A los pies del Penyagolosa

Enclave, de Miguel Mallol y Andrea Abbatangelo
Residencia artística de Land Art en Vistabella. Castellón
Del 6 al 20 de noviembre de 2016

La localidad castellonense de Vistabella del Maestrazgo acogerá un encuentro creativo pionero en España en el que durante dos semanas once artistas de ocho países diferentes trabajarán en proyectos Land Art por los que han sido seleccionados. Esta residencia artística terminará con un fin de semana en el que se podrá visitar la exposición que contará con fotografías de los proyectos, entrevistas a los artistas y a la población local con la intención de crear una sinergia entre los participantes y el entorno. La ‘volta al pinet’ será la zona en la que se situarán todas las obras y que transformarán el recorrido en un itinerario artístico permanente, ya que las obras serán donadas al Ayuntamiento de Vistabella.

La iniciativa ha sido organizada por el comisario Miguel Mallol y el artista Andrea Abbatangelo y ha contado con el soporte del Ayuntamiento de Vistabella, la UJI y la Conselleria de Cultura y Turismo, entre otras instituciones públicas y privadas que se han adherido a la primera edición de un evento que tendrá carácter bienal.

Intervención pasada de Rosie Leventon.

Intervención pasada de Rosie Leventon. Imagen cortesía de ‘Enclave’.

El Land Art nació a finales de los años sesenta en los desiertos de Estados Unidos, como protesta a la mercantilización del arte y una extensión de las salas expositivas convencionales. A esta corriente se unieron otras ligadas al arte efímero como la performance, el happening o el arte povera que llegan hasta nuestros días como propuestas artísticas alternativas.

El título de la residencia ‘Enclave’ rememora el carácter transitorio del territorio durante la reconquista, que se utilizó sobre todo como paso común de trashumancia de ganado y personas, lo que ha permitido conservar sus vestigios arqueológicos en forma de senderos, caminos y veredas que se pueden encontrar en todo el territorio del Maestrazgo destacando los caminos de peregrinaje de San Juan, la vereda de la Estrella o el puente Romano. Este territorio, debido a la baja densidad de población que hay, se ha visto favorecido para la conservación de fauna y flora así como de sus restos arqueológicos en detrimento del desarrollo humano.

Este es un problema que se extiende a otras comunidades vecinas, pero que en el entorno de Vistabella ha sido una constante contra la que han luchado los habitantes de la zona desde mediados del siglo XX, como consecuencia de la industrialización de la Plana.

Intervención pasada de Emmanuele Panzarini. Imagen cortesía de 'Enclave'.

Intervención pasada de Emmanuele Panzarini. Imagen cortesía de ‘Enclave’.

Gracias a la actuación de varias instituciones y personas, la zona se mantiene viva y la residencia quiere contribuir artísticamente en una repoblación simbólica que traiga gente al territorio e incremente el valor del entorno natural y cultural existente. La residencia de artistas de Vistabella gira alrededor del concepto de convivencia entre personas de todo el mundo y los habitantes locales. El resultado será un legado que represente la materialización de este concepto de comunión entre individuos y el inicio de una relación artística con el territorio.

La “volta al pinet”, un sendero característico que rodea una de las colinas que componen el territorio municipal de Vistabella, será el itinerario en el que se emplazarán las obras creando una propuesta artística con aras de convertirse en un recorrido eco-cultural que establezca el inicio de la comunión local con el arte contemporáneo, uniéndose a iniciativas artísticas como la Senda de l’Art o MIAU, más consolidadas en otras localidades colindantes.

Elenco de artistas

Rosie Leventon es uno de los mayores exponentes británicos de Land Art. Ha trabajado a nivel internacional en países como Polonia, Rusia, República Checa, Suiza, USA, España, Alemania, Francia, Japón, Italia y Dinamarca y tiene obras en varios museos del Reino Unido.

Andrea Abbatangelo es un joven artista italiano que participa en la residencia y co-organiza el evento. Trabaja con instalaciones, escultura y fotografía. A lo largo de su carrera ha producido proyectos y exhibido trabajos para festivales como la Bienal de Venecia (2011), Documenta (2012) y Marsella Provence 2012/Capital Europea de la Cultura, y para diversos espacios públicos. Emmanuele Pazzarini es un artista italiano cuya investigación artística abraza la fotografía, la escultura, el arte digital y la instalación con especial atención a las intervenciones site-specific. Ha expuesto en diversas ciudades en Italia y el extranjero.

Seila Fernández es la única representante española a pesar de trabajar en y vivir en la localidad británica de Bristol. Ha dirigido diferentes proyectos internacionales ligados con al cambio climático además de realizar exposiciones a nivel internacional.

Leonardo Fuiro Cannistrà es un artista italiano que ha participado en numerosas exposiciones y premios internacionales, obteniendo prestigiosos resultados.

Instalación pasada de Hui-Ying Tsai. Imagen cortesía de 'Enclave'.

Instalación pasada de Hui-Ying Tsai. Imagen cortesía de ‘Enclave’.

Hui-Ying Tsai es una de las artistas de origen asiático que participan en la residencia. De origen taiwanés, vive y trabaja en Nueva York y ha realizado exposiciones en diversas ciudades de USA como San Francisco, Nueva York y Colorado, además de en otros países como Corea, Taiwan o Irlanda.

Carmela Cosco cierra el grupo de artistas italianos. Es una artista multifacética que usa gran diversidad de materiales. Ha realizado exposiciones en importantes ciudades italianas como Roma o Bari en incluso a nivel internacional en ciudades como Granada.

Yunrubin es un dúo formado por una artista de Singapur (Joanne Pang Rui Yun) y un artista danés (Jonas Rubin) afincados en Barcelona. Realizan una investigación que se dirige hacia la inmaterialidad y la poética de la cotidianidad, hacen preposiciones en forma de esculturas, instalaciones site-specific e impresiones.

A estos creativos se les unirán la fotógrafa israelita con sede en París Tamara Erde, que realizará un proyecto fotográfico inspirado en el entorno y las obras de Land Art expuestas. Tiene experiencia en varios países en los que ha participado en diversas residencias.

El director de cine colombiano Armando Bolaño, asistido por Raúl Julve en la edición y por Héctor Sierra en la cobertura con dron, realizarán entrevistas a los artistas y gente local. Se hará mediante monitores un seguimiento audiovisual diario de lo que acontece en la residencia que se transformará a la conclusión de la misma en un vídeo-documental que promocionará el territorio y la iniciativa.

