Óbitos y variedades nocturnas para el noveno Canibaal

‘Muerte y Cabaret’, 9º número de la revista Canibaal
Sporting Club Russafa
Sevilla 5, Valencia
Presentación: jueves 28 de diciembre de 2017, a las 20h

La revista valenciana Canibaal (Revista de Arte, Literatura y Filosofía del colmillo) presenta su noveno número el jueves 28 de diciembre de 2017, dedicado, en esta ocasión, a una sugerente doble temática: ‘Muerte y Cabaret’. La presentación tendrá lugar en el Sporting Club Russafa de Valencia (calle Sevilla, 5), situado en el barrio de Ruzafa. El acto dará comienzo a las 20h y contará con la actuación del trío musical Salami Púrpura, quienes ofrecerán una singular aproximación a la heterodoxa noción de “micro-zazuela-contemporánea”.

Ouka Leele (imagen de cubierta), Aldo Alcota, Curro Canavese, Enfero Carulo, Ana Elena Pena o Julio Soler son solo algunos de los 30 colaboradores (artistas plásticos, fotógrafos, pensadores, poetas y escritores) que han participado en un número en papel que consta de 88 páginas y que, como resulta habitual en la idiosincrasia morfológica de Canibaal, ofrece un nuevo formato.

Canibaal. Makma

En ‘Muerte y Cabaret’ se ha reflexionado de forma interdisciplinar sobre conceptos  como vanguardia, cabaret, literatura y arte, abordando contenidos que tienen la muerte como principal motivo y, finalmente, sobre algunas de las inquietantes intersecciones clásicas entre ambos temas: Cabaret Voltaire, Olga Poliakoff, las Ramblas de Ocaña, Camilo y Nazario, el necroturismo literario, etc.

Se consagra la polémica sección de crítica del delegado en España de FIPRESCI, Oscar Peyrou, sobre películas que no ha visto, el ensayo, la poesía y los ecos que el doble leitmotiv del número suscita en los ámbitos artístico, literario, musical y cinematográfico, así como la sección de pensamiento, con reflexiones sobre el suicidio.

Ocaña, Camilo y Nazario transitan por las Ramblas canibaales en un fotograma de 'Ocaña, retrato intermitente' (Ventura Pons, 1978). Fotografía cortesía de la revista.

Ocaña, Camilo y Nazario transitan por las Ramblas canibaales en un fotograma de ‘Ocaña, retrato intermitente’ (Ventura Pons, 1978). Fotografía cortesía de la revista.

 

 

 

Tras los vestigios de la Revolución bolchevique

’100 años de la Revolución de Octubre. Visiones desde el arte actual’, de VV.AA.
Octubre Centre de Cultura Contemporània (OCCC)
Sala de exposiciones
San Ferrán 12, Valencia
Hasta el 8 de noviembre de 2017

La sala de exposiciones del Octubre Centre de Cultura Contemporània (OCCC), en colaboración con el Centro Ruso de Ciencia y Cultura de Madrid, acoge la exposición ’100 años de la Revolución de Octubre. Visiones desde el arte actual’, comisariada por Emilio Gallego y la participación de los artistas Colectivo Democracia, Emilio Gallego, Carlos García-Alix, Núria Güel, Diana Larrea, Arturo Marián Llanos, Levi Orta, Natalia Pastor, Raquel Puerta y Rafael Tormo i Cuenca, que podrá visitarse hasta el miércoles 8 de noviembre de 2017.

Revolución de Octubre. Makma

Huérfano de oropeles y refrendos conmemorativos oficiales, el centenario de la Revolución bolchevique -epílogo otoñal de la conspicua Revolución Rusa, que portó consigo la disolución del regimen zarista de Nicolás II de Rusia y la constitución de la República Socialista Federativa Soviética de Rusia, uniformada por el prócer bolchevique Vladímir llich Uliánov Lenin- transita de puntillas por el cronograma de fastos y efemérides que suelen alimentar las revisitaciones gubernamentales, muy especialmente en la gran hacienda eslava del Vladímir contemporáneo (Putin), quien, durante su perorata sobre el Estado de la Nación de hace un año, encorsetaba y circunscribía las solemnizaciones al gris y plúmbeo microcosmos académico, eludiendo, de este modo, adentrarse en las ciénagas de un determinante episodio que no sólo brindaría al siglo XX nuevas acepciones para la clase obrera y campesina, sino que extendería sus influjos, de igual modo, por el vasto feudo estético y conceptual del arte.

No obstante, como lúcidamente apunta el crítico de arte y periodista Jose Manuel Costa en el texto ‘De la revolución en las artes. Utopía y práctica’, que formará parte del catálogo de la presente exposción, “los artistas, que ya habían desarrollado sus rupturas formales antes de 1914, sentían que la revolución refrendaba en lo político y en lo económico sus propios planteamientos estéticos. De ahí a ligar todas esas revoluciones y a comprometerse con ellas no había más que un paso. Esta idea es importante en la subjetividad común de la cultura alternativa rusa: no es que estuvieran cogiendo un tren en marcha, ellos lo habían hecho antes”; Vasili Kandinsky, Kazimir Malévich, Olga Rozanova, Ivan Puni o Nathan Altman, verbigracia, erigidos en rúbricas ineludibles de las vanguardias rusas, como son la abstracción lírica, el suprematismo y el cubofuturismo.

Imagen de la obra 'Viva la U.R.S.S 1937', de Diana Larrea, presente en la exposición. Fotografía cortesía del comisario, Emilio Gallego.

