Mr. Pink se llena de múltiples Ausencias

Ausencias. Cristóbal León, Joaquín Cociña & Niles Atallah, Andreas von Gehr, Martínez Bellido, Francisco Reina, Rodríguez Silva y Eduardo Nave
Galería Mr. Pink
C / Guillem de Castro, 110. Valencia
Hasta el 3 de marzo de 2017

Mr. Pink y AJG Contemporary Art Gallery presentan el proyecto expositivo ‘Ausencias’, comisariado por Antonio Jiménez con la obra de los artistas Cristóbal León, Joaquín Cociña & Niles Atallah, Andreas von Gehr, Martínez Bellido, Francisco Reina, Rodríguez Silva y Eduardo Nave. Esta muestra es un proyecto ‘pop-up’ de AJG Gallery realizado en la galería Mr. Pink de Valencia que podrá verse hasta el 3 de marzo.

La presente muestra expone los modos de entender la ausencia de una selección de artistas que manifiestan, a través de sus obras, este complejo e inabarcable concepto. La ausencia puede analizarse desde diferentes perspectivas, hablamos de ausencia en el silencio, en la omisión de la imagen, en los espacios vacíos y en la muerte -quizás la más imponente y temida de las ausencias-. En cualquiera de sus connotaciones, la ausencia siempre la entendemos como un elemento antagónico, siendo el paso del tiempo lo que modifica la condición de lo que existe -la presencia- en lo que deja de existir -ausencia-.

Lucia. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Obra de Cociña, León y Atallah. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Estas obras son el ejemplo más claro de la presencia impalpable, de lo que fue y ya no es, de lo que permanece pero de otra manera, más allá del umbral de la existencia. Bajo estas nociones podemos entender obras como Lucía y Luis, obras de Joaquín Cociña, Cristóbal León y Niles Atallah. Su trabajo consta de dos vídeos construidos en stop motion donde los protagonistas relatan sus propias historias. Las secuencias no se disponen en un orden lógico en el tiempo, sino que son narrativas fragmentadas con voz en off; Lucía y Luis no conocen el modo de verbalizar las emociones que les invaden y se expresan con toda la pureza e intensidad que sólo un niño es capaz de sentir. El espectador deberá convertirse en su cómplice e intentar reconstruir la verdadera historia.

Obra de Eduardo Nave. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Obra de Eduardo Nave. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Por otro lado, Eduardo Nave nos trae la ausencia en los espacios, de aquellos que fueron habitados y en los que ya sólo retumba el eco de las voces en el olvido. En su trabajo SOLO VOL.IV. muestra algunos de los escenarios de la antigua cárcel de Segovia, captando la esencia original del lugar y permitiendo al espectador imaginar el modo en que podía desarrollarse la vida en su interior; precisamente por su ausencia, se advierte el peso de las historias que entre esos muros y tras esas puertas acontecieron.

Obra de Martinez Bellido. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Obra de Martinez Bellido. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Si la fotografía surge como un modo de aligerar el proceso de plasmación de la imagen, Martínez Bellido aniquila este principio de instantaneidad para convertir la fotografía en dibujo. El artista se sirve del halo del que están dotadas antiguas fotografías pertenecientes tanto al archivo familiar como a otros completamente ajenos a él y las modifica, creando una suerte de punctum barthesianos que convierten a cada fotografía en una incógnita. En ocasiones, esos punctum o sugestivos detalles residen en la escena, y otras en los rostros de quienes parecen estar enterrados en el recuerdo, como un fantasma que no traspasa la vida, pero tampoco el linde de la muerte; como diría Alberto Ruiz de Samaniego, son «seres en el dominio de lo espectral».

Obra de Francisco Reina. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Obra de Francisco Reina. Imagen cortesía de Mr. Pink.

