María José Torrente: deconstruye, si algo queda

Re-Constructing Venus, de María José Torrente
Galería Cuatro
C / La Nave, 25. Valencia
Inauguración: jueves 15 de febrero de 2018, a las 20.00h

Venus: Diosa del amor, la belleza y la feminidad en la mitología Romana. En la cultura finisecular de la Modernidad con el término ‘Venus’ se alude a las representaciones de desnudos femeninos, aún cuando no hubiese indicios de que se tratase de la diosa.

Deconstrucción: Concepto filosófico asociado a Jacques Derrida que se ha extendido a campos que no son estrictamente filosóficos como la pintura, la arquitectura, la literatura e incluso la cocina.

Obra de María José Torrente. Imagen cortesía de la autora.

Obra de María José Torrente. Imagen cortesía de la autora.

La deconstrucción de ‘Re-Constructing Venus’, la exposición de María José Torrente que acoge la Galería Cuatro,  se encuentra tanto en el concepto previo -derivado del término filosófico- como en el proceso técnico. Así, la reconstrucción no pretende destruir de forma absoluta, más bien se trata de una fase previa que sirve para desectructurar o deshacer de forma analítica aquellos elementos que constituyen una estructura conceptual. Para poder reconstruir después. Solo así podrá haber un encuentro entre ruptura, reconstrucción y belleza.

Estas Venus contemporáneas representan figuras desmembradas, descoyuntadas, pero reconstruidas atendiendo a una particular manera de entender la armonía, el equilibrio y, en definitiva, la belleza.

Obra de María José Torrente. Imagen cortesía de la autora.

Obra de María José Torrente. Imagen cortesía de la autora.

Figuras rotundas de sólida arquitectura que se desvinculan del fondo. El espacio es un contenedor de la figura, como un limbo, un no lugar que sirve para exaltar la sensualidad y belleza formal en una época que se desentiende de las categorías estéticas y de otras. Una nueva y diferente mirada hacia la feminidad que no excluye la reflexión intelectual y estética. Del espectador depende explorar cada obra según la razón y su experiencia artística.

Las señoritas de Avignon se han citado con una artista en el ático de una calle céntrica. Y las señoritas no saben si hablar, tomar un café, posar para la artista o solo mirar. Vivimos en tiempos de deconstrucción o mejor, vivimos tiempos en los que ya nada queda por deconstruir. En tales circunstancias, no hay más que recoger los retazos, los trozos, los fragmentos producidos por las batallas deconstruccionistas y rehacer el mundo.

Cada artista tiene su método y no todos los métodos dan la misma importancia al proceso creativo. Pero en el método está la verdad y no hay verdad que de alguna forma no implique a la belleza, que resulta necesaria en toda reconstrucción. Las Venus de la Historia recobran la vida cuando se les otorga un nuevo sentido. Hace mucho tiempo se citaron en la calle Avignon unas señoritas con un encantador sátiro, ahora se han citado con una artista, María José Torrente, en el ático de una calle céntrica.

Obra de María José Torrente. Imagen cortesía de la autora.

Obra de María José Torrente. Imagen cortesía de la autora.

Howool Baek gana el certamen 10 Sentidos

III Certamen Coreográfico 10 Sentidos
Did u hear?, de Howool Baek
Festival 10 Sentidos
Del 17 de mayo al 19 de junio de 2016

La propuesta de Howool Baek, llegada de Berlín, resultó ganadora del III Certamen Coreográfico 10 Sentidos que durante el fin de semana se ha celebrado en Las Naves. La pieza ‘Did u hear?’ es la interpretación corporal del poema ‘The rose that grew from concrete’, escrito por el rapero estadounidense 2PAC. Expone un proceso de deconstrucción del cuerpo de forma individual. La pieza galardonada recibe 2.000 euros y una figura diseñada por Lladró.

Colectivo El Brote. Imagen cortesía del Festival 10 Sentidos.

Quebradas e imperfectas, de Colectivo El Brote. Imagen cortesía del Festival 10 Sentidos.