Imagen de la obra ‘Viva la U.R.S.S 1937′, de Diana Larrea, presente en la exposición. Fotografía cortesía del comisario, Emilio Gallego.

Atendiendo a estos relevantes sótanos de la razón artística y al sobrevenido poso ulterior del histórico y tabernario mapa floral de la geopolítica, el comisario de la exposición, Emilio Gallego, concita, en ’100 años de la Revolución de Octubre. Visiones desde el arte actual’, a una decena de artistas (incluido el propio Gallego) cuyos respectivos proyectos permiten componer una cartografía contemporánea no sólo de los (aún) arcillosos vestigios, que reportan al espectador un poético testimonio de pretensiones radiográficas, en sumarísimo y reinterpretativo parentesco con el legado iconográfico de la Revolución bolchevique – ‘Siguel el rastro’ y ‘Frutos de la historia’, de Emilio Gallego; ‘Madridgrado’, de Carlos García-Alix; ‘Viva la U.R.S.S 1937′, de Diana Larrea; ‘Pensamiento Único’ y ‘Consecuentes’, de Raquel Puerta Varó-, sino de concisos testimonios coetáneos de la perviviente confrontación discursiva entre el artista/proletario y el endriago capitalista que sojuzga el relato de la sustantividad -’IP7 Implosiò Impugnada 9′ e ‘IP9 Implosiò Impugnada 7′, de Rafael Tormo i Cuenca; ‘Prodezodezhda’, ‘Patrones para una revolución’ y ‘Enlaces y desenlaces’, de Natalia Pastor; ‘Reflexión sobre un souvenir’, de Levi Orta; ‘Régimen de agua’, de Arturo Marián Llanos; ‘Te odio mi amor’, de Núria Güel i Levi Orta; la instalación ‘СМЕРТЬ БУРЖЯМЬ. Muerte a los que viven en el lujo’ y ‘Es más fácil’, así como ‘No lloréis mi muerte. Proseguid la lucha. Adelante siempre. Por encima’ y ‘Order. Act III’, del Colectivo Democracia-.

Tal y como considera Jose Manuel Costa, “Los artistas presentes en esta exposición llevan trabajando en esa interfaz desde hace tiempo, cada uno de ellos desde premisas muy diferentes. Son una muestra de las decenas que existen con la conciencia de que, incluso en el capitalismo rampante, es posible trabajar pensando en el mundo que les rodea, escuchando sus necesidades y trabajando para su solución. Que no por parcial e insuficiente, tampoco debería desviarse del objetivo final”.

 Imagen de la obra 'Siguel el rastro', de Emilio Gallego, presente en la exposición. Fotografía cortesía del artista.

Imagen de la obra ‘Siguel el rastro’, de Emilio Gallego, presente en la exposición. Fotografía cortesía del artista.

MARTES 7 DE NOVIEMBRE DE 2017. ACTO DE CLAUSURA

Con motivo del centenario del asalto al Palacio de Invierno de San Petersburgo por parte de los guardias revolucionarios -bajo las órdenes de León Trotsky-, que depuso al gobierno provisional de Alexander Kerensky, el 25 de octubre de 1917 (en base al antiguo calendario juliano, vigente hasta encontes) y en el marco de ’100 años de la Revolución de Octubre. Visiones desde el arte actual’, el próximo martes 7 de noviembre, a partir de las 19h, el Octubre Centre de Cultura Contemporània (OCCC) acoge el acto de clausura, en el que se proyectará el video-arte del Colectivo Democracia ‘Order. Act III. Dinner at the Dorchester’ (17 min.), rodado en el elitista Hotel Dorchester de Londres, en las navidades de 2016, en el trascurso de una cena real de la alta burguesía, donde se produce una sorprendente acción.

A continuación, el documental ‘El honor de las injurias’, dirigido por Carlos García-Alix en 2008, en el que el artista narra su investigación sobre la vida de un viejo pistolero anarquista, Felipe Sandoval, quien, durante la Guerra Civil Española, en su sueño por alcanzar la revolución social, se convertirá en atracador primero y asesino despiadado después.

Imagen de la obra 'Madridgrado', de Carlos García-Alix, presente en la exposición. Fotografía cortesía del comisario, Emilio Gallego.

Imagen de la obra ‘Madridgrado’, de Carlos García-Alix, presente en la exposición. Fotografía cortesía del comisario, Emilio Gallego.

Jose Ramón Alarcón

 

Mujeres y arte protagonizan De Par en Part

Festival de Par en Part
VI Bienal de Arte y Diseño
Diferentes espacios de Buñol (Valencia)
Del 26 al 29 de octubre de 2017

Las mujeres están en el punto de mira del Festival de Par en Part, en Buñol, que abrió sus puertas este 26 de octubre. La mayoritaria presencia femenina ha sido uno de los propósitos de la Concejalía de Cultura y la organización del festival que buscan dar protagonismo y visualizar el papel de la mujer en el arte y en la sociedad, según afirma Arantxa Bonillo, codirectora del evento.

La muestra ‘La ciudad de las mujeres. Fotografía, espacios y género”, que reúne la obra del colectivo de mujeres fotoperiodistas Objectives, propone pensar la ciudad como espacio político desde una perspectiva de género, enfrentándose así a la persistente exclusión femenina de lo público y reivindicando la condición de ciudadanía que ellas han conquistado.

Festival De par en part en Buñol. Imagen cortesía de la organización.

Festival De par en part en Buñol. Imagen cortesía de la organización.

