Beca de producción a la creación videográfica DKV-Es Baluard 2018

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Beca de producción a la creación videográfica DKV-Es Baluard 2018

Es Baluard y DKV Seguros convocan la quinta edición de la beca de producción a la creación videográfica.

La beca está abierta a la presentación de proyectos de obras de videoarte, y está dotada con un importe de 5.000 euros (+IVA). Esta cifra incluye los gastos de producción de la obra, honorarios, así como otra serie de conceptos desglosados en las condiciones.

La obra resultante se expondrá en Es Baluard a partir de noviembre de 2018, y participará en una exposición colectiva en Ca n’Oliver, Mahón, Menorca, del 5 de octubre de 2018 al 6 de enero de 201 (inauguración el 4 de octubre de 2018). El museo asumirá los gastos derivados de las exposiciones. Para la asistencia a la inauguración y presentación se dotará al ganador de una cantidad de 250 euros (+ IVA) que se entregará sumándolo a la totalidad del premio.

Condiciones

La selección de los proyectos ganadores correrá a cargo de un jurado de expertos.
La convocatoria está abierta a artistas y colectivos de nacionalidad española nacidos a partir de 1978. En el caso de colectivos al menos uno de los miembros debe cumplir ambos requisitos.
Los proyectos serán específicos, originales e inéditos. No se admitirán aquellos trabajos que hayan sido editados o premiados anteriormente.
El autor de la obra ganadora cederá a Es Baluard y a DKV Seguros los derechos de comunicación pública de la misma con fines promocionales, para la incorporación a la web, con fines didácticos y de investigación.
Asimismo, el autor se hace responsable de cualquier apropiación, cita o colaboración incluida en el trabajo que no sea de su autoría propia.
Dos pruebas de autor de la obra ganadora podrán pasar a formar parte de las colecciones de ambas instituciones si la comisión de adquisiciones de las mismas lo aprueba y sin coste adicional a la cuantía de la beca.
En caso de que la obra resultante contenga audios con conversaciones la pieza deberá ir subtitulada al inglés (o al castellano si la pieza estuviera producida en inglés).
La beca será abonada al autor o autores del proyecto vencedor previa presentación de factura.
El artista se compromete a acudir a la presentación de la exposición con la obra producida. Los gastos de alojamiento y transporte serán cubiertos por el artista con una dotación de 250 euros (+ IVA) adicionales a los 5.000 euros (+IVA) de la beca de producción.
El autor se compromete a entregar la obra producida antes del 30 de agosto de 2018, para su valoración por parte de los respectivos comités y el estudio de sus necesidades expositivas.
Criterios de valoración

Los proyectos serán valorados por el jurado en función de los siguientes criterios:

El valor artístico y cultural de los proyectos presentados en coherencia con la línea abierta en la beca DKV Es Baluard
La viabilidad de realización en función de los plazos y el presupuesto.
La viabilidad técnica de la propuesta en cuanto a su ejecución.
Presentación

La solicitud deberá incluir la siguiente información, que se enviará por e-mail en un único pdf de máximo 10 Mb:

DNI y datos de contacto (dirección completa, mail y teléfono)
Fecha y lugar de nacimiento
Título del proyecto.
Cronograma del trabajo.
Justificación del proyecto (máximo 300 palabras).
Descripción del proyecto (máximo 500 palabras).
CV del artista o colectivo (máximo 300 palabras).
Dossier con el trabajo anterior del artista o colectivo con un máximo de 5 obras
Comité de valoración

Miembros del jurado:

Javier Hontoria (comisario y crítico de arte), Tania Pardo (Responsable de Exposiciones de La Casa Encendida), Nekane Aramburu (directora Es Baluard), Alicia Ventura (comisaria y asesora Colección DKV), Juan Bautista Peiró (asesor Colección DKV)

Plazos

El plazo para el envío de la documentación concluye el 15 de abril de 2018. La misma se deberá enviar a Es Baluard al correo electrónico: artistica02@esbaluard.org

Los resultados de los seleccionados de esta convocatoria y sus fases serán anunciados en la web del museo (www.esbaluard.org).

Proyecto seleccionado

Se solicitará a los artistas o colectivos autores de los proyectos seleccionados la firma de un acuerdo con Es Baluard-DKV que regule los términos, revisión de plazos de cumplimiento, pagos y derechos de comunicación de la obra.

Información y Consultas

Para cualquier información adicional pueden dirigirse a: artistica02@esbaluard.org
La participación en esta convocatoria implica la aceptación de las presentes bases.
Las decisiones del jurado son inapelables. Teniendo en cuenta la calidad de las obras presentadas, el jurado podrá declarar el premio desierto.

Bases completas
Imagen de portada:

Poéticas en torno a la ruina en Chirivella Soriano

‘Fragmentos para la eternidad. Poéticas en torno a la ruina’, VV.AA.
Fundación Chirivella Soriano
Valeriola 13, Valencia
Del 6 de octubre de 2017 al 14 de enero de 2018

La Fundación Chirivella Soriano presenta la exposición ‘Fragmentos para la eternidad. Poéticas en torno a la ruina’, que se inaugura el próximo viernes 6 de octubre en la sede de la organización y podrá visitarse hasta el 14 de enero.

La muestra reúne los trabajos de una serie de artistas que reflexionan sobre la ruina y su función histórica, social y crítica. Un hilo conductor que ofrece la mirada amplia, personal y en constante evolución de un grupo de creadores que se aproximan al pasado desde múltiples expresiones, todas válidas para establecer un diálogo sobre sus inquietudes, preocupaciones y experiencias vitales; retazos que tejen un imaginario pleno de matices.

Instantánea de Óscar Carrasco que forma parte de la exposición. Fotografía cortesía de la Fundación Chirivella Soriano.

Instantánea de Óscar Carrasco que forma parte de la exposición. Fotografía cortesía de la Fundación Chirivella Soriano.

Lida Abdul, David Bestué, Bleda y Rosa (Premio Nacional de Fotografía 2008), Carmen Calvo (Premio Nacional de Artes Plásticas 2013), Óscar Carrasco, Antonio Fernández Alvira, Patricia Gómez y Mª Jesús González, Mª José Planells y Anna Talens comparten con el espectador su ideal de ruina como recurso artístico. Fragmentos para la eternidad que utilizan el videoarte, la escultura, los recursos plásticos o la fotografía como medios de expresión; que pervierten los materiales para alcanzar nuevas realidades sensibles al cambio y recrean espacios que ya no serán como fueron, pero permiten una perspectiva sobre el paso del tiempo, sobre la memoria.

En la exposición podrá disfrutarse de dos piezas de la valenciana Carmen Calvo, referente del arte plástico nacional, que se exhiben por primera vez y pertenecen a la colección de la Fundación Chirivella Soriano. Por su parte, el trabajo de la artista Lida Abdul forma parte de la colección de Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma; y, el resto de obras, son préstamos de los creadores.

Las conversaciones que mantienen estos artistas entre el pasado y el presente sitúan al espectador, por ejemplo, como testigo de la devastación y la tragedia que supone una guerra como la de Afganistán. También sobre lo que queda de espacios olvidados, abandonados, sin vida; o de descubrir elementos ocultos de los paisajes, de los edificios, de los recuerdos.

Instantánea de Lida Abdul que forma parte de la exposición. Fotografía cortesía de la Fundación Chirivella Soriano.

Instantánea de Lida Abdul que forma parte de la exposición. Fotografía cortesía de la Fundación Chirivella Soriano.

