Javier Núñez Gasco (Salamanca, 1971)

Vive y trabaja entre Madrid y Lisboa. Su obra se caracteriza por haber logrado desarrollar una mirada propia para acercarse a la realidad, así como las múltiples formas con las que afronta los recorridos que separa en ocasiones al arte del sentido común. Para su proyecto Miserias Ilimitadas, Lda. (2002-2007) diseñó una fórmula empresarial legalmente constituida -con sede en Portugal-, creada con el fin de promover la solidaridad social y anticipando la llegada de una miseria ilimitada a las sociedades de la opulencia, para desesperación de una parte creciente de la ciudadanía. Aunque quizás sea Microchip (2002) el más perverso de sus proyectos y en el que más claramente se evidencia la facilidad con la que pueden crearse y difundirse falsedades a través de los medios de comunicación de masas. Su implicación directa, performativa, es una característica que se repite con éxito en buena parte de sus trabajos. Sus proyectos guardan una lógica entre sí, como resultado de una dinámica que persigue crear realidades en lo social, pues se alimentan del contacto con lo diario.

La implicación que requieren por parte del comprador, del coleccionista, algunas de sus piezas –iniciadas en 2005-, es una característica común en Tu Creador no te olvida y Resting pieces (R.I.P.). La primera de éstas rinde homenaje a las ideas que, por diversas razones, no ha podido llevar a cabo, y sirve como base para el proyecto Resting pieces (R.I.P.). Este último es un work in progress a partir de lápidas funerarias o conmemorativas talladas en piedra, que contienen algunas de esas ideas no realizadas. Concebido para el circuito comercial artístico, la obra se completa y cobra sentido con el acto de la compra. Las propuestas valiosas e imaginativas de Núñez Gasco son numerosas, como las que resultan de su colaboración en el ámbito teatral. Con la compañía Teatro Praga han surgido proyectos como Público incondicional (2009), Sueño (2010) o Miedo escénico (2012) que son el eje del proyecto Fuera de acto (2015) en el Espai d’Art Contemporani de Castelló. Trabajos en los que la acción del artista se convierte en un modo de relación parasitaria a través de la que indaga la ilusión del hecho escénico, consistente en aceptar que todo lo que ocurre en el escenario es una forma de verdad consentida durante el tiempo que dura la representación, a la vez que el público supone que esta verdad está contenida en una ficción.

Ha participado en numerosas exposiciones y ferias nacionales e internacionales, su obra forma parte de colecciones como la de Fundación Botín, Purificación García o Centro Ordóñez-Falcón de Fotografía, entre otras.

Javier Núñez Gasco. Ejecución: acto y resultado, 2015. Imagen cortesía del artista.

Javier Núñez Gasco. Ejecución: acto y resultado, 2015. Imagen cortesía del artista.

EACC. Performance inaugural de Javier Núñez Gasco

Javier Núñez Gasco. Fuera de acto
Espai d’art contemporani de Castelló (EACC)
C/ Prim, s/n. Castellón
Performance inaugural: 30 de enero, 20.00 h.

En los trabajos de Javier Núñez Gasco (Salamanca, 1971), especialmente aquellos en los que se introduce en el territorio de las artes escénicas, la realidad y la ficción se muestran indistinguibles ante el espectador. Su implicación directa, performativa, es una característica que se formula con éxito en sus obras. Sus proyectos guardan una lógica entre sí, como resultado de una dinámica que persigue crear realidades en lo social, alimentándose del contacto con lo extraordinariamente sencillo de cada día. La observación y la reflexión acerca de lo que sucede a su alrededor, a nuestro alrededor, encuentra en sus obras una formalización imaginativa, liberada de juicios de valor.

Fuera de acto es una propuesta de confrontación entre la obra artística y el público, mediante la exposición variable de algunos de los trabajos realizados por Javier Núñez Gasco en el ámbito de las artes escénicas durante los últimos años. Este proyecto, comisariado por José Luis Pérez Pont, se ha concebido específicamente para el Espai d’art contemporani de Castelló como una experiencia vinculada a las artes vivas.

