Justicia y Arte en Movimiento en la Contour Biennale de Malinas

‘Polyphonic Worlds: Justice as Medium’
Contour Biennale 8
Diversas sedes
Malinas (Bélgica)
Hasta el 21 de mayo de 2017

La ciudad belga de Malinas acoge, hasta el 21 de mayo, la octava edición de Contour Biennale, cuya presente propuesta de contenidos culturales se polariza en torno del polisémico concepto de Justicia, bajo el título ‘Polyphonic Worlds: Justice as Medium’ (‘Mundos polifónicos. La Justicia como Medio’) y la dirección curatorial de la comisaria de origen indio Natasha Ginwala.

Enclavada en la región flamenca de la provincia de Amberes, la histórica y renovada urbe de Malinas uniforma una relevante extremidad de su arquitectura con el fin de procurar refrendo institucional a este proyecto artístico, que ha logrado consumar sus principios desde aquellas primeras incursiones en el videoarte que perfilaron la génesis de Contour Biennale, en 2003.

Desde entonces, esta cita ineludible en el cronograma septentrional del país ha procurado nutrirse de múltiples dispciplinas emparentadas con el Arte en Movimiento, es decir, aquellos léxicos que encaminan sus postulados hacia el universo de la imagen en curso, el audiovisual, el arte de acción o las instalaciones cinéticas.

‘Polyphonic Worlds: Justice as Medium’ no solo asienta sus principios en un territorio de longeva historiae iudicialibus –no en vano, en Mechelen (denominación neerlandesa de Malinas) se encuentra el gótico Palacio del Gran Consejo, otrora corte suprema de los Países Bajos borgoñones, cuya edificación se remonta al ocaso del siglo XV–, sino que procura concitar la aproximación de más de una veintena de artistas internacionales a los turbios lindes semióticos contemporáneos de la Justicia –cuyas intricadas y dispares morfologías terminan por someter al individuo–, con el fin de poner en cuestión la inextricable y desequilibrada semántica de los poderes legislativos.

De este modo, en el proemio curatorial ‘Bodies Before the Law’, Natasha Ginwala apunta que “con los límites de la justicia ahora desenmarañándose en una crisis volátil de ética en el presente global, Contour Biennale 8 se involucra en una visión polifónica que recuerda la historia acústica de las Tierras Bajas, al tiempo que presenta un paisaje notacional que es multifónico, con connotaciones que se escuchan como una conciencia plural y, en ocasiones, como estados de discordia. Esta edición se propone cuestionar los límites preconcebidos entre la percepción de legalidad e ilegalidad dentro de la experiencia actual de la estadidad”.

La bienal parte del centro de arte contemporáneo The Garage –próximo a la catedral gótica brabantina de San Rumoldo–, sede en la que se formulan nueve propuestas, de entre las que debe destacarse el video ‘Black Beach / Horse / Camp / The Dead / Forces’ (2016), de la puertorriqueña Beatriz Santiago Muñoz, filmada en la isla de Vieques (Puerto Rico), campo de tiro de la Armada de Estados Unidos durante más de medio siglo, actualmente en arduo proceso de descontaminación; igualmente reseñables el trabajo de la belga Ana Torfs y sus veinticico versiones del concepto de verdad o los límites de la visibilidad postulados por el norteamericano Trevor Paglen en su instalación ‘Code Names’.

Otros cinco emplazamientos citadinos vertebran ‘Polyphonic Worlds: Justice as Medium’: el Aldermen’s House o Casa del Concejal –el más antiguo testimonio arquitectónico (s. XIII) de cuantos primigenias sedes de los ayuntamientos se conservan en el país–; la Court of Savoy (Tribunal de Saboya) –reconstruido como el Palacio de Margarita de Austria (insigne archiduquesa de Austria y princesa consorte de Asturias)–, sede actual del Tribunal de Primera Instancia; la House De Clippel (popularmente, ‘La Emperatriz’) –una renombrada casa solariega del siglo XV–; la House of the Great Salmon, situada junto al muelle y paradigma de la arquitectura renacentista de los Países Bajos; y el Warehouse and Co-working Space, un almacén industrial destinado, en otro tiempo, a la fábrica de muebles y que en la actualidad se erige en galpón colectivo para el teatro experimental, amén de otras dedidaciones.

Sobresalen del croquis programático tres proyectos de heterodoxos acentos. El colombiano Pedro Gómez-Egaña, de excelsa trayectoria internacional, reporta una exquisita y compleja morfología a su instalación móvil ‘The Moon Will Teach You’ –planteada ex profeso para la buhardilla de la Casa del Gran Salmón–, que el artista formula como “un estudio que va desde lo acústico hasta lo cinético, para aprender de las características mínimas y las crónicas incrustadas de un sitio”, a partir de las que “empiezo a considerar cómo escenificar el trabajo de modo tal que existe tanto un aparato mecanicista como una participación humana en la composición de una escena. La audiencia a menudo es guiada a presenciar una sensación de transporte en el proceso de convertirse en parte del trabajo. El trabajo implica el trazado de la proximidad y la distancia, donde las construcciones hechas a mano y automatizadas se contrapesan como un entorno inmersivo y la percepción del tiempo se recompone continuamente”.

Por su parte, el jordano Lawrence Abu Hamdan interviene con sutileza acústica los jardines del Palacio de Margarita, mediante ‘The recovered manifesto of Wissam (inaudible)’, una instalación sonora vertebrada por la ubicación de altavoces de pétrea morfología, distribuidos entre las plantas, de cuyo interior emana una repetitiva y contumaz lectura en torno de la taqiyya –un arraigado concepto islámico relacionado con la ocultación o disimulo de las creencias religiosas cuando estas pudieran ser motivo de persecución– por parte de un hombre llamado Wissam, cuya grabación hubo sido fortuitamente hallada y recuperada por Abu Hamdan de entre cuantas viejas cintas de cassette suelen emplearse en las montañas del Líbano para envolver y proteger los frutales de las aves e insectos.