Estas ‘Poéticas en torno a la ruina’ son a su vez una posibilidad para el juego, el fraude y la percepción subjetiva del espectador ante las creaciones arquitectónicas que engañan, los objetos perdidos y los materiales desechados que cobran otras vidas ante la fragilidad del presente.

Los trabajos reflexionan sobre la memoria, sobre nuestros pasados y el origen de lo que somos. En un momento social y cultural en el que predomina el instante y lo fugaz, prestar atención a las ruinas es una manera de orientar nuestras vidas.

Igualmente, La Fundación Chirivella Soriano y el Máster Oficial en Producción Artística de la Facultat de Belles Arts de Sant Carles de la UPV presentan ‘Chemtrails’, el proyecto de la artista Cristina Santos (Vila-real, 1990), que ha resultado seleccionado en la VI Convocatoria Sala d’arcs. La obra, elegida entre las presentadas por los alumnos y alumnas del máster, ha sido ideada específicamente para este espacio.

La convocatoria surge a través del convenio entre la Fundación Chirivella Soriano y la Universitat Politècnica de València, en la que un jurado selecciona una de las piezas presentadas para que sea expuesta en la Sala d’arcs. La pieza podrá visitarse también entre el 6 de octubre y el 14 de enero.

Imagen de un las piezas de Anna Talens que forman parte de la exposición. Fotografía cortesía de la Fundación Chirivella Soriano.

Imagen de un las piezas de Anna Talens que forman parte de la exposición. Fotografía cortesía de la Fundación Chirivella Soriano.

“Las dos películas son elementos de memoria histórica”

‘Las ahijadas’, de William James
Centro del Carmen
Museu 2, Valencia
Hasta el 22 de enero de 2017

El Centro del Carmen, en colaboración con Es Baluard Museu d’art Modern i Contemporani de Palma, acoge, hasta el próximo 22 de enero de 2017, la exposición ‘Las ahijadas’, de William James, una singularísima instalación audiovisual -cuya morfología se completa con la contribución fotográfica de Almudena Soullard y diversas instantáneas de archivo privado- que focaliza su atención en parte del devenir biográfico de dos figuras de diverso lustre y soterrada referencia: Natacha Rambova y Natacha Rampova.

La primera, refulgente icono de los oropoles hollywoodienses de los años 20, bailarina y diseñadora de vestuario y decorados, segunda esposa de Rodolfo Valentino y con cuyo ulterior marido, el aristócrata español y comandante naval Álvaro de Urzaiz, se tralada a Mallorca, fijando su residencia en la isla desde 1931 hasta los albores de la Guerra Civil Española. La segunda, artista de cabaret transgénero y activista de referencia en el movimiento LGBT valenciano desde finales de los años 70, víctima carcelaria de la vergonzante Ley sobre Peligrosidad y Rehabilitación  Social y presente paradigma de la lucha sobre políticas de género y justicia social en la ciudad de Valencia.

Con el objetivo de desentrañar las veladas e intrínsecas consonancias que emparentan a ambas conspicuas, Makma entrevista al artista británico, avezado investigador documental sobre las imbricaciones existentes entre la construcción del género y el espacio urbano, quien rubrica en esta exposición un dilatado y perseverante proceso credencial sobre la subrepticia consaguinidad de ‘Las ahijadas’.

Vista general de la instalación audiovisual de 'Las ahijadas'. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Vista general de la instalación audiovisual de ‘Las ahijadas’. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

¿En qué momento o de qué modo se solidifica el germen del proyecto?

Empezó realmente en un proyecto de educación sobre historia oral por parte de Es Baluard en Palma de Mallorca, en un barrio de Palma que se llama Gènova. Los niños del colegio tenían que preguntar a los vecinos mayores sobre el pasado del barrio. Una vecina (María Salomé Juaneda Pujol) les contó que era la ahijada de Natacha Rambova, que había vivido allí. Más tarde, hicieron otra cita y los niños se fueron a su casa para ver la fotografías personales que habían sido propiedad de Rambova -algunas están reproducidas en la exposición, cedidas por ella-.

Posteriormente, Sebastián Mascaró -docente del museo- había oído el nombre de Rambova en otra ocasión, hablando conmigo, por mi amistad con la Rampova valenciana, y él comenzó a preguntar acerca de qué significa el hecho de que compartan el mismo nombre, a pesar de la pequeña diferencia (Rambova/Rampova); entonces, yo le expliqué que, para Rampova, Natacha Rambova era su alias y que en la época de la Transición la gente activista y progresista solía tener nombres de guerra y, así, si tenían problemas con la policía, no podían denunciar a los demás porque nadie sabía realmente cómo se llamaban sus compañeros. Ella eligió Natacha Rampova, aunque al principio era Rambova. La gente la llamaba Rambo y cuando se estrenaron las películas de ‘Rambo’, de Silvester Stallone, lo cambió por Rampova, porque no quería asociarse con esas películas.

Entonces decidimos que era una coincidencia muy interesante. La Rampova valenciana no sabía que Rambova, su heroína, había vivido en España -una parte de su vida desconocida para ella-. Pensamos que esta coincidencia podía formar la base de un proyecto. Esta idea de coincidencia, de casualidad, se ha mantenido durante todo el proyecto por el hecho de que se ha presentado como dos canales de vídeo que no tienen una relación obvia entre ellos, dejándose al espectador el encuentro de los vínculos entre los dos. Y eso es lo que he hecho en el proyecto, dos historias -la de Rampova en Valencia y la de Natacha Rambova en Mallorca-, en las que surgen ciertas ironías, conexiones y temas.

Una cuestión en la que debe repararse es en el propio título de la exposición, ‘Las ahijadas’, cuya nominación puede sugerir diversas interpretaciones, amén de encontrarnos con la figura de la ahijada de Natacha Rambova y entendiendo a Rampova como libérrimamente consanguínea de la primera por emulación. Sin embargo, la figura de la ahijada real no puede equilibrarse con la de Rampova y parece revelarse más bien como una excusa inicial para profundizar en el resto del proyecto.

Sin ella no habría proyecto, porque todo empezó con la ahijada real. Pero, claro, la información que ella tiene sobre Natacha Rambova viene a través de sus padres. Su madre era la doncella y su padre era el chófer del matrimonio y vivían en su casa de Cala Fornells, a partir del año 1933 (incluso tenían que casarse para ir a vivir con ellos para instalarse, aunque ya estaban comprometidos). Toda la información que la ahijada tiene procede de anécdotas y, sobre todo, acerca de lo bien que vivían, sus fiestas, la gente que les visitaba, pero no hay ningún análisis.

Un instante de la instalación audiovisual de 'Las ahijadas'. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Un instante de la instalación audiovisual de ‘Las ahijadas’. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Ambas películas documentales atesoran sentido en sí mismas, funcionan de un modo autónomo. Sin embargo, ¿proponerlas en comunión en esta instalación audiovisual posibilita o exige un espectador proactivo, es decir, que se sumerja en el raquis de cada uno de ellos y esto propicie un análisis acerca de cuáles son los elementos que los cohesionan?

Claro. Se deja al espectador la búsqueda de los vínculos entre las dos. Quería posibilitar una manera de enfrentarse a esta coincidencia o casualidad, porque todo el proyecto se basa en la casualidad, la coexistencia de estos dos personajes que mantienen una relación casi abstracta. También es importante la simetría histórica del antes y el después de la dictadura, por lo que, en ese sentido, se ha pensado para una audiencia española o con un conocimiento acerca de la Guerra Civil, de lo contrario es muy difícil de seguir.