El jurado quiso además distinguir al Colectivo El Brote con una mención especial por ‘Quebradas e imperfectas’.  La coreografía realizada por Davinia Descals e Íñigo Martínez conecta directamente al espectador con las sensaciones, vivencias y emociones que pueden llegar a vivir y experimentar personas que padecen enfermedades raras o desconocidas. Por su parte en Cora Panizza recayó el premio del público por ‘Burnt’, una pequeña pieza inspirada en aquellos condicionamientos externos a los que estamos expuestos desde que nacemos.

Temas como la denuncia social, la discapacidad, la violencia o diferentes enfermedades fueron los asuntos que se tocaron en la programación del III Certamen Coreográfico 10 Sentidos, que se ha celebrado durante el fin de semana en Las Naves. A esta cita han concurrido compañías, artistas y colectivos nacionales e internacionales y se han presentado más de 200 piezas de pequeño formato. De todas ellas, un comité escogió 10 que se presentaron dentro de la programación escénica del Festival 10 Sentidos.

Fotografía del jurado y premiados del III Certamen Coreográfico 10 Sentidos. Imagen cortesía del Festival 10 Sentidos.

Fotografía del jurado y premiados del III Certamen Coreográfico 10 Sentidos. Imagen cortesía del Festival 10 Sentidos.

El jurado de profesionales de las artes escénicas que se encargó de decidir la obra ganadora estuvo integrado por Gretchen Blegen (Lucky Trimmer, Berlín), Guillermo Arazo (Las Naves, Valencia), Cesc Casadesús (Mercat de les flors, Barcelona), Inés Enciso (Festival Una mirada diferente, Madrid), Laura Kumin (Certamen coreográfico de Madrid) y Roberto Fratini (dramaturgo y teórico de la danza).

Las diez piezas escogidas (propuestas nacionales e internacionales) pertenecían a Manuel Cañadas, Iris Pintos, Sally Anne Friedland, Poliana Lima, Cora Panizza, Dagmar Dachauer, Colectivo El Brote, Howool Baek, Lorea Burge & Hannah Parsons y Julia Maria Koch.

Howool. Festival 10 Sentidos.

Did u hear?, de Howool Baek. Imagen cortesía del Festival 10 Sentidos.

Imágenes engañosas

Harun Farocki. Lo que está en juego
IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Hasta el 22 de mayo de 2016

El título con el que han sido editados sus ácidos textos en las revistas Filmkritik y Trafic ya lo dice casi todo: ‘Desconfiar de las imágenes’. Ahí está resumido el modo en el que Harun Farocki concibe esas imágenes, que ahora reúne por primera vez en España el IVAM, en colaboración con la Fundación Tàpies. Imágenes reales, muchas de ellas captadas con videocámaras, e imágenes virtuales que vienen a darse la mano para explicar esa forma lábil que tienen las imágenes de construir la realidad. Una realidad que Farocki desenmascara utilizando las propias imágenes como material de engaño.

Imágenes de la exposición 'Lo que está en juego', de Harun Farocki, en el IVAM.

Imágenes de la exposición ‘Lo que está en juego’, de Harun Farocki, en el IVAM.

La exposición Lo que está en juego, comisariada por Carles Guerra y Antje Ehmann, pretende llamar la atención sobre ese carácter epidérmico de lo visual, ocultador de otras capas más profundas de la realidad. “Vivimos rodeados de pantallas, de millones de imágenes, y lo que Harun Farocki nos dice es que hay que desconfiar de ellas, tener una actitud crítica”, señaló José Miguel Cortés, director del IVAM. Actitud que salta a la vista en la galería donde se exhiben los trabajos del cineasta que tachó de conformista el cine de Wenders, Fassbinder o Schlöndorff, lo cual da muestra del lugar extraterritorial de su cine.

En el cortometraje Inextinguishable Fire (Fuego Inextinguible), por poner un ejemplo al que aludió Carles Guerra, un hombre hace las veces de un vietnamita que narra ante la cámara los efectos de las bombas de napalm. Para ello, apaga un cigarrillo en su brazo comparando los 400 grados de esa insignificante pero dolorosa quemadura, con los 3000 grados alcanzados en aquella bárbara explosión. Farocki, tras lo cual, advierte al espectador: “Primero cerrarán los ojos ante las imágenes, luego cerrarán los ojos ante la memoria, después ante los hechos y, finalmente, los cerrarán ante todo el contexto”.