Y por último, Basir Mahmood, artista pakistaní que proyecta, en el Warehouse and Co-working Space, el proyecto ‘Monument of Arrival and Return’, un audiovisual de nueve minutos protagonizado por un grupo de guardas del ferrocarril y portaequipajes (“conocidos localmente como coolies, de acuerdo con la expresión colonial británica), quienes son exhortados por Mahmood a improvar con diversos utensilios y objetos domésticos, con el fin de reflexionar a través de su determinación como “un iniciador que pone en movimiento colisiones de personas y escenarios improvisados para crear historias originales; como un observador que se teletransporta dentro o fuera de las situaciones cotidianas que está observando, para ver íntimamente: desde dentro y desde fuera”; y sentencia que “mi propio viaje como cineasta se inscribe, así, en la larga historia del movimiento de los coolies (‘”Kuli”) que fueron transportados como mano de obra contratada durante el Imperio Británico a través de plantaciones, unidades industriales, astilleros y plataformas ferroviarias”.

Ocasión decisiva, por tanto, para aventurarse por el mapa artístico, diegético e histórico de una ciudad, Malinas, erigida en hallazgo polisémico.

Más información en VISITFLANDERS.COM

Contour Biennale 8 tiene lugar en la ciudad de Malinas (Bélgica) hasta el 21 de mayo de 2017. Fotografía: Merche Medina.

Contour Biennale 8 tiene lugar en la ciudad de Malinas (Bélgica) hasta el 21 de mayo de 2017. Fotografía: Merche Medina.

J.R. Alarcón y M. Medina

 

A los pies del Penyagolosa

Enclave, de Miguel Mallol y Andrea Abbatangelo
Residencia artística de Land Art en Vistabella. Castellón
Del 6 al 20 de noviembre de 2016

La localidad castellonense de Vistabella del Maestrazgo acogerá un encuentro creativo pionero en España en el que durante dos semanas once artistas de ocho países diferentes trabajarán en proyectos Land Art por los que han sido seleccionados. Esta residencia artística terminará con un fin de semana en el que se podrá visitar la exposición que contará con fotografías de los proyectos, entrevistas a los artistas y a la población local con la intención de crear una sinergia entre los participantes y el entorno. La ‘volta al pinet’ será la zona en la que se situarán todas las obras y que transformarán el recorrido en un itinerario artístico permanente, ya que las obras serán donadas al Ayuntamiento de Vistabella.

La iniciativa ha sido organizada por el comisario Miguel Mallol y el artista Andrea Abbatangelo y ha contado con el soporte del Ayuntamiento de Vistabella, la UJI y la Conselleria de Cultura y Turismo, entre otras instituciones públicas y privadas que se han adherido a la primera edición de un evento que tendrá carácter bienal.

Intervención pasada de Rosie Leventon.

Intervención pasada de Rosie Leventon. Imagen cortesía de ‘Enclave’.

El Land Art nació a finales de los años sesenta en los desiertos de Estados Unidos, como protesta a la mercantilización del arte y una extensión de las salas expositivas convencionales. A esta corriente se unieron otras ligadas al arte efímero como la performance, el happening o el arte povera que llegan hasta nuestros días como propuestas artísticas alternativas.

El título de la residencia ‘Enclave’ rememora el carácter transitorio del territorio durante la reconquista, que se utilizó sobre todo como paso común de trashumancia de ganado y personas, lo que ha permitido conservar sus vestigios arqueológicos en forma de senderos, caminos y veredas que se pueden encontrar en todo el territorio del Maestrazgo destacando los caminos de peregrinaje de San Juan, la vereda de la Estrella o el puente Romano. Este territorio, debido a la baja densidad de población que hay, se ha visto favorecido para la conservación de fauna y flora así como de sus restos arqueológicos en detrimento del desarrollo humano.

Este es un problema que se extiende a otras comunidades vecinas, pero que en el entorno de Vistabella ha sido una constante contra la que han luchado los habitantes de la zona desde mediados del siglo XX, como consecuencia de la industrialización de la Plana.

Intervención pasada de Emmanuele Panzarini. Imagen cortesía de 'Enclave'.

Intervención pasada de Emmanuele Panzarini. Imagen cortesía de ‘Enclave’.

Gracias a la actuación de varias instituciones y personas, la zona se mantiene viva y la residencia quiere contribuir artísticamente en una repoblación simbólica que traiga gente al territorio e incremente el valor del entorno natural y cultural existente. La residencia de artistas de Vistabella gira alrededor del concepto de convivencia entre personas de todo el mundo y los habitantes locales. El resultado será un legado que represente la materialización de este concepto de comunión entre individuos y el inicio de una relación artística con el territorio.

La “volta al pinet”, un sendero característico que rodea una de las colinas que componen el territorio municipal de Vistabella, será el itinerario en el que se emplazarán las obras creando una propuesta artística con aras de convertirse en un recorrido eco-cultural que establezca el inicio de la comunión local con el arte contemporáneo, uniéndose a iniciativas artísticas como la Senda de l’Art o MIAU, más consolidadas en otras localidades colindantes.

Elenco de artistas

Rosie Leventon es uno de los mayores exponentes británicos de Land Art. Ha trabajado a nivel internacional en países como Polonia, Rusia, República Checa, Suiza, USA, España, Alemania, Francia, Japón, Italia y Dinamarca y tiene obras en varios museos del Reino Unido.

Andrea Abbatangelo es un joven artista italiano que participa en la residencia y co-organiza el evento. Trabaja con instalaciones, escultura y fotografía. A lo largo de su carrera ha producido proyectos y exhibido trabajos para festivales como la Bienal de Venecia (2011), Documenta (2012) y Marsella Provence 2012/Capital Europea de la Cultura, y para diversos espacios públicos. Emmanuele Pazzarini es un artista italiano cuya investigación artística abraza la fotografía, la escultura, el arte digital y la instalación con especial atención a las intervenciones site-specific. Ha expuesto en diversas ciudades en Italia y el extranjero.

