Fire And Forget. On Violence

KW Institute for Contemporary Art
KUNST-WERKE BERLIN e.V.
Auguststraße 69. Berlin
Hasta el 30 de agosto de 2015

«Fire and Forget” (dispara y olvida) es un término de uso común de la jerga militar para sistemas de armas que se disparan a una distancia segura del enemigo, y que llegan a su destino de manera independiente. La exposición colectiva FIRE AND FORGET. ON VIOLENCE toma el término militar como un punto de entrada a un discurso sobre las ideas actuales de la guerra y la violencia en el arte contemporáneo. La exposición está dividida en cuatro complejos temáticos: ‘fronteras, afecto, memoria y eventos/acaecimiento.

James Bridle, DRONE SHADOW, proyecto en curso, realización según modelo de la sombra de unavión no tripulado, instalación. Fotografía de Timo Ohler.

James Bridle, DRONE SHADOW, proyecto en curso, realización según modelo de la sombra de un avión no tripulado, instalación. Fotografía de Timo Ohler.

Nuevas tecnologías de armas implican la pérdida del enfrentamiento corporal directo y con ello la pérdida del peligro o riesgo para la propia vida. Por eso se necesitan nuevas maneras de expresión de violencia sufrida, atestiguada o solamente temida. Uno de los lugares donde se busca estas maneras se encuentra en el arte. Aunque las armas en el ámbito artistico muchas veces ya estan connotadas como algo malo en si, sin dar referencia a posibles contextos sistematicos o historicos. La exposición se ve a si misma como el intento de mostrar que la complejidad de la violencia no puede ser justificada por sus cálculos lógicos o económicos ni siquiera simplemente por su afecto emocional y se enfrenta de manera autoreflexiva a las posibilidades y limites de lo que el arte puede ser capaz de contribuir hoy en día a esta discusión.

Julius von Bismarck. "POLIZEI", instalación, 2015.

Julius von Bismarck. «POLIZEI», instalación, 2015. Cortesía del artista.

Se presentan obras de Marina Abramovic y Ulay; Ron Amir; Julius von Bismarck; Roy Marca, Ori Scialom, y Keren Yeala Golán; James Bridle; Luis Camnitzer; Mircea Cantor; Jota Castro; Chto Delat; Marcelo Cidade; Jem Cohen; Martin Dammann; Öyvind Fahlström; Harun Farocki; Daniil Galkin; Rudolf Herz; Damien Hirst; Clara Ianni; Emily Jacir; Hunter Jonakin; Joachim Koester; Korpys / Löffler; Barbara Kruger; Armin Linke; Robert Longo; Jazmín López; Kris Martin; Ana Mendieta; Michael Müller; Timo Nasseri; NEOZOON; Katja Novitskova; Jon Rafman; Pipilotti Rist; Robbert & Frank Frank & Robbert; André Robillard; Julian Röder; Henning Rogge; Martha Rosler; Hrair Sarkissian; Santiago Sierra; Timur Si-Qin; Tal R; Javier Téllez; Sharif Waked; Gillian Wearing; Él Xiangyu; Amir Yatziv; Ala Younis.

Mircea Cantor, SHOOTING, 2005, Cortesia de la artista y Dvir Gallery.

Mircea Cantor, SHOOTING, 2005, Cortesia de la artista y Dvir Gallery.

Además fotografías de la colección de Martin Dammann /Archive of Modern Conflict in London (Archivo de Conflicto Modern de Londres) se extienden por toda la exposición como un motivo que la acompaña. Este elemento documental, junto con los enfoques artísticos, es una invitación a reflexionar sobre lo que imágenes artísticas en comparación a imágenes documentales son capaces de retratar – o no. La publicación que acompaña la exposición, así como su programa público y educativo iluminan el tema desde otras perspectivas: El libro FRIENDLY FIRE & FORGET (Matthes y Seitz Berlin) recoge textos literarios producidos para esta ocasión por autores alemanes e internacionales, entre ellos Schorsch Kamerun, Wladimir Kaminer y Kathrin Passig. En las fechas seleccionadas, algunos invitados que han sido afectados personalmente por la violencia guían a los visitantes por la exposición, o invitan para discutir posibles formas de tratar con el tema desde un punto de vista cinematografico, teatral o musical.

Obras de Kris Martin (en primer plano), Henning Rogge, Hrair Sarkissian y Martha Rosler en una de las salas de exposición. Fotografía de Timo Ohler.

Obras de Kris Martin (en primer plano), Henning Rogge, Hrair Sarkissian y Martha Rosler en una de las salas de exposición. Fotografía de Timo Ohler.

SEIZING THE IVORY TOWER

KW Institute for Contemporary Art
KUNST-WERKE BERLIN e.V.
Auguststraße 69. Berlin
Hasta el 6 de septiembre de 2015

La nueva serie de exposiciones ‘SIZING THE IVORY TOWER’ en la entreplanta 3 ½ del ‘KW Institute for Contemporary Art’ sigue el ciclo de exposiciones de ‘THE RETRACTION OF THINGS’ y se inaugura con la pieza ‘Oo, A PREVIEW’ de la artista Viktorija Rybakova. Corresponiendo a su ubicación en el edificio de la exposición, la serie aborda la fascinación de lo que se encuentra fuera del juego, lo de que uno no se da cuenta y lo que se oculta. Los artistas que participan en ‘SEIZING THE IVORY TOWER’ presentan nuevas producciones o instalaciones desarrolladas específicamente para 3 ½, que se ocupan de todos aquellos aspectos de la vida que involuntariamente o intencionalmente escapan de la conciencia común. La serie de exposiciones, comisariada por Nina Mende, se centra en historias, hechos y fenómenos de las zonas marginales de nuestra vida personal o pública, pero también se ve de cerca las estrategias artísticas, utilizadas para detectar, investigar o revelar estas zonas. A través de las obras elegidas los artistas utilizan 3 ½ conscientemente como un espacio de tensión entre enfrentamiento personal y confrontation pública.