En las obras de Francisco Reina la ausencia reside en lo innecesario de la representación en la fotografía y en la demostración de la carga expresiva que puede albergar un solo detalle, enfrentándonos ante un modo de comunicación que, aunque no verbal, es toda una declaración de intenciones. Su serie de fotografías tiene una base de intencionalidad política, manifestando la sutil agresividad encubierta de los métodos de persuasión que ejercen políticos y demás cargos de poder sobre la población. El artista ha descontextualizado no sólo el momento de lo que parece ser un discurso, sino también la propia imagen, negando la identidad del sujeto para potenciar un rasgo de su psicología y de su propósito a través de los gestos.

Obra de Andreas Von Gehr. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Obra de Andreas Von Gehr. Imagen cortesía de Mr. Pink.

El trabajo de Andreas von Gehr es una reivindicación del recuerdo, un alegato en defensa de la memoria. La dictadura de Chile dejó tras de sí un gran número de desaparecidos cuyo paradero aún se desconoce. Actualmente, en las manifestaciones donde se reclama justicia, los rostros de las víctimas son los que aparecen impresos, como un modo de hacerlos hablar a través de la imagen. Sin embargo, von Gehr modifica este orden y muestra el rostro de una mujer viva en el lugar que debería ocupar un desaparecido, manifestando de este modo el dolor que sienten por “ese vacío eterno entre no saber si está vivo o muerto” los que permanecen. Un detalle revelador será la estrella -símbolo de la bandera chilena-que explosiona y se derrama sobre el rostro de quien sigue soportando la ausencia de sus seres queridos.

Por último, la obra de Rodríguez Silva revela el antitético paisaje de una naturaleza no visible pero sí envolvente. «La obra de arte es un rincón de la naturaleza visto a través de un temperamento» mencionaba Zola en El naturalismo en el teatro, frase que perfectamente podría definir este paisaje antagónico que, precisamente por la ausencia de imagen, multiplica sus posibilidades evocadoras. La serie de texturas que se observan dentro del juego matérico son denominadas por el propio autor como accidentes, y son producto de una gestualidad donde la forma se configura según el capricho de la pintura -donde el autor pierde, voluntariamente, todo control-.

El peso de lo que no es visible o palpable puede llegar a ser mucho más poderoso sensitiva y emocionalmente que el sujeto u objeto cuya presencia sea un hecho. Por esta misma condición contradictoria, Ausencias cuestiona la esencia del propio concepto, mostrándose como un proyecto donde la paradoja está servida, ya que será la ausencia la responsable de inundar todo el espacio.

María Arregui Montero

Cámaras en el exilio

Fotógrafos valencianos
Proyección internacional a través del exilio

En un mundo plagado de imágenes que viajan a velocidad de vértigo a través de Internet y las redes sociales, qué distingue a un artista de la fotografía de un profesional o un aficionado. Un cúmulo de factores difíciles de cuantificar. La mirada, la perspectiva, el encuadre, el punto de vista… Amén de una técnica más depurada, el artista aporta su visión personal, a través de la cual un fragmento atrapado de la realidad muda en arte al aportar un ángulo diferente, otra manera de ver las cosas que provoca en el espectador una reacción de identificación o rechazo.

La fotografía artística en Valencia incluye un amplio catálogo de autores, obras y tendencias unidos por un denominador común. El exilio a Madrid, Barcelona u otra gran capital europea es obligatorio si se desea lograr una proyección internacional. “En los ochenta el mundo de la fotografía artística estaba atomizado y habían más oportunidades para los nuevos creadores”, comenta Juan Pedro Font de Mora, de la librería y galería fotográfica Railowsky. “En los últimos años se ha ‘recentralizado’ en Madrid y los catalanes viven inmersos en su propio espacio y sólo se interesan por sus propias producciones”.

Fotografía de Joaquín Collado.

Fotografía de Joaquín Collado.