Seila Fernández es la única representante española a pesar de trabajar en y vivir en la localidad británica de Bristol. Ha dirigido diferentes proyectos internacionales ligados con al cambio climático además de realizar exposiciones a nivel internacional.

Leonardo Fuiro Cannistrà es un artista italiano que ha participado en numerosas exposiciones y premios internacionales, obteniendo prestigiosos resultados.

Instalación pasada de Hui-Ying Tsai. Imagen cortesía de 'Enclave'.

Instalación pasada de Hui-Ying Tsai. Imagen cortesía de ‘Enclave’.

Hui-Ying Tsai es una de las artistas de origen asiático que participan en la residencia. De origen taiwanés, vive y trabaja en Nueva York y ha realizado exposiciones en diversas ciudades de USA como San Francisco, Nueva York y Colorado, además de en otros países como Corea, Taiwan o Irlanda.

Carmela Cosco cierra el grupo de artistas italianos. Es una artista multifacética que usa gran diversidad de materiales. Ha realizado exposiciones en importantes ciudades italianas como Roma o Bari en incluso a nivel internacional en ciudades como Granada.

Yunrubin es un dúo formado por una artista de Singapur (Joanne Pang Rui Yun) y un artista danés (Jonas Rubin) afincados en Barcelona. Realizan una investigación que se dirige hacia la inmaterialidad y la poética de la cotidianidad, hacen preposiciones en forma de esculturas, instalaciones site-specific e impresiones.

A estos creativos se les unirán la fotógrafa israelita con sede en París Tamara Erde, que realizará un proyecto fotográfico inspirado en el entorno y las obras de Land Art expuestas. Tiene experiencia en varios países en los que ha participado en diversas residencias.

El director de cine colombiano Armando Bolaño, asistido por Raúl Julve en la edición y por Héctor Sierra en la cobertura con dron, realizarán entrevistas a los artistas y gente local. Se hará mediante monitores un seguimiento audiovisual diario de lo que acontece en la residencia que se transformará a la conclusión de la misma en un vídeo-documental que promocionará el territorio y la iniciativa.

Intervención pasada de Rosie Leventon. Imagen cortesía de 'Enclave'.

Intervención pasada de Rosie Leventon. Imagen cortesía de ‘Enclave’.

La prolongación de la crítica en la Martínez Guerricabeitia

‘Supersticiones y Manipulaciones’
XIII Bienal Martínez Guerricabeitia
Sala de la Academia. La Nau
C/ Universidad, 2. Valencia
Del 11 de marzo al 1 de mayo

La decimotercera Bienal cumple 26 años y por primera vez este año, se echa en falta a Jesús Martínez Guerracabeitia, su creador, fundador y preceptor; aunque sin duda alguna, la continuación de esta Bienal tiene lugar, en palabras de José Pedro Martínez, comisario y director de Actividades de la Col·lecció Martínez Guerricabeitia, “en absoluta sintonía y coherencia con los esquemas de funcionamiento, y los principios y planteamientos ideológicos fundacionales”.

Hace 26 años que nació la Bienal, por lo que se convierte, gracias a su larga trayectoria, en un importante referente en el arte contemporáneo tanto a nivel local, como en el entorno nacional. De hecho, la Universidad de Valencia, entidad organizadora, presume de tener entre sus fondos museísiticos, gracias a la donación que Jesús Martínez Guerricabeitia y de su familia, más de 400 piezas de arte contemporáneo, convirtiéndose así en la institución que posee y gestiona la colección de arte contemporáneo más relevante existente en una universidad pública española.

La selección de obras ha sido llevado a cabo, como en el resto de ediciones, por un comité especializado. En esta edición ha estado formado por Óscar Alonso Molina (Madrid), Iván de la Torre (Sevilla), Mariano Navarro (Madrid), Chus Tudelilla (Zaragoza) y Alicia Ventura (Valencia); y las galerías Alarcón Criado (Sevilla), Ángeles Baños (Badajoz), Adora Calvo (Salamanca), Set Espai d’Art (Valencia) y Juan Silió (Santander).Componentes de galerías y críticos los cuáles también han escrito para los artistas en el catálogo resultante.

Jesús Zurita. Un sonido para todo, 2014. Imagen cortesía Universitat de València.

Jesús Zurita. Un sonido para todo, 2014. Imagen cortesía Universitat de València.

Todas las obras tiene el mismo hilo conductor con el que se titula la Bienal: ‘Supersticiones y manipulaciones’. Se trata de una frase que pretender generar opiniones críticas entre el arte, el creador, los críticos, galeristas y sin olvidar el componente más complicado y a la vez más agradecido, el espectador. La supersticiones tienen su base en la cultura popular de una sociedad, e históricamente han sido creadas con la intención de ejercer algún tipo de miedo por el poder gobernante. Este estado de miedo parece no haber cambiado nunca. Desde este sentido manipulatorio, nace la segunda parte del lema de la Bienal. Hoy en día las manipulaciones no han desaparecido, pero parece ser que los intereses están mucho más ocultos. Las piezas representadas han querido aportar su versión de esta problemática de la sociedad cuestionando así, el estado crítico que se genera, o no, ante la abundancia informativa actual.

