Rambleta dedica su cine de verano a los vecindarios

Ciclo de cine ‘A la Lluna de Sant Marcel·li’
Espai Rambleta
Bulevar Sur, esquina calle Pío IX. Valencia
Del 16 al 25 de julio de 2019

Vuelve a Rambleta el cine de verano con un ciclo compuesto por seis películas inolvidables, grandes títulos que giran en torno a las relaciones vecinales desde distintas perspectivas y diferentes géneros como la comedia, el drama o el suspense. 

Rambleta proyectará en pantalla grande y al aire libre los martes, miércoles y jueves de la tercera y cuarta semana de julio obras maestras para amantes del cine en un entorno perfecto.

Realizadores como Alfred Hitchcock, Roman Polansky y Jaume Balagueró, entre otros, protagonizarán este nuevo ciclo de cine a la fresca que comenzará el próximo martes, 16 de julio, con una ‘Sesión de incógnito’, una experiencia muy exclusiva y especial, donde el público tendrá la oportunidad de disfrutar de un largometraje sin conocer previamente su título. Para la ocasión se seleccionará una película relacionada con la temática central del ciclo.

Fotograma de ‘La ventana indiscreta’. Imagen cortesía de Rambleta.

El miércoles, 17 de julio, se proyectará ‘La ventana indiscreta’ (1954), todo un clásico de Hitchcock sobre las comunidades de vecinos y el fenómeno “voyeur” que obtuvo 4 nominaciones a los Óscar (mejor director, mejor guión, mejor fotografía y mejor sonido). El protagonista Jeff, un fotógrafo obligado a permanecer en reposo por un accidente sufrido, trata de descubrir los secretos que esconden sus vecinos observándoles con unos prismáticos desde su ventana. 

Fotograma de ‘[REC]’. Espai Rambleta.

El jueves, 18 de julio, ‘[Rec]’ (2007), de Jaume Balagueró y del valenciano Paco Plaza. Entre otros premios, obtuvo dos Goya -mejor actriz revelación (Manuela Velasco) y mejor montaje (David Gallart)-. Una reportera y su cámara se unen a un grupo de bomberos durante un rescate en un edificio de viviendas para grabar un reportaje, pero las reglas cambian cuando quedan atrapados en el interior con un brote de un virus mortal. La película, rodada como un falso-documental, destaca por su realismo, las interpretaciones de los personajes y las intensas escenas de terror que mantienen al espectador en tensión en todo momento.

Fotograma de ‘El quimérico inquilino’. Imagen cortesía de Rambleta.

El martes, 23 de julio, se proyectará ‘El quimérico inquilino’ (1976), dirigida e interpretada por Roman Polanski, que da vida al personaje Trelkovsky, un francés cuya cordura se ve alterada cuando alquila un apartamento de París en el que la última inquilina se tiró por el balcón. Basada en la novela de Roland Topor, este film se convierte  en claustrofóbico y paranoide, ya que su personaje se verá vampirizado por su entorno inmediato -la casa donde vive y sus vecinos- hasta la destrucción.

Fotogramas de ‘Amigos y vecinos’. Imagen cortesía de Rambleta.

El miércoles, 24 de julio, ‘Amigos y vecinos’ (1998), un filme en el que Neil Labute realiza un descarnado retrato sobre la desorientación vital de los individuos actuales y las relaciones de pareja en forma de comedia dramática, con historias cruzadas y enredos sentimentales entre tres hombres y tres mujeres cuyas personalidades son muy distintas.  Fue protagonizada por Amy Brenneman, Aaron Eckhart, Catherine Keener, Nastassja Kinski, Jason Patric y Ben Stiller. 

Fotograma de ‘El hombre de al lado’. Imagen cortesía de Espai Rmbleta.

Rambleta cerrará el ciclo de cine este verano el jueves, 25 de julio, con ‘El hombre de al lado’ (2009), una comedia dramática de Mariano Cohn y Gastón Duprat, nominada a la mejor película hispanoamericana en los Premios Goya, otro ejemplo cinematográfico más de cómo la convivencia y los conflictos entre vecinos pueden llevar a la locura en una comunidad. Una simple pared medianera puede dividir dos mundos, dos maneras de vestir, de comer, de vivir…

Fotograma de ‘La ventana indiscreta’. Espai Rambleta.

Los intensos ecos de ‘Las uvas de la ira’

Las uvas de la ira. Ecos de la Filmoteca d’Estiu
Jardines del Palau de la Música de Valencia
Antiguo cauce del Túria
De julio a septiembre de 2017

La Filmoteca d’Estiu organizó un ciclo que fusionaba el compromiso de la propia institución con la difusión del patrimonio cinematográfico y la cultura contemporánea. Las obras proyectadas son metrajes galardonados y de gran calidad, tanto visual como auditiva. Este evento estival comenzó con la presentación de El acorazado Potemkin,(1925) obra del conocido director soviético Sergei Eisenstein y concluyó con Moonlight (2016) de Barry Jenkins.

Dentro del compendio de obras que forman parte de esta iniciativa, centraremos la atención en Las uvas de la ira (1940), obra del consagrado director John Ford (1894-1973). La gran vigencia del film se esconde en la temática, la cual, aunque pueda parecer exógena a nuestros problemas actuales, si agudizamos nuestras capacidad crítica descubriremos con una sonrisa amarga que no dista tanto.

Fotograma de 'Las uvas de la ira', de John Ford. Filmoteca d'Estiu

Fotograma de ‘Las uvas de la ira’, de John Ford. Filmoteca d’Estiu

El núcleo central de la trama radica en la presentación de una sociedad americana arruinada por la absorción de los trabajos campestres por maquinaria, destruyendo todo tipo de artesanía y  propiedad de los cultivos. Ante esta situación devastadora, la familia Joad, como otras tantas, decide emprender un nuevo camino, hacia un destino más alentador en California, lugar atribuido a grandes oportunidades laborales.

Como hilo conductor de esta héjira encontramos al personaje de Tom Joad (Henry Fonda), hijo pródigo de la familia, quien tras su estancia en la cárcel, por homicidio, retorna al hogar familiar para encontrarse la más absoluta soledad. En este punto, Ford pone en antecedentes al espectador, quien puede relacionar la situación con la Segunda Gran Migración Americana, momento en el que se establecen rutas migratorias alternativas entre ciudades como Oklahoma y California entre otras, con la intención de resurgir de sus propias cenizas.