¿De qué modo te documentaste acerca de la figura de Natacha Rambova?

Comencé a estudiar la vida de Natacha Rambova y descubrí que había escrito un ensayo de cuarenta páginas, en el otoño del 36, para convencer a la comunidad internacional para apoyar a Franco -luego nunca se publicó-. Quería leer ese artículo y escribí a su biógrafo, Michael Morris, profesor de Historia del Arte en California recientemente fallecido. Acabamos negociando e hicimos un intercambio de derechos de publicación sobre las fotos de la ahijada a cambio de una copia del texto. Eso ha sido una fuente muy importante, porque ahí cuenta en primera persona todo lo que vio en Mallorca y todas sus ideas sobre las políticas de la República, siendo un monólogo de derechas muy reaccionario. Había que contextualizarlo, entonces entrevisté a un historiador mallorquín, David Ginard i Féron, sin el que tampoco habría sido posible el documental. El cuerpo central del proyecto son extractos de ese texto y él los comenta y contextualiza, siendo muy crítico con su contenido.

¿Conocer y tener una conexión previa con Natacha Rampova te ha influido cuando has profundizado en el devenir de Natacha Rambova y en la búsqueda de parentescos entre ambas?

Yo diría que no. Cuando tienes una instalación que tiene elementos distintos el significado reside en la distancia entre ambos. Lo que sucede, también, es que Rampova tiene una política muy clara, de izquierdas, muy crítica social y políticamente, y luego resulta que Natacha Rambova se casó con Álvaro de Urzaiz, que era monárquico y de derechas y que apoyaba a Franco, por lo que ella apoyaba a los nacionalistas antirrepublicanos. Sin embargo, Rampova viene de una familia muy republicana.

¿Deben considerarse dos figuras antitéticas?

No exactamente, porque Rambova era también libertaria. Esa ironía es muy típica de los procesos de la historia. Cada uno interpretamos la historia como queremos y esto resulta que no es fiable ni objetivo.

Fotografías personales de Natacha Rambova cedidas por su ahijada María Salomé Juaneda Pujol. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Fotografías personales de Natacha Rambova cedidas por su ahijada María Salomé Juaneda Pujol. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

¿Qué cuestiones en común pueden servir de ejemplo de cómo el entorno, la atmósfera y el convulso devenir histórico de cada una de las dos figuras influye decisivamente sobre su actitud vital y política?

Un tema que comparten los vídeos es la reacción (en sí misma) contra la violencia. La diferencia es que Rampova fue víctima (durante las postrimerías del fraquismo) y Rambova era testigo (en plenos albores del Guerra Civil Española). Las reacciones son distintas y tampoco sabemos, más tarde, qué actitud tenía Rambova respecto de la dictadura. No hay ningún testimonio posterior, no sabemos qué pensaba. De todos modos, hay dos cosas muy significativas: una es que nada más llegar a Francia sufrió un infarto y su salud nunca se recuperó durante el resto de su vida; la otra cuestión es que rompió con su marido. Son hechos que sabemos y que están claros. Son hechos significativos, o así me gustaría pensarlo.

Un factor inquietante reside en el hecho de advertir a Natacha Rampova como apriorística émula de Rambova.

Sí. Emula la parte de Hollywood.

La del exotismo orientalista, pero ¿llevado al hiperbolismo para transgredirlo?

Bueno, hay otra ironía acerca de la que tampoco sabemos muy claramente el porqué. Para Rampova es muy importante que Rambova era muy libertaria y pansexual, y es muy difícil llegar a la verdad de la sexualidad de Rambova (yo creo que era heterosexual). Se ha hablado mucho acerca de que tenía una relación con Alla Nazimova, que era una actriz rusa conocida como lesbiana o bisexual y tenía muchos affaires con mujeres y actrices de Hollywood. También existe la idea de que Rodolfo Valentino (su primer marido) era gay, cuestión que yo no tengo nada clara. Insisto en que sobre estas cuestiones es muy difícil llegar a la verdad. La mitad de las mujeres de Estados Unidos estaban enamoradas de él y estamos hablando de una época en la que surge un fenómeno nuevo, que miles de mujeres de todas las clases sociales podían ver la misma imagen a la vez por la llegada del cine. Eso tuvo mucho impacto en la sociedad americana. Todas estas mujeres adoraban a Rodolfo Valentino y él no encajaba nada con la imagen del héroe americano; era extranjero, moreno, exótico y los papeles que le daban también eran así. No era fiable, honesto o abierto, sino una persona dudosa como personaje.

Un fenómeno sobre el que se han volcado las más diversas miradas, siendo especialmente turbia y fascinante aquélla de Kenneth Anger en ‘Hollywood Babilonia’, radiografiando el exceso y la posterior decadencia.

Está claro que los hombres de América le acusaban de maricón, entonces es muy difícil llegar a la verdad de su sexualidad, porque siempre está velada por esta acusación, aunque miles de personas estén convencidas de ello; sigue siendo una especie de icono gay. Parece que los que estaban cerca de Natacha Rambova y Rodolfo Valentino afirmaban que eran absolutamente heterosexuales, pero no lo sabremos nunca, realmente.

Retrato de Natacha Rampova realizado por Almudena Soullard. Fotografía cortesía de William James.

Retrato de Natacha Rampova realizado por Almudena Soullard. Fotografía cortesía de William James.

Sin embargo fue una década propicia para ciertas licencias cotidianas en contraposición a la época que Rampova hubo de padecer en España.

Rampova, hablando de la relación entre Rambova y Valentino, dijo que era un matrimonio para disimular su sexualidad y yo, en base a lo que he leído, no estoy tan seguro. Pero esa es la ironía, que para Rampova era muy importante que su musa fuera pansexual.

Todas esas complejidades o neblinosas dificultades para trabajar acerca de la figura y los archivos de Natacha Rambova no acontecen con Natacha Rampova, en tanto que, además de tu conocimiento próximo sobre su figura, existe una contemporaneidad muy facilitadora. Sin embargo, resulta singular descubrir algunos vídeos y pasajes poco conocidos, recibidos como una sorpresa o revelación para muchos espectadores de ‘Las ahijadas’, a pesar o fruto de su permanente presencia en el mapa del off-off valenciano.

Sí. Realmente creo que el vídeo de Rampova no es para nosotros, sino para la gente que no conoce a Rampo. Veo importante contar esa historia.

Para quien ya conoce a Rampova refrenda algo consabido.

Si, porque es una historia muy interesante y todas sus ideas sobre género son absolutamente actuales, aunque se han formado hace más de treinta años.

Radiografía no sólo las circunstancias político-sociales del país, sino que también es un curiosísimo testimonio de la ciudad.

Es memoria histórica. Las dos películas son elementos de memoria histórica. Esa ha sido otra motivación para desarrollar el proyecto.

Atendiendo a los episodios históricos que vertebran ‘Las ahijadas’, ¿consideras que atravesamos una nueva época de políticas y pensamiento reaccionarios?

Sí. Lo dice Rampo claramente. En el vídeo ella habla de la transversalidad de las luchas políticas y cómo esa idea de transversalidad se ha perdido. Como ejemplo, considera que todas las luchas afectan a toda la comunidad LGBT y tenían que estar presentes en todas las acciones y manifestaciones.