La gran mayoría de las obras están compuesta por creaciones artísticas que parten de las artes visuales y utilizan en su mayoría dibujo y pintura. Estas son las propuestas de José Luis Serzo, Yann Leto, Antonio Sosa, José Luis Puche, Santiago Giralda, Jesús Zurita, Alain Urrutia, Fernado Renes, Xavier Monsalvatje, Manuel Antonio Domínguez, Javier Arbizu y MP&MP Rosado, todas ellas sobre soportes tradicionales. También podemos ver tela estampada en la obra de Estefanía Martín Sáenz, el hule utilizado por Javi Moreno, el plástico elegido por Felipe Talo o el aluminio en el caso de Javi Moreno. No nos podemos olvidar de las fotografías de Rebeca Menéndez y Diego del Pozo, así cómo las impresiones de Daniel García Andújar, conjunto que aporta un tono de materialidad a toda la panorámica. Además, para lograr atravesar la frontera de la bidimensionalidad, nos topamos con la instalación de Martín Freire. El conglomerante de todas las obras forman una sola pieza en si misma, un grupo homogéneo por el que realmente merce la pena pesear en la exposición en la Sala de la Academia de la Nau.

Xavier Monsalvatje. Asthmatic System 2, 2015

Xavier Monsalvatje. Asthmatic System 2, 2015. Imagen cortesía Universitat de València.

María Ramis.

BIENAL DE LAS FRONTERAS

BIENAL DE LAS FRONTERAS
Museo de Arte Contemporáneo de Tamaulipas, MACT
MATAMOROS, Tamaulipas, México

El Instituto Tamaulipeco para la Cultura y las Artes (ITCA) del Gobierno del Estado de Tamaulipas, en colaboración con el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes de México (Conaculta), convoca a artistas visuales y curadores emergentes de México y el extranjero a participar en la Bienal de las Fronteras.

Fronteras. Imagen archivo Vicente Chambó

Fronteras. Imagen archivo Vicente Chambó

Concebida como una plataforma pública y participativa dirigida a las expresiones más actuales del arte visual emergente, la Bienal es un espacio de convergencia donde la creación, el análisis y la difusión del arte contemporáneo promueven la exploración de las fronteras de las prácticas artísticas actuales.

La Bienal tiene dentro de sus objetivos promover la creación de obras y proyectos curatoriales facilitando el acceso a artistas y curadores emergentes a exponer y desarrollar sus propuestas que aporten al diálogo, el intercambio y la discusión crítica que consideren el binomio regional-global, sus retos y oportunidades.

La sede de la Bienal es el Museo de Arte Contemporáneo de Tamaulipas, (MACT) y cuenta con el respaldo de instituciones como el Museo Carrillo Gil de la Ciudad de México, los departamentos educativos del Guggenheim Museum y el Museo del Barrio en Nueva York, Estados Unidos. A través de estos dos últimos, la Bienal de las Fronteras promueve un taller de formación para los curadores emergentes seleccionados quienes participarán en septiembre y compartirán experiencias al lado de prestigiosos intelectuales y profesionistas de reconocimiento internacional.

Fronteras. Imagen archivo Vicente Chambó

Entrada a México y entrada a EEUU. Imagen archivo Vicente Chambó

El Comité de Selección de la Bienal está integrado por María del Carmen Aguirre Treviño, artista visual y arquitecta (México), Leonor Amarante, curadora independiente y periodista (Brasil), Julia P. Herzberg, historiadora de arte y curadora (Estados Unidos), Guillermo Santamarina, curador en jefe, Museo de Arte Carrillo Gil (México) y Emiliano Valdés, curador, Museo de Arte Moderno de Medellín, Colombia (Guatemala).

Concebida como una convocatoria publica abierta, la recepción de las propuestas de los artistas y los proyectos curatoriales se realizará a través de la página web www.bienaldelasfronteras.org. La fecha límite para recibir los proyectos curatoriales es el día 22 de agosto de 2014. Para el caso de los artistas que envíen sus propuestas de forma independiente estos tendrán que haber enviado su información antes del día 22 de septiembre de 2014.

La Bienal de las Fronteras, a través de un fondo de adquisición, prevé la  concesión de premios y adquisición de obras de arte y proyectos curatoriales destacados a beneficio de la Colección del Instituto Tamaulipeco para la Cultura y las Artes de Tamaulipas, México.

Para más información: www.bienaldelasfronteras.org

Abrir horizontes en la investigación-producción de las artes y el diseño

Entrevista a Daniel Manzano
Director de la FAD Facultad de Artes y Diseño de la UNAM
Universidad Nacional Autónoma de México

Desde que se hizo cargo como director de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM (Universidad Nacional Autónoma de México), Daniel Manzano (1949, Tapalpa, Jalisco, México) ha trabajado sin descanso hasta transformarla en Facultad de Artes y Diseño. Los tiempos cambian y la formación y preparación que demanda la sociedad a sus estudiantes debe estar por encima de esos cambios, así lo siente y así lo aplica, aunque proceder a cambiar y modificar viejos hábitos no es fácil en ningún escenario. Para ello, su gestión se ha ocupado de varios frentes, como abrir nuevas áreas de diseño y comunicación visual; docencia en artes; docencia en cine documental, la creación de un doctorado en artes y diseño y la creación de un Centro de Investigación, Producción y Estudio de la Imagen (CIPEI), en donde ya se han registrado diversos proyectos y creado varios grupos de conocimiento integrados por alumnos y profesores. En la actualidad lleva también en marcha el proyecto de creación del Laboratorio de Arte, Diseño y Entorno, todo ello sin olvidarse de la necesidad de proyectar al exterior -más allá de las fronteras mexicanas- el valor de alumnos y docentes del ámbito de su responsabilidad como director, pero sobre y para todo, ha establecido un concepto fundamental con el que seguir una línea rectora común en el proceso de enseñanza-aprendizaje, tanto a nivel de licenciatura como a nivel posgrado: el concepto investigación-producción.

Con estas referencias, por citar algunas, la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) parece pasar a la historia, su transformación en Facultad de Artes y Diseño (FAD) es una realidad, a la que cabe sumar un éxito más: la consolidación de la Primera Bienal Universitaria de Arte y Diseño celebrada por la UNAM en México DF.