El ‘cándido’ artesano

Pese a esta situación, dos grandes veteranos, Joaquín Collado y Francisco Moltó, han visto recompensada su larga trayectoria. Durante la primavera de 2014 se celebraron actos y exposiciones para rescatar la ingente obra de Collado, que también se expondrá, a partir del próximo 8 de octubre, en la galería Clément Kauterde París. Collado inició su actividad fotográfica a principios de los años cincuenta y a lo largo de varias décadas su mirada amable, próxima y humana captó la evolución de la sociedad valenciana. “Cuando se quiere hacer una foto de personas, lo más importante es la conversación”, dice el fotógrafo que mejor ha captado la realidad en tonos de grises del Barrio Chino.

De niño, Francisco Moltó fantaseaba con la idea de ser aviador y espía, y muy joven empezó a hacer fotos en el Puerto, a los aviones de Manises y a la gente con quien se cruzaba en sus viajes. La exposición Rostros de ciudad,  presentada la primavera pasada en el MuVIM, reunía un centenar de sus instantáneas realizadas entre 1962 y 2009. También es autor de Stockholm, una galería de imágenes captadas a la intemperie de una hermosa y fría ciudad sueca, Estocolmo.

Fotografía de Paco Moltó.

Fotografía de Paco Moltó.

Fiel a la cámara analógica y al blanco y negro, Moltó se incluye en la llamada fotografía cándida, emparentado con Salomon, Cartier-Bresson, Evans, Winogrand o Català-Roca. Es un cazador de imágenes en el bullicio de la calle. “Fotos de gente vista de modo muy simple, como a través de los ojos de los paseantes; la humanidad del momento”, señaló Moltó en la inauguración de su muestra citando a Robert Frank.

Junto a estos veteranos de avanzada edad, otros fotógrafos valencianos han alcanzado la consagración en el mundo del arte: Eduardo Nave, Sergio Belinchón, Ricardo Cases, Julián Barón y Xavier Mollà.

Fotografía de Eduardo Nave.

Fotografía de Eduardo Nave.

Atentados de ETA

La impresión que le produjo a Eduardo Nave el atentado de la ETA contra el padre de un compañero, Manuel Broseta, fue el punto de inspiración de uno de sus principales trabajos, A la hora, en el lugar, una crónica desnuda del horror que reúne 45 escenarios donde la banda ETA ejecutó sus crímenes.

Ricardo Cases nació en Orihuela, pero estudió periodismo en Bilbao y ha trabajado como fotógrafo de prensa en El Mundo y varias revistas. Es uno de los autores incluidos en la Biblioteca de LaFábrica en su colección de bolsillo. Imágenes de caza y personajes pintorescos atraen el interés de una cámara que atrapa el momento sin concesiones estéticas. Su mirada rehúye la imaginería pop y se centra en las pulsiones que laten bajo la superficie banal, kistch y poco glamurosa de la España contemporánea.

Sergio Belinchón trabaja actualmente en Berlín, también en forma soporte vídeo. Los temas sobre los que gira su obra son la ciudad como escenario, la transformación del territorio, el turismo y los espacios donde la realidad y la artificialidad se confunden. Muchos de sus proyectos hablan de la relación que el ser humano establece con este entorno desde su ausencia.

Julián Barón se especializa en fotolibros, proyectos comprometidos con la actualidad, como los que ha publicado sobre la muerte de Franco o el relevo del Rey. Relatos sin palabras basados en una personal manipulación de imágenes televisivas.

Fotografía de Xavi Mollà, de su exposición Correspondencia amb Mediterránia en el Museo de Etnologia de Valencia.

Fotografía de Xavi Mollà, de su exposición Correspondència amb Mediterrània en el MuVIM.