Imagen de la exposición 'Lo que está en juego', de Harun Farocki, en el IVAM.

Imagen de la exposición ‘Lo que está en juego’, de Harun Farocki, en el IVAM.

Las videoinstalaciones que primero se exhiben en el IVAM, para después viajar en junio a la Fundación Tàpies, intentan abrir esos ojos del espectador acostumbrado a ver la parte más edulcorada de las imágenes. “Farocki, deconstruyendo el sentido de las imágenes, nos incita a aprender a mirar”, subrayó Cortés. “Es un trabajo que requiere detenerse para advertir su carácter crítico”, explicó Antje Ehmann, viuda del cineasta. Para Carles Guerra, el cine desconfiado de Farocki “entra en el lenguaje y lo desmonta”, de ahí su rebeldía ante aquellos otros cineastas alemanes que obedecen las reglas cinematográficas.

Lo que está en juego reúne desde sus primeros cortometrajes, algunos recientemente restaurados, a sus más recientes videoinstalaciones, junto a programas de televisión en los que Farocki retrata a otros artistas. “Produjo mucho para televisión”, indicó Guerra, destacando la cadencia natural de su trabajo hacia espacios alejados del cine. “Su lenguaje encaja mejor en galerías y museos por la singularidad de su lenguaje”, añadió el comisario y director de la Fundación Tàpies.

Imagen de la exposición de Harun Farocki en el IVAM.

Imagen de la exposición de Harun Farocki en el IVAM.

El trabajo de Harun Farocki aborda desde el documental a las nuevas tecnologías, ya sean aplicadas a la simulación militar o los videojuegos. “Empezó haciendo películas documentales para acabar obsesionado con los videojuegos y el pixel de la imagen”, apuntó Guerra. Ese acercamiento a lo real de la huella fotográfica está, en cualquier caso, presente a lo largo de su producción, ya sea en forma de ese brazo quemado a golpe de cigarrillo o mediante la presencia de la muerte recogida en la videocámara de un centro penitenciario. Y es que lo que está siempre verdaderamente en juego en la obra de Farocki es el continuo desenmascaramiento de la realidad. Un juego que explora sus diversas capas, en su afán por alcanzar el tuétano de la misma. “Imágenes que te envuelven y se apoderan de nosotros”, señaló Cortés en relación al conjunto expositivo.

Ver la noticia en El Mundo Comunidad Valenciana

Imágenes de la exposición de Harun Farocki en el IVAM.

Imágenes de la exposición ‘Lo que está en juego’, de Harun Farocki, en el IVAM.

Salva Torres

Carles Congost: efectos de realidad

Not your own desire / The Last Days Of Disco, de Carles Congost
Galería Espai Tactel
C / Dénia, 25-B. Valencia
Inauguración: viernes 18 de septiembre, a las 20.00h
Hasta el 30 de octubre de 2015

El protagonista de The Artist Behind the Aura (2014), el propio Carles Congost (Olot, 1970), inicia su relato señalando que lo que vamos a escuchar no podremos encontrarlo on-line, esa ausencia nos sitúa en un territorio incómodo en el que la veracidad del relato queda vinculada únicamente a la oralidad de lo que escuchamos, evidenciando la existencia de realidades al margen de internet.

Obra de Carles Congost. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Carles Congost. Imagen cortesía de Espai Tactel.

El efecto de verosimilitud ha sido uno de los problemas que han centrado la producción artística desde la antigüedad, cuál es la relación de las obras con “lo real”. Este tipo de cuestiones no sólo resurgen cíclicamente sino que se avivan en los momentos de transición entre periodos históricos. El número 11 de la revista Comunications publicó una serie de ensayos de Barthes, Kristeva o Todorov que se tradujeron al castellano como “Lo verosímil”. En ellos no se recuperaban los ecos platónicos de condena artística de “La República” pero sí el problema de cómo atender a la realidad en las prácticas contemporáneas.

Obra de Carles Congost. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Carles Congost. Imagen cortesía de Espai Tactel.

A día de hoy son muchos los trabajos que se han preocupado por desenmascarar los mecanismos que ofrecen ese “efecto de verosimilitud”, no sólo en el territorio del arte sino en campos como el científico, y aún así seguimos cargando con el peso de un supuesto capital de “autenticidad” a la hora de evaluar un trabajo artístico.