Intervención pasada de Rosie Leventon. Imagen cortesía de 'Enclave'.

Intervención pasada de Rosie Leventon. Imagen cortesía de ‘Enclave’.

Patricia Iranzo: “Me fascina el rostro humano”

Manhattan Portraits, de Patricia Iranzo
Local Project de Manhattan

Pintora de rostros. Fotógrafa de cuerpos desnudos sumergidos en el agua. Por dos diferentes caminos Patricia Iranzo llega al mismo punto. Un lugar donde se revelan los misterios de la mente más allá de la consciencia, una encrucijada en el que realidad y ficción se encuentran, y las imágenes sugieren lo que el ojo no ve. Sobre la base de sus conocimientos en psicoanálisis, sus retratos intentan captar a las personas en su estado más puro, obligándoles en cierta manera a remontarse a su infancia.

Dentro de un par de meses la artista valenciana abandonará su estudio de la calle Cordellers e iniciará un viaje en el tiempo y espacio que no está muy segura dónde la conducirá, ni cuánto durará. Su destino es Manhattan y su objetivo localizar a los últimos descendientes de los indios lenape, aborígenes que poblaban esos parajes antes de la llegada del hombre blanco.

Obra de Patricia Iranzo. Cortesía de la artista.

Obra de Patricia Iranzo. Cortesía de la artista.

Manhattan Portraits es el nombre de este proyecto singular que desarrollará con el apoyo de la Local Project, una galería de Long Island sobre diversos soportes audiovisuales: pinturas, fotografías, vídeos a partir de sus entrevistas y contactos con 20 nativos. Un estudio antropológico a través del arte.

Cómo surgió el interés de Iranzo por una etnia tan lejana e ignota podría ser materia de un relato o de un sueño. Todo empezó en 2003, en Nueva York, donde, gracias a unos amigos que le cedieron un loft pasó una temporada pintando rostros, una serie que llamó Portraits of nobody (Retratos de nadie). “Eran rostros  inventados a los que ponía alma y resultaban muy creíbles”, cuenta. “Con ellos pretendía hace una reflexión sobre la realidad y la construcción de la realidad”.

Tres años después tuvo ocasión de exponer estas obras en Payne Gallery, una sala de arte de la Universidad de Pennsylvania y, ante su sorpresa, muchos visitantes identificaron los retratos como de los indios de Manhattan. “A partir de ahí se despertó mi curiosidad hacia ellos y pensé que sería interesante investigar su pasado y raíces a través de los que todavía viven. Ya he conectado con dos y espero que sobre el terreno pueda localizar a más que estén dispuestos a colaborar. Mi idea es intentar elaborar un árbol genealógico que permita atisbar un mundo desaparecido hace siglos”.

Obra de Patricia Iranzo. Cortesía de la artista.

Obra de Patricia Iranzo. Cortesía de la artista.

Cara a cara con los últimos indios lenape, a Iranzo le espera una singular aventura para la que no tiene fecha de caducidad. “Las cosas auténticas y realmente importantes no tienen esa urgencia a la que estamos habituados”, sentencia.

Iranzo usa el gran formato, dos por dos metros, para plasmar rostros gigantes que cuentan una historia sin palabras y que tienen una vida detrás que el espectador imagina. “Utilizo técnicas mixtas y para mí la prioridad es el color”, comenta. Esa obsesión por las facciones humanas es su marchamo, su marca de fábrica. “Me fascinan las caras porque no hay dos iguales, por la cantidad de información que encierran, sobre todo a través de la mirada. Me inspiran una curiosidad insaciable. A veces paro a alguien por la calle y le pregunto si se dejaría retratar. Es Nueva York todos accedían, pero aquí la gente es más recelosa”.

Fotografía de Patricia Iranzo. Cortesía de la artista.

Fotografía de Patricia Iranzo. Cortesía de la artista.

Bajo el agua

El agua. O mejor el cuerpo humano sumergido en ella. Desnudo y prístino. Resistente y vulnerable. Es otro de los temas sobre los que pivota su trabajo, Underwater Series. “Cuando te metes en el agua ves cosas que no ves fuera”, dice. “Adoptas una perspectiva que lo cambia todo y en el medio líquido tienes la posibilidad de rodear al modelo, incluso de hacer fotos boca abajo”.

Iranzo inició su serie Retratos bajo el agua, en 2011, y cada año la amplia y renueva. “Utilizo cajas de luz, un formato más íntimo y también más cómodo sin las exigencias físicas de las grandes piezas difíciles de manipular. Con este trabajo observo que las mujeres son mucho más desenvueltas que los hombres en el medio acuático. Ellos están más rígidos”.

Fotografía de Patricia Iranzo. Cortesía de la artista.

Fotografía de Patricia Iranzo. Cortesía de la artista.

Trayectoria

Licenciada en Periodismo y estudiante de Bellas Artes, Iranzo profundiza en la psicología mediante sus conocimientos en psicoanálisis y psicología gestalt. A caballo de Valencia y Nueva York, su trayectoria es bastante inusual. Durante un tiempo trabajó en diversos oficios, incluso fue detective privado unos pocos días, aunque siempre dejaba cinco horas para poder dedicarme a lo que me gusta. Gracias al boca oreja sus obras se han vendido en Nueva York, Alemania y un importante coleccionista norteamericano compra muchos de sus cuadros.

Obra de Patricia Iranzo. Cortesía de la artista.

Obra de Patricia Iranzo. Cortesía de la artista.

Bel Carrasco

Zenón le pone música a la identidad cultural

Miguel Zenón Quartet
VII Ciclo de Verano
Jimmy Glass Jazz Bar
C / Baja, 28. Valencia
Miércoles 15 de julio de 2015, a las 20.45h. 17€

El saxofonista portorriqueño y primer espada de la vanguardia del latin jazz Miguel Zenón actúa nuevamente en el Jimmy Glass para presentar su último trabajo, Identities are Changeable, en el que investiga en torno al concepto de identidad cultural y al asentamiento de la colonia portorriqueña en Nueva York.

Zenón se presenta el miércoles día 15 de julio con su cuarteto original: el increíble pianista Luis Perdomo, el sólido contrabajista Hans Glawischnig y el baterista nativo de Puerto Rico Henry Cole. Los aproximadamente 1,2 millones de puertorriqueños residentes en Nueva York se han convertido en la mayor comunidad fuera de la isla de origen.