William James durante un instante de la entrevista a propósito de su proyecto 'Las ahijadas'. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

William James durante un instante de la entrevista a propósito de su proyecto ‘Las ahijadas’. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Jose Ramón Alarcón

 

 

 

Rambova/Rampova o el furor exótico de ‘Las ahijadas’

‘Las ahijadas’, de William James
Observatori
Es Baluard, Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Palma
Plaza de la Puerta de Santa Catalina 10, Palma
Hasta el 20 de noviembre de 2016

El Observatori de Es Baluard presenta el proyecto ‘Las ahijadas’, un trabajo en proceso del investigador y artista William James, que se vehicula en primera instancia en forma de instalación audiovisual, basada en una amplia búsqueda documental donde se confrontan dos historias apenas registradas. Para ello, se utilizan la grabación en vídeo, los testimonios orales y de archivos a partir de los lugares que sirvieron de referencia y escenario para el tránsito de dos seres excepcionales: Natacha Rambova y Natacha Rampova.

Natacha Rambova nació en 1897 en Salt Lake City (Utah) y murió en Pasadena (California), en 1966. Fue bailarina de ballet, diseñadora de vestuario y decorados en el Hollywood de los años 20, segunda esposa de Rudolph Valentino y, más tarde, testigo observador del estallido de la Guerra Civil en Mallorca, donde vivió entre los años 1931 y 1936.

Natacha Rambova, en una instantánea de su archivo personal.

Natacha Rambova, en una instantánea de su archivo personal.

Natacha Rampova nació en Valencia en 1956. Artista de cabaret transgénero y activista pre-queer, tomó su alias de Natacha Rambova, imitando el estilo exótico de sus diseños para el espectáculo. Encarcelada bajo la ley de peligrosidad social tres veces, entre 1971 y 1974, su lucha política y social forma parte de la historia de la transición a la democracia, cuando los abanderados de los estilos de vida y las sexualidades alternativos, previamente marginados, lucharon para encontrar sus múltiples voces y sus formas de auto-expresión, y, así, consolidar su presencia como parte de la nueva sociedad española. Una lucha que aún prosigue. El proyecto ‘Las ahijadas’ las vincula a través de una simetría histórica –el antes y el después de la dictadura franquista– y la mitificación de la original Rambova por parte de su álter ego.

Natacha Rampova, en una imagen perteneciente al proyecto 'Las ahijadas', de William James. Fotografía: Almudena Soullard.

Natacha Rampova, en una imagen perteneciente al proyecto ‘Las ahijadas’, de William James. Fotografía: Almudena Soullard.

A propósito de William James, creador británico afincado en Valencia, cabe reseñar su trabajo basado en la investigación documental, cuyo resultado se plasma en instalaciones concebidas para contextos y espacios específicos, con las cuales se plantea a menudo una reflexión sobre las relaciones complejas entre la construcción del género y la construcción del espacio urbano  (véase The Gendered City).

De esta manera, James contempla nuestras relaciones con el entorno (socio-político, espacial y de género), aseverando que, en parte, lo construimos nosotros y, en parte, nos construye. Algo esencial en épocas de cambio drástico –como afirma “Las ahijadas”–, cuando lo personal no puede ser otra cosa que político.

‘Las ahijadas’ es un proyecto en Es Baluard que se presentará igualmente en Valencia, del 28 de octubre al 11 de diciembre, en colaboración con el Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana (Centro del Carmen), fructificando, de este modo, la primera colaboración entre ambas instituciones.

Natacha Rampova y Natacha Rambova en una imagen promocional del proyecto 'Las ahijadas'. Fotografía cortesía de los organizadores.

Natacha Rampova y Natacha Rambova en una imagen promocional del proyecto ‘Las ahijadas’. Fotografía cortesía de los organizadores.

 

Éxtasis latinoamericano en Es Baluard

‘El tormento y el éxtasis’
Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma
Plaza Porta de Santa Catalina 10, Palma
Del 2 de julio al 2 de octubre de 2016
Inauguración: 1 de julio de 2016 a las 20h

La exposición ‘El tormento y el éxtasis’ abrirá sus puertas al público en el museo Es Baluard de Palma de Mallorca, desde el 2 de julio hasta el 2 de octubre de 2016. Con el subtítulo de ‘Arte de origen latinoamericano en las colecciones de Mallorca, una revisión desde la contemporaneidad’, la muestra presenta alrededor de 90 obras, entre pintura, fotografía, instalaciones, etc. (en su mayoría procedentes de colecciones privadas), de 55 de los artistas latinoamericanos más importantes en el panorama internacional del arte contemporáneo.

Comisariada por Nekane Aramburu, directora de Es Baluard, con la colaboración de Gerardo Mosquera, se trata de un proyecto expositivo que viene a mostrar la evolución de la creación latinoamericana contemporánea a través de su presencia en las colecciones de arte de Mallorca, demostrando, como afirma Gerardo Mosquera, la importancia creciente del coleccionismo privado en la articulación del mercado, la circulación y la legitimación del arte.

Imagen de la obra 'Mujer pájaro', de Carlos Amorales. Fotografía cortesía del museo.

Imagen de la obra ‘Mujer pájaro’, de Carlos Amorales. Fotografía cortesía del museo.

La genealogía de la exposición inserta sus raíces entre el conflicto y la estética, el compromiso político social y la evolución de la estética-pensamiento en un área geográfica lejana, pero, pese a todo, conectada con la manera de entender las fracturas de la postmodernidad.

Producida por el museo Es Baluard, ‘El tormento y el éxtasis’ muestra el coleccionismo de arte en Mallorca como un punto de encuentro internacional, a la vez que incide en la evolución del propio concepto de “arte latinoamericano” y las especificidades de lo internacional, junto con la identidad. Las diferentes piezas de la exposición abordan problemáticas universales, pero con un fondo común entre las tensiones de lo político-social y lo personal.

Ver y pensar América Latina
Texto de Gerardo Mosquera (fragmento)

“Es elocuente que un reciente incremento en la atención hacia el arte latinoamericano en el ámbito académico español sea resultado del tardío desarrollo en él de los estudios postcoloniales, tomados del medio anglosajón. Además de que aquellos funcionan en este caso más como un cajón para meter lo no occidental, resulta muy problemático analizar América Latina con un instrumental diseñado para discutir los procesos culturales en el ámbito colonial británico tras la caída del imperio después de la II Guerra Mundial. La era colonial en América Latina concluyó antes de que se plasmaran las grandes empresas coloniales  de signo capitalista  británicas y francesas en el siglo XIX. En Iberoamérica los colonizadores se asentaron, se acriollaron y se mezclaron, imposibilitando la clara distinción entre las culturas coloniales impuestas, las culturas indígenas, y aquellas de los africanos llevados como esclavos. Es decir, no existe, como en África y Asia, la clara interacción entre un ámbito tradicional y otro occidental, cuyas ambivalencias ha discutido el pensamiento postcolonial. A la vez, en América existen comunidades indígenas que permanecen considerablemente excluidas de los proyectos nacionales y sus relatos mestizos.

Es Baluard. Makma

Sean cuales sean las razones, esta exposición demuestra la importancia creciente del coleccionismo privado en la articulación del mercado, la circulación y la legitimación del arte. Al revés del resto de las manifestaciones artísticas, donde la figura del coleccionista no existe, las artes plásticas se basan en objetos fetichizados suntuarios coleccionables y no en circuitos de difusión masiva, como ocurre con la música, el cine o la literatura. Estos últimos se sustentan por el contrario en productos descargables o disfrutables en directo en la red, junto con los tradicionales eventos colectivos de los conciertos y las proyecciones en salas, o las publicaciones en medios masivos. Las obras que llamamos plásticas o visuales continúan siendo principalmente objetos físicos originales o documentos de acciones o ideas certificados como únicos o en ediciones voluntariamente limitadas  a manera de originales vicarios , que a menudo contradicen las posibilidades de reproducción masiva de los medios en que se realizan. Ocurre con el video artístico, que se convierte en un coleccionable de edición limitada, o hasta la performance, cuyo derecho a ser reproducida se compra y colecciona. Estas entidades auráticas y anales requieren su atesoramiento en colecciones públicas o privadas, y el desarrollo de estas últimas ha otorgado al coleccionista un papel protagónico.