En su faceta creativa, la obra de Daniel Manzano es conocida por su producción de gráfica, el dibujo y el grabado en metal. Su investigación se centra concretamente en el uso de la lámina negra (hierro) para la elaboración de matrices con las que poder estampar, principalmente para realizar libros alternativos (de artista, objetos, híbridos y transitables) aunque realiza otros procesos experimentales en los que combina el uso de nuevas tecnologías para obtener estampaciones diversas. Ostenta diversos premios y reconocimientos internacionales, como el Primer Premio de la II Bienal de Pintura, Escultura y Grabado de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú o el Primer Premio “Máximo Ramos”, de El Ferrol en España. Ha realizado más de 20 exposiciones individuales y participado en más de 200 exposiciones colectivas tanto nacionales (México) como internacionales España, EEUU, Canadá, Alemania, Japón, Francia, Italia, Hungría, India, Noruega, Portugal, Polonia, Malasia, Egipto, Puerto Rico, Uruguay o Perú entre otros. Es Doctor en Bellas Artes (especialidad de dibujo) y posee un don especial por su cercanía y su entrañable espíritu didáctico para dar conferencias.

Daniel Manzano

Daniel Manzano

-¿Cómo surge la idea de la primera Bienal Internacional Universitaria de Arte y Diseño de la UNAM?

Esta primera Bienal Universitaria de Arte y Diseño, surge como una necesidad de confrontación, sobre lo que se realiza en todas la universidades del País (México), ya que hasta el momento de esta primera edición, no había bienales dedicadas exclusivamente a las universidades, a sus alumnos egresados y profesores. La Facultad de Artes y Diseño (antes ENAP), lleva muchos años dentro de la UNAM (1925), y nunca se había realizado un evento de este tipo, que nos permitiera evaluar la obra que se produce en el campo del arte, en un par de líneas de investigación-producción específicas, como es la “instalación” y el “Libro de Artista”.

La instalación, en virtud de que es necesario evaluar su producción y detectar las propuestas que se justifican mediante conceptos claros y coherentes, y aquellas propuestas que rayan en la improvisación o que solamente reflejan una moda de la producción actual y que no tienen ningún tipo de aportación ni académica ni profesional. La Bienal nos brinda la oportunidad de observar y evaluar aciertos y errores en la enseñanza de las artes y el diseño, y el bagaje cultural con el que cuentan los participantes. Así como analizar recursos metodológicos, técnicas y los procesos creativos en la construcción del objeto. Además de que podemos revisar los proyectos y estructuras de los mismos, así como su coherencia teórico-práctica. Todo esto, coadyuvará en gran medida en la revisión de planes y programas de estudio, lo que permitirá reforzar y aplicar correctivos en  las áreas en donde se detecten  carencias.

12 Inauguraci+¦n Bienal

Presentación de la Primera Bienal Universitaria de México DF en la Academia San Carlos. Centro Yuriko Estevez y Daniel Manzano con los portavoces del Jurado Nelson Herrera (izquierda) y Vicente Chambó (derecha) antes de realizar la entrevista.

Presentación de la Primera Bienal Universitaria de México DF en la Academia San Carlos. Centro Yuriko Estevez y Daniel Manzano con los portavoces del Jurado Nelson Herrera (izquierda) y Vicente Chambó (derecha) antes de realizar la entrevista.

-¿Qué objetivos persigue el evento?

-Estudiar, evaluar y analizar la producción en dos áreas específicas del arte, sus aciertos y sus errores, tanto proyectuales como de realización.

-Reunir obra realizada en diversos estados de la República Mexicana, por alumnos, profesores y egresados de universidades públicas y privadas.

-Confrontar la obra de los participantes, producto de los conocimientos adquiridos en universidades públicas y privadas.

-Apoyar y promover la producción y realización de objetos artísticos, resultado de una preparación profesional.

-Adquirir mediante este  sistema, obra que pueda enriquecer el patrimonio cultural de la UNAM.

-¿Por qué motivos dedicar la Bienal específicamente a la instalación y libro de artista?

Porque son dos áreas que están vigentes entre los jóvenes, ya sea por moda o por manejo real de conceptos teóricos y conocimientos prácticos,  para la construcción de los objetos. Porque la Instalación es una disciplina que requiere de amplios conocimientos y manejo de elementos prácticos, técnicos y metodológicos así como el manejo y consciencia del espacio, además de experiencia y manejo de áreas tradicionales de las artes visuales o el diseño.

"Semilla de sol" de Santiago Robles. Pieza ganadora de la sección Libro de Artista. Primera Bienal de Arte y Diseño de la UNAM.

“Semilla de sol” de Santiago Robles. Pieza ganadora de la sección Libro de Artista. Primera Bienal de Arte y Diseño de la UNAM.

-¿Cuál es el perfil del artista que busca la convocatoria, y cómo la diferenciaría de otras Bienales?

El perfil deseado, es el de gente joven con preparación profesional que vincule la producción-investigación con un modelo metodológico, en el campo de las artes y el diseño, ya sea que manejen sus propuestas en una sola disciplina o integren ambas, además de la búsqueda del trabajo inter y multidisciplinario.

-¿Cuál es la idea de consolidación y continuidad?

La Bienal tendrá que consolidarse por el alcance de objetivos profesionales ligados con el proceso de enseñanza-aprendizaje en las Universidades, y la continuidad no tendrá que ser cerrada a los mismos criterios de la primera Bienal; ya que ésta Bienal se caracteriza por estar en continuo movimiento y cada dos años, tendrá que abrirse a temáticas y técnicas diferentes. Cuya característica, la hará diferente a las otras Bienales, y a su vez atractiva. Además, de que será para universitarios y a partir de la segunda a nivel internacional.

Daniel Manzano en su Despacho de la Academia San Carlos de México DF. Foto Vicente Chambó.

Daniel Manzano en su despacho de la Academia San Carlos de México DF. Foto Vicente Chambó.

-Las obras se exponen en 2 recintos, Xoximilco y aquí en San Carlos pleno centro de México DF ¿Qué perfil de público espera que visiten la muestra? ¿Tienen pensado para el futuro otros espacios expositivos?