La exposición del MuVIM Correspondència amb Mediterrània reúne la primera obra individual de Xavier Mollà presentada en un museo valenciano. Desde su objetivo, el Mediterráneo es como «la gran plaza del pueblo y los países son las casas alrededor», dice Mollà. Sus instantáneas en blanco y negro abarcan desde 1987 hasta 2015, divididas en diversos capítulos que despliegan la grandiosidad del mar y de los lugares detrás de su orilla, retratos, circunstancias, la vida o el tránsito de personas, entre los que se incluye el drama del éxodo  provocado por la Guerra de los Balcanes u otros conflictos.
No es una retrospectiva, no narra la crónica de la actualidad, es una utopía para “demostrar que en cualquier lugar podemos convivir, porque nos entendemos a pesar de las diferencias religiosas y de los intereses”, afirma el fotógrafo de Ontinyent.

Históricos

La maldición del obligado exilio de las cámaras se proyecta también hacia el pasado. Autores como José Martínez Sánchez (1807-1874), retratista de la alta sociedad madrileña de mediados del siglo XIX, uno de los primeros reporteros gráficos  e inventor de técnicas fotográficas como la leptografía. Nació y falleció en Valencia aunque ejerció su oficio en Madrid.

Fotografía de José Martínez Sánchez.

Fotografía de José Martínez Sánchez.

Una de las fotos que realizó en el Puerto de Valencia, con motivo del viaje de la reina Isabel II, en 1858, está considerada como la primera que se tomó de un amanecer. María José Rodríguez y José Ramón Sanchis, archiveros valencianos, recuperaron en un libro la obra y memoria de este artista que, tras una época de gloria en su estudio madrileño, murió arruinado en un hospital de Valencia.

Gabriel Cualladó (1925- 2003), miembro del Grupo Afal y del movimiento de renovación de la fotografía española, es otro valenciano  que triunfó en Madrid, donde trabajaba en una empresa de transportes de su familia. Realizó sus primeras fotografías a su hijo con una cámara Capta, y a partir de ahí se inició su interés por la fotografía.

Bel Carrasco

Comienza Parlem d’Art

Parlem d’Art
Propuestas de estudiantes para la reflexión y el debate
Del 25 de noviembre al 18 de diciembre de 2014
En las galerías de arte Paz y Comedias, Rosa Santos, Alba Cabrera, Punto, Set Espai d’Art y Trentatres Gallery

Esta nueva iniciativa, que se enmarca en el programa Art públic / Universitat pública, promueve la organización por parte de estudiantes de la Universitat de València de actividades de reflexión y debate sobre el arte contemporáneo en seis galerías valencianas.

Una sociedad en constante transformación requiere de agentes activos, capaces de analizar en tiempo real los efectos cruzados entre los movimientos de la sociedad y sus expresiones culturales. Art públic / Universitat pública lleva diecisiete años pulsando el sentir de la ciudadanía a través de proyectos efímeros de jóvenes artistas, conviviendo por unos días en el espacio público de un campus universitario. Esta experiencia crece y adopta una nueva forma a través del programa Parlem d’Art. Ahora, tras una convocatoria, algunos estudiantes del área de humanidades de la Universitat de València toman la palabra.

La Delegació per a Estudiants, a través del SeDI (Servei d’Informació i Dinamització), presenta una programación compuesta por conferencias, mesas redondas, visitas guiadas, visionados y derivas urbanas, como resultado de las propuestas de los seleccionados. Partiendo de la diversidad de enfoques, se dirige el análisis a la sociedad contemporánea y las múltiples expresiones que le dan forma. Algunas galerías de arte de la ciudad de Valencia son el lugar de desarrollo de estos encuentros, para llevar a cabo una experiencia de proximidad, cuestionamiento e intercambio de ideas.

Las temáticas que componen este primer programa de Parlem d’Art pasan por el grafiti, la publicidad, la sexualidad a través del cine, el patrimonio cultural, la fotografía y la naturaleza.