El auge mundial de las ferias de arte es índice del florecimiento del coleccionismo privado y del incremento de su poder. Este se expresa no sólo en el acto de comprar –que es un acto de comisariado– sino en el rol público del coleccionista y su acervo. Precisamente, en América Latina las instituciones y eventos públicos organizados desde colecciones privadas se han incrementado notablemente en los últimos tiempos (pensamos en la colección Jumex en México, el MALBA en Argentina, la colección Cisneros en Venezuela), desempeñando una función valiosa, muy beneficiosa en los países con instituciones públicas escasas y débiles organizativa y económicamente. Los coleccionistas participan también de los consejos de museos públicos, apoyan sus presupuestos y dan en préstamo sus obras. En verdad, el atesoramiento privado de bienes culturales implica una responsabilidad social, que muchos coleccionistas han asumido para bien. Por supuesto, esta responsabilidad conlleva también el ejercicio de poder. En el caso de esta muestra, la buena disposición de un grupo de coleccionistas a prestar obras a un museo público ha permitido a Nekane Aramburu comisariar una exposición de gran interés que de otro modo no hubiera podido hacerse.”

Imagen de la obra 'Al borde del abismo', de Kcho. Fotografía cortesía del museo.

Imagen de la obra ‘Al borde del abismo’, de Kcho. Fotografía cortesía del museo.

Artistas participantes

Allora & Calzadilla   (Filadelfia, EE.UU, 1974 – La Habana, Cuba, 1971); Francis Alÿs (Amberes, Bélgica, 1959); Carlos Amorales (Ciudad de México, 1970); Alexander Apóstol (Barquisimeto, Venezuela,1969); Artur Barrio (Oporto, Portugal, 1945); Eduardo Basualdo (Buenos Aires, Argentina, 1977); José Bechara (Río de Janeiro, Brasil, 1957); José Bedia (La Habana, Cuba, 1959); Ángela   Bonadies (Caracas, Venezuela, 1970); Iñaki Bonillas  (Ciudad de México, México, 1981); Tania Bruguera (La Habana, Cuba, 1968); Daniel Chust Peters (São Paulo, Brasil, 1965); Nicola Constantino (Rosario, Argentina, 1964); Abraham Cruzvillegas (Ciudad de México, 1968); Dr. Lakra (Ciudad de México, 1972); Leandro Erlich (Buenos Aires, Argentina, 1973); León Ferrari (Buenos Aires, Argentina,1920-2013); Regina José Galindo (Ciudad de Guatemala, Guatemala, 1974); Carlos Garaicoa (La Habana, Cuba, 1967); Mario García Torres (Monclova, México, 1975); Luis González Palma (Ciudad de Guatemala, Guatemala, 1957); Federico Herrero (San José, Costa Rica, 1978); Alfredo Jaar (Santiago de Chile, 1956); Roberto Jacoby / Alejandro Ros (Buenos Aires, 1944-Tucumán, 1964; Argentina); Kcho (Nueva Gerona, Isla de la Juventud, Cuba,  1970); Guillermo Kuitca (Buenos Aires, Argentina, 1961); Glenda León (La Habana, Cuba, 1976); Aníbal López (Guatemala, 1964-2014); Marcos López (Santa Fe, Argentina, 1978); Los Carpinteros, Colectivo (La Habana, Cuba, 1992); Rafael Lozano-Hemmer (Ciudad de México, 1967); Jorge Macchi (Buenos Aires, Argentina, 1963); Fabián Marcaccio (Rosario, Argentina, 1963); Marepe (San Antonio de Jesús, Bahía,   Brasil,1970);   Teresa Margolles (Culiacán, México, 1963); Jorge Mayet (La Habana, Cuba, 1962); Adrián Melis (La Habana, Cuba, 1985); Ana Mendieta (La Habana, Cuba, 1948-Nueva York, EE.UU.1985); Priscilla Monge (San José, Costa Rica, 1968); Cirenaica Moreira (La Habana, Cuba, 1969); Vik Muniz (São Paulo, Brasil, 1961); Óscar Muñoz (Popayán, Colombia, 1951); Ernesto Neto (Río de Janeiro, Brasil, 1964); Andrés Felipe Orjuela Castañeda (Bogotá, Colombia, 1985); Damián Ortega (Ciudad de México, México, 1967); Cecilia Paredes (Lima, Perú, 1950); Liliana Porter (Buenos Aires, Argentina, 1941); Wilfredo Prieto (Sancti Spiritus, Cuba, 1978); Rosângela Rennó (Belo Horizonte, Brasil, 1962); José Alejandro Restrepo (Bogotá, Colombia, 1959); Miguel Río Branco (Las Palmas de Gran Canaria, España, 1946); Doris Salcedo (Bogotá, Colombia, 1958); Tunga (Palmares, Brasil, 1952); Sandra Vásquez de la Horra (Viña del Mar, Chile, 1967); Adrián Villar Rojas (Rosario, Argentina, 1980).

Detalle de la obra 'Mientras ellos siguen libres', de Regina José Galindo. Fotografía cortesía del museo.

Detalle de la obra ‘Mientras ellos siguen libres’, de Regina José Galindo. Fotografía cortesía del museo.

 

Más de cien cortos internacionales en FICAE

FICAE – Festival Internacional de Cortometrajes y Arte sobre Enfermedades / UPV
Del 2 al 5 de marzo 2016
Varias sedes

La Sección Oficial del festival lo componen 107 cortometrajes de 35 nacionalidades diferentes que se dividirán en 11 áreas temáticas

La segunda edición de FICAE – Festival Internacional de Cortometrajes y Arte sobre Enfermedades / UPV,primer festival en el mundo de estas características, organizado por la Universitat Politècnica de València y la Cátedra Arte y Enfermedades, vuelve del 2 al 5 de marzo para ofrecer al público lo mejor del panorama internacional del cortometraje de esta temática en versión original. Tras recibir casi 2.800 películas (cinco veces más que en la anterior edición), la Sección Oficial se compone de 107 filmesde 35 países diferentes entrecortometrajes documentales, de ficción y de animación. El tráfico de órganos, la violencia como enfermedad social, el alzhéimer, el VIH, el estigma que persiste en diversas enfermedades, el cáncer o la eutanasia son sólo algunos de los temas que los espectadores podrán ver en el IVAM y la Facultad de Bellas Artes de la UPV.

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Entre los 35 países con mayor representación en la Sección Oficial de esta edición está España, con 19 cortometrajes seleccionados, Reino Unido con 9,Estados Unidos y Francia con 8 cada una e Irán con una representación de 5 cortometrajes. Además, China, Canadá, Israel, Rusia, República Checa, Taiwán, Uganda, Pakistán, Corea del Sur, Antigua y Barbuda, Noruega, México, Camboya, Arabia Saudí, Suiza o Australia, entre muchos otros, engrosan la larga lista de países participantes que ha desbordado cualquier previsión de los organizadores del festival.