Este rasgo pone de manifiesto que nos encontramos ante un director versado y de alguna manera comprometido con su país, mostrando la más cruda de las miserias, y la valentía de quienes parten hacia lo desconocido, a pesar de los sinsabores, prueba de ello serán los innumerables tropiezos que la familia sufre a lo largo del viaje.

Fotograma de 'Las uvas de la ira', de John Ford. Filmoteca d'Estiu

Fotograma de ‘Las uvas de la ira’, de John Ford. Filmoteca d’Estiu

Si reparamos en los efectos que aportan mayor información, encontramos una encrucijada de caminos, en los que la capacidad de elegir bien o mal, marcará tu destino. Esta primera parada denota cierto carácter esotérico y atávico. Más adelante, encontramos la presencia de la noche y su viento fantasmagórico acompañado de luces y sombras, será aquí cuando el espectador descubre que algo no va bien. Este tipo de recursos aporta cierto misterio y vincula la escena normalmente a situaciones de desgracia, o sobre naturales.

Tampoco podemos olvidar las innumerables menciones a la comida, como algo extraordinario y casi inalcanzable. Esta ensoñación y referencia contínua a los alimentos, recuerda a las miniaturas medievales en las que los campesinos soñaban con comida, lo que denotaba y denota una sociedad con recursos económicos limitados, viéndose afectada su propia subsistencia. Esta alusión a los recursos económicos reaparece a lo largo de todo el film. Otro recurso estilístico primordial será la utilización de primeros planos, sobre todo en las conversaciones entre madre e hijo, aportando mayor dramatismo.

Fotograma de 'Las uvas de la ira', de John Ford. Filmoteca d'Estiu.

Fotograma de ‘Las uvas de la ira’, de John Ford. Filmoteca d’Estiu.

Será simbólica las tretas ideológicas, con la aparición de trabajadores abocados a la necesidad de un sustento, aunque con condiciones pésimas, y los huelguistas, quienes no están dispuestos a venderse por nada, defienden su derecho a huelga y su reivindicación de un cambio para un futuro mejor y más equitativo. Este dilema rondará la cabeza del personaje principal, constantemente, quien pasa de un bando a otro, poniendo de manifiesto lo importante que resulta conocer las dos caras de una misma moneda, para posicionar la propia opinión.

Uno de los momentos de más sutileza e intimidad será la despedida final entre madre e hijo, con claras reminiscencias religiosas, ya que el hijo abandona el núcleo familiar por el bien de la misma, y se sacrifica para salvarlos. El rostro de angustia de Ma Joad (Jane Darwell) se contrapone con la mirada serena del hijo quien, como Cristo, cumple una función redentora y liberadora.

Obra de Dorothea Lange, alusiva a la Gran Depresión americana referida en 'Las uvas de la ira'.

Obra de Dorothea Lange, alusiva a la Gran Depresión americana referida en ‘Las uvas de la ira’.

A modo de conclusión, aludiremos a las vinculaciones directas o indirectas de los rasgos que podemos apreciar a lo largo del film. En primer lugar, la aparición de paisajes tenebrosos, el predominio de escenas de nocturnidad que recuerdan a pinturas del expresionismo alemán, creando ambientes lúgubres. En segundo lugar, la dureza de los rostros y la situación de una sociedad deprimida nos transportan a las desgarradoras fotografías de Dorothea Lange.  En tercer lugar, presenta una clara influencia de films Western dirigidos por el mismo director, como es es el caso de La diligencia, donde la vigencia de la huida forma parte del entramado principal. La última alusión será a la sociedad actual, en la que debida a la carencia laboral juvenil, la emigración se convierte en la busca de la gallina de los huevos de oro, y nada más lejos de la realidad, porque muchos antes partieron valientemente en busca de un futuro mejor.

Tras todo lo expuesto anteriormente, podemos sacar en claro que nos encontramos ante una obra de arte de una calidad extrema, tratando temas de plena actualidad, aunque el contexto no sea el mismo. Por tanto, la elección de la proyección del metraje fue un completo acierto, traduciéndose así en la gran cantidad de asistentes de todas las edades a la proyección.

Fotograma de 'Las uvas de la ira', de John Ford. Filmoteca d'Estiu

Fotograma de ‘Las uvas de la ira’, de John Ford. Filmoteca d’Estiu

Victoria Herrera Lluch

El Blasco Ibáñez cinematográfico

Ciclo sobre Blasco Ibáñez
IVAC La Filmoteca
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Febrero y marzo de 2017

La Filmoteca proyectó el sábado 28 de enero el primer capítulo de la miniserie televisiva ‘Blasco Ibáñez (La novela de su vida)’, que rodó Luis García Berlanga en 1997 para TVE. El segundo capítulo se pasó el domingo 29 de enero.

Con esta doble sesión, se inicia en la Filmoteca un ciclo sobre Blasco Ibáñez que forma parte de las actividades previstas por el Institut Valencià de Cultura para conmemorar el 150 aniversario del nacimiento del escritor valenciano.

Cartel de Tierra de todos. Imagen cortesía de La Filmoteca.

Cartel de Tierra de todos, de Fred Niblo. Imagen cortesía de La Filmoteca.

El ciclo, que se extenderá a lo largo del año, estará compuesto fundamentalmente por las adaptaciones cinematográficas de algunas de las novelas de Blasco Ibáñez llevadas a cabo durante el período mudo y recuperadas a finales de la década de los noventa por el Archivo Fílmico de la Filmoteca como parte de su labor de conservación del patrimonio audiovisual valenciano.

Entre las películas que se proyectarán, a partir del mes del marzo,  figuran ‘Sangre y arena’ (1916) de Vicente Blasco Ibáñez y Max André; ‘Los cuatro jinetes del Apocalipsis’ (1921) de Rex Ingram; ‘Barro y arena’ (1922)  de Gil Pratt;  ‘Sangre y arena’ (1922) de Fred Niblo; ‘Mare Nostrum’ (1926) de Rex Ingram;  ‘La tierra de todos ‘(1926) de Fred Niblo y  Mauritz Stiller; ‘El torrente’ (1926) de Mauritz Stiller y Monta Bell; y ‘La bodega’ (1929) de Benito Perojo.