Efectívamente, en la actualidad se exhibe en las galerías de los planteles Xochimilco y Academia de San Carlos, recintos universitarios, e inclusive, se pretende que para el futuro sea itinerante. Cabe mencionar, que la Facultad de Artes y Diseño cuenta con cuatro sedes, pero por lo pronto solo en dos de ellas se cuenta con galerías para exhibición, próximamente se contará con otros espacios, lo que permitirá diversificar la muestra, inclusive fuera del Distrito Federal (centro del País). Por medio de convenios, se pretende extender a nuevos espacios de exhibición, incluso en otros estados de la República Mexicana. De este modo, el público visitante es más heterogéneo, y damos más oportunidad para evaluar las propuestas, facilitando con horarios de exhibición amplios.

-¿Tiene la Bienal algún otro apoyo institucional además de la propia UNAM? ¿Cuenta con patrocinadores privados?

El principal apoyo económico proviene de la Rectoría de la UNAM, los recursos humanos son de la Facultad de Artes y Diseño, y para la elaboración del catálogo, intervienen los apoyos y patrocinios privados de empresas afines a las artes.

-¿Qué espera de ésta primera edición?

Esperamos primero el conocimiento de la Bienal, e incidir en los ámbitos universitarios, colocándonos como la primera universidad en lanzar una Bienal con estas características y con los objetivos que tienden a la evaluación del proceso enseñanza-aprendizaje mediante el producto presentado.

-Hay una gran diversidad tanto de propuestas como de perfil de artistas por edad, ¿es lo que esperaba?, ¿le sorprende la gran cantidad y calidad de propuestas recibidas?

Si, en ésta primera Bienal, los participantes son de lo más variado, sobre todo en edades. Pero eso no es un problema, al contrario, nos ayudará para las siguientes bienales a establecer categorías por edades, de tal modo que nos permita apreciar a los estudiantes y sus niveles, a los egresados y a los profesores.

Es importante mencionar, que la calidad es sorprendente, creo que recibimos de todo, independientemente de que se llevó a cabo una rigurosa selección. Considero que los jurados realizaron muy bien su trabajo, ya que podemos observar en muchas de las propuestas, las semillas de las cuales en un futuro se obtendrán buenos frutos.

Daniel Manzano en su despacho de la Academia San Carlos. Foto, Vicente Chambó

Daniel Manzano en su despacho de la Academia San Carlos. Foto, Vicente Chambó

-¿Qué le mueve como docente?

Como docente mi principal inquietud se encuentra bajo la línea de investigación-producción, lo que me permite abordar el campo práctico o de producción, sin alejarme de la docencia. En el área docente mi especialidad se ubica en el campo de la metodología de la investigación, los seminarios de titulación tanto a nivel licenciatura como de posgrado.

Considero que la conversión de la Escuela Nacional de Artes Plásticas en Facultad de Artes y Diseño ha sido un logro que permitirá cambios en las expectativas de investigación-producción. Abre vínculos con otras facultades e institutos que propicien intercambios y nuevas posibilidades de investigación a todos los niveles. Asimismo, manejo un seminario específico de investigación y producción de libros alternativos y dirijo un taller-laboratorio de investigación y producción gráfica en la ENAP que lleva por nombre “Carlos Olachea”.

-¿Le merece la pena renunciar al tiempo que dedicaría como artista?  ¿Qué le hace seguir en esta iniciativa?

Es una pregunta muy difícil de contestar, ya que yo creo que nada merece la pena para renunciar a la producción, pero son parte de las actividades como funcionario, el abrir o apoyar proyectos que beneficien a la comunidad universitaria, en especial a la de las artes y el diseño. Y eso da una gran satisfacción, sobre todo, por la gran participación y los beneficios que puede representar para actualizar planes y programas de estudio, además de que permite abrir horizontes en la investigación-producción de las artes y el diseño.

Lo que me impulsa a seguir adelante, es que al apoyar y fomentar estos proyectos, se ayuda a los jóvenes, dándoles incentivos para continuar con su producción y sus estudios, además de que permite que la Facultad de Artes y Diseño (antes ENAP), de la UNAM tenga más presencia real en otros muchos ámbitos profesionales, tanto a nivel nacional como internacional.

Vicente Chambó

“Es mentira que la cultura viva de subvenciones”

Desayunos Makma en Lotelito
Con Toni Benavent, Mariangeles Fayos y Josep Lluís Sirera
Entrevistados por el equipo de dirección de Makma: Vicente Chambó, José Luis Pérez Pont y Salva Torres
Con motivo de la celebración del Día Mundial del Teatro 2014

Si hay algo que tienen los tres en común es pasión por el teatro, más allá de sus lógicas diferencias. Oyéndoles hablar, se entiende que exista un Día Mundial del Teatro, que ellos elevan a la categoría de bien inmaterial de la humanidad. Por eso más que un día en sus vidas, el teatro ocupa la mayor parte de sus prolíficas existencias dedicadas al mundo de las tablas. Toni Benavent, Mariangeles Fayos y Josep Lluís Sirera llevan el teatro en las venas, por cuyas sangres corren, o mejor galopan, cientos de sensaciones que sirven de nutriente a una profesión que adoran. Les duele, por ello, la desidia, cuando no ignorancia, de los responsables políticos en materia tan delicada. Como les duele que sus voces no sean tenidas en cuenta a la hora de revitalizar un sector tan frágil, comparado con el audiovisual.

Toni Benavent (izquierda), Mariangeles Fayos y Josep Lluís Sirera, en los Desayunos Makma de Lotelito. Fotografía: Gala Font de Mora.

Toni Benavent (izquierda), Mariangeles Fayos y Josep Lluís Sirera, en los Desayunos Makma de Lotelito. Fotografía: Gala Font de Mora.