Miguel Zenón Quartet. Imagen cortesía de Jimmy Glass.

Miguel Zenón Quartet. Imagen cortesía de Jimmy Glass.

Identities are Changeable es el resultado musical de una serie de entrevistas personales (vecinos, comerciantes, etc.) de la colonia portorriqueña de Nueva York. De ellas utilizó no solo las respuestas de los participantes sino que capturó algunos de los sonidos de la calle.

Zenón tiene nueve excelentes discos como líder -cuatro de ellos con el sello Marsalis Music-. Su disco Esta plena -una inteligente fusión entre el jazz y la música plena portorriqueña- (Marsalis Music, 2009) obtuvo dos nominaciones a los Grammy y recibió las 5 Estrellas del Downbeat y las más importantes publicaciones especializadas estadounidenses: Village Voice, Chicago Tribune o Jazz Times lo declararon el mejor CD de jazz de 2009. Otro de sus discos, Rayuela (Sunny Side Records, 2012), consiguió la máxima calificación en casi todos los medios del género.

San Francisco Jazz Collective

Además, ha grabado más de 50 registros discográficos en colaboración con otras grandes figuras del jazz, entre ellos los editados con el San Francisco Jazz Collective, un octeto de estrellas (la élite del jazz contemporáneo) del que son o han sido miembros desde su fundación en 2004 músicos como Joshua Redman, Bobby Hutcherson, Nicholas Payton, Eric Harland, Dave Douglas, Joe Lovano, Stefon Harris, Robin Eubanks y actualmente Mark Turner, Avishai Cohen y Zenón.

Este último y el gran contrabajista Matt Penman pertenecen al grupo desde el principio. Zenón colabora con músicos o grupos como Charlie Haden, David Sánchez, Village Vanguard Orchestra, Bob Moses, Mingus Big Band, Jerry González, Ray Barreto, Steve Coleman, Greg Osby, Ben Monder, Antonio Sánchez, Guillermo Klein, Chris Cheek, Jeff Ballard, Chris Potter y muchos más.

El saxofonista portorriqueño Miguel Zenón. Imagen cortesía de Jimmy Glass.

El saxofonista portorriqueño Miguel Zenón. Imagen cortesía de Jimmy Glass.

“La guerra del Cabanyal está ganada”

Desayunos Makma en Lotelito
Con Pepa Dasí, Vicente Gallart, Lupe Frigols y Bia Santos, responsables de Cabanyal
Archivo Vivo, proyecto ganador del premio Europa Nostra 2013
Entrevistados por el equipo de dirección de Makma: Vicente Chambó, José Luis Pérez Pont y Salva Torres

Han tenido que librar un sinfín de batallas. Un largo vía crucis de 18 años llevado con heroica entereza. Y aunque las muestras de que la lucha iba por buen camino han resultado copiosas, no ha sido hasta alcanzar el premio Europa Nostra, que recibieron de manos de la Reina Doña Sofía el pasado 17 de abril, cuando los responsables de Cabanyal Archivo Vivo, ahora sí, dan por cerrado el conflicto. “La guerra del Cabanyal está ganada”.

Vicente Gallart y Pepa Dasí, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Ana Pastor.

Vicente Gallart y Pepa Dasí, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Ana Pastor.

Lo dicen con gran satisfacción, no exenta de prudencia, Pepa Dasí, presidenta de la Asociación de Vecinos Cabanyal-Canyamelar, Vicente Gallart, vicepresidente, y Lupe Frigols y Bia Santos, coordinadoras del proyecto ganador elaborado por La Esfera Azul. Y no es para menos, teniendo en cuenta que detrás del premio está el Ministerio de Cultura, cuyo apoyo fue inestimable a la hora de alcanzarlo. Ministerio de Cultura cuyos responsables políticos contradicen de esta forma la percepción que del Cabanyal tienen sus homónimos valencianos, con la alcaldesa Rita Barberá a la cabeza.

Bia Santos, durante los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Ana Pastor.

Bia Santos, durante los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Ana Pastor.

“Lo de Fabra es fuego amigo”

El telegrama de felicitación enviado por el presidente de la Generalitat, Alberto Fabra, va en esta misma dirección, siendo una señal más de que el plan urbanístico “obsesivo” de Rita Barberá por “arrasar” el barrio del Cabanyal “está echado a perder”. Y aunque “lo de Fabra es fuego amigo entre dos personas enfrentadas”, entienden que ese paso adelante del jefe del Consell (“nunca antes lo había hecho”) deja “en evidencia” la distancia que le separa de Barberá. “Está claro que Fabra prefiere estar de lado del Ministerio de Cultura, que es quien ha avalado nuestro proyecto en Europa Nostra”. Y Gallart, tras recibir una llamada, exclama: “¡Rita dice que el telegrama de Fabra ha sido fruto de una respuesta automática del ordenador!”.

Lupe Frigols, de frente, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Ana Pastor.

Lupe Frigols, de frente, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Ana Pastor.

Jamás han entendido la actitud de la alcaldesa de Valencia. “Fue desde el principio comprando voluntades y negándose al diálogo, a pesar de las 90.000 alegaciones que recogimos en tiempo record contra su plan urbanístico”. Y apostillan: “Nunca se dignó a sentarse y, con el tiempo, se ha convertido en una obsesión por su parte; se le ha ido de las manos”. A juicio de todos ellos, en la actitud empecinada de la alcaldesa “hay una parte de enfrentamiento personal; se ha visto en situaciones comprometidas a causa de nuestra resistencia cívica”.

Detalle de la revista objeto La más bella, con la frase del escritor José Luis Sampedro en un lápiz. Fotografía: Ana Pastor.

Detalle de la revista objeto La más bella, con la frase del escritor José Luis Sampedro inscrita en un lápiz. Fotografía: Ana Pastor.

“Rita no sabía con lo que se iba a encontrar”

El proyecto Cabanyal Archivo Vivo, con el que han logrado el respaldo unánime internacional tras ser uno de los 30 elegidos de los 300 presentados, les ha llevado año y medio de trabajo coordinado por más de 100 personas. Proyecto que abarca diversos aspectos, desde el pedagógico, relacionado con la educación acerca de la arquitectura modernista del barrio que podía desaparecer con el plan urbanístico, hasta la virtual en Internet, pasando por centenares de entrevistas (“memoria del patrimonio inmaterial, tan importante o más que el material”) y proyectos artísticos, como la singular revista objeto ‘La más bella’. “Ha sido una lucha a través de la cultura”, destacan orgullosos.