El objetivo de FICAE es fomentar a través del cine y el arte la sensibilización y conciencia social sobre la enfermedad como proceso de vida y contrarrestar los estigmas que muchas de ellas siguen soportando.Además, el festival trata de estimular la creación y difusión audiovisual y artística sobre esta temática. Es por ello que la programación de los cortometrajes que componen la Sección Oficial se divide en varias áreas temáticas. Una de ellas lleva por título Puzle, en la que las películas que lo conforman tratarán varias enfermedades (como cada una de las piezas) para acabar trasladándonos una idea compacta y una imagen completa de las mismas. La secciónÓrganosofrece diversos acercamientos a las cuestiones que condicionan las donaciones, desde las donaciones en vida hasta el tráfico organizado.Situaciones grises tratará los trastornos mentalesde los cuales resulta difícil su categorización.

La enfermedad del cáncer, una de las principales causas de mortalidad en el mundo según la OMS, se verá representada en la sección Células. En ella, siete cortometrajes (un documental, una animación y cinco cortos de ficción), tratarán la lucha y los cambios que la enfermedad produce en las percepciones sobre la vida, el trabajo y el entorno afectivo.Diversidades y funciones nos mostrará la fuerza y capacidad de superación de los protagonistas y, también, la función que realizan sus cuidadores o cuidadoras que dedican su vida a ellos. La sección Conclusionesnos pone delante de diferentes problemáticas relacionadas con la finalizacion del sufrimiento y por lo tanto de la vida.

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El alzhéimer como una especie de “abismo cognitivo”, es lo que evidencian las películas que se presentan en la secciónAbismos, mientras que Cruzando el río nos hablará de las despedidas y los últimos momentos, cortometrajes plagados de metáforas visuales del paso de la vida a la muerte.

Estigmas es un apartado clave en el festival ya que denuncia una de las reivindicaciones que hace FICAE: el estigma sigue persistiendo alrededor de muchas enfermedades. El VIH o la psoriasis son dos de las enfermedades que más rechazo provocan y serán los protagonistas de este bloque de cortometrajes de Sección Oficial.

Ocho películas conforman Panorámica, una sección en la que nos encontraremos desde la revisión del funcionamiento de los antiguos sanatorios apartados en lugares idílicos, a la labor de un médico en una comunidad rural mexicana, pasando por la hipermedicalización, tanto en personas de edad avanzada como en sociedades “avanzadas”, hasta reflexiones sobre el funcionamiento del cerebro, la medicina y la sociedad actual y la manipulación genética de los alimentos.
Y por último, el bloque ¿Síntoma o enfermedad social? mostrará el problema de la violencia y sus consecuencias, dándonos la posibilidad de plantearnos preguntas sobre la naturaleza de la violencia y los contextos denominados“sociedad enferma2.
Tanto el IVAM, que se incluye este año como sede de FICAE, como el Auditori Alfons Roig de la Facultad de Bellas Artes de la UPV serán las sedes que albergarán los cortometrajes de Sección Oficial, cuya entrada será libre y gratuita en cualquiera de sus pases.

FICAE crece en su segunda edición

El Festival Internacional de Cortometrajes y Arte sobre Enfermedades / UPV se celebrará del 2 al 5 de marzo.
En esta segunda edición añade el IVAM a sus sedes.

FICAE – Festival Internacional de Cortometrajes y Arte sobre Enfermedades / UPV, primer festival en el mundo de estas características, organizado por la Universitat Politècnica de València y la Cátedra Arte y Enfermedades, encara su segunda edición que se celebrará del 2 al 5 de marzo en la capital valenciana. Como novedad de este año está la inclusión del Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) como sede del festival que, junto al Auditori Alfons Roig de la Facultad de Bellas Artes de la UPV, el Institut d’Història de la
Medicina i de la Ciència López Piñero (Universitat de València) y la Casa de l’Alumne (UPV), proyectarán más de cien cortometrajes de todo el mundo divididos en tres categorías: documental, ficción y animación.

El IVAM acogerá tanto la ceremonia de apertura del festival, que se celebrarà el día 2 de marzo, como la de clausura y entrega de premios, el día 5 del mismo mes. Además, proyectará gran parte de los cortometrajes de Sección Oficial junto al Auditori Alfons Roig de la Facultad de Bellas Artes de la UPV.

Fotograma de "Prozac", de  Fabio PS, España

Fotograma de “Prozac”, de Fabio PS, España. Cortesía de FICAE2

El objetivo de FICAE es fomentar a través del cine y el arte la sensibilización y conciencia social sobre la
enfermedad como proceso de vida y contrarrestar los estigmas que muchas enfermedades siguen soportando. En
su primera edición, el festival recibió 504 obras de 58 nacionalidades distintas y exhibió 84 cortometrajes de países como Alemania, Australia, Bélgica, Brasil, Canadá, Chile, España, EEUU, Japón, Finlandia, Francia, India, Suecia o Reino Unido. En esta segunda edición, FICAE ha visto quintuplicado ese número llegando a 2.765 películas inscritas provenientes de 106 países diferentes, lo que demuestra la gran producción mundial sobre esta temática.

FICAE, además de por su internacionalidad, también se define por la calidad de las películas exhibidas. Prueba de ello es la galardonada en la pasada edición con el Primer Premio a Mejor Cortometraje de Ficción que recayó en “Inside the box” (David Martín-Porras, España) y que ha sido recientemente nominada en la 30 edición de los Premios Goya 2016; o la galardonada con el Segundo Premio a Mejor Cortometraje de Ficción, “Caradecaballo” (Marc Martínez Jordán, España), que ya acumula 56 premios internacionales entre los que destaca el de Mejor Cortometraje Internacional en Las Vegas Film Festival y dos premios en el festival internacional de Sitges. Sin olvidar el largometraje documental “E Agora?, Lembra-me” (Premio Especial del Jurado en el Festival de Locarno), del director portugués Joaquim Pinto, que narra la lucha del propio director contra el virus del SIDA y la hepatitis C y que se preestrenó en FICAE inaugurando así su primera edición.

Fotograma de "A New Family", de Simoni Manet, Italia. Cortesía de FICAE2

Fotograma de “A New Family”, de Simoni Manet, Italia.

Otro de los objetivos de FICAE es estimular la creación y difusión audiovisual y artística mediante diversos proyectos y acciones paralelos como FICAE [Nómada], una actividad que trasciende las fechas y el lugar del festival para dar una mayor visibilidad a las representaciones sobre la enfermedad y colaborar en la transmisión de conocimiento. En esta sección nómada se llevó, por ejemplo, a cuatro hospitales públicos de Mallorca una selección de cortometrajes para su posterior debate con público formado tanto por el equipo médico como por asociaciones de pacientes. Para finalizar la actividad, en Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma se presentaron las conclusiones de los debates contando con representantes de los hospitales y profesionales del ámbito cinematográfico.

FICAE crece en su segunda edición: añade sedes, amplía los días de proyección (que pasan de tres jornadas a cuatro) y el número de películas seleccionadas, haciendo de Valencia la capital del cortometraje con trasfondo social, de sensibilización y conocimiento sobre diversas enfermedades.