En la distendida y larga entrevista mantenida con ellos en los Desayunos Makma de Lotelito, con motivo de ese Día Mundial del Teatro que cada 27 de marzo se celebra y que ellos prolongan a lo largo del año, Benavent, Fayos y Sirera dibujaron el perfil de un sector repleto de talentos, a falta de un autor (entiéndase, gobierno público) que los entienda. Eso, en lo que respecta al apoyo institucional, porque la profesión también comprenden que debería evitar los compartimentos estancos habidos entre bohemia creativa y pragmatismo empresarial. Del público también afirman que es una cuestión de formación y de gusto, cuyo empuje viene dado por la oferta teatral y su promoción pública, y aquí, de nuevo, lamentan el escaso apoyo institucional y el difuminado eco mediático.

Toni Benavent (izquierda), Josep Lluís Sirera (centro) y Mariangeles, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Gala Font de Mora.

Toni Benavent (izquierda), Josep Lluís Sirera (centro) y Mariangeles, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Gala Font de Mora.

“Es imposible gestionar el sector teatral sin estimarlo”

Mariangeles Fayos, responsable junto a su hermano Enrique del Teatro Olympia de Valencia, levanta el telón con un taxativo apunte: “Se ha trasladado la idea de que la cultura vive de subvenciones y es mentira”. Cuando en su día las hubo, “con un poco de perversidad y que en cierto modo sirvieron para comprar al sector”, subraya Fayos, tampoco estuvieron acompañadas de un plan estratégico. Toni Benavent, gestor cultural y gerente de Albena Teatre, afirma que “es imposible gestionar el sector teatral sin estimarlo”, en alusión a la insensibilidad de los responsables políticos. Sin ir más lejos, Inmaculada Gil Lázaro, ex directora de Teatres de la Generalitat Valenciana y ahora en la subdirección general de CulturArts, a la que Benavent dice no haber visto “nunca” en los estrenos teatrales.

Josep Lluís Sirera y Mariangeles Fayos en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Gala Font de Mora.

Josep Lluís Sirera y Mariangeles Fayos en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Gala Font de Mora.

“La gran trampa fue pensar que había dinero para todo”

Josep Lluís Sirera, autor y adaptador teatral, catedrático de la Universitat Valéncia y ex vicerrector de Cultura de esta misma universidad, señala que “la gran trampa fue pensar que había dinero para todo”. Porque dinero hubo, pero nefastamente gestionado. “¿Qué queda de la Bienal o de la Ciudad de Teatro?”, se pregunta Toni Benavent, perplejo de la apuesta pública “por los grandes eventos”, en lugar de dedicar dinero a las “estructuras de base que permitan generar tejido industrial”. “Que se utilizara el Puente Rialto de Venecia para promocionar la Bienal de Valencia es un chiste”, apostilla Sirera.

Toni Benavent (i) y Josep Lluís Sirera, durante los Desayunos Makma de Lotelito. Foto: Gala Font de Mora.

Toni Benavent (i) y Josep Lluís Sirera, durante los Desayunos Makma de Lotelito. Foto: Gala Font de Mora.

“Las políticas nefastas incluso se premian”

El miedo también sale a colación. Un miedo derivado del quevedesco “poderoso caballero es don dinero”, en aquellos momentos de maná económico que se pensó duraría eternamente, para mayor gloria de quienes repartían tan goloso pastel. “Ha habido miedo por parte del sector teatral”, sostiene Sirera, y luego pone como ejemplo el caso de la Fórmula 1: “La única voz pública que se manifestó en contra fue el director del Instituto de Robótica de la Universidad de Valencia”. Lo más grave de tamaño despilfarro es la irresponsabilidad política, tanto a la hora de la mala gestión de los recursos públicos como de sus consecuencias. “Esa política nefasta incluso se premia”, subraya Mariangeles Fayos. “¿Por qué no se hacen responsables los políticos con su patrimonio personal de los errores que cometen?”, pregunta Sirera.

Toni Benavent (i), Josep Lluís Sirera (c) y Mariangeles Fayos, en los Desayunos Makma de Lotelito. Foto: Gala Font de Mora.

Toni Benavent (i), Josep Lluís Sirera (c) y Mariangeles Fayos, en los Desayunos Makma de Lotelito. Foto: Gala Font de Mora.

“Se está recortando muy mal”

Y aquellos barros trajeron estos lodos. “Se está recortando muy mal”, señala Josep Lluís Sirera. Ya se sabe: privatización de los beneficios y socialización de las pérdidas. Algunos de quienes provocaron el lodazal siguen al frente de subdirecciones, mientras se suceden los despidos en la cadena inferior. Y dada la escasez presupuestaria, “ahora se está trabajando en condiciones de enorme precariedad”, lo que lleva a Mariangeles Fayos a exigir “profesionalidad, transparencia y buena gestión”. Y un recordatorio: “Todas las autonomías están en crisis, pero aquí en la Comunidad Valenciana hay la décima parte de presupuesto que en otras”.

Toni Benavent (i), Josep Lluís Sirera (c) y Mariangeles Fayos, entrevistados por José Luis Pérez Pont (en primer término), Vicente Chambó (c) y Salva Torres. Foto: Gala Font de Mora

Toni Benavent (i), Josep Lluís Sirera (c) y Mariangeles Fayos, entrevistados por José Luis Pérez Pont (en primer término), Vicente Chambó (c) y Salva Torres. Foto: Gala Font de Mora

“Nunca ha habido tantos actores valencianos en series estatales”

“Lo que nos salva de la hecatombe es la pasión por el teatro”, dice Toni Benavent, quien apunta la crisis que lógicamente afecta al sector teatral, para después destacar el “montón de talento” que existe en la profesión. “Nunca ha habido tantos actores valencianos en series estatales: ¡hay una gran cantera!”. Y prosigue: “La materia prima está, sólo falta que alguien crea y apueste por ella”. Esa apuesta, según Mariangeles Fayos, pasa muchas veces por “la ayuda en la captación de público”, lo cual se puede hacer con “una buena promoción por parte de las instituciones”. Porque salas privadas en Valencia “hay muchas”, falta “su visibilidad mediante una correcta gestión pública”.