Frente a la voluntad de reglamentar el trabajo artístico, la obra de Carles Congost ha estado vinculada al deseo de responder a la contemporaneidad pero desde una relación más anárquica o “inestable”. De esta forma los elementos que componían sus primeros trabajos han ido configurando un universo que, adaptándose a los lenguajes, se ha decantado en una reflexión melancólica e irónica sobre nuestro  papel como individuos, evidenciando los mecanismos de funcionamiento de nuestras economías emocionales al enfrentarnos a los conflictos de los modos de producción y trabajo.

Obra de Carles Congost. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Carles Congost. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Congost refuerza esa necesidad al buscar nuevos referentes, imágenes como We can change the world IV (2009) o Walter and the Spanish Baroque Gang in the New Golden Age (2008) no sólo permiten reivindicar a figuras del cómic alejadas de los modelos de representación hegemónica o cuestionar los modos en los que la tradición condiciona los procesos de trabajo, también son dos ejemplos de la necesidad de deconstruir los discursos generando otras mitologías.

Ese generar otras mitologías pasa por la propia experiencia personal, no como ensimismamiento sino como búsqueda de mecanismos que permitan procesos de identificación. La citada The artist behind the aura (2014), contrarelato de una pieza anterior, That’s my impression! (2001), en la que un crítico analizaba su obra, plantea una narración en boca del propio artista pero recurriendo al subterfugio de la máscara, a un acto de ventriloquía que desdobla al artista pero que nos sitúa en un territorio en que todos podríamos ser Carles Congost. La enumeración de trabajos “no realizados” no sólo nos plantea un recorrido individual sino que nos confronta con realidades afines y propias del capitalismo de las emociones en el que nos encontramos inmersos.

Obra de Carles Congost. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Carles Congost. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Eduardo García Nieto*

*Extracto de su crítica en el dossier de la exposición

 

Klauke y Zevallos, cuerpo a cuerpo

Cuerpo / Subversión / Fotografía
Jürgen Klauke y Sergio Zevallos
Espaivisor
C / Carrasquer, 2. Valencia
Hasta el 22 de mayo, 2015

Espaivisor presenta la primera exposición donde se muestran juntos los trabajos de Jürgen Klauke (Alemania, 1943) y Sergio Zevallos (Perú, 1962), planteando así una particular revisión del trabajo sobre el cuerpo a partir del diálogo entre ambos artistas, los cuales provienen de generaciones y lugares diferentes y se apoyan en el medio fotográfico como soporte final.

El cuerpo es uno de los elementos protagonista a lo largo de toda la Historia del Arte, convirtiéndose así en uno de los pilares en los que se ha basado la producción artística desde sus comienzos, desde la escultura de la antigüedad clásica hasta el cuerpo posthumano. Podemos, incluso, realizar una lectura de la Historia del Arte simplemente a partir del hilo narrativo corporal, sólo a partir del cuerpo y de sus representaciones y presentaciones, así como de sus diferentes concepciones y usos.

Imagen de la exposición Cuerpo/Subversión/Fotografía de Jürgen Klauke y Sergio Zevallos. Cortesía de Espaivisor.

Imagen de la exposición Cuerpo/Subversión/Fotografía de Jürgen Klauke y Sergio Zevallos. Cortesía de Espaivisor.

Klauke y Zevallos desarrollan un trabajo con unos límites porosos, y aunque la fotografía es la protagonista y es el medio a partir del cual ambos construyen imágenes para lograr una deconstrucción de las identidades y estructuras, en su trabajo hay una fuerte presencia de lo performativo. Las piezas seleccionadas para esta exposición nos muestran dos posicionamientos, que aunque a primera vista presentan muchas similitudes visuales, nos revelan dos cuerpos. Dos cuerpos que se acercan y se alejan, que poseen puntos de unión y fricción.

Imagen de la exposición Cuerpo/Subversión/Fotografía de Jürgen Klauke y Sergio Zevallos. Cortesía de Espaivisor.

Imagen de la exposición Cuerpo/Subversión/Fotografía de Jürgen Klauke y Sergio Zevallos. Cortesía de Espaivisor.