Quinto jinete.

El quinto jinete, de Rosana Pastor y Enrique Viciano. Imagen cortesía de La Filmoteca.

Tras las dos sesiones dedicadas en enero a la miniserie de Berlanga sobre la vida de Blasco Ibáñez, la Filmoteca proyectará en febrero la copia en valenciano del documental ‘El quinto jinete’ (2014) dirigido por Rosana Pastor y Enrique Viciano. ‘El quinto jinete’ es un documental con fragmentos dramatizados en el que participan los actores Juli Mira y Mireia Pérez. La película destaca por un laborioso trabajo de documentación que permite conocer nuevos datos y materiales inéditos sobre el importante legado de Blasco Ibáñez y su visión de la I Guerra Mundial.

Fotograma de Sangre y Arena.

Fotograma de Sangre y Arena, de Vicente Blasco Ibáñez y Max André. Imagen cortesía de La Filmoteca.

 

Hugo Santiago, cineasta de vanguardia

Ciclo de tres películas sobre el director argentino Hugo Santiago
Filmoteca de Valencia
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Del 3 al 10 de enero de 2017

En colaboración con el Festival de Cine Internacional de Ourense, La Filmoteca dedica  un  breve ciclo de tres películas al cineasta argentino Hugo Santiago (Buenos Aires, 1939), figura emblemática del cine de vanguardia latinoamericano y discípulo de Robert Bresson.

El ciclo se inició el martes 3 de enero con ‘Invasión’ (1969), película de culto con reminiscencias de la Nouvelle Vague, que está considerada por la crítica como una de las más importantes de la historia del cine argentino. Se trata del fruto de la colaboración entre Hugo Santiago y dos figuras fundamentales de la literatura argentina que firman el guión: Jorge Luis Borges y Adolfo Bioy Casares.

Fotograma de 'Invasión', de Hugo Santiago. Imagen cortesía del IVAC La Filmoteca.

Fotograma de ‘Invasión’, de Hugo Santiago. Imagen cortesía del IVAC La Filmoteca.

Borges dijo sobre la película: “Ya que soy uno de los autores, no debo permitirme su elogio. Quiero dejar escrito, sin embargo, que ‘Invasión’ no se parece a ninguna otra película, y que bien puede ser el ejemplo de un nuevo género fantástico”.

‘Invasión’ es la historia de Aquilea, una ciudad ficticia que es asediada por misteriosos hombres anónimos de gabardina y defendida por un reducido grupo de resistentes, ciudadanos comunes, liderados por un anciano.

Fotograma de 'El cielo del centauro', de Hugo Santiago.

Fotograma de ‘El cielo del centauro’, de Hugo Santiago.

Tras el estreno de ‘Invasión’, que años más tarde sería condenada al ostracismo por la dictadura argentina, Hugo Santiago se trasladó a Francia, donde continuó su carrera. No había vuelto a rodar en su país hasta 2013. ‘El cielo del centauro’  (2015), sobre un guión de Santiago y Mariano Llinás, supone su regreso a Buenos Aires. La película tiene como protagonista a un ingeniero francés en su primer viaje a la capital argentina.

Fotograma de 'El teorema de Santiago'.

Fotograma de ‘El teorema de Santiago’, de Ignacio Masllorens y Estanislao Buisel.

Completa el ciclo ‘El teorema de Santiago’ (2015), de Ignacio Masllorens y Estanislao Buisel, que documenta el regreso del veterano director argentino a su país y el proceso de creación de ‘El cielo del centauro’, además de reflexionar  sobre el oficio de cineasta.

 

Última oportunidad para disfrutar del cine cubano

Ciclo Nuevo Cine Cubano
Sala SGAE Centro Cultural
C / Blanquerías, 6. Valencia
Del 24 al 26 de mayo, 2016

El ciclo Nuevo cine cubano, que se celebra en Valencia de la mano de la Fundación SGAE, cerrará su programación con la proyección de tres nuevos títulos: Conducta de Ernesto Daranas (martes 24 de mayo), Melaza de Carlos Lechuga (miércoles 25 mayo) y Hay un grupo que dice… de Lourdes Prieto (jueves 26 mayo). Será en la Sala SGAE Centre Cultural de Valencia y la entrada es gratuita.

Esta muestra ha permitido a los aficionados disfrutar de media docena de títulos del actual cine cubano. Seis producciones que han recibido tanto el aplauso del público y la crítica de su país, como el reconocimiento en destacados festivales internacionales de cine.

El ciclo Nuevo cine cubano ya se pudo disfrutar el pasado mes de abril en la madrileña Sala Berlanga y llega ahora a Valencia de la mano de la Fundación SGAE, a propuesta de su Consejo Territorial de la Comunidad Valenciana, que lo ha incluido en su programa de actividades culturales Tramesa 2016.

Estas son las películas que se proyectarán:

Martes 24 mayo: Conducta

Fotograma de Conducta, de Ernesto Daranas.

Fotograma de Conducta, de Ernesto Daranas. Ciclo Nuevo Cine Cubano en la SGAE de Valencia.

Escrita y dirigida por Ernesto Daranas, la historia y el contenido social de Conducta logró conquistar al pueblo cubano, pero también a la crítica internacional y al jurado de importantes festivales cinematográficos. Así, Conducta obtuvo una nominación a los Premios Goya en 2015, en la categoría de Mejor Película Iberoamericana, y fue escogida por el Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC) para representar a su país en los Óscar. Además, entre otros galardones cosechados desde su estreno en 2014, el largometraje triunfó en el 17º Festival de Cine Español de Málaga, donde se hizo, en la sección Territorio Latinoamericano, con las Biznagas de Plata a la Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Actriz (por la actuación de Alina Rodríguez) y el Premio del Público, así como una mención especial del jurado al joven Armando Valdés por su interpretación. Otros de los certámenes en los que Conducta dejó huella y sumó premios fue en el 15º Havana Film Festival de Nueva York, los Premios Ariel de México, el Festival de Cine de Bogotá o el Palm Springs International Film Festival 2015.