La representación teatral descansa sobre un acuerdo tácito entre público y actores, que gestiona la ilusión del hecho escénico y consiste en aceptar que lo que ocurre en el escenario es una forma de verdad consentida durante el tiempo de la representación. En lo cotidiano la realidad también se construye mediante pactos y representación de roles. Mediante convenios no escritos con los otros establecemos acuerdos temporales para la construcción de realidades. De este modo participamos en la creación de un espacio público basado en la representación.

Fuera de acto plantea una ruptura de los acuerdos establecidos dentro de las exposiciones de arte contemporáneo. La exposición se convierte en obra en sí misma y la obra que se presenta siempre está en constante cambio. No interesa que el objeto expuesto sea un fin sino un catalizador de la acción. En este caso, el espectador es el protagonista, se convierte en actor y mira la obra desde dentro y desde fuera, a la vez que el artista se erige en actor y torna espectador al mismo tiempo.

Una parte importante de este proyecto es el workshop: Obra completa/Fuera de acto, impartido por el reconocido director y dramaturgo lisboeta André E. Teodósio y el artista Javier Núñez Gasco, con el que se propone una ruptura de acuerdos y la creación de nuevos pactos. Con ese objetivo y con el firme propósito de que las obras cambien y actúen como catalizadores dependiendo del contenido con que se llenen, se plantea un laboratorio de construcción de sentido en el que cada participante pueda aportar ideas e interpretaciones, un taller teórico práctico organizado por el EACC y dirigido a personas con interés especial en las artes plásticas y escénicas.

Se trata de releer los roles que funcionan dentro de las artes escénicas en relación con el display expositivo, los modos de reconocimiento del objeto, su posibilidad de producir acción y la carga performativa generada por el observador. En definitiva, se trabaja sobre la posibilidad de inversión de sentido en el objeto artístico, la capacidad de dotarlo de intención y actuación, y cómo ello afecta a la mirada condicionada del espectador.

El taller se celebra del 26 al 30 de enero en el mismo espacio expositivo que albergará la muestra posterior Fuera de acto, y se invitará a los participantes a colaborar en la construcción de lo que pretende ser una exposición diferente. Las aportaciones inmediatas generadas durante el diálogo entre los participantes, el artista plástico y el experto en dramaturgia servirán para configurar las acciones que se realizarán en la performance inaugural del 30 de enero de 2015, convertida en una exposición que durará tan solo unas horas.

En esa fecha la sala permanecerá vacía, siendo a través del relato que los asistentes tendrán acceso a las obras ausentes, en un ejercicio de transmisión oral de conocimiento. La pieza Mil palabras: acción, objeto, contadores es el resultado del workshop, como una fórmula de mediación en la experiencia personal entre el individuo y la obra de arte. Diez personas, los “contadores”, describen las obras mientras realizan una secuencia de movimientos marcados por el espacio expositivo entre los objetos ausentes. Esta “coreografía” es interrumpida por un músico que interpreta una melodía haciendo uso de un objeto transformado, Arma muerta, resultado de la adaptación del cañón de una escopeta para convertirse en flauta travesera. Con esta melodía los “contadores” acuden de forma ordenada a un punto de la sala, un tramo de pared en el que se han perforado una serie de orificios formando una frase. Algunos de esos orificios están preparados para que, soplando a través de ellos, se generen distintas notas de la escala musical. Una vez situados frente a esta pared y habiendo finalizado la melodía de la “flauta”, los “contadores” adoptan una postura acordada y soplan por los orificios de este Instrumento en un “cluster” sonoro. Al mismo tiempo que se activa el acorde, se desvela el mensaje oculto en su vestimenta.

Javier Núñez Gasco. Ejecución: acto y resultado, 2015. Imagen cortesía del artista.

Javier Núñez Gasco. Ejecución: acto y resultado, 2015. Imagen cortesía del artista.