Un momento de los Desayunos Makma en la terraza de Lotelito. Fotografía: Ana Pastor.

Un momento de los Desayunos Makma en la terraza de Lotelito. Fotografía: Ana Pastor.

Una lucha llevada a cabo por la mayoría de vecinos de un barrio ejemplar (tal y como recoge el jurado en la justificación del premio) y que ellos cuatro ahora representan. “Se ha hecho todo desde el optimismo y la energía, nunca desde el victimismo”. Y se nota. “Rita no sabía con lo que se iba a encontrar”, resaltan a la hora de rememorar los comienzos de su resistencia contra lo que entienden un atropello urbanístico. “Que hay que conectar Valencia con el mar a través del Cabanyal, sí, pero no arrasándolo”. Y Gallart, arquitecto, recuerda que el objetivo del plan era “regenerar y revitalizar el barrio, nunca protegerlo, por mucho que apareciera en el título” del PEPRI (Plan Especial de Protección y Reforma Interior).

Pepa Dasí, presidenta de la Asociación de Vecinos Cabanyal-Canyamelar, durante los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Ana Pastor.

Pepa Dasí, presidenta de la Asociación de Vecinos Cabanyal-Canyamelar, durante los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Ana Pastor.

“Nadie va a salir de rositas: hay que prevaricación pura y dura”

Pensando ya en el día después, están preparando la elaboración de un documento de medidas, firmado por todos los partidos políticos de la oposición, en el que “se acuerde la retirada del plan, la concesión de las licencias de rehabilitación hasta ahora retenidas y pintar el barrio”. Y como tienen claro que “nadie va a salir de rositas”, están estudiando medidas contra lo que entienden es “prevaricación pura y dura, por no haber dado las oportunas licencias y permitido la degradación del barrio, y una arbitrariedad por parte de la Administración”.

Portada del proyecto Cabanyal Archivo Vivo, diseñado por Sento, ganador del premio Europa Nostra. Fotografía: Ana Pastor.

Portada del proyecto Cabanyal Archivo Vivo- dibujado por el artista e ilustrador Cento Yuste y diseñado por MacDiego-, ganador del premio Europa Nostra. Fotografía: Ana Pastor.

La “estrategia de tierra quemada” de Rita Barberá, sustentada en que si no había ampliación de la Avenida Blasco Ibáñez hasta el mar tampoco habría rehabilitación, la ha ido desmontando el peso de los acontecimientos. “Gracias a nuestra actitud pedagógica y a que la gente no es tonta, tanto tiempo, se ha ido erosionando esa posición intransigente de Rita”. “Ya nadie se cree lo que tantas veces ha dicho de que las máquinas entrarían esa semana para iniciar el derribo”, añaden.

Un momento de los Desayunos Makma en la terraza de Lotelito. Fotografía: Ana Pastor.

Un momento de los Desayunos Makma en la terraza de Lotelito. Fotografía: Ana Pastor.

Los “18 años de solidaridad vecinal” han contado con la participación desinteresada de personas ilustres, entre las que destacan al escritor desaparecido José Luis Sampedro y al arquitecto José María Ballester, miembro del jurado del premio Europa Nostra. Éste les llegó a decir, visiblemente emocionado, que no quería morir “hasta que el Cabanyal esté rehabilitado”. Lo mismo que afirmó Sampedro. Sólo que en el caso de Ballester está próximo a cumplirse.

De izquierda a derecha, Lupe Frigols, Vicente Gallart, Pepa Dasí y Bia Santos, en la terraza de Lotelito. Fotografía: Ana Pastor.

De izquierda a derecha, Lupe Frigols, Vicente Gallart, Pepa Dasí y Bia Santos, en la terraza de Lotelito. Fotografía: Ana Pastor.

Salva Torres

John & Yoko: Suite 1742 por la paz

John Lennon & Yoko Ono: Suite 1742
Fotografías de Bruno Vagnini
La Térmica
Avda. de los Guindos, 48. Málaga
Inauguración: Viernes 23 de enero, a las 20.00h
Hasta el 23 de marzo, 2015

La Térmica presenta por vez primera en España ‘John Lennon & Yoko Ono: Suite 1742′, exposición que recoge las míticas fotografías que Bruno Vagnini realiza el 31 de mayo de 1969 que documentan el ‘Bed-In’ desarrollado en la habitación 1742 del Hotel Queen Elizabeth de Montreal por John Lennon y Yoko Ono por la paz.

Esta segunda happening-protesta llevada a cabo por la pareja contra la Guerra de Vietnam, se produce después de la primera, una semana antes en Amsterdam, justo tras su boda en Gibraltar. En la ‘Bed-In’ de siete días (del 26 de mayo al 2 de junio) de Montreal es en la que se graba y retransmite a todo el mundo la mítica canción pacifista ‘Give Peace A Chance’.

Fotografía de Bruno Vagnini en la exposición 'John Lennon & Yoko Ono: Suite 1742'. Imagen cortesía de La Térmica de Málaga.

Fotografía de Bruno Vagnini en la exposición ‘John Lennon & Yoko Ono: Suite 1742′. Imagen cortesía de La Térmica de Málaga.

Un joven italiano de 19 años, Bruno Vagnini, que estaba cursando Fotografía en la Academia de Bellas Artes de Montreal, es invitado por un conocido a encontrarse con John y Yoko. Estaba tan emocionado que hasta lleva su cámara Nikon comprada unos días antes con un sólo rollo de película en blanco y negro de 36, seguro de no lograr hacer ni una fotografía. En la espera, en la antesala al dormitorio, realiza algunas fotografías a la hija de Yoko, Kyoko, creyendo que dentro del dormitorio no va a poder realizar ninguna fotografía.

Después es acompañado a la Suite 1742: una suite enorme, pintada de blanco, con libros, folletos esparcidos por todos lados y eslóganes contra la guerra por las paredes. Al fondo, John y Yoko, en pijama, cómodamente sentados en la cama respondiendo a los periodistas. El dormitorio se transforma en un púlpito político y a los que critican esto como una payasada publicitaria, los seguidores del ex-Beatle les responden que se trata de una performance que cuestiona las definiciones de  identidad, privacidad y espacio. Vagnini logra hacerle 26 fotos a la pareja a pesar de su posición a contraluz, delante de la ventana. Una experiencia que este fotógrafo nunca ha olvidado. Una revisión emocionante de nuestra cultura contemporánea, de la paz y del amor.