Parlem dArt

DIÁLOGOS ALREDEDOR DE LAS NUEVAS PERSPECTIVAS EN EL ARTE PÚBLICO
Galería Alba Cabrera.
El grafiti de ayer y de hoy: un recorrido histórico-social
Ponencia con Fernando Figueroa Saavedra.
Martes 25 de noviembre, 20 h.
La percepción de la publicidad en la sociedad de masas: impacto y controversia
Mesa redonda con Noemí de Haro García (UAM) y Germà Llorca Abad (UVEG).
Viernes 28 de noviembre, 20 h.
El espacio público es un entorno cargado de estímulos visuales, compuesto por numerosas capas de información que se superponen. Puede que el grafiti y la publicidad sean los que registran una presencia más constante en las últimas décadas, desactivando la función comunicacional de otras formas de arte.
La imagen del grafiti transita entre el arte y el vandalismo, a pesar de su entrada en las órbitas del mercado. La complejidad de estímulos que se dan cita en esas expresiones murales está directamente relacionada con los grandes núcleos urbanos y su evolución como ente social. Fernando Figueroa Saavedra desvela las claves de la evolución del grafiti, a través de un recorrido histórico y social.
Por medio de la publicidad se persigue comunicar ideas, estimular el deseo hacia ciertos productos, afianzar modelos  vitales acordes a los intereses del anunciante, llegar a las emociones del receptor para provocar la identificación con una determinada marca, etc. Noemí de Haro García y Germà Llorca Abad abordan la influencia, el impacto y la controversia  de la publicidad en la sociedad de masas.

 

LOS TRASTORNOS DE EROS: LA SEXUALIDAD EN EL CINE COMO MANIFESTACIÓN DE LOS PROBLEMAS AFECTIVOS
Galería Rosa Santos
Estudio y debate de fragmentos de las películas Bilbao, Eyes Wide Shut, La pianista y Shame
Teresa Cabello, Diego Tur y Eugenia Rojo.
Jueves 27 de noviembre, 18 h.
Si anteriormente la literatura ostentaba la supremacía en el relato de las conductas humanas, actualmente es el cine el arte que con mayor intensidad narra nuestros conflictos, deseos, emociones, virtudes y defectos. Partiendo de cuatro obras cinematográficas se aborda una aproximación analítica centrada en personajes con dificultades emocionales, que encuentran en la actividad sexual una válvula de escape. Teresa Cabello, Diego Tur y Eugenia Rojo toman como punto de partida un enfoque multidisciplinar que permita una comprensión global de los filmes en su contexto, en relación con áreas de conocimiento del campo de las humanidades. El objeto de estudio, en lugar del erotismo, son determinados comportamientos sexuales que incluyen el sadismo, el masoquismo, la psicopatía y, especialmente, la adicción.

 

PARTLEM DE PATRIMONI
Galeria Punto
Del arte actual al patrimonio cultural
Mesa redonda con Ester Alba Pagán (UVEG), Maribel Domènech Ibáñez (Salvem el Cabanyal), Xesqui Castanyer López (UVEG) y Ángela Montesinos Lapuente (Ciutat Vella Oberta).
Martes 2 de diciembre, 18:30 h.
La idea acerca de qué es patrimonio ha evolucionado de acuerdo con el aumento de la sensibilidad social acerca del valor cultural de las manifestaciones humanas y naturales. Esta mesa redonda aborda el paso del arte actual al patrimonio, así como casos de estudio en los que las nuevas formas de arte se alían para llevar a cabo experiencias culturales de defensa del patrimonio.
Con el objetivo de contribuir a la divulgación del patrimonio entre la ciudadanía, se llevarán a cabo dos visitas guiadas, con diferente itinerario, para conocer los principales espacios que dibujan el paisaje urbano de Valencia a través del antiguo cauce del río Turia, así como la contraposición patrimonial entre la vieja y la nueva ciudad.
Visitas guiadas por la ciudad:
12 h Paisaje urbano de Valencia a través del rio
17 h Ciutat Vella-Ciutat Nova
Punto de encuentro: Torres de Serranos
Inscripción previa en parlem.art.patrimoni@gmail.com
Miércoles 3 de diciembre.