Los siete proyectos sobrepasan el lenguaje fotográfico para descubrir otros como formas expresivas como la instalación audiovisual, el vídeo o la cartografía. Las autoras narran historias mediante diferentes mujeres y espacios: sus recorridos, sus acciones diarias, y se detienen para reflexionar sobre su papel en la vida política, la vida pública, su territorialidad y su representaciónen el espacio urbano.

Otro plato fuerte en De Part en Part es la exposición personal de la artista Elena Martí. Bajo eltítulo’”Frágil’, la muestra reúne un conjunto de obras de distintos formatos y técnicas con unelemento común, la fragilidad que nos transmiten los materiales con los que trabaja. Elena Martí elabora “paisajes” con elementos naturales y óxidos, regidos por la acción del tiempo y su efecto en la materia.

Festival De par en part de Buñol. Imagen cortesía de la organización.

Festival De par en part de Buñol. Imagen cortesía de la organización.

Las cinco intervenciones de arte urbano en el entorno de Buñol serán realizadas por mujeres, con muralistas como Julia Silla, conocida como Julieta XLF, una artista muy activa en la Comunidad Valenciana, con una amplia iconografía de marcado carácter infantil, cercana al arte oriental, con influencias del kawaii japonés y el pop psicodélico.

Las otras intervenciones de street art irán de la mano de la artista uruguaya Lucía Pintos, con la obra ‘Nulo’, Doa Oa, con ‘Reforestando’, un proyecto mural que hace una metáfora del resurgir de la vida, Raquel Rodrigo con ‘Arquicosturas’, una especie de “segunda piel” que se inserta enespacios urbanos y Alba Bla, con una obra lúdica entre el absurdo, la lógica y lo mágico de la vida.

De igual manera, destaca la mayoritaria presencia de artistas mujeres que presentan sus obras enlas 35 casas, locales y estudios abiertos al público durante los tres días de festival.

Festival De par en part. Imagen cortesía de la organización.

Festival De par en part. Imagen cortesía de la organización.

Arístides Rosell y Raimundo Díaz

130 artistas toman Buñol

De Par en Part
Festival de Arte y Diseño de Buñol
Diferentes espacios de Buñol (Valencia)
Del 20 al 29 de octubre de 2017

¿Qué sucede cuando el arte toma una urbe por asalto, cuando nada parece importar más que esa relación entre público y artistas? Hemos visto en los últimos años una avanzada de festivales en los que el arte deja de estar enclaustrado en su zona de confort: las galerías, los museos, estudios, y sale a la calle en busca de la gente, interesado en una mayor socialización, liberándose de sus misterios e intimidades. Como quien acude a una playa nudista.

Así asistimos -por segunda vez ya- a la VI Bienal de Arte y Diseño de Buñol, que para su renovación incluyó hace dos años el Festival De Par en Part, hijo directo de Russafart, otro evento que renovó en la Comunidad Valenciana la manera de interactuar con el público, abriendo los estudios de los artistas a la población.

Festival De Par en Part. Fotografía de Raquel Abulaila por cortesía de la organización.

Festival De Par en Part. Fotografía de Raquel Abulaila por cortesía de la organización.

El formato actualizado de “puertas abiertas” redimensionó en 2015 una Bienal, que había sido referente nacional e internacional para el mundo del arte y que casi por desidia había caído en el olvido. Ese año se consiguió atraer a más de 100 artistas hacia un Buñol interesado en salirse de los límites tradicionales de los eventos realizados en la comarca y abonar una vez más el terreno de la cultura. Todos ganaron.

Buñol comienza a visualizarse también como una plaza en la que cada dos años, pintores, escultores, grabadores, diseñadores asaltan los espacios urbanos con sus obras, se organizan concursos, talleres, exposiciones, nuevos grafitis invaden los muros. Todo con una complicidad indescriptible con la población local, que la mayor de la veces hace de juez y parte.

Las calles se convierten en un hervidero de ideas y proyectos que posicionan el arte local, nacional e internacional presentes en el evento. Los resultados son visibles. Se ha despertado un mayor interés por el arte. Este año, sus organizadores esperan la participación de unos 130 artistas y 35 casas de vecinos abren sus puertas a expositores.

Cartel del festival De Par en Part. Imagen cortesía de la organización.

Cartel del festival De Par en Part. Imagen cortesía de la organización.

Del 20 al 29 de octubre se programan un sinnúmero de actividades vinculadas a las artes plásticas y al diseño pero también conciertos, espectáculos de danza, conferencias magistrales. La inauguración, el viernes 20 de octubre, contó con la apertura de dos exposiciones en el Castillo de Buñol: la muestra fotográfica ‘Ciutat de les dones’, sobre el rol de la mujer en la sociedad contemporánea y que reúne la obra del colectivo de mujeres fotoperiodistas Objectives, y ‘Frágil’, de la artista Elena Martí, centrada en el ser humano y la naturaleza.

Ese día se presentó un espectacular “videomaping” interactivo del grupo multidisciplinario VitaminArt, en cuyas proyecciones fusiona la expresión artística con las últimas tecnologías, haciendo de sus presentaciones un sugestivo y deslumbrante espectáculo visual. La noche se cerró con el espectáculo de danza aérea ‘Célula’ del grupo Subcielo, pieza de tango bailada sobre pared.

El sábado 21, a la misma hora, se presentó un espectáculo del taller de danza comunitario TaiatDanza en la Sala Raga, mientras que el miércoles 25 en ese mismo espacio se proyectará el documental ‘Manuel Ballester, el llanto airado’, de Giovanna Ribes.

Vista de la exposición de Elena Martí. Imagen cortesía del festival De Par en Part.

Vista de la exposición de Elena Martí. Imagen cortesía del festival De Par en Part.