“La sociedad valenciana necesita un Consejo de las Artes”

Benavent, Fayos y Sirera entienden que urge la ordenación del sector teatral para lograr un mejor rendimiento. “La sociedad valenciana necesita un Consejo de las Artes”, sostiene Sirera, para quien los consejos sectoriales son insuficientes. Y añade: “Un Consejo como el existente en la mayoría de países, con representantes de todos los sectores culturales y presupuestos globales”. Y en esto incluye a las universidades. Se trata, en todo caso, de cambiar la “falta de empatía, ineficiencia e ignorancia” pública (Sirera), por la “puesta en valor de la cultura” (Fayos) mediante políticas de “diálogo con los profesionales del sector teatral; diálogo que se traslade luego a la acción” (Benavent).

Toni Benavent (i), Josep Lluís Sirera (c) y Mariangeles Fayos, durante la entrevista con José Luis Pérez Pont (en primer término), Vicente Chambó (c) y Salva Torres. Foto: Gala Font de Mora.

Toni Benavent (i), Josep Lluís Sirera (c) y Mariangeles Fayos, durante la entrevista con José Luis Pérez Pont (en primer término), Vicente Chambó (c) y Salva Torres. Foto: Gala Font de Mora.

“No hay talento sin una buena gestión del mismo”

“El sector del teatro es muy frágil, frente al audiovisual o las artes plásticas, porque los montajes son efímeros, tienen su fecha de caducidad”, explica Sirera. De ahí que Benavent considere tan necesario vincular lo artístico y lo crematístico, para que la bohemia no vaya por un lado y la industria por otro. “No hay talento sin una buena gestión empresarial del mismo”, agrega. Por eso es tan “necesario vertebrar la ciudad de Valencia a nivel cultural”, si tenemos en cuenta, como subraya Mariangeles Fayos, que “sólo el 4% de los turistas que vienen a la Comunidad Valenciana lo hace atraído por la cultura”, siendo un porcentaje “de los más bajos” con respecto a otras comunidades.

Del público que acude a los teatros, Sirera dice que “cuesta mucho crear y es fácil de destruir”. A su juicio, “es un problema de formación y de gusto; si ves cinco espectáculos buenos, te permite luego ser exigente”. Según Fayos, “el público quiere participar, pero tenemos que hacérselo más fácil”. Sobre todo ahora que, como apunta Benavent, “está acusando la crisis”. Una crisis que, a falta de vientos más favorables, Toni Benavent, Mariangeles Fayos y Josep Lluís Sirera capean con entusiasmo desbordante. Pasión teatral a prueba de recortes.

Toni Benavent (izquierda), Mariangeles Fayos y Josep Lluís Sirera, en los Desayunos Makma de Lotelito. Fotografía: Gala Font de Mora

Toni Benavent (izquierda), Mariangeles Fayos y Josep Lluís Sirera, en los Desayunos Makma de Lotelito. Fotografía: Gala Font de Mora

Salva Torres

La codicia humana no conoce límites

Bienal Martínez Guerricabeitia.
Sala Academia del Centro Cultural La Nau.
Calle de la Universidad, 2. Valencia.
Inauguración: 13 de febrero, a las 19 h.
Hasta el 30 de marzo de 2014.

Se inicia la 12ª Bienal Martínez Guerricabeitia, organizada por la Universitat de València, un referente del arte contemporáneo en la ciudad, que cuenta con veinticuatro años de historia. En esta ocasión se presenta bajo el lema “avaritia omniun malorum radix” o lo que es lo mismo, “el origen de todo lo malo es la codicia”.

Miki Leal, In ictu oculi, 2013. Imagen cortesía Fundación General de la Universidad de Valencia.

Miki Leal, In ictu oculi, 2013. Imagen cortesía Fundación General de la Universitat de València.

La Bienal coincide este año con la conmemoración del 25 aniversario de la Fundación del Patronato Martínez Guerricabeitia (1989 – 2014). Ha sido concebida como un “caleidoscopio” para conocer las últimas tendencias de la creación, entender el estado del arte actual e incitar a la reflexión del público.

De la misma manera, pretende estimular la creatividad de jóvenes artistas españoles, y al mismo tiempo, aumentar el patrimonio artístico de la Universitat de València a través de la selección de una veintena de obras de arte contemporáneo.

Abigail Lazkoz, It only happened once and I don't remember it very well,  2010. Imagen cortesía de la Fundación General de la Universidad de Valencia.

Abigail Lazkoz, It only happened once and I don’t remember it very well, 2010. Imagen cortesía de la Fundación General de la Universitat de València.

El comité de selección ha estado integrado por los críticos Sema De Acosta, Johanna Caplliure, Oriol Fontdevila, Alfonso de la Torre y Lorena Martínez de Corral, y las galerías de arte ADN (Barcelona), Paula Alonso (Madrid), Nuble (Santander), La Real (Palma de Mallorca) y Aural (Alicante). Los artistas seleccionados son Carlos Aires, Efrén Álvarez, Suso Basterrechea, Chubasco, Mavi Escamilla, Miguel Ángel García, Ruth Gómez, Núria Güell, Rubén Guerrero, Haritz Guisasola, Cristina Lama, Abigail Lazkoz, Miki Leal, Juan José Martín Andrés, Nacho Martín Silva, Adrian Melis, Fran Mohíno, Isaac Montoya, Daniela Ortiz y Manuel Ros.

Isaac Montoya, Reconstrucción (París), 2010 (fotografía digital bajo metacrilato, 115 x 250 cm). Imagen cortesía del artista.

Isaac Montoya, Reconstrucción (París), 2010 (fotografía digital bajo metacrilato, 115 x 250 cm). Imagen cortesía del artista.