Ambos artistas buscan una subversión a través de la mirada, esa mirada que durante toda la Historia del Arte ha observado cuerpos, especialmente femeninos, desde la perspectiva patriarcal, donde la mujer es objeto para ser mirado. En estos trabajos la mirada se encuentra con un cuerpo extraño que no encaja dentro de los códigos establecidos. Ambos crean cuerpos extraños, con prótesis, posturas transgresoras o utilizando iconografías fuera de su ámbito, elementos no normativos que escapan a esas reglas construidas e impuestas y que conforman nuevas subjetividades.

Jürgen Klauke desarrolla su trabajo desde 1968 en la ciudad de Colonia, un lugar no precario, con una fuerte y sólida construcción de la escena artística a partir de las instituciones, y otros agentes que conforman el movimiento artístico de la ciudad. A principios de los años 70 el artista empieza a trabajar en unas de sus series más relevantes, Transformer, a la cual pertenecen todas las piezas presentes en esta exposición. Una de las intenciones de Klauke era realizar una crítica contra la concepción artística de la sociedad burguesa de la postguerra, pero también contra esa sociedad entendida de una forma más general, contra sus ideas y conceptos más conservadores, buscando la provocación en un contexto cerrado e inflexible.

Imagen de la exposición Cuerpo/Subversión/Fotografía de Jürgen Klauke y Sergio Zevallos. Cortesía de Espaivisor.

Imagen de la exposición Cuerpo/Subversión/Fotografía de Jürgen Klauke y Sergio Zevallos. Cortesía de Espaivisor.

Al mismo tiempo, el recurso de la construcción de imágenes sin una narración clásica  es también utilizado por Sergio Zevallos en Suburbios. Incluso podríamos definir esta estrategia con un término cinematográfico, podríamos hablar de una ausencia de raccord en las diferentes imágenes que componen las series. Zevallos nos plantea un recorrido por diversos escenarios de Lima, un desplazamiento que él mismo identifica como una deambulación. Este paseo sin rumbo o dirección establecida se convierte en fotografías que muestran momentos aislados, momentos congelados del recorrido por los diferentes escenarios de los suburbios.

En definitiva, dos cuerpos diferentes, Jürgen Klauke y Sergio Zevallos, que muestran “otros” cuerpos, cuerpos travestidos que proponen una desobediencia ante unas estructuras fijas e impuestas, desarrollando “otra” performatividad de carácter crítico y resistente.

Imágenes de la exposición de Jürgen Klauke y Sergio Zevallos. Cortesía de Espaivisor.

Imágenes de la exposición Cuerpo/Subversión/Fotografía de Jürgen Klauke y Sergio Zevallos. Cortesía de Espaivisor.

Sandra Moros

ELLAGO-d y los nuevos conceptos creativos

Ellago ediciones
Presentación colección ELLAGO-d

En esta serie de publicaciones, iniciada en el año 2005 y reunida bajo la colección ELLAGO-d, se reflexiona sobre los nuevos conceptos creativos aplicados al arte y al diseño actual. Como señala la cabecera de la propia colección, el diseño ocupa en nuestra vida un lugar esencial desde el que comprender nuestros hábitos y gustos. No es simplemente una cuestión de modas estéticas, también señala la aparición de una cultura diferenciada gracias a la ética que se deriva de los usos que nos propone. Desde el diseño aparece una nueva teoría del conocimiento social.

Portada libro: Deconstrucción,  de

Portada libro: Deconstrucción, de Julia Galán (2005)

Hasta ahora se han publicado cinco obras. En ‘Deconstrucción’ (Julia Galán, 2005, ISBN: 978-84-95881-56-4), que contó con la participación de los diseñadores Paco Bascuñán y Txomin Badiola, se analiza esta teoría del pensamiento como mecanismo creativo dando lugar en la posmodernidad a diferentes mundos formales tanto en el campo del arte como en el de la arquitectura y del diseño.

Portada libro: Diseño, arte y comunicación, de

Portada libro: Diseño, arte y comunicación, de Julia Galán y Francisco Felip.