Los días intensos del festival

Durante el fin de semana, del 26 al 29 de octubre, se programan las jornadas más activas de la mano del Festival de Par en Part. Vecinos y visitantes podrá disfrutar de acciones plásticas de directo, murales, concurso de pintura rápida; talleres de modelado 3D y arquitectura para niños; conciertos; exposiciones y puertas abiertas de más de 30 casas con exposiciones por todo Buñol. Y para dejar un buen sabor de boca, la oferta se completa con una enriquecedora ruta de la tapa,iniciativa a la que se han sumado los bares y restaurantes que colaboran con el festival.

Aunque el festival De Par en Part se inaugura el 26 de octubre en la sala Raga a las 19.30 horas, desde las 10 de la mañana de ese día se podrán apreciar las intervenciones de muralistas como Julia Silla, conocida como Julieta XLF, una artista muy activa en la Comunidad Valenciana, con una amplia iconografía de marcado carácter infantil, cercana al arte oriental, con influencias del kawaii japonés y el pop psicodélico.

Vista de una de las exposiciones del festival De Par en Part. Fotografía de Raquel Abulaila por cortesía de la organización.

Vista de una de las exposiciones del festival De Par en Part. Fotografía de Raquel Abulaila por cortesía de la organización.

Otras intervenciones de street art irán de la mano de la uruguaya Lucía Pintos, con la obra ‘Nulo’, Doa Oa, con ‘Reforestando’, un proyecto mural que hace una metáfora del resurgir de la vida, Raquel Rodrigo con ‘Arquicosturas’, una especie de “segunda piel” que se inserta en espacios urbanos y Alba Bla, con una obra lúdica entre el absurdo, la lógica y lo mágico de la vida.

El 26 de octubre se inaugura en la sala Raga una exposición homenaje al artista buñolense Emilio Villar ‘Cuco’, con un conjunto de pinturas abstractas, mientras que el en mercado municipal se abre la muestra de esculturas ‘Martingalas’, de Luis Pascual Ferrer.

El 27 de octubre, entre las 17.30 y las 20.30, se abrirán al público las casas y talleres de Buñol, con visitas guiadas por especialistas del Ayuntamiento y explicaciones in situ en distintas exposiciones. Para las once de la noche tendrá lugar en Venta Pilar el concierto ‘PinteracciónJazz’, un espectáculo que mezcla jazz y pintura en directo.

Festival De Par en Part. Fotografía de Raquel Abulaila por cortesía de la organización.

Festival De Par en Part. Fotografía de Raquel Abulaila por cortesía de la organización.

El 28 de octubre se desarrollará el concurso de pintura ‘Paisajes del Castillo’, las casas y talleres abrirán en horas de la mañana y tendrán lugar dos talleres, previa inscripción. El primero, de animación 3D impartido por Jaime Rehues en la sala Raga y el segundo, de arquitectura para niños en la sala de la Tomatina. Ese día se premiarán las obras participantes en el concurso de intervenciones efímeras del paisaje.

‘The Left (I) overs’ es el título de la conferencia que impartirá Basurama, a las 20.00 horas en la sala Raga. Basurama es un colectivo madrileño con alcance internacional que realiza intervenciones con desechos. La noche cierra con el concierto de los grupos Demoliciones constructivas, Punk Sailor y Vevas Band.

El concurso de pintura rápida será el plato fuerte en la jornada final del festival de Par en Part el domingo 29 de octubre, día en que los estudios y casas mantendrán sus puertas abiertas a los visitantes. De Par en Part apuesta fuerte por artistas internacionales y últimas tendencias en diseño, convirtiéndose así en uno de los festivales de arte de renombre en la Comunidad Valenciana.

Festival De Par en Part de Buñol. Imagen cortesía de la organización.

Festival De Par en Part de Buñol. Imagen cortesía de la organización.

Arístides Rosell y Raimundo Díaz

Santander estrena octubre con arte en la calle

ARTEcturas
C / Juan Plaza García (junto a la Catedral). Santander
1 de octubre de 2017

El domingo 1 de octubre se celebró en Santander la primera edición de ARTEcturas, un festival  que acercó la arquitectura, arte y cultura a las calles de la capital cántabra. Impulsado por CALMA (Construction After Living Metropolitan Architects) de la mano de César Córdoba y Sergio Córdoba, junto a Espacio Lateral y patrocinado por el Ayuntamiento de Santander, el evento, de carácter gratuito, tuvo lugar en una de las calles anexas a la Catedral.

El cuentacuentos Alberto Sebastián en Artecturas. Foto: Néstor Navarro

El cuentacuentos Alberto Sebastián en el festival Artecturas. Foto: Néstor Navarro

Más de una veintena de artistas y grupos locales participaron en este nuevo festival cuyo escenario efímero, construido con palets de madera, es obra de los ganadores del concurso de ideas convocado por el Colegio de Arquitectos de Cantabria: la arquitecta Elena Maza y el artista plástico Alfredo Santos.

Público en el festival Artecturas. Foto: Néstor Navarro.

Público en el festival Artecturas. Foto: Néstor Navarro.

ARTEcturas se desarrolló en una jornada intensiva que comenzó a las 11.00 de la mañana con Alberto Sebastián con un cuentacuentos dirigido a los más pequeños. A partir de ese momento, once horas ininterrumpidas de actuaciones musicales como las de Alabama Monroe o Moikave, teatro de la mano de la compañía cántabra Escenario Miriñaque, doble sesión de danza con Breaking Beach, la pintura de Sao&Cecilio Espejo, el recital de poesía protagonizado por Fran Palacio o incluso una sesión de micrófono abierto que dio la oportunidad a los asistentes a compartir con el público sus dotes artísticas.