La película está protagonizada por Armando Valdés, Alina Rodríguez, Silvia Águila, Yuliet Cruz, Amaly Junco, Armando Miguel Gómez, Miriel Cejas e Idalmis Garcia, y narra la historia de un niño de once años cuya vida transcurre en un ambiente de violencia y marginalidad. Su madre es adicta a las drogas y al alcohol, y, para ayudar a sostener económicamente su hogar, el niño se dedica a entrenar perros de pelea. Pero, en medio de todo esto, el muchacho mantiene una especial relación en la escuela con su maestra.
Ernesto Daranas nació en 1961 en La Habana. Aunque licenciado en Pedagogía y Geografía, desde muy joven ligó su actividad profesional a la radio. Desde 1997, además, ha desarrollado también una gran actividad en el medio audiovisual.

Así, ha firmado cortometrajes, documentales (como Los últimos gaiteros de La Habana, que ganó el Premio Internacional de Periodismo Rey de España), series y filmes para la televisión (como el galardonado telefilme ¿La vida en rosa?, considerado un título de culto del audiovisual cubano) o largometrajes de ficción (Los dioses rotos y Conducta). El trabajo de Daranas está especialmente marcado por cuestiones sociales, como la prostitución, la pobreza o los problemas de la infancia.

Fotograma de la película Melaza. Imagen cortesía de la Fundación SGAE.

Fotograma de la película Melaza. Imagen cortesía de la Fundación SGAE.

Miércoles 25 mayo: Melaza

Melaza fue la primera película de ficción escrita y dirigida por Carlos Lechuga. Se estrenó con gran éxito en 2012 en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana. Ya en 2013 celebró su premier internacional en el Rotterdam International Film Festival y, para el público norteamericano, en el Miami International Film Festival. Desde entonces, Melaza cosechó más de media docena de galardones; entre ellos, la Biznaga de Plata a la Mejor Película Latinoamericana en el XVI Festival de Cine Español de Málaga, el Premio del Jurado para Óperas Primas en el Vancouver Latin American Film Festival y el Premio Revelación del Año, principal galardón del International Filmfestival Mannheim-Heidelberg.
La película está protagonizada por Yuliet Cruz, Armando Miguel Gómez, Lucho Gotti, Ana Gloria Buduen, Yaite Cruz, Augusto Posso, Jorge Caballero, Enithzabel Castrellón y Doris Gutiérrez. La historia transcurre en el pequeño pueblo de Melaza. Cuando cierra la central azucarera sobre la gira la vida y la economía de la población, Melaza se hunde y queda sin vida hasta convertirse en prácticamente un pueblo fantasma. En ese contexto, en el que sus habitantes deberán aprender a sobrevivir, Mónica y Aldo, un joven matrimonio, intentarán salvar su mundo sin perder por el camino su fe.

Carlos Lechuga nació en La Habana en 1983. Se formó como director en el Instituto Superior de Arte (ISA) y como guionista en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños (EICTV). Se estrenó como director en 2005 con el cortometraje Cuca y el pollo, que ganó el Premio de la Asociación Cubana de la Prensa Cinematográfica en la V Muestra de Jóvenes Realizadores, los premios al Mejor Guión, Mejor Dirección, Mejor Actor y Mejor Banda Sonora en el XXIII Festival Cineplaza de Cuba y el Concurso de Guión de Cortometraje de la Embajada de España en Cuba. Lechuga siguió sumando galardones con cortos como Los bañistas y, en calidad de guionista, largometrajes como Edén perdido (dirigido por Manuel Estudillo) o Club Habana (de Jorge Herrera). Melaza, en 2012, fue su primer largometraje de ficción como director y guionista. En 2016 estrenó su segunda película, Santa y Andrés, que obtuvo en 2014 el XI Premio SGAE de Guión Julio Alejandro.

Fotograma de 'Hay un grupo que dice', de Lourdes Prieto.

Fotograma de ‘Hay un grupo que dice’, de Lourdes Prieto. Ciclo Nuevo Cine Cubano en la SGAE de Valencia.

Jueves 26 mayo: Hay un grupo que dice…

El documental musical Hay un grupo que dice…, de la realizadora Lourdes Prieto, cerrará el ciclo de proyecciones Nuevo cine cubano. La película, además, se estrenó en la gala de entrega de premios del XXXV Festival de Cine de La Habana en 2014.
El crítico César Gómez, en Cuba Debate, describió Hay un grupo que dice… como “mucho más que una obra fílmica, de lo mejor del documental cubano de los últimos tiempos. Es sobre todo el resumen sincero y desprejuiciado de una época irrepetible, que hoy pudiera parecer muy lejana, aunque sólo han transcurrido cuarenta años”.

Así, la película cuenta la apasionante historia del Grupo de Experimentación Sonora del Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC), que, fundado en 1969 por Alfredo Guevara, fue el germen de la Nueva Trova Cubana y reunió, bajo la batuta de Leo Brouwer, a compositores e intérpretes de la talla de Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Noel Nicola, Sara González o Sergio Vitier. El grupo se caracterizó por conjugar la música tradicional cubana con la música moderna de la época: rock, jazz, ritmos brasileños… De este modo, apoyado en imágenes inéditas y en el testimonio de algunos de sus principales protagonistas, el largometraje reconstruye la memoria de aquella época, sin olvidar un análisis crítico de los hechos y de los errores institucionales en la aplicación de la política cultural cubana durante el primer lustro de la década de los 70 del siglo pasado.

Lourdes Prieto nació en La Habana en 1951. Licenciada en Historia del Arte en 1976, ese mismo año comenzó a trabajar como asistente de dirección cinematográfica en el ICAIC. Desde finales de los 80 firmó sus primeros trabajos como directora y guionista, como Para el ojo que mira, Bajo la noche lunar, Rumor del tiempo o La pequeña Aché, aunque siguió colaborando con numerosos realizadores. Ha impartido clases y conferencias en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños y en el Centro de Estudios Avanzados de Puerto Rico, entre otros espacios. En 2001, Lourdes Prieto recibió la Distinción por la Cultura Nacional y la Gitana Tropical, galardón que otorga la Dirección Provincial de Cultura de La Habana.