En ‘Arte, diseño y fragmentación’ (2006, Julia Galán, ISBN: 978-84-95881-81-6) se reflexiona sobre cómo el abandono de las jerarquías, el estilo o las tendencias homogéneas desde la década de 1990 ha dado lugar a diferentes creaciones formales en distintas disciplinas artísticas. La colaboración de CuldeSac y Daniel Canogar en el diseño gráfico del libro sirvió para acentuar el carácter del texto en relación al tema tratado.

En ‘El Perro, Martí Guixé, Nuevo arte y diseño HÍBRIDO’ (2007, Julia Galán, ISBN: 978-84-96720-33-6) se analiza el fenómeno de la mezcla, lo impuro, las contaminaciones y los intercambios entre diferentes medios y disciplinas, analizando la obra de Martí Guixé, El Perro y Maribel Doménech .

Portada libro: Híbrido

Portada libro: Híbrido, de Julia Galán

Diseño, arte y comunicación’  (2011, Julia Galán y Francisco Felip, ISBN: 978-84-92965-22-9) analiza cómo en plena Sociedad de la Información el concepto de funcionalidad en el diseño de objetos materiales cede terreno en favor de otros muy relacionados con  la comunicación, tales como el juego, la ironía, el humor, y la búsqueda del establecimiento de un vínculo emocional con el usuario, acompañando el discurso con el análisis de las obras de Maribel Doménech y Héctor Serrano.

Finalmente, en ‘Arte, diseño y nuevas tecnologías’ (2012, Julia Galán y Francisco Felip, ISBN: 978-84-92965-30-4), se realiza un recorrido retrospectivo analizando el impacto que los avances tecnológicos han tenido en el mundo del arte y el diseño, deteniéndose a considerar las principales tendencias creativas en los últimos años y definiendo los distintos escenarios del momento actual, analizando en especial las obras de Mateo Maté, Amparo Sard, Héctor Serrano, Víctor Viña y Roger Ibars.

La metamorfosis del IVAM

Programación 2015 del IVAM
Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM)
C / Guillem de Castro, 118. Valencia

Más que kafkiana y literaria, la metamorfosis del IVAM, anunciada por su director José Miguel G. Cortés, tiene que ver con la filosofía de la deconstrucción. “No es una orilla que se abandona”, ni tampoco “una corriente que arrastra y empuja”, sino que, en todo caso, son “muchos empujes y tracciones”, que diría Lyotard. O por decirlo en palabras del propio Cortés: “Se basa en el concepto fundamental de tránsito y de transformación en la manera de entender las prácticas artísticas”. Ninguna orilla a la que llegar, sino el permanente vaivén entre prácticas y lugares.

Obra de Gillian Wearing, artista que forma parte de la programación para 2015 en el IVAM.

Obra de Gillian Wearing, artista que forma parte de la programación para 2015 en el IVAM.

Y así, ‘En tránsito’, es como arrancará la programación del IVAM en 2015, con una exposición de 60 obras de la colección del museo (convertida en la fuente a exprimir), de artistas como Genovés, Yturralde, Richter o Cristina Iglesias y con formatos diferentes: pinturas, dibujos, esculturas, fotografías, videos e instalaciones. Un gran cartel en la fachada del museo valenciano, anunciando con esas palabras de ‘En tránsito’ la “mutación” que irá produciéndose en el IVAM durante los 365 días del año, reflejará esa ‘deriva’ establecida por Cortés al frente del museo que hasta hace bien poco lideraba Consuelo Císcar.

Aprovechando la cita de Antonin Artaud, que Cortés utilizó para abrir su libro ‘Orden y caos’, “no hay nadie que haya jamás escrito, o pintado, esculpido, modelado, construido, inventado, a no ser para salir del infierno”. El tránsito, transformación o metamorfosis del IVAM pensado por su nuevo director no es que pretenda salir de ningún infierno, pero sí parece ideado para no tener que entrar en ninguna categoría específica, sino en todas a la vez. Por eso la programación se plantea en “cinco ejes básicos”, que van de lo global a lo local, de lo moderno a lo contemporáneo, de la colección a las más variadas exposiciones. “Diferentes lenguajes artísticos”, puesto que “no existe un lenguaje artístico superior a otro”. Siempre en tránsito, en transformación, a la deriva, entendida en el sentido deconstructor.

Obra de Martha Rosler, artista integrada en la Programación del IVAM para 2015.