Ambiente en la calle durante el festival Artecturas. Foto: Néstor Navarro

Ambiente en la calle durante el festival Artecturas. Foto: Néstor Navarro

La jornada concluyó con una sesión de cine, en donde se proyectó una serie de cortos seleccionados. Tras un domingo cargado de cultura, ahora habrá que esperar si este ARTEctura ha conseguido conquistar al público de Santander y hacerse un hueco dentro del panorama cultural santanderino.

Hot Café Fusion en el festival Artecturas. Foto: Néstor Navarro.

Hot Café Fusion en el festival Artecturas. Foto: Néstor Navarro.

Danae N.

“Debería haberse escuchado la voluntad de Picasso”

Genoveva Tusell, autora de ‘El Guernica recobrado’
Ediciones Cátedra
Septiembre de 2017

La historiadora del arte Genoveva Tusell ha desentrañado en ‘El Guernica recobrado. Picasso, el franquismo y la llegada de la obra a España’ (Cátedra) el sinfín de circunstancias que hizo posible la vuelta a nuestro país de la gran obra maestra de Picasso.

Desde su creación para el pabellón español de la Exposición Internacional de París en 1937, donde se exhibiría junto a obras de Joan Miró y Alberto Sánchez, hasta su llegada al Casón del Retiro en 1981, pasando por su estancia en el MoMA, museo al que Picasso lo confió hasta que se devolvieran las libertades al pueblo español, el celebérrimo mural se convertiría en el gran símbolo por la paz y en contra de la guerra de nuestra época.

El ensayo de Genoveva Tusell se apoya en una sólida labor de investigación. Da cuenta de ello una extensa bibliografía, así como de documentación (epistolarios, fotografías) poco habitual.

Operarios sacan el Guernica del MoMA. Archivo Javier Tusell

Operarios sacan el Guernica del MoMA. Archivo Javier Tusell

Además de por su padre, el historiador Javier Tusell, que estuvo implicado en la devolución del Guernica a España, ¿qué otros factores intervienen en su decisión de investigar el complejo periplo del cuadro de Picasso desde su creación por Picasso en 1937?

Se trata de una investigación que me ha ocupado mucho tiempo, pues encontré las primeras informaciones sobre Picasso y sus relaciones con el franquismo cuando estaba realizando la búsqueda de información para mi tesis doctoral hace más de quince años. Poco a poco he ido profundizando en el tema a partir de mis búsquedas en archivos públicos españoles, hasta que finalmente la investigación ha ido tomando un cariz más personal cuando ha entrado a formar parte de ella la figura de mi padre. Debo agradecer a Álvaro Martínez-Novillo, que fue Subdirector General de Artes Plásticas, su apoyo y aliento para realizar este libro, ya que además me ha servido para contrastar y verificar informaciones.

¿Se ha llevado alguna sorpresa durante la fase heurística?

Las sorpresas han sido muchas, he descubierto cosas sobre esta historia que para mí eran por completo desconocidas. Por un lado, el papel de personas como José Luis Fernández del Amo, José María Moreno Galván, los galeristas Joan y Miquel Gaspar o el alcalde de Barcelona José María de Porcioles, que contribuyeron decisivamente a que hubiera un mejor conocimiento de la obra de Picasso durante el franquismo. Gracias a este libro he comprendido que la recuperación del Guernica fue una ardua tarea que implicó a un gran número de personas de muy diversa procedencia: diplomáticos, intelectuales, ministros, el personal del Ministerio de Cultura, abogados, etc. No es ni mucho menos fruto del trabajo de una sola persona, sino una labor conjunta de un gran grupo de personas de extraordinaria valía.

En el terreno de las anécdotas, he podido comprobar que se realizó una copia fotográfica a tamaño natural del Guernica para decidir en qué pared se instalaría de la Sala Lucas Jordán en el Casón del Buen Retiro. O el hecho de que la obra viajara a España a bordo de un avión de línea regular de la compañía Iberia. Lo hizo sin seguro, ya que no tenía sentido que el Estado se asegurase a sí mismo siendo el responsable del traslado.

En ese enmarañado proceso de devolución, en el que además del MoMA y su director de entonces, Richard E. Oldenburg, así como a su conservador jefe de pintura, William Rubin, encontramos a los herederos de Picasso, ¿qué hecho o personaje le parecen fundamentales a la hora de explicar el éxito de la empresa?

Por un lado, habría que destacar el papel de Rafael Fernández Quintanilla, embajador gracias al cual se localizó la documentación que probaba la propiedad del Guernica por parte del Estado Español. También Íñigo Cavero, un gran ministro de cultura, que supo ver la importancia de la recuperación de la obra; pero también Javier Tusell o Álvaro Martínez-Novillo, que trabajaron incansablemente hasta ver el cuadro instalado en España. El MoMA de Nueva York mostró una actitud muy colaborativa desde el primer momento, y gracias a su generosidad y la de los herederos el Guernica llegó a España junto con las obras preparatorias y postscriptos, un conjunto de gran importancia que no debía ser desligado de la obra maestra de Picasso.

Dos camiones transportaron el Guernica hasta el aeropuerto JFK de Nueva York. Archivo Javier Tusell.

Dos camiones transportaron el Guernica hasta el aeropuerto JFK de Nueva York. Archivo Javier Tusell.

¿Le parece que el cuadro debiera estar en El Prado, tal y como Picasso deseaba?