Kyoko, hija de Yoko Ono, fotografiada por Bruno Vagnini, en 'John Lennon & Yoko Ono: Suite 1742'. Imagen cortesía de La Térmica.

Kyoko, hija de Yoko Ono, fotografiada por Bruno Vagnini, en ‘John Lennon & Yoko Ono: Suite 1742′. Imagen cortesía de La Térmica.

La exposición

Casi cinco décadas más tarde esta muestra de La Térmica, comisariada por Ono y Mario Martín Pareja, con la colaboración del profesor de Historia del Arte Rodrigo Gutiérrez Viñuales, saca a la luz esas 30 imágenes que ilustran uno de los momentos más significativos para la historia, la música y el arte del siglo XX. Pero la exposición no se queda en el mero hecho de mostrar estas imágenes realizadas por Vagnini.

Concebida como una gran instalación, ‘John Lennon & Yoko Ono: Suite 1742′ está formada por tres espacios claramente diferenciados. El primer espacio nos introduce en las creaciones conceptuales de John Lennon y Yoko Ono. Incluye, además de dos monitores con fragmentos de las películas y creaciones musicales experimentales de John & Yoko, varias vitrinas con objetos, libros y documentos.

Portada del disco 'The Wedding Album', incluida en la exposición 'John Lennon & Yoko Ono: Suite 1742'. Imagen cortesía de La Térmica.

Portada del disco ‘Wedding Album’, incluida en la exposición ‘John Lennon & Yoko Ono: Suite 1742′. Imagen cortesía de La Térmica.

Destacan los elementos que componen el disco conceptual realizado por ambos llamado ‘Wedding Album’, a finales de ese mismo año, 1969. El disco más atractivo desde el punto de vista objetual, y el más vinculado a la exposición, en tanto que incluye, no solo las fotografías de la boda en Gibraltar y el bed-in que antecedió al de Toronto en el Hotel Hilton de Amsterdam, sino también entrevistas y comentarios de esa experiencia, varias fotografías sueltas, un dossier de prensa, dibujos de Lennon, copia del certificado de matrimonio y hasta un trozo de la tarta de bodas en una bolsa de plástico con la palabra ‘bagism’.

Acompañan esta documentación las fotografías de John y Yoko y de la Plastic Ono Band, de Andrew MacLear, y elementos de la trayectoria conceptual de Yoko Ono anterior a su encuentro con John Lennon a finales de 1966 en la Indica Gallery de Londres; de Lennon (músico, poeta, dibujante, más tarde artista conceptual), en las artes plásticas, y de ambos como grupo artístico conceptual.

El fotógrafo Bruno Vagnini. Imagen cortesía de La Térmica.

El fotógrafo Bruno Vagnini, delante de algunas de sus imágenes. Cortesía de La Térmica.

En el segundo espacio que sigue se incluyen el texto introductorio de Yoko Ono en el que habla 44 años después sobre ese happening, junto a la serie de instantáneas de Bruno Vagnini tomadas en la Suite 1742 del Hotel Queen Elizabeth en Montreal.

Finalmente, el tercer y último espacio es el que muestra una blanquísima e inmaculada cama de matrimonio sobre la que se proyecta el vídeo ‘Give Peace a Chance’ y el documental ‘Bed Peace’ grabado en aquellos días. Encabezan dicho lecho una instalación repetitiva con los carteles creados con la leyenda en blanco y negro ‘War Is Over!’.

John Lennon y Yoko Ono en la 'bed-in' de Montreal de 1969. Fotografía de Mario Vagnini, cortesía de La Térmica.

John Lennon y Yoko Ono en la ‘bed-in’ de Montreal de 1969. Fotografía de Mario Vagnini, cortesía de La Térmica.

Tiros en la nuca, conciencias vivas

Maestros de ciudadanía
Homenaje a Manuel Broseta, Ernest Lluch y Francisco Tomás y Valiente
La Nau de la Universitat de València
C / Universitat, 2. València
Hasta el 25 de enero

Los tres fueron asesinados por ETA de forma escalonada: Manuel Broseta en 1992, Francisco Tomás y Valiente en 1996 y Ernest Lluch en 2000. Los tres mediante el simple y cruel tiro en la nuca. Reventaron sus cabezas, pero no sus conciencias, que siguen ahora más vivas que nunca. Así lo ha entendido la Universitat de València, donde estudiaron los tres, que les rinde homenaje mediante una gran exposición para salvaguardar sus memorias, a prueba de balas y de la anestesia del tiempo. Como reza en uno de los murales explicativos, precisamente el dedicado a esa memoria, “han muerto a una persona, pero no sus ideas”, tal y como recogía una pancarta de aquellos días tras uno de esos asesinatos.

Video en el que aparece Francisco Tomás y Valiente, y su hija Carmen, en la exposición 'Mestres de ciutadania', en La Nau de la Universitat de València.

Video en el que aparece Francisco Tomás y Valiente, y su hija Carmen, en la exposición ‘Mestres de ciutadania’, en La Nau de la Universitat de València.

Pero no se piense que la exposición elocuentemente titulada ‘Maestros de ciudadanía’ hurga en la nostalgia. Para nada. Como dejó claro Antonio Ariño, vicerrector de Cultura de la Universitat de València, la muestra ni es un ejercicio de nostalgia, “ni de revancha”, sino una proyección del ejemplo que Broseta, Lluch y Tomás y Valiente han dejado a lo largo del tiempo con su enérgico compromiso social: “Pensaban que el futuro estaba por ganar”, agregó Ariño.

Junto a Ariño, además del comisario de la exposición, Marc Baldó,  estaban los hijos de Broseta y Tomás y Valiente, Pablo y Carmen, y el sobrino de Lluch, Enric. Y los tres coincidieron a la hora de destacar ese futuro que sus respectivas memorias abría con sus vidas ejemplares. “Hoy no existe ese espíritu de diálogo, convivencia y negociación, por eso una exposición de este tipo es más importante que nunca” (Pablo Broseta). “Los tres tuvieron una enorme generosidad a la hora de construir un país” (Enric Lluch). “Es el retrato de una generación volcada en la mejora del país” (Carmen Tomás y Valiente).