Obra de Martha Rosler, artista integrada en la Programación del IVAM para 2015.

De la relación entre lo global y lo local se ocupará, de inicio, la exposición ‘Martha Rosler y Josep Renau’. Propuesta mediante la que se pretende contraponer la visión que de la guerra tienen ambos artistas: Renau, con respecto a los conflictos bélicos cuya perspectiva desarrolló en los años 60, y Rosler, en relación con la guerra de Irak. La obra de la artista británica Gillian Wearing se encargará de mostrar las vinculaciones entre lo moderno y lo contemporáneo, tal y como sucederá con la muestra ‘Colectivos artísticos en la Valencia bajo el franquismo’, con trabajos de Estampa Popular, Equipo Crónica o Equipo Realidad.

Obra de Josep Renau, artista incluido en uno de los ejes de la programación del IVAM para 2015.

Obra de Josep Renau, artista incluido en uno de los ejes de la programación del IVAM para 2015.

La mezcla de lenguajes artísticos irá de la mano de las exposiciones de Francesc Ruiz y de Rogelio López Cuenca. Del primero, Cortés destaca lo siguiente: “Me interesa por cómo se sitúa entre el dibujo, la pintura y el cómic para hacer una obra personal”. El segundo, que se encargará de realizar un mapa de Valencia, “específico y subjetivo”, es un artista crítico con las instancias del poder. El IVAM, ahora en tránsito, se amolda a ese carácter movido de su pensamiento multidisciplinar.

Profundizar en la obra de los artistas de la Colección del IVAM es otro de los ejes previstos. ‘Cuerpo y espacio en Bruce Nauman’ y ‘Antoni Muntadas y los mass media’ son dos exposiciones que irán en esa dirección. Como irán en la dirección de explotar la colección del museo, las muestras en torno a Julio González y las vanguardias históricas, ofreciendo una relectura a partir de una selección de trabajos. Cinco ejes para una programación en tránsito, en permanente transformación, alejada de cualquier orilla.

Obra de Martha Rosler, artista que forma parte de la programación del IVAM para 2015.

Obra de Martha Rosler, artista que forma parte de la programación del IVAM para 2015.

Salva Torres

Javi Moreno: selfies, avatares y muchachos

Hipertexto2014, de Javi Moreno
SET espai d’art
Plaza Miracle del Mocadoret, 4. Valencia
Inauguración: viernes 23 de mayo
Hasta el 28 de junio

La exposición ‘Hipertexto2014′ aborda la escenificación del deseo del adolescente en la web 2.0 y reflexiona en torno a la prohibición de representar el cuerpo del menor como cuerpo deseable. La muestra del artista alicantino se inaugura este próximo viernes, 23 de mayo en SET espai d’art y podrá verse hasta el 28 de junio.

Instantáneas tomadas con dispositivos móviles y rápidamente publicadas en redes sociales (selfies), interfaces digitales, emoticonos y gadgets constituyen todo un material visual a deconstruir con el fin de evidenciar los dispositivos de poder identitarios que vehiculan y definen a las imágenes amateurs del paradigma digital contemporáneo. La deriva en la red WWW es la estrella polar para un proceso de trabajo masivo en la serie ‘Hipertexto2014′: primero, el artista recopila de la red imágenes amateurs donde el menor escenifica deseos y placeres; en segundo lugar, varía pictóricamente dichas imágenes y, por último, periódicamente va hipervinculando las imágenes pintadas con las imágenes referentes en su blog http://hipertexto2014.tumblr.com/.

‘Hipertexto2014′, que abarca el trabajo plástico de 2014 (todavía en curso), profundiza en lo irrepresentable, en el cuerpo sexualizado del adolescente. Entre diario etnográfico y apunte privado, la última propuesta de  Javi Moreno pretende esquivar la noción de verdad implícita al medio fotográfico y permitir la visibilización legítima de cuerpos disidentes para el orden heteronormativo y la lógica de poder adulto-menor.

Obra de Javi Moreno en la exposición 'Hipertexto2014'. Imagen cortesía de SET espai d'art.

Obra de Javi Moreno en la exposición ‘Hipertexto2014′. Imagen cortesía de SET espai d’art.