Afortunadamente, es un tema que a mí no me compete. Creo, eso sí, que antes de moverlo en 1992 debería haberse tenido en cuenta el compromiso adquirido en su devolución de respetar la voluntad de Picasso de que fuera exhibido en el Museo Del Prado. El Reina Sofía se creó en torno al Guernica y, hoy por hoy, es el lugar de donde no debe moverse el cuadro por motivos de conservación.

¿Qué representa, hoy, el Guernica?

El Guernica es una de las obras clave del arte del siglo XX, un icono contra la violencia desencadenada por los conflictos bélicos. Es una obra de plena actualidad, cuya imagen se utiliza aún hoy para denunciar, por ejemplo, las matanzas de civiles que tienen lugar en Siria. Cuando el Guernica llegó a España se le recibió como el ultimo exiliado. Era y es un recuerdo permanente de lo que significó la guerra civil y los años de dictadura, una imagen que nos recuerda que debemos luchar para que todo eso no vuelva a suceder en nuestro país.

Rafa Martínez

La fascinación por Valencia de Jean Dieuzaide en MUVAET

El país que va fascinar Jean Dieuzaide. La mirada francesa
Museu Valencià d’Etnologia MUVAET
C/Corona, 36 Valencia
Hasta el 10 de septiembre de 2017

El Museu Valencià d’Etnologia, dependiente del área de Cultura de la Diputación de Valencia, presenta la muestra ‘El país que va fascinar Jean Dieuzaide’, donde a través de 115 imágenes del reconocido fotógrafo, cámaras y libros -entre los cuales destaca un ejemplar de ‘L’Espagne du Sud’-, se muestra una buena parte de las diferentes actividades o formas de vida que existían en la sociedad valenciana entre el 1951 y el 1971: las rutinas agrícolas y ganaderas, la pesca, el transporte, las diferentes condiciones de vida y las costumbres y fiestas populares. Un conjunto de instantáneas que permiten acercarse a nuestro pasado reciente: cómo éramos, a qué nos dedicábamos, de qué forma vivíamos. La muestra parte del recorrido que el fotógrafo francés realizó por la Comunidad Valenciana durante los años 50 del siglo XX.

Torres de Serano, fotografiadas por Jean Dieuzaide

Torres de Serano, fotografiadas por Jean Dieuzaide. Imagen cortesía de MUVAET

Durante el acto de presentación, el diputado de Cultura, Xavier Rius, aseguró que esta muestra “ilustra la imagen que proyectaba la sociedad valenciana durante los primeros años de la segunda mitad del siglo pasado”, al tiempo que “permite efectuar una reflexión hacia cómo nos identificaban, cómo nos percibían a los valencianos de aquella época a través de nuestras costumbres y tradiciones y nuestra forma de comportarnos en sociedad”.
Por su parte, el director del Museu Valencià d’Etnologia, Francesc Tamarit, indicó que la exposición estaba trabajada “a partir de los materiales originales del fotógrafo”, unas instantáneas “que presentan a la sociedad valenciana lejos de cualquier tipo de estereotipo, tópico ni exotismo, desde una mirada muy honesta y sincera”.
La muestra está comisariada por Mateo Gamón y Manuel Cerdà y ha contado con la colaboración del Ayuntamiento de Toulouse. El primero definió a Jean Dieuzaide como “un gran sacerdote de la obra fotográfica”, a la vez que destacó “la vida entera dedicada al género fotográfico” por parte del autor. Así mismo, Manuel Cerdà explicó que la muestra se había “revestido de una vertiente etnológica donde el verdadero protagonismo se encuentra en el ser humano que entre 1951 y 1971 residía en el territorio valenciano”.
Jean Dieuzaide fascinado por Valencia
La editorial Arthaud encargó en 1951 a Jean Dieuzaide las fotografías para un impresionante libro del profesor Jean Sermet ‘L’Espagne du Sud’. Acompañado por su joven esposa Jacqueline cruzó en coche los Pirineos para llegar a Valencia, en el que supuso su primer trabajo en el extranjero. Era julio de 1951 y desde esta ciudad empezaría un recorrido fotográfico por un país que estaba curando las heridas de una guerra civil particularmente atroz, y donde observó con detenimiento la pervivencia de unas costumbres, unas tradiciones, unas maneras de concebir el mundo, que poco tenían que ver con el momento que atravesaba la Europa Occidental.
En 1953, el éxito del primer libro incitó el editor a encargarle un nuevo proyecto que trató en esta ocasión de la España del levante, durante el cual hará su famoso retrato de Salvador Dalí: Dalí dans l’eau.

Dalí dans l’eau. retratado por Jean Dieuzaide

Dalí dans l’eau. retratado por Jean Dieuzaide

El fotógrafo humanista
Dieuzaide se integra en el medio humano, aprovechándose de su conocimiento del mundo rural, buscando un contacto íntimo y auténtico con la realidad. El exotismo no le interesa. Prefiere la atemporalidad de una España, que retiene para si las marcas de unas esencias y la sustancia misma de la vida cotidiana de este país.
‘El país que va fascinar Jean Dieuzaide’, se articula hacia un total de siete ejes temáticos, que transitan desde la figura del fotógrafo, pasando por las actividades agrícolas y ganaderas propias de la sociedad valenciana de la época, la pesca, el transporte y las comunicaciones, las incursiones en una economía básicamente de subsistencia, las costumbres y las tradiciones populares, hasta llegar a otras instantáneas obtenidas en algunos de los viajes efectuados por Dieuzaide a otras localizaciones de la península.
A diferencia de otros tratamientos, las fotografías de Jean Dieuzaide huyen de una presentación folklorista o exótica de la sociedad que retrata. El suyo es un enfoque básicamente realista en el cual se preservan las realidades cotidianas de la calle y del trabajo artesanal o rural. En palabras del mismo autor, el enfoque “retiene para sí las marcas de unas esencias, la sustancia misma de la vida cotidiana de este país”.