Obra del Equipo Realidad en la exposición 'Mestres de ciutadania', en La Nau de la Universitat de València.

Obra del Equipo Realidad en la exposición ‘Mestres de ciutadania’, en La Nau de la Universitat de València.

Esta última quiso destacar precisamente ese carácter de futuro que albergaba la memoria de Broseta, Lluch y Tomás y Valiente, recogida mediante recortes de prensa de la época, libros, artículos, fotografías familiares, imágenes de fotoperiodistas, revistas, carteles, pinturas, videos con más de 30 entrevistas y objetos personales, como las gafas de Broseta o la cartera de Ministro de Sanidad de Lluch. “Me gustaría que vinieran los estudiantes, que la exposición tuviera un mensaje de ilusión, al margen del asesinato y del rechazo a la violencia”, señaló Carmen.

Obra del Equipo Crónica junto a uno de los videos de la exposición 'Mestres de ciutadania', en La Nau de la Universitat de València.

Obra del Equipo Crónica junto a uno de los videos de la exposición ‘Mestres de ciutadania’, en La Nau de la Universitat de València.

Marc Baldó subrayó lo que compartían los tres ilustres homenajeados, al margen de sus lógicas diferencias: “Su profunda investigación”, ese afán por “innovar, cambiar las concepciones de vida” que se arrastraban del franquismo y que “se ve en su tarea científica”. Luego fue desgranando en breve pinceladas lo que aportó cada uno. A Broseta lo definió utilizando una serie de palabras: “Negociar, hablar, dialogar, ceder”. De Lluch dijo que fue el ministro de Sanidad “que universaliza la atención médica”. Y de Tomás y Valiente recordó su “obsesión como magistrado en la defensa de la persona”.

Carmen Tomás y Valiente, en el magnífico catálogo que acompaña la exposición, recuerda que cuando se descubrieron los cadáveres de Lasa y Zabala “publicó un artículo en contra de la tortura y dejó claro que, incluso frente a los enemigos, había que mantener el Estado de Derecho y el respeto a los Derechos Fundamentales”.

Viñeta de Máximo incluida en la exposición ' Mestres de ciutadania', en La Nau de la Universitat de València.

Viñeta de Máximo incluida en la exposición ‘Mestres de ciutadania’, en La Nau de la Universitat de València.

‘Maestros de ciudadanía’ contiene un aluvión de documentos gráficos y entrevistas recordando el ilustre legado de Manuel Broseta, Ernest Lluch y Francisco Tomás y Valiente. Legado que, como recordó Baldó, requiere una actualización permanente: “La democracia y la libertad se ha de pelear todos los días”. Sobre todo ahora. “No pensaba, cuando nos planteamos la exposición hace tres años, que la situación iba a deteriorarse tanto”, apuntó el vicerrector de Cultura. Por eso frente a aquellos tiros en la nuca o la corrupción actual, se hace tan necesario mantener vivas las conciencias de Broseta, Lluch y Tomás y Valiente. “El futuro está en nuestras manos si seguimos sus enseñanzas”, concluyó Ariño.

Detalle de una de las fotografías incluida en la exposición 'Mestres de ciutadania' en La Nau de la Universitat de València.

Detalle de una de las fotografías incluida en la exposición ‘Mestres de ciutadania’ en La Nau de la Universitat de València.

Salva Torres

El Quinto Jinete en el Palau de les Arts

El Quinto Jinete. Una visión de la Primera Guerra Mundial
Documental dirigido por Rosana Pastor y Enrique Viciano
Buenpaso Films
En torno a la novela ‘Los cuatro jinetes del Apocalipsis’, de Blasco Ibáñez
Palau de les Arts Reina Sofía
Jueves 2 de octubre, a las 20.00h

Vicente Blasco Ibáñez escribe la novela ‘Los cuatro jinetes del Apocalipsis’, entre el otoño de 1915 y la primavera de 1916, cuando las tropas aliadas defendían en el frente del Marne el acoso del imperio alemán en plena Guerra Mundial.

Observamos a Blasco Ibáñez en su estudio de la rue Rennequin de París, cómo va escribiendo los artículos periodísticos a favor de los aliados, su estado de ánimo, las disputas con su editor, la visita que el Presidente de la República francesa le facilita al frente del Marne y a Reims, la persecución que sufre por sus ideas, y cómo ello va orquestando la escritura de la novela.

Imagen de la película 'Los cuatro jinetes del Apocalipsis' extraída del trailer de 'El Quinto Jinete', documental realizado por Rosana Pastor y Enrique Viciano.

Imagen de la película ‘Los cuatro jinetes del Apocalipsis’ extraída del trailer de ‘El Quinto Jinete’, documental realizado por Rosana Pastor y Enrique Viciano.

Una realizadora de televisión se ha propuesto desentrañar la madeja de opiniones, documentos e imágenes que envuelven al escritor de cara a un encargo para la conmemoración del inicio de la I Guerra Mundial. Para ello tiene que documentarse, realizar entrevistas a personalidades relacionadas con las dos versiones cinematográficas de 1921 y 1962, a expertos sobre la obra de Blasco Ibáñez y grabar con su equipo en localizaciones como Valencia, París, Londres y Los Ángeles.

Con imágenes de fondo de la I y II Guerra Mundial, la abundancia de documentos y el apoyo del final cut, se va desgranando la historia.  Clara, la realizadora, debe lidiar con las contradicciones de las opiniones que encuentra a su paso, los ataques de los detractores y las decisiones que se ve obligada a tomar para hallar la objetividad e imparcialidad en un escritor tan controvertido como apasionante.

Imagen extraída del trailer del documental 'El Quinto Jinete', de Rosana Pastor y Enrique Viciano.

Imagen extraída del trailer del documental ‘El Quinto Jinete’, de Rosana Pastor y Enrique Viciano.

En ‘El Quinto Jinete’ se muestra una imagen de Blasco Ibáñez desde una perspectiva moderna y global a través de un trabajo profundo de investigación que llevó a entrevistarse con doctores de otros países como EE.UU., hecho que también ha posibilitado que la película viaje a este país en noviembre.