Cartel del ciclo Nuevo Cine Cubano.

Cartel del ciclo Nuevo Cine Cubano.

Reflexiones en torno al FICAE de Valencia

FICAE Festival Internacional de Cortometrajes y Arte sobre Enfermedades
Valencia 2-5 marzo

Desde hace algún tiempo no paro de escuchar cuando estoy con amigos cineastas, que el audiovisual valenciano está muerto. Totalmente kaput. Pero luego me encuentro con gente que se pone el mono de trabajo y emprende una solución. Estoy hablando de las personas que componen FICAE o MICE, dos festivales que nos han regalado horas de cine y de charlar sobre el propio cine estas semanas. Para que luego digan que el audiovisual valenciano está muerto.

El FICAE es un festival extraño pero muy atrayente, quizás algo morboso, pero sin duda muy didáctico, algo de lo que adolecen otros certámenes con mayores ínfulas y presupuesto. Morboso porque trata de las enfermedades y el arte, y didáctico por ello mismo.

A la primera jornada del jueves no pude asistir, porque el audiovisual está muerto, aunque yo fuera a la presentación de un proyecto de corto del genial director Miguel Ángel Font ese mismo día, coincidiendo con el FICAE. El viernes sí pude ir, y la verdad es que fue una experiencia muy buena, con momentos de desolación por ver en pantalla documentales que trataban la pobreza o la enfermedad sin demasiados paños calientes y con otros de ternura y humor negro.

Las proyecciones se realizaban en la Facultad de Bellas Artes, que nada más llegar a sus instalaciones te da la bienvenida con pintadas de arte urbanos, para desencajar tu mandibula y quedarte absorto mirándolas. Por desgracia en la sala había poca gente, yo había llegado a eso de las 11:30 y no había mucho público, algo que no se entiende, pues la entrada era gratuita y para tener al audiovisual en coma clínico, el festival era una bombona de oxígeno. Allí estaban dos directoras presentando sus cortos documentales, Natasha Hall con “BARCA2” y Joanna Guillot con “Sol, Solet, (Lonely Sun)” la cual nos maravilló a los presentes. Que hubiera poca gente es algo que no se entiende, pero a mi me pareció genial para poder convertir el festival en algo familiar, para poder charlar, para poder comprender la idiosincrasia de tan arriesgado, pero necesario, evento.

El viernes no pude asistir a todo, una lástima, porque me hubiera encantado. El festival llegaba a su fin, eran solo cuatro jornadas de cine, pero que tenían un regusto a gran evento.

FICAE disponía de varias sedes en este su segundo año, además no sólo se ceñía al cine, sino que tenía en su programación secciones paralelas, a las que no pude acudir, pues el cine congregó toda mi atención, como Exposiciones o charlas. El viernes el festival se desplazó hasta el emblemático IVAM para su sección oficial, quizás un lugar más adecuado por su cercanía al centro y por ser más conocido por el público en general que la Facultad de Bellas Artes.

Interior de FICAE, fotografía de Carmelo Gabaldón, 2016. Cortesía del artista.

Interior de FICAE, fotografía de Carmelo Gabaldón, 2016. Cortesía del artista.

El sábado se entregaban los premios en el IVAM, a la gala de clausura acudieron un número mayor de personas que a las proyecciones. El festival otorgaba tres premios a las diferentes categorias que entraban en competición. “She Moaned” dirigida por Guo Mao-Quan, fue la ganadora en Mejor Cortometraje de ficción, y el segundo premio fue para “Colourful Knot” de Polen Ly, y éste año , como mejora, la organización del festival quiso valorar otros trabajos dentro de la categoría con menciones a “Before We Lose” de Cristhian Andrews y “Prozac” de Fabio PS.

En la categoría de documental el premio del jurado recayó en “Julian” de Julia Furer, y el segundo a “Water Ghost” de Wen Li, y sus menciones fueron a caer en las manos de documentales sobresalientes como “A Cold Land” de Shahriar Pourseyedian y “Keeping Balance” de Bernhard Wenger. No os podéis perder “A Cold Land”, un corto documental que te hiela la sangre y te desgarra por dentro, podéis encontrarlo en Vimeo. Y por último, en cuando a corto de animación, el premio se fue para Alemania con el corto “Spirit Away” de Betina Kuntzsch, y el segundo para “Marius” de Pierre Julien Fieux, y las meciones en esta categoría fueron para “Mer Depré” de Margaret Orr y “The Tree” de Sare Shafipour”.

Tras la entrega de premios pudimos ver los trabajos ganadores. Reconozco que no estaba de acuerdo con el dictamen del jurado, pero sí con el criterio, a mi juicio muy bueno, de la organización en la entrega de las meciones a los cortos. Una lástima que no hubiera estado entre los galardonados “The Surgeons” de Siar Sedig, por su humor negro y que trata con frialdad un tema como el tráfico de órganos o “Max” de Jonas Bloquet, que habla con bastante originalidad sobre la eutanasia. Nunca llueve a gusto de todos, pero lo que sí que disfrutamos es de poder ver que en otras partes del mundo se hace tan buen cine, que Valencia está creando espacio para poder llegar a otros mundo cinematográficos con tanta calidad y que no todo tiene porqué ser comercial.

Hay que dar la enhorabuena a Pepe Miralles, y a todo su equipo, por el trabajo que han hecho con FICAE y por su profesionalidad. Además, a los asistentes nos trataron muy bien, algo que se echa en falta en eventos que se consideran más grandes, y por último hay qye valorar el gesto que tuvieron desde la organización con el bloguero Isaac Sánchez, el espectador más fiel (vio todo los cortometrajes) al que le premitieron, a modo de regalo sorpresa, subir a estrado a descubrir el nombre del ganador a Mejor corto de ficción.

Ojalá dure muchos años FICAE y sigan trabajando tan bien como éste años. ¡Larga vida al FICAE!

Javier Caro

Cine por venir: Imagen, palabra, acción!