 

FOTOGRAFíA: LOS LÍMITES DEL MEDIO
Set Espai d’Art
Ponencia con Eduardo Nave y Carlos Luján (Colectivo Nophoto)
Mesa redonda con Emanuela Loprieno (Incubarte), Eduardo Nave y Carlos Luján (Colectivo Nophoto),  moderada por Vicente Pla.
Viernes 12 diciembre, 17 h.
Es innegable el papel de la fotografía como testigo de la realidad pero, ¿es un fiel reflejo de la realidad que representa? En un momento en el que la difusión masiva de imágenes y en la que su producción se puede alterar con una gran variedad de fines, ¿qué queda de realidad en la fotografía?, ¿podemos todavía entenderla como un documento?, ¿cuáles son los límites de los distintos medios de difusión de la fotografía documental? ¿Su función, en cada uno de ellos, es siempre la misma? Eduardo Nave, Carlos Luján y Emanuela Loprieno abordarán esas y otras cuestiones acerca de la función documental de la fotografía en la actualidad.

 

DERIVAS ALREDEDOR DE LA CIUDAD. LA NATURALEZA COMO RESISTENCIA
Trentatres Gallery
Ponencia con el Col·lectiu Cràter
Miércoles 17 de diciembre, 18.30 h.
Mesa redonda y visita a la ciudad con el Col·lectiu Cràter
Jueves 18 de diciembre, 17h.
Inscripción previa en hello@lescrater.com
El Col·lectiu Cràter propone una revisión a las formas de interpretación y de relación de la sociedad contemporánea con el entorno urbano y la naturaleza. Tomando como referencia los trabajos de destacados artistas y colectivos en el espacio público, desarrollan un análisis crítico dirigido a la construcción de nuevas referencias en el imaginario colectivo. Esos estímulos de transformación buscan aportar soportes pedagógicos que ayuden a la divulgación de nuevas percepciones acordes a las nuevas realidades sociales. Tras el encuentro se llevará a cabo una deriva por la ciudad, identificando especies naturales que brotan en los lugares más insospechados, como ejercicio natural de resistencia.

 

Eduardo Nave: A la hora, En el lugar

Eduardo Nave: A la hora, En el lugar
Espaivisor
C/ Carrasquer, 2. Valencia.
Espacio #2 – escaparate + espacio #3 – ventana
Inauguración 28 de marzo a las 20:00 h.
Hasta el 23 de mayo de 2014

Nos dice Mireia A. Puigventós “Lo estremecedor de la obra de Eduardo Nave no es lo que se ve, sino lo que se oye. Su fotografía es un acto de escucha permanente sobre el paisaje”.

En los próximos días tendrá lugar la inauguración de la exposición de la serie fotográfica A la hora, en el lugar de Eduardo Nave. Un trabajo de fotografía en el que ha conseguido la captura de atmósferas en un estado de calma aparente, pero que encubren un gesto de dolor, que genera un clima portador de sospecha y desasosiego. “A través de la fotografía explora la patología del paisaje con el fin de liberar una señal enmudecida”.

Un proyecto que podríamos definir como un trabajo de documentación. Para el que el artista se ha desplazada hasta los lugares donde la organización terrorista ETA ha cometido un atentado, desde la década de los años sesenta hasta a día de hoy, y se somete a la naturaleza de los hechos perpetrados.

Eduardo Nave “el mismo día, a la hora exacta” se presenta en el escenario preciso y realiza una fotografía. Omitiendo el punto de vista más apropiado o la luz más idónea, sino capturando la realidad.

A la hora, en el lugar es un retrato de la pérdida y de la ausencia, pero sobre todo es el reconocimiento de un mundo arrebatado”. Una superficie sensible que retiene huellas e incisiones.

Eduardo Nave, "A la hora, en el lugar" (serie fotográfica). Imagen cortesía de Espaivisor.

Eduardo Nave, «A la hora, en el lugar» (serie fotográfica). Imagen cortesía de Espaivisor.