Esto se complementa con la exposición que tendrá lugar el 15 de octubre en el Centro del Carmen, en la que se muestran 54 imágenes de gran tamaño que cuentan la historia de la guerra a través de los 9 tomos de la crónica de la guerra europea. Son imágenes inéditas jamás mostradas. Los textos que acompañan son textos de Blasco Ibáñez que le dan una visión social y personal.

Imagen extraída del trailer del documental 'El Quinto Jinete', de Rosana Pastor y Enrique Viciano.

Imagen extraída del trailer del documental ‘El Quinto Jinete’, de Rosana Pastor y Enrique Viciano.

Finalmente, también se celebrarán los días 16, 17 y 18 de octubre, un congreso que reunirá a destacados investigadores en torno al tema de “Arte, literatura y cine en la I Guerra Mundial”.

La cita más próxima será, no obstante, el 2 de octubre en el Palau de les Arts Reina Sofia, ya que se celebrará la presentación de la película y se hará un pase previo a su salida en salas comerciales el día 3 de octubre.

Ver trailer del documental:

EL QUINTO JINETE – Trailer from Lavisible Cultura on Vimeo.

 

Gema del Rey. Palabras y razones

Becas Hábitat 2014: Gema del Rey
Espai d’art contemporani de Castelló (EACC)
C/ Prim, s/n
Hasta el 31 de agosto de 2014

“La política es muchas cosas a la vez, pero difícilmente podría ser alguna de esas cosas si no fuera en primer lugar el arte de traducir problemas individuales en asuntos públicos, e intereses comunes en derechos y obligaciones individuales. Los líderes son expertos en ese tipo de traducción. Les dan un nombre público (genérico) a problemas individuales, con lo que sientan las bases para un manejo colectivo de problemas que no podrían ser percibidos desde el interior de la experiencia individual, ni enfrentados por su cuenta por los individuos” (BAUMAN, Zygmunt. La sociedad sitiada. Fondo de cultura económica de Argentina, Buenos aires, 2004.)

Esa tutela “natural” a la que la población parece destinada ha dado lugar a innumerables abusos de poder bajo la proclama del interés general y del mal menor, según los casos. Lo cierto es que el veneno de la codicia se extendió en nuestra sociedad como forma de vida hegemónica. Se tendió a pensar que “más” es siempre mejor que “menos” y desde esa lógica se adoptaron las principales decisiones públicas y privadas que nos han llevado, paso a paso, a una especie de vía muerta. Salir de ese punto requiere de una catarsis colectiva que permita superar la magnitud de ese fracaso, pues fueron muchas las proclamas que alentaron el exceso como rasgo de identidad colectiva.

Gema del Rey, "ni xitxa ni llimonà". Imagen cortesía de Gema del Rey.

Gema del Rey, “ni xitxa ni llimonà”. Imagen cortesía de Gema del Rey.

Gema del Rey ha realizado un trabajo de investigación que ahonda en el sentido del hecho de coleccionar para, a su vez, recopilar una serie de frases procedentes de la cultura popular de Castellón y su provincia. El resultado es una colección de frases hechas que sirve como base para su proyecto “Ni xitxa ni llimonà”.

Castellón se debate entre su pasado agrícola y el boom de la construcción al que sucumbió en las últimas décadas, esa es la forma en la que los movimientos de lo global extinguen progresivamente lo local en un ejercicio de simplificación de la cultura. A la vez encontramos fiestas que veneran el folclore superficial, estetizado y desprovisto de cualquier resorte constituyente de sentido, como un dispositivo más de estereotipación social que conduce en la dirección opuesta a la recuperación de la identidad.

Gema del Rey, "ni xitxa ni llimonà". Imagen cortesía de Gema del Rey.

Gema del Rey, “ni xitxa ni llimonà”. Imagen cortesía de Gema del Rey.

La artista en su trabajo de campo ha llevado a cabo entrevistas y contactado con personas que han aportado el material de estudio propuesto. Frases que trenzan, que amarran, a los individuos a la colectividad a través de la memoria transmitida oralmente generación tras generación. “Descobrir-se el pastis”, “donar fum en lloc de llum”, “fer creure que un burro vola”, “omplir-se les butxaques”, “s’han acabat els torrons”, “quedar escaldat” son solo algunas de las frases recopiladas para el proyecto. La actualidad de las mismas deja patente la forma en la que el ser humano reitera sus errores, por más que su interpretación de acuerdo a las actuales circunstancias permite unas lecturas enriquecidas en matices que se aderezan con ejemplos impagables.

Gema del Rey, "ni xitxa ni llimonà". Imagen cortesía de Gema del Rey.

Gema del Rey, “ni xitxa ni llimonà”. Imagen cortesía de Gema del Rey.

La transformación de los modos de producción industrial en el campo de la agricultura ha hecho inviable la rentabilidad de los cultivos tradicionales, con el consiguiente empobrecimiento en las variedades autóctonas. Ese desequilibrio entre global y local dificulta el mantenimiento de formas de vida tradicionales que han sido desplazadas por la rentabilidad que hasta hace poco mostró el sector de la construcción. A la vez se empuja a la mano de obra más débil a estados de desprotección asimilables a algunos rasgos de esclavismo.

Con un cierto “abaixar-se els pantalons” muchos se deshicieron de los campos, que fueron destinados como superficies para la edificación: “ja l’hem cagat llauraor!”. Muchas de esas tierras forman ahora parte de un simbólico catálogo de obras inacabadas, como fantasmas omnipresentes que recuerdan cada día a los ciudadanos un pasado cercano que lastra el presente mientras proyecta su sombra más allá.

Gema del Rey, "ni xitxa ni llimonà". Imagen cortesía de Gema del Rey.

Gema del Rey, “ni xitxa ni llimonà”. Imagen cortesía de Gema del Rey.

Gema del Rey realiza con este proyecto un ejercicio de recuperación del “acento” propio de las gentes para reafirmar la riqueza presente en la sabiduría popular, esas bases a las que con tanta facilidad se infravalora como parte del ejercicio de simplificación cultural. La pérdida del lenguaje, la creciente inconsistencia en la transmisión de saberes de padres a hijos, la actual crisis ética y económica y la equivocada idea de progreso que nos ha traído hasta aquí son algunos de los ejes sobre los que ha pivotado la investigación que ahora se presenta. Elementos todos ellos presentes en la cotidianidad que nos ha tocado vivir, convertidos en materiales de observación, coleccionados por la artista con el propósito de lograr su fosilización. Mostrándonos esta verdad, se requiere la colaboración del espectador como elemento clave para la desactivación de una construcción social que ha llegado el momento de desmantelar. Devolver el poder simbólico a los ciudadanos implica la preexistencia de individuos dispuestos al empoderamiento civil, con una ruptura clara de la pasividad que ha definido los comportamientos grupales de la sociedad.