IV Edición de CINE POR VENIR.
Hasta el 8 marzo de 2016

Con lo político como eje central vertebrador de sus actividades, Cine por venir llega a la recta final de su ciclo “Diálogos intempestivos de cine político”, tras haber trabajado la “palabra” como elemento central de los procesos locales fílmicos.

Cine por venir es un foro de intercambios de experiencias y procesos relacionados con la imagen fílmica, que se organiza a través de tres conceptos como son: la imagen proyecciones y cinefórum, la palabra presentaciones y debates y la acción actividades formativas de creación y reflexión. Con más de dos semanas de recorrido, una tercera parte de sus actividades realizadas, más de 300 participantes entre talleres, proyecciones y visionados de películas y tres espacios diferentes ocupados (Las Naves, IVAM y la Filmoteca de Valencia). Cine por venir encara su tercer y último diálogo el próximo fin de semana, del 4 al 6 de marzo para el cual los organizadores de Cine por venir, la trabajadora cultural Sonia Martínez y el cineasta y formador Miguel Ángel Bauxali, nos proponen el visionado de “Terra em transe”(1967), de Glauber Rocha, este viernes 4 marzo a las 20h en la Filmoteca. Tierra en trance es un manifiesto del cine político que marcó una época para la cinematografía mundial. Considerada por Deleuze una de las cumbres de lo político en el cine moderno, la película retrata la división social y el desgarro popular, las aporías intelectuales y vitales que emergen entre la dedicación a la cultura y las urgencias políticas del presente.

Por otro lado, el domingo 6 marzo, a las 18.30h en el IVAM, se visionará “El futuro”(2013), de Luis López Carrasco. Esta película retrata la atmósfera festiva y alegre de los primeros años de la España democrática. La reciente victoria del PSOE en las elecciones generales de 1982 contagia la noche un espíritu de euforia y celebración. El intento de golpe de Estado del 23F, realizado tan solo un año antes, parece corresponder a otro tiempo, como si perteneciese a un pasado que se aleja a gran velocidad. La película plasma el escenario del 82 en el que todo estaba por venir, todo era futuro. Sin embargo, el futuro también parece aproximarse a enorme velocidad, como un agujero negro que fagocita todo lo que encuentra a su paso.

Fotograma de "El Futuro"(2013), de Luis López Carrasco. Cortesía d ela Filmoteca.

Fotograma de «El Futuro»(2013), de Luis López Carrasco. Cortesía d ela Filmoteca.

Al visionado de la película, le seguirá un diálogo entre el director Luis López Carrasco y Carlos Escolano en el que se primará la interacción entre los cineastas y el público presente, así como en la creación de un contexto común. Las proyecciones de la IV edición plantean así un doble eje relacional: diálogos entre películas actuales y películas de la modernidad fílmica, y diálogos entre cineastas invitados y personas de otros campos disciplinarios.

Pasado Continuo” es último taller del ciclo de actividades “Acción” que aprovechando la participación de Luis López Carrasco en los diálogos, sirve de clausura a los talleres englobados bajo el concepto de “Acción”. El taller, orientado a estudiantes, cineastas, artistas y espectadores atentos e interesados en el proceso de creación de una película, tendrá lugar los días 7 y 8 de marzo de 10h a 14h. Este tratará de reflexionar alrededor del concepto de repetición de lo irrepetible, de cómo estructurar y amalgamar todo ello, con la dificultad de recuperar las sensaciones y emociones de algo ya vivido o pasado.

Echando la vista atrás analizando lo sucedido el pasado fin de semana, Cine por venir reunió el sábado 27 en su sesión “Palabra” a diversos colectivos, creadores e iniciativas locales que trabajan diversas facetas del dispositivo fílmico. La intención de este evento fue poner sobre la mesa los problemas, las dificultades y las posibilidades de lo fílmico en relación con lo social, concentrando la atención en las circunstancias locales para poder generar nuevas sinergias y colaboraciones. El evento, centrado en el trabajo con “los públicos” fue todo un éxito en cuanto a participación se refiere y congregó, en el espacio La Factoría de las Naves, a los siguientes colectivos, proyectos y creadores: Lacasinegra; el Festival de cine itinerante Totó; el Cinefòrum L´Atalante; Artxiviu de l´Horta; Aragó Cinema; Some like it short; Rivendel (Cinema de la terreta) y Octavio Guerra.

En la siguiente sesión celebrada en la Biblioteca de las Naves, se trataron los intereses comunes derivados de las presentaciones y debates de la mañana, articulando el debate en torno a 3 ejes diferentes: las nuevas formas de distribución y en concreto el caso Aragó Cinema y posibles colaboraciones con este proyecto; el trabajo fílmico localizado en barrios e intervenciones fílmicas en el espacio público y las plataformas colectivas de incidencia en las políticas públicas de financiación del cine valenciano.

De todas estas actividades, el grupo de trabajo concretó las siguientes conclusiones que servirán de caldo de cultivo para futuros encuentros: La primera es la necesidad de trabajar con públicos desde las distintas áreas que componen lo fílmico, entendiendo a los públicos como seres singulares, potencialmente activos; la segunda conclusión radica en la necesidad fortalecer redes entre proyectos singulares que trabajan desde distintos ángulos la problemática audiovisual; la tercera, habla de la necesidad de una incidencia real de las propuestas colectivas y ciudadanas en las ayudas y subvenciones públicas de proyectos necesarios, arraigados en el territorio, que trabajan a medio plazo y que no tienen y necesitan el apoyo público para poder afianzarse; por último, se remarcó la importancia de trabajar juntos en figuras intermedias de distribución y exhibición, así como el fortalecimiento de la formación en el lenguaje audiovisual fuera de ámbitos normalizados. Con todas estas ideas y conclusiones en el tintero, el grupo visionó la película, “Pas à Genenève” (2014) de Lacasinegra que siguió brindando el caldo de cultivo necesario para continuar el debate iniciado en la sesión de la mañana.

Fotograma de "La noire de… " (1966), de Ousmane Semaine. Cortesía de la Filmoteca.

Fotograma de «La noire de… » (1966), de Ousmane Semaine. Cortesía de la Filmoteca.