Más información sobre FICAE

Nueva edición de “Paisajes sostenibles” en Es Baluard

Es Baluard pone en marcha otra edición del proyecto Paisajes Sostenibles, un iniciativa que nació en 2014 con el apoyo de la Fundación José Navarro y con la intención de construir desde Es Baluard nuevos espacios de reflexión y acción vinculados a la sociedad actual y prácticas de conciencia responsable.
En sus Fundamentos, Es Baluard define el museo como un bien común que debe ser paradigma de respeto por la igualdad en todos los niveles así como de los derechos de los seres vivos con objeto de contribuir a un planeta más sostenible y solidario, manteniendo el respeto por los recursos medioambientales y la ecología a partir de la educación en valores cívicos, de compromiso social y de la cultura comprometida.
Se consolida este año una programación pionera en las Islas por su carácter innovador en línea con su intención de crear vínculos entre la cultura, el medio ambiente y el desarrollo sostenible. En la pasada edición se organizaron desde formaciones y charlas sobre paisajismo, permacultura, educación ambiental, sostenibilidad; hasta performances, proyecciones de proyectos arte-activistas por un cambio social e instalaciones. Colaboraron personas de relevancia como Eduardo Kac, Josep Pàmies, Olafur Eliasson y organismos como Slow Food, Coa Negra, Jardí Botànic de Soller, Fundació per la vida Poc a Poc, etc.

PROGRAMA 2016

  • El 12 de enero a las 18:30 h hacemos un avance del Festival Internacional Reflecta que celebraremos en junio, un año más, en Es Baluard. Se proyectarán los cortos finalistas de 2015 y se presentarán las bases de la convocatoria 2016 del Premio (Art)Activista Reflecta. Actividad gratuita.
  • El 26 de enero inauguraremos la zona huerto en la terraza superior de Es Baluard. Un nuevo espacio de intercambio de semillas y de conocimientos. En colaboración con la Associació Varietats Locals se elaborará un punto informativo con vista panorámica a la biodiversidad de la Isla. Actividad gratuita.
  • El 27 de febrero activaremos una propuesta piloto “Green and Play”, que consiste en una formación para educadores y pedagogos de dinámicas, recursos y estructuras para divulgar de forma creativa y lúdica los productos propios de estación y KM0 para una alimentación más inteligente y saludable. De 10:00h a 14:00h. Actividad gratuita con plazas limitadas inscripciones hasta el 15 de febrero a programesbaluard@gmail.com.
  • El 4 de marzo a las 19:00 h, se impartirá una conferencia sobre “Ecofeminismo” con Ruth Escribano, coordinadora de l’Oficina de Cooperació al Desenvolupament i Solidaritat de la UIB. El Ecofeminismo es una corriente de pensamiento que defiende la construcción de una sociedad ecológica, descentralizada, no jerárquica ni militarizada, con democracia interna y en la que prevalece el uso de tecnologías más respetuosas con el medio ambiente y pone la vida en el centro. Actividad gratuita.
  • El 2 de abril, en colaboración con el GOB, organizamos una visita a la Serra de Tramuntana. Los asistentes descubrirán a través de una excursión guiada los valores naturales y culturales de la Trapa, finca propiedad del GOB que adquirió en los años ’80 para su conservación y protección. Una vez allí se realizará un voluntariado ambiental de reforestación de plantas aromáticas que contribuyan a la recuperación ecológica de la finca al mismo tiempo que se compartirán conocimientos de sus usos para la salud y otros beneficios. Los resultados y la documentación del proceso se podrá visibilizar en la Zona huerto de las terrazas superiores del museo. Actividad gratuita con inscripción previa en programesbaluard@gmail.com.
  • El 18 de mayo tendrá lugar una actividad coincidiendo con el Día Internacional de los Museos, que este año lleva por título “Museos y Paisajes culturales”.
  • El 7 junio, a las 21:30 h, presentaremos la edición de ”Reflecta 2016, el Festival Internacional de videoactivismo”, en la que se proyectará la mejor selección de cortos de videoarte comprometido con el medio ambiente y el cambio social. Proyección en versión original subtitulada en castellano. Actividad gratuita.
  • Y para finalizar, en septiembre, traeremos la instalación sonora Charrúa, de Gustavo Tabares, parte del Pabellón de América Latina en la Bienal de Venecia 2015. La pieza de este reconocido artista uruguayo consiste en una reflexión sobre las identidades, las transnacionalidades y los procesos de globalización a través de grabaciones sonoras. Se podrá visitar en el Aljub desde el 6 septiembre hasta finales de noviembre de 2016.

Es Baluard apuesta por el audiovisual

Dentro de la programación audiovisual de Es Baluard, en colaboración con British Council, proyectará la selección finalista de los premios BAFTA 2015. Una selección de cortos de los mejores cineastas promesas del Reino Unido.

Fotograma de Slap, Nick Rowland.

Fotograma de Slap, Nick Rowland.

La Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión (BAFTA) es una organización benéfica independiente que apoya, desarrolla y promueve las formas de arte de la imagen en movimiento premiando la excelencia, inspirando a los profesionales y beneficiando al público.

Además de sus premios BAFTA, la Academia trabaja todo el año en un programa internacional de eventos e iniciativas de aprendizaje que ofrece acceso a algunos de las personas con más talento del mundo a talleres, clases magistrales, becas, conferencias y programas de tutoría, que conecta con el público de todo las edades y de todo el Reino Unido, los Ángeles y Nueva York.

Con la colaboración de: BAFTA y British Council.

21 de noviembre de 2015 a las 19 h en el Auditori.

Precio: Gratuito hasta completar aforo.

Duración: 1 hora.

Idiomas: Versión Original Subtitulada al castellano.

 

entre islas

Cartel del Festival Internacional de Videoarte ”Entre Islas”.

En paralelo y hasta el 17 de NoviembreEs Baluard acoge el Festival Internacional de Videoarte ”Entre islas, una iniciativa que surge con el objetivo de conectar valores artísticos de zonas geográficas diferenciadas culturalmente a través del lenguaje del videoarte. Todos los trabajos presentados tienen en común la idea de la insularidad y el cuestionamiento sobre el territorio. El intercambio social y cultural permite abordar discursos con temáticas como la emigración, la frontera, la identidad, la patria o el concepto de región

En horario y precio habituales del museo.

 

Por último, un año más el museo participa en ArtFutura el festival de Cultura y Creatividad Digital iniciado en 1990 y centrado en explorar los proyectos y las ideas más relevantes surgidos en el panorama internacional del new media, el diseño de interacción, los videojuegos y la animación digital.

Fotograma de Artistry/ Technology de Liberatum, Pablo Ganguli y Tomas Auksas

Fotograma de Artistry/ Technology de Liberatum, Pablo Ganguli y Tomas Auksas

En la era digital en la que vivimos inmersos, la vida artificial, la realidad virtual y las imágenes generadas por ordenador son sólo la primera entrega de un nuevo universo de posibilidades.

El programa ArtFutura 2015, que en esta convocatoria se realiza en 22 ciudades más, incluye las últimas aportaciones dignas de mención en el campo de la creatividad digital: animación 3D, motiongraphicstime-lapse, efectos especiales, virales, videoclips y un gran documental.

Las proyecciones están divididas en bloques temáticos de 60 minutos:


3D Futura Show

Cada año, el 3DFutura Show incluye los trabajos internacionales de animación por ordenador más destacados y refleja la evolución tanto técnica como de contenidos de esta nueva forma de expresión creativa.

FuturaGraphics
Animaciones digitales y más allá: cortos, virales, videoclips y otras obras en la búsqueda de nuevas estéticas y lenguajes.

Artworks
Nueva sección dedicada a las instalaciones new media y su reflejo en el formato vídeo. Los nuevos sistemas de grabación y edición, cada vez más sofisticados, facilitan nuevas formas de documentar las obras y, en ocasiones, de ir más allá de la contemplación directa como experiencia. Con obras de Daniel Canogar, Daniel Rozin, Laurent Mignonneau & Christa Sommerer, Universal Everything, Factory Fiftee, Mark Nixon, Viliina Koivisto, Rafael Lozano-Hemmer y otros.