Jean Dieuzaide. Imagen cortesía de MUVAET

Jean Dieuzaide. Fotografía cortesía de MUVAET

Más información

Superficie de ruptura. Cristina Ramírez

Superficie de ruptura. Cristina Ramírez
Espacio Iniciarte
Calle Capitulares, 2 y calle Pedro López, 5
Córdoba
Hasta el 27 de agosto 2017

La exposición ‘Superficie de ruptura’ de la artista Cristina Ramírez (Toledo,1981), cuyo ciclo se inició en el Espai galería del Tossal (Valencia, diciembre 2016), con ‘Negro humo’, sigue mostrando la genialidad del trazo en el dibujo como obra definitiva, reivindicativa y con argumento propio. Actualmente visible renovada y ampliada, la muestra puede seguirse en el Espacio Iniciarte de Córdoba, ubicado en una antigua Casa Palacio de la Diputación y Biblioteca Provincial de Córdoba. Actualmente, también la Delegación Territorial de Cultura, cuya sala fue rehabilitada en el año 2010 para uso expositivo.

Las obras que componen, esta muestra impecable, forman parte de un todo, es decir, confirman la existente necesidad de imbuirse en la temática que la autora propone, para despertar la capacidad meditativa de cada visitante.

El punto de partida podría ser, la incertidumbre que suscita una naturaleza potente y descontrolada, la cual posee la capacidad divina de modificar todo el entorno hasta ahora conocido. Pero como apostilla Víctor Borrego, ”todavía podemos hacer hipótesis, inferir, atisbar y hasta dar expresión a nuestras expectativas;” otorgando a la humanidad esa capacidad redentora y salvadora, frente a lo inevitable.

'' 2.5 en el silencio se hace grande''. Imagen: cortesía de Cristina Ramírez

” 2.5 en el silencio se hace grande”. Imagen: cortesía de Cristina Ramírez

Con un estilo, que recuerda a la tendencia japonesa del manga, plasma una naturaleza desbocada y atroz, devorando todo a su alrededor. Rescatando la idea reflexiva que propone Borrego en su escrito, nos encontramos ante un punto de inflexión, en el que se presentan dos caminos; por un lado adentrarnos en la más oscura de las incertidumbres sin retorno y por otro,  cambiar el color que pinta el futuro.

La utilización de los colores, como continuidad de lo anterior, se reduce al blanco y negro, superpuesto uno sobre otro para crear texturas, espacios y profundidad aportando calidad al mensaje inicial. Podría entenderse que la presencia humana queda reducida a la figura del espectador, sin embargo, se aprecia en elementos de las propias representaciones como apunta PAC (Plataforma de Arte contemporáneo) ”(…)La podemos encontrar, no como figuración del cuerpo humano, sino a través de las creaciones del hombre: la escalera y la valla, elementos muy simbólicos, vinculados al mundo artesanal y al hogar.” Prueba de ellos es la obra Un zumbido durante días ( 2017).

Fragmento de la exposición, y de la obra  '' Un zumbido durante días''. Imgen: cortesía de Cristina Ramírez

Fragmento de la exposición, y de la obra ” Un zumbido durante días”. Imgen: cortesía de Cristina Ramírez

El trabajo de Cristina Ramírez, invita a reflexionar sobre nuestro propio futuro mirando a través de sus ojos, usando como hilo conductor del discurso la historia narrada mediante sus tintas. Y como sentencia Borrego ”(…) después todo es incierto, penetramos, con horror reverencial, en esa nube del no saber”.

Victoria Herrera Lluch

Geografía del tiempo. Bleda y Rosa

Geografía del tiempo
Bombas Gens Centre d’Art
Av. Burjassot, 54. Valencia.
Hasta  el 19 de noviembre 2017

La apertura del anunciadísimo espacio cultural ‘Bombas Gens’, a partir de la recuperación de la antigua fábrica que ha mantenido su nombre, parece mostrar un nuevo camino a los vecinos del valenciano barrio de Marchalenes. Sin duda, un camino hacia la cultura contemporánea pero también un paseo por la historia que supone el cambio de estado de un espacio en decadencia -desde que una fundación privada toma la decisión de actuar-, hasta su actual apertura y puesta en escena.

De alguna manera, el monumento arquitectónico presenta una unión indiscutible entre pasado y presente, entre lo cultural y la iniciativa privada, y debería hacer reflexionar hacia lo que supondría una ley de mecenazgo que facilitara este tipo de experiencias en las que el beneficiario es el ciudadano (del mundo, no solo los vecinos).

Como muestra de una de esas líneas imaginarias, en concreto, la que separa el ayer del hoy, la exposición ‘Geografía del tiempo’, recoge una selección excelsa del trabajo fotográfico de los artistas María Bleda (Castellón 1969) y Jose María Rosa (Albacete 1970), quienes gracias a su ojo experto presentan un nuevo recorrido visual sobre paisajes.

Imagen: Acceso al complejo de Bombas Gens. Cortesía Makma

Acceso al complejo de Bombas Gens. Imagen: cortesía Bombas Gens.