Kaneto Shindô, Hiroshima y otras películas

Ciclo de cine sobre Kaneto Shindo
Sala Berlanga
IVAC-La Filmoteca de CulturArts

La Filmoteca de CulturArts presenta un ciclo en colaboración con la Fundación Japón sobre Kaneto Shindô, uno de los grandes directores del cine japonés con películas tan importantes como Onibaba (1965) o  La isla desnuda (1960).

Conformado por diecisiete películas destacadas de su extensa filmografía, el ciclo de Kaneto Shindô se inicia el miércoles 13 de enero, a las 18.00 horas,  con la proyección en la sala Berlanga de Epítome (1953), que cuenta la historia de Ginko, la hija de un pobre zapatero de Tokio que es vendida a una casa de geishas como medio desesperado para conseguir dinero para su familia.

Fotograma de Onibaba, de Kabeto Shindô. IVAC- La Filmoteca de CulturArts.

Fotograma de Onibaba, de Kabeto Shindô. IVAC- La Filmoteca de CulturArts.

Nacido y fallecido en Hiroshima, Kaneto Shindô (1912-2012) fue uno de los cineastas japoneses que más interés demostró por indagar las consecuencias sociales, económicas y políticas de la explosión de las dos bombas atómicas en Japón en films como Los niños de Hiroshima (1952), la primera película japonesa que abordó el drama humano de la catástrofe nuclear.

Entre 1951 y 2011, Kaneto Shindô rodó 48 películas y escribió 238 guiones, además de ser uno de los primeros productores independientes del cine japonés. Durante el mes de enero, el ciclo de la Filmoteca incluye algunas de sus películas rodadas en las décadas de los cincuenta y sesenta, como La zanja (1954), Madre (1963) o Lucky Dragon nº5 (1959), también sobre las consecuencias de las radiaciones nucleares.  También incluye el documental Kenji Mizoguchi, la vida de un director de cine (1974), en el que Shindô aborda la vida y la obra, a través de numerosos testimonios, de su principal maestro.

Fotograma de los Niños de Hiroshima . Imagen cortesía de IVAC-La Filmoteca de CulturArts.

Fotograma de Los Niños de Hiroshima, de Kaneto Shindô. Imagen cortesía de IVAC-La Filmoteca de CulturArts.

 

Ética y estética de Roberto Rossellini

Ciclo Roberto Rossellini
Filmoteca de CulturArts IVAC
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Del 5 de febrero al 10 de abril de 2015

La Filmoteca de CulturArts IVAC acoge un ciclo de Roberto Rossellini con algunas de sus más sobresalientes películas ahora restauradas. Películas que permiten adentrarse en una filmografía que su propio autor entendía como «vía privilegiada de conocimiento», dada la concepción que Rosselini tenía del cine como arte, el cual permitía «aproximarse con exactitud a la verdadera naturaleza humana». Aproximación que requería, según sus palabras, renunciar «a cualquier forma de búsqueda estética y a una toma de posición personal que reconstruyera otra realidad diferente a la observada».

Ana Magnani en un fotograma de L'amore, de Roberto Rossellini. Filmoteca de CulturArts IVAC.

Ana Magnani en un fotograma de L’amore, de Roberto Rossellini. Filmoteca de CulturArts IVAC.

Rossellini pensaba que el cine había de ser sobre todo «un vehículo para comunicar ideas» y que las imágenes «deberían ponerse enteramente al servicio de éstas, nunca de una estética». El profesor de la Cátedra de Cine de la Universidad de Valladolid Luis Martín Arias, en uno de sus Escritos, dedicado al cineasta italiano, considera una contradicción entre la teoría y la práctica de Rossellini, puesto que «efectivamente el cine (la imagen audiovisual en general) es ante todo ‘apariencia’ y ‘ficción’, pero no experiencia directa de las cosas». De tal manera que el cine «sólo puede salvar esa instrumentalización, que ejerce sobre la imagen la sociedad de consumo, precisamente cuando alcanza valor estético, algo que paradójicamente rechazaba, al menos teóricamente, Rosselini, al final de su filmografía».

Fotograma de 'Roma, ciudad abierta', de Roberto Rossellini. Filmoteca de CulturArts IVAC.

Fotograma de ‘Roma, ciudad abierta’, de Roberto Rossellini. Filmoteca de CulturArts IVAC.

Martín Arias, citando a Miguel Ángel Laviña, apunta que, no obstante, algunas secuencias del cine de Rossellini quedarán en la retina del espectador «como parte de la memoria del siglo XX». Como por ejemplo: «Pina-Ana Magnani corriendo por las calles de Roma, el niño Edmund escuchando en un gramófono a Hitler entre las ruinas de Berlín o la refugiada Karine-Ingrid Bergman perdida por las laderas del volcán Stromboli». Y agrega: «Es una buena forma de entender la obra de un autor que por vez primera logró conjugar realidad y ficción, Historia y Cine».

Fotograma de 'Alemania, año cero', de Roberto Rossellini. IVAC La Filmoteca.

Fotograma de ‘Alemania, año cero’, de Roberto Rossellini. IVAC La Filmoteca.

El Progetto Rossellini, fruto de la colaboración entre Cinecittà Luce, la Cineteca Nazionale, la Cineteca di Bologna y Coproduction Office, ha permitido la restauración de una serie de películas del cineasta italiano, uno de los más influyentes de la historia del cine, al que La Filmoteca dedicó una retrospectiva completa en 2005. Diez años después, los espectadores tienen la oportunidad de disfrutar de la restauración en DCP de algunos de los títulos más emblemáticos de Rossellini. Esta es la lista del ciclo de películas que durante dos meses se proyectarán en la Sala Berlanga.

‘Roma, ciudad abierta’ (Roma, città apera, 1945). Durante la ocupación nazi de Roma, la Gestapo persigue al ingeniero Manfredi, jefe de la Resistencia, que contará con la ayuda de un camarada tipógrafo a punto de casarse y del cura Don Pietro.

‘Stromboli, tierra de Dios’ (Stromboli, terra di Dio, 1949). Para escapar de un campo de concentración, una mujer lituana acepta casarse con un pescador de la pequeña isla de Stromboli, que se convertirá en otra prisión para ella.