Feeding the Web / Collective Intelligence

Una nueva entrega de este programa dedicado a aquellos mensajes y obras audiovisuales producidas directamente para la Web. Un nuevo tipo de material, pensado y realizado exclusivamente para ser visto online. Alimentando a la Web, nos alimentamos a nosotros mismos.

Trailing the Games

Las intros son el punto de cruce entre la cultura de la interacción y el lenguaje cinematográfico. Selección de las mejores intros del mundo de los videojuegos con especial énfasis en su creatividad y diseño.

Dramas & Landscapes

Dramas y paisajes. Retrospectiva de animaciones digitales de obras poco conocidas pero cruciales y que significan auténticos hitos en la evolución de la imagen virtual. Con obras de Steve Katz (Protest), Kouji Morimoto (Extra), Tomek Baginski (Fallen), Zeitguised (Peripetics), Nobuto Ochiai (Zaijian), Makoto Yabuki (One) y otros.

Artistry / Technology (30 min). Versión original en inglés.

El sábado 9 de enero, con acceso libre, se proyectará Artistry / Technology:

  • 1r pase: 19:00h
  • 2º pase: 19:30h

Este mediometraje, dirigido por Pablo Ganguli y Tomas Auksas, cuenta con la participación de David Hockney, Francis Ford Coppola, Frank Gehry o Ed Ruscha, así como con otros líderes culturales, artistas, cineastas, actores, músicos y diseñadores: Susan Sarandon, Francesco Vezzoli, MIA, Marc Quinn, Miranda July, Kehinde Wiley, Daniel Arsham, Brett Ratner, Jonas Akerlund, Marcel Wanders y Simon de Pury. La película profundiza en algunas de las mentes más creativas de nuestro tiempo y refleja sus ideas sobre la relación entre la tecnología y la creatividad y la forma en que las artes y la tecnología se han influido mutuamente en los últimos años.

Con la colaboración de: artfutura

Todo ello se encontrará en el Intermedi de Es Baluard desde el 9 de diciembre de 2015 hasta el 18 de febrero de 2016.


Reproductibilitat 2.0. Col·lecció Macba

ES BALUARD MUSEU D’ART MODERN I CONTEMPORANI DE PALMA
Plaça Porta de Santa Catalina, 10. Palma
Inauguración: Sábado el 12 de septiembre, a las 12:30 horas
Hasta el 15 de noviembre de 2015

ES BALUARD presenta con la serie «Reproductibilitat», en diferentes exposiciones y fases, colecciones públicas y privadas con el objetivo de ofrecer vías de conocimiento e investigación de la evolución de la imagen artística desde la fotografía, las prácticas fílmicas de vanguardia, el videoarte y los medios electrónicos.

Esta nueva entrega se basa en la colección del Museu d’Art Contemporani de Barcelona ­Macba­, cuyas obras apenas se han visto en las Illes Balears, hecho que además de permitir exhibir autores relevantes, contribuye a seguir profundizando en la línea educativa y de formación.

Tony Oursler. The Life of Phillis, 1979. Vídeo monocanal, bn, so, 55 min 23 s. Col·lecció MACBA. Consorci MACBA. © Tony Oursler, 2015. Fotografia MACBA

Tony Oursler. The Life of Phillis, 1979. Vídeo monocanal, bn, so, 55 min 23 s. Col·lecció MACBA. Consorci MACBA. © Tony Oursler, 2015. Fotografia MACBA

Reproductibilitat 2.0. Colección Macba, comisariada por Nekane Aramburu, supone un paso más en esta serie, abarcando un periodo fundamental en el uso y la consolidación de la imagen en movimiento para las prácticas creativas. El proyecto curatorial parte de la influencia de las proposiciones fílmicas experimentales en determinados autores, fundamentalmente norteamericanos, y destaca obras cuyo denominador común es la influencia del cine de vanguardia, las tecnologías del vídeo y las investigaciones espacio-temporales aplicadas al paisaje y al cuerpo.

La muestra es un ensamblaje de obras en formato monocanal de la colección Macba sin entrar propiamente en el análisis de los soportes y los hitos de los pioneros, sino más bien centrada en mostrar la influencia de los primeros happenings y el movimiento Fluxus, el conceptualismo de los años setenta y el apropiacionismo de los ochenta en artistas que posteriormente han marcado modos y métodos de concebir y entender el arte en la actualidad.

Joan Jonas. Wind, 1968. Pel·lícula, 16 mm, transferida a vídeo, bn, sense so, 5 min 40 s. Col·lecció MACBA. Consorci MACBA. Copyright © Joan Jonas, 2015. Fotografia Tony Coll

Joan Jonas. Wind, 1968. Pel·lícula, 16 mm, transferida a vídeo, bn, sense so, 5 min 40 s. Col·lecció MACBA. Consorci MACBA. Copyright © Joan Jonas, 2015. Fotografia Tony Coll

En el discurso de la exposición se intenta incidir en cómo la desmaterialización del arte y las prácticas que utilizaron la imagen en movimiento influyeron en la producción de la cultura contemporánea y las artes visuales. Además, las obras seleccionadas permiten introducirnos en los hallazgos que la estructura temporal de las grabaciones audiovisuales procuraron, avanzándose así en cuestiones fundamentales sobre la ontología de la mirada, las nuevas relaciones con el espectador, el diálogo entre la cámara y el cuerpo o el discurrir del tiempo interior y exterior ante la mutación de un mundo y unos seres en permanente transformación y cuestionamiento.

Todas las piezas pertenecen a un periodo que va de los años cincuenta a los noventa. La primera es un trabajo en 16 mm, In the street, de Helen Levitt, Janice Loeb y James Agee, rodado entre 1945 y 1946 y estrenado en 1952, y la más reciente es la grabación de la acción performativa de Matt Mullican, Matt Mullican under Hypnosis de 1996. Cruces y vínculos entre autores y obras que permitirán nuevos descubrimientos y lecturas, como Fresh Acconci, que deriva de The Red Tapes, obra mítica de Vito Acconci de 1976, revisitada en 1995 por Paul McCarthy y Mike Kelley.

16 obras de los artistas Vito Acconci, James Agee, Eugènia Balcells, Samuel Beckett, Chris Burden, Guy Debord, VALIE EXPORT, Dan Graham, Grup de Treball, Gary Hill, Joan Jonas, Mike Kelley, Helen Levitt, Janice Loeb, Gordon Matta-Clark, Paul McCarthy, Matt Mullican, Bruce Nauman, Tony Oursler forman parte de «Reproductibilitat 2.0. Colección Macba».

Grup de treball film collectiu, 1974. Pellicula, 16 mm, transferida a vídeo, bn, sense so, 42 min. Col·lecció MACBA, donacio del grup de treball, 2015.

Grup de treball film collectiu, 1974. Pellicula, 16 mm, transferida a vídeo, bn, sense so, 42 min. Col·lecció MACBA, donacio del grup de treball, 2015.

La exposición estará acompañada por actividades paralelas como la Master class ”El cine en crecimiento” con Isaki Lacuesta el día 1 de octubre de 2015 de 17 a 20 horas o el curso ”Aproximación al videoarte” con Nekane Aramburu los días 20 y 21 de octubre de 17:30 a 20 horas.

https://vimeo.com/133025800