José Luis Pérez Pont

Gema del Rey, "ni xitxa ni llimonà". Imagen cortesía de Gema del Rey.

Gema del Rey, “ni xitxa ni llimonà”. Imagen cortesía de Gema del Rey.

Danzar en precario

Encima del escenario y en movimiento los bailarines parecen pertenecer a una raza superior, más grácil y ligera que el resto de los humanos, como si por sus venas corriera sangre de hadas o de elfos. Pero cuando ponen los pies en el suelo su realidad es mucho más prosaica. Prosaica, precaria y de gran inseguridad laboral. Posiblemente,  son los artistas más afectados por la crisis debido a sus particulares circunstancias, sumadas al hecho de que la danza es un espectáculo minoritario en este país. En contraste se trata de una de las disciplinas más duras que exigen un entrenamiento diario, una constante tensión cuerpo-mente y, como les ocurre a los atletas o futbolistas, su carrera tiene una fecha de caducidad muy ajustada.

El bailarín Miguel Tornero. Fotografía: María Tornero.

El bailarín Miguel Tornero. Fotografía: María Tornero.

La Asociación de Profesionales de la Danza de la Comunidad Valenciana (APDCV), entidad que aúna a más de un centenar de bailarines, coreógrafos, docentes, junto a las asociaciones y sindicatos agrupados en la Confederación de Artistas-Trabajadores del Espectáculo (Conarte),  denuncian esta situación de precariedad y el hecho de que no se les abonen las horas extras a los miembros de las compañías públicas de carácter nacional.

“Queremos denunciar la precariedad y difícil situación que atraviesa el sector de la danza en estos momentos”, dice Miguel Tornero, presidente de APDCV. “Los sueldos de los bailarines de los distintos elencos artísticos públicos apenas superan los 900€ al mes. Una precariedad que vive el sector tras una larga y dura formación como profesionales de esta disciplina, cuya carrera en el escenario termina a los pocos años de cumplir los cuarenta, incluso antes”.

Condiciones laborales

La APDCV ha puesto en marcha el primer estudio sobre las condiciones laborales de los profesionales de la danza en la Comunidad Valenciana en colaboración con el Máster Oficial Interuniversitario en Gestión Cultural de la Universitat de València. Los resultados se harán públicos este año con el objetivo de elaborar un diagnóstico fidedigno de la situación actual.

“El estudio reflejará cuál es la actividad de los profesionales de la danza (intérpretes, docentes, coreógrafos, gestores, asesores de movimiento, repetidores, etcétera) y la realidad del conjunto del sector a través de entrevistas y encuestas”, explica Tornero.

La precariedad económica se suma a una difusa situación laboral, pues no existe un Convenio Colectivo para la danza a nivel nacional. “En numerosos casos se toma como referencia uno de la Comunidad de Madrid que marca mínimos muy mínimos”, comenta Tornero. Tampoco están incluidos en el Instituto Nacional de Cualificaciones que permite el reciclaje laboral o la transición profesional a otros oficios y profesiones. De hecho, ni siquiera sus estudios profesionales de danza tienen reconocimiento académico de ningún tipo y los estudios superiores siguen, en la práctica, en una situación difusa respecto a su equivalencia total a los estudios universitarios.

Imagen del Día Internacional de la Danza 2013 en el MuVIM. Fotografía: María Tornero.

Imagen del Día Internacional de la Danza 2013 en el MuVIM. Fotografía: María Tornero.

Artista Intermitente

En cuanto a las prestaciones del paro, debido a que sus contratos suelen ser de  corta duración resultan muy exiguas. “En el Régimen de Artistas un día cotiza más o menos por uno y medio”, indica Tornero. “Pero ese régimen, digamos privilegiado,  no siempre se aplica durante las producciones de espectáculos”. En Francia existe la figura del Artista Intermitente por la cual estos profesionales reciben una consideración y protección laboral acorde con su actividad.

El mundo de la danza es por naturaleza variado y caótico. Si bien hoy por hoy los sueldos de los bailarines son exiguos en general, siempre ha habido diferencias significativas en función del sector en el que se trabajara; televisión, musicales, etcétera. Por ejemplo, en el caso de las compañías privadas no es habitual que se contemple en el sueldo las horas extras. En el plano docente sucede lo mismo, y así encontramos que mientras los de conservatorios públicos disfrutan de un régimen similar al de los maestros de Educación Primaria o secundaria, los de las escuelas privadas se rigen por el mismo convenio que aúna a peluqueros y monitores de centros deportivos.

Imagen del Día Internacional de la Danza 2013 en el MuVIM. Fotografía: María Tornero.

Imagen del Día Internacional de la Danza 2013 en el MuVIM. Fotografía: María Tornero.

Sin cobrar las horas extras

Lo que se podría considerar la elite de la danza, los miembros de los entes públicos tampoco salen de miseria. En la Compañía Nacional de Danza (CND) y el Ballet Nacional de España (BNE) , reciben sueldos ínfimos, teniendo en cuenta su grado de preparación,  y a partir del pasado mes se les niega  el cobro de las horas extras.  Estos profesionales no percibirán las horas extras que les pertenecen si han superado las 60 anuales, lo que la mayoría ya ha hecho. Estas horas serán remuneradas con días de libranza, criterio establecido sin ningún tipo de diálogo previo.

“Consideramos que la medida impuesta y aparentemente “compensatoria” es injusta e inaceptable y supone un claro atropello y recorte a los derechos laborales de los profesionales de las compañías públicas que representan la cultura española por todo el mundo”, señala Tornero. “Además de interferir y no poder garantizar los compromisos y giras de los bailarines, no resulta factible en una profesión que, como la danza, requiere de entrenamiento y ensayos diarios para poder realizar las actuaciones, lo que supone horas complementarias de trabajo, por lo que la sustitución de horas extras a cambio de libranzas resulta inviable”, concluye.

Imagen del Día Internacional de la Danza 2013 en el MuVIM. Fotografía: María Tornero.

Imagen del Día Internacional de la Danza 2013 en el MuVIM. Fotografía: María Tornero.

Bel Carrasco