‘Paisà’ (1946). Película de seis episodios, ambientada durante la Segunda Guerra Mundial en Sicilia, Nápoles, Roma, Florencia, Romaña y los Estuarios del Po, y cuyo objetivo es ofrecer el retrato de un pueblo en lucha por su libertad.

Fotograma de 'El general de la Rovere', de Roberto Rossellini. IVAC La Filmoteca.

Fotograma de ‘El general de la Rovere’, de Roberto Rossellini. IVAC La Filmoteca.

‘El general de La Rovere’ (Il genérale della Rovere, 1959). En 1943, en Génova, un estafador aprovecha la ocupación para sacar dinero a las familias de algunos prisioneros. Cuando los alemanes le arrestan, le ofrecen asumir el papel de un general de la Resistencia para obtener información de los prisioneros políticos.

‘Alemania, año cero’ (Germania, anno cero, 1947). En el Berlín de posguerra, un ex nazi inculca a un niño, que vive con su padre enfermo, la idea de que sólo los fuertes tienen derecho a sobrevivir.

‘La máquina matamalvados’ (La macchina ammazzacattivi, 1952). De camino a una localidad costera, un grupo de americanos atropella a un vagabundo que desaparece por arte de magia. El misterioso personaje reaparece en el pueblo, donde es confundido con San Andrés.

Fotograma de 'Te querré siempre', de Roberto Rossellini. La Filmoteca de CulturArts IVAC.

Fotograma de ‘Te querré siempre’, de Roberto Rossellini. La Filmoteca de CulturArts IVAC.

‘Te querré siempre’ (Viaggio in Italia, 1953). Un matrimonio inglés viaja a Nápoles para gestionar la venta de una villa que un pariente les ha dejado como herencia. En ese entorno ocioso, lejos de las preocupaciones de la vida cotidiana, pronto se produce una crisis en la pareja.

‘Ya no creo en el amor’ (La paura. Non credo più a l’amore, 1954). Una mujer casada que tiene un amante comienza a recibir amenazas de una joven que le pide que confiese su infidelidad a su marido.

India, matri bhumi (1958). Un documental que introduce elementos de ficción para representar aspectos de la vida en la India a finales de los años 50.

‘El amor’ (L’amore, 1948). Film compuesto por dos episodios protagonizados por Anna Magnani: «El milagro», en el que ella se imagina que conoce a San José y se enamora de él, y «La voz humana», en la que una mujer mantiene una conversación telefónica con su ex amante.

Ingrid Bergman en un fotograma de 'Stromboli', de Roberto Rossellini. IVAC La Filmoteca.

Ingrid Bergman en un fotograma de ‘Stromboli’, de Roberto Rossellini. IVAC La Filmoteca.

Las tentaciones del demonio

Ciclo de cine: Las tentaciones del demonio
Organiza Aula de Cinema de la Universitat de València
Colegio Mayor Rector Peset
Plaza Horno de San Nicolás, 4. Valencia
Martes 13, 20 y 27 de enero de 2015, a las 18.00h

El Colegio Mayor Rector Peset acoge el ciclo cinematográfico ‘Las tentaciones del demonio’, en el que veremos al demonio como uno más, integrado entre nosotros, en su forma más elegante y lejos de los estereotipos del cine de terror. El público podrá ver la obra maestra de Dreyer ‘Páginas del libro de Satán’; un clásico del cine francés como ‘La belleza del diablo’ (René Clair, 1950), con el gran Michel Simon en el papel del demonio; y la norteamericana ‘El corazón del Ángel’, dirigida por Alan Parker, con Robert de Niro y Mickey Rourke como actores protagonistas.

El ciclo está compuesto por tres títulos que tratan de hacer un repaso a la representación del demonio como fuerza tentadora y elegante que ofrece tratos y servicios a los humanos, siempre a cambio de alguna cosa valiosa para quien tiene que aceptar el trato. Toda una metáfora de la corrupción humana, del precio que cada persona está dispuesta a pagar a cambio de conseguir lo que quiere. El ciclo nos sitúa en diferentes formas de abordar el tema desde el cine dramático, fantástico o de intriga.

Fotograma de la película 'Las páginas del libro de Satán', de Carl Theodor Dreyer. Cortesía del Aula de Cinema de la Universitat de València.

Fotograma de la película ‘Páginas del libro de Satán’, de Carl Theodor Dreyer. Cortesía del Aula de Cinema de la Universitat de València.

El ciclo se abre con ‘Páginas del libro de Satán’ (Blade af Satans bog, Carl Theodor Dreyer, 1921), que se proyectará el martes 13 de enero, a las 18 horas. Se trata de una visión clásica de la condena que Dios le impone al demonio, un ángel caído en desgracia, por la cual es obligado a vivir entre las personas y a tentarlas para ver si son capaces de resistir sus estratagemas.

Fotograma de 'La belleza del diablo', de Rene Clair. Cortesía del Aula de Cinema de la Universitat de València.

Fotograma de ‘La belleza del diablo’, de Rene Clair. Cortesía del Aula de Cinema de la Universitat de València.

El martes 20 de enero continuará el ciclo con la proyección de ‘La belleza del diablo’ (La Beauté du diable, René Clair, 1950), una revisión del tema de Fausto en la que René Clair modifica algunos de sus elementos, introduciendo una mirada irónica sobre la obra de Goethe.

Fotograma de 'El ángel dei diablo'. Cortesía del Aula de Cinema.

Fotograma de ‘El corazón del ángel’, de Alan Parker. Cortesía del Aula de Cinema de la Universitat de València.

Finalmente, el martes 27 de enero, el público podrá ver ‘El corazón del Ángel’ (Angel Heart, Alan Parker, 1987). Una película sobre el demonio, en clave de intriga policíaca, en la que un personaje misterioso encarga a un detective privado con poco éxito la búsqueda de un cantante desaparecido. Bajo una atmósfera turbia, en su periplo por encontrar al artista, el detective irá encontrándose una sucesión de muertes de difícil explicación.

Como es habitual en la programación cinematográfica del Palau de Cerveró, cada sesión contará con una presentación previa a cargo de un miembro del Aula de Cinema, así como de un coloquio posterior en el que podrá participar el público asistente.