La segunda performance, Ejecución: acto y resultado, comienza inmediatamente después. Para esta acción se cuenta con la colaboración de agentes de la policía científica, expertos en balística, que descargarán cientos de disparos con un arma del calibre 22 sobre tres resmas de papel de imprenta colocadas en el suelo de la sala con el fin de escribir una frase atribuida, aunque nunca escrita, por el dramaturgo Antón Chéjov.

El proyecto de Javier Núñez Gasco pretende retomar el hecho escénico y llevarlo fuera de los límites del escenario, romper el acuerdo y crear nuevos pactos. Metafóricamente, el proyecto consistirá en disparar esa pistola de la que hablaba Chéjov, más allá del espacio convenido, en ese territorio de nadie, en el campo de lo cotidiano, en el que los acuerdos de construcción y representación de realidad están en constante cambio y movimiento. Dicho de otra manera, Fuera de acto pretende trasladar hechos teatrales a la realidad misma.

Una semana después, el 6 de febrero de 2015, tendrá lugar la inauguración de la exposición con una revisión de los trabajos de Javier Núñez Gasco relacionados con las artes escénicas, ahora ya presentes en la sala, que convivirán en el EACC con la presencia de las piezas resultantes de las performances realizadas y su registro en vídeo.

El título Fuera de acto pretende romper la estructura formal de la exposición otorgando todo el protagonismo al público, que es el que dota de contenido y transforma los acontecimientos. Es aquí donde radica su verdadero propósito.

Javier Núñez Gasco. Prótesis para una bailarina. Cortesía del artista.

Javier Núñez Gasco. Prótesis para una bailarina. Cortesía del artista.

Javier Núñez Gasco (Salamanca, 1971)
Vive y trabaja entre Madrid y Lisboa. Su obra se caracteriza por haber logrado desarrollar una mirada propia para acercarse a la realidad, así como las múltiples formas con las que afronta los recorridos que separa en ocasiones al arte del sentido común. Para su proyecto Miserias Ilimitadas, Lda. (2002-2007) diseñó una fórmula empresarial legalmente constituida -con sede en Portugal-, creada con el fin de promover la solidaridad social y anticipando la llegada de una miseria ilimitada a las sociedades de la opulencia, para desesperación de una parte creciente de la ciudadanía. Aunque quizás sea Microchip (2002) el más perverso de sus proyectos y en el que más claramente se evidencia la facilidad con la que pueden crearse y difundirse falsedades a través de los medios de comunicación de masas. Su implicación directa, performativa, es una característica que se repite con éxito en buena parte de sus trabajos. Sus proyectos guardan una lógica entre sí, como resultado de una dinámica que persigue crear realidades en lo social, pues se alimentan del contacto con lo diario.

La implicación que requieren por parte del comprador, del coleccionista, algunas de sus piezas –iniciadas en 2005-, es una característica común en Tu Creador no te olvida y Resting pieces (R.I.P.). La primera de éstas rinde homenaje a las ideas que, por diversas razones, no ha podido llevar a cabo, y sirve como base para el proyecto Resting pieces (R.I.P.). Este último es un work in progress a partir de lápidas funerarias o conmemorativas talladas en piedra, que contienen algunas de esas ideas no realizadas. Concebido para el circuito comercial artístico, la obra se completa y cobra sentido con el acto de la compra. Las propuestas valiosas e imaginativas de Núñez Gasco son numerosas, como las que resultan de su colaboración en el ámbito teatral. Con la compañía Teatro Praga han surgido proyectos como Público incondicional (2009), Sueño (2010) o Miedo escénico (2012) que son el eje del proyecto Fuera de acto (2015) en el Espai d’Art Contemporani de Castelló. Trabajos en los que la acción del artista se convierte en un modo de relación parasitaria a través de la que indaga la ilusión del hecho escénico, consistente en aceptar que todo lo que ocurre en el escenario es una forma de verdad consentida durante el tiempo que dura la representación, a la vez que el público supone que esta verdad está contenida en una ficción.

Ha participado en numerosas exposiciones y ferias nacionales e internacionales, su obra forma parte de colecciones como la de Fundación Botín, Purificación García o Centro Ordóñez-Falcón de Fotografía, entre otras.