La temática paisajística, siempre ha ocupado un lugar relevante en los ideales artísticos, y tanto los imponentes monumentos arquitectónicos, como las grandes obras pictóricas, han otorgado un papel prioritario a los entornos y paisajes en los que se desarrollan. Incluso llegando a convertirse en el eje principal de la obra, como ocurre en las representaciones de Monet, y Friederich Caspar, entre otros, las cuales están cargadas de simbolismo a la par que de una belleza inconmensurable.

En el caso de Bleda y Rosa, han querido ir un paso más allá del obturador, y fusionar de manera consciente o no, esa idea ya mencionada sobre la vigencia del pasado en el presente. Para ello, muestran en sus registros fotográficos enfoques de gran calidad sobre los espacios geográficos escogidos, entre los cuales, su relevancia histórica, no se considera un pretexto, sino que ocupa de manera concluyente, un papel principal en la composición de cada pieza.

Imagen: Detalle de la obra de Bleda y Rosa. Grao de Castellón. Cortesía Bombas Gens

Detalle de la obra de Bleda y Rosa. Grao de Castellón. Imagen: cortesía Bombas Gens

La presencia de determinados acontecimientos históricos como La Batalla de Waterloo (1815) o La Batalla de Lepanto (1571), la unión entre acontecimiento y ubicación, genera una sutil y perspicaz representación artística, obligando al espectador a dedicarle a cada obra el tiempo que se merece. Esta experiencia, propone un nuevo prisma sobre el que mirar, entender y reflexionar, creando nuevos recuerdos sobre escenarios ya conocidos.

Victoria Herrera

Las dubitaciones creativas de Maite Centol en el CAI

‘D.u.d.a. Sobre la incertidumbre’, de Maite Centol
Sala 1
Centro de Cultura Antiguo Instituto
Jovellanos 21, Gijón
Hasta el 20 de agosto de 2017

La exposición ‘D.u.d.a. Sobre la incertidumbre’, que se ha inaugurado el pasado jueves 20 de julio en las Sala 1 del Centro de Cultura Antiguo Instituto de Gijón/CCAI, y que permanecerá abierta hasta el 20 de agosto de 2017, muestra una de las últimas propuestas de la artista Maite Centol.

En el espacio se integran tres instalaciones independientes en su formalización y desarrollo, que ahora se relacionan entre sí para establecer un discurso sobre la incertidumbre, sobre el grado de desconocimiento, generando desacuerdos sobre lo que se sabe o podía saberse, sobre la naturaleza de eso que llama mundo. Así, a través de una asociación de elementos compositivos diversos -que se corresponden con búsquedas y procesos de trabajo de diferente naturaleza, realizados por la artista en los últimos años-, la artista busca generar preguntas e hipótesis sobre la realidad humana.

Una primera pieza -una gran valla de retículas romboidales- sitúa al espectador dentro o fuera, en una representación irónica sobre límites personales y fronteras políticas. En otra de las propuestas se muestra el proceso creativo convertido en colección fotográfica, casi en catálogo de tipologías, sobre construcciones mínimas, arquitectura accidental que comparte escala y fragilidad con la condición humana.

La tercera de las piezas de la exposición es fruto de la colaboración con Juan Larrañaga, quien por su experiencia vital y profesional refleja también en su forma un tiempo de producción ahora pasado; un artilugio, un collage analógico con materiales del siglo XX creado para simular o interpretar el movimiento del corazón, el latir.

Imagen de parte de las obras presentes en la exposición ‘D.u.d.a. Sobre la incertidumbre', de Maite Centol. Fotografía cortesía del CAI.

Imagen de parte de las obras presentes en la exposición ‘D.u.d.a. Sobre la incertidumbre’, de Maite Centol. Fotografía cortesía del CAI.

Maite Centol (Logroño, 1963), quien reside y ha desarrollada su carrera artística en Gijón, es ya una artista consolidada, con un amplio currículo expositivo a sus espaladas, que ha llevado sus creaciones a diferentes espacios, tanto en el ámbito nacional (Asturias, Barcelona, Valencia, etc.) como internacional ( Inglaterra, Suecia, Chile, México. Una parte de su obra se encuentra en colecciones como las de el Museo de Bellas de Artes de Asturias y la Colección Monte de Piedad de Sevilla.

En sus propuestas utiliza diferentes estrategias y disciplinas con las que plantea una comunicación real con el espectador, haciéndole voluntario del proceso. Dibujo, propuestas pictóricas sobre diferentes soportes, fotografía, vídeo, performance o instalaciones sonoras son algunos de los lenguajes utilizados por la artista para transmitir sus reflexiones sobre la práctica artística, sobre la relaciones humanas, sobre el mundo que nos rodea. En definitiva, sobre la existencia en sí misma.

Con esta propuesta, la Sala I del CCAI sigue con su política de mostrar los proyectos seleccionados dentro de la convocatoria anual de subvenciones para producciones artísticas de la FMCEyUP, dando así cabida a manifestaciones artísticas contemporáneas de diferente naturaleza.

“Tres instalaciones que, independientes en su formalización y desarrollo, articulan ‘D.U.D.A’ con interés en compartir reflexiones sobre la realidad humana y su incertidumbre. Introspección irónica, inspirada en el ‘Principio de Incertidumbre de Heisenberg’, según la que, en una definición reducida, podemos señalar que se trata de un concepto que describe que el acto mismo de observar cambia lo que se está observando.” (Maite Centol).

Imagen de una de las obras presentes en la exposición ‘D.u.d.a. Sobre la incertidumbre', de Maite Centol. Fotografía cortesía del CAI.

Imagen de una de las obras presentes en la exposición ‘D.u.d.a. Sobre la incertidumbre’, de Maite Centol. Fotografía cortesía del CAI.