Las siguientes presentaciones de la serie se abrirán junto con los eventos en la ‘Chora’ (3ª planta), y pueden variar en su período de ejecución. Participan los artistas: Luisa Puschendorf y Julia Werhahn, Viktorija Rybakova, Frank Sperling, Luca Vanello y Franziska Wildt, entre otros.

Viktorija Rybakova. Oo, A PREVIEW, 2013, Videostill. Cortesia Viktorija Rybakova.

Viktorija Rybakova. Oo, A PREVIEW, 2013, Videostill. Cortesia Viktorija Rybakova.

La pieza ‘Oo, A PREVIEW’ de Viktorija Rybak (nacida en 1989 en Vilna, Lituania) es un viaje hipnótico, que dirige a los espectadores por los espacios mentales de una exposición y sus obras. La obra de video fue producida originalmente como una «vista previa» para el Pabellón Lituano en la Bienal de Venecia de 2013 y lleva a los espectadores cada vez más adentro en un mundo de imagenes de un libro de artista plegable y creado de manera lúdica. Rybakova refleja y conserva el proceso de desarrollo de una exposición concreta, pero a la vez permite que la exposición siga desarrolandose como construcción mental independiente y cambiable. En la imaginación se superponen imágenes y asociaciones, y el espacio real se amplia infinitivamente a lo imaginario.

Luca Vanello. Detalle de la exposición #2 de la serie SEIZING THE IVORY TOWER. Cortesia del artista.

Luca Vanello. Detalle de la exposición #2 de la serie SEIZING THE IVORY TOWER. Cortesia del artista.

Luca Vanello (nacido en 1986 en Trieste, Italia, vive y trabaja en Berlín) se interesa por la vida de las personas socialmente excluidas y las huellas sutiles de su existencia. En sus instalaciones se explora la materialización de aspectos íntimos de estas realidades.

A través de la obra ‘Private Hermann’, que es parte de la serie ‘MONOLOGUES FROM THE BIPOLAR REGION’ el artista Frank Sperling (nacido en 1984 en Neustrelitz, vive y trabaja en Berlín) examina no sólo la biografía de Hermann llena de acontecimientos, sino también las posibilidades y los límites de la representación de los estados internos, empleando una mezcla de documental, estrategias pseudo-terapéuticas, fotografías y vídeos.

Frank Sperling. PRIVATE HERMANN, 2014-15. Obra de la exposición #3 de la serie SEIZING THE IVORY TOWER. Cortesia Frank Sperling.

Frank Sperling. PRIVATE HERMANN, 2014-15. Obra de la exposición #3 de la serie SEIZING THE IVORY TOWER. Cortesia Frank Sperling.

Julia Werhahn und Luisa Puschendorf desarrollan una nueva instalación que se ocupa de la ambivalencia de los espacios públicos y privados. Ambas artistas se han ocupado de este tema durante mucho tiempo y crean escenarios de sensibilidad, totalmente compuestos, que muestran diferentes maneras de como las personas organizan sus vidas. En su instalación ‘NO. 3’, el visitante se encuentra con una especie de vestíbulo futurista: con mucha luz, con esculturas, que se presentan detrás de un vidrio, y que encierran de mandera conservadora el pasado y al mismo tiempo también un futuro prometedor.

Werhahn & Puschendorf. Detalle de la instalación ROOM NO. 3, 2015.  Obra de la exposición #3 de la serie SEIZING THE IVORY TOWER. Cortesia Frank Sperling.

Werhahn & Puschendorf. Detalle de la instalación ROOM NO. 3, 2015. Obra de la exposición #3 de la serie SEIZING THE IVORY TOWER. Cortesia Frank Sperling.

El punto de partida para la instalación ‘TO THE CIRCUS’ de Franziska Wildt es una visita inesperada a un club nocturno de Shanghai, que presenta el arte contemporáneo como una de las muchas formas de entretenimiento en un edificio de varios niveles.

Franziska Wildt. Piano, de la instalación TO THE CIRCUS, 2015. Obra de la exposición #5 de la serie SEIZING THE IVORY TOWER. Cortesia de la artista.

Franziska Wildt. Piano, de la instalación TO THE CIRCUS, 2015. Obra de la exposición #5 de la serie SEIZING THE IVORY TOWER. Cortesia de la artista.

Cindy Sherman – Works from the Olbricht Collection

me Collectors Room Berlin / Stiftung Olbricht
Auguststrasse 68, Berlin
Del 16 de septiembre de 2015 al 10 de abril de 2016

La exposición retrospectiva ‘Cindy Sherman – Works from the Olbricht Collection’ estará a la vista en el ‘me Collectors Room’ Berlin desde el 16 de septiembre de 2015, como parte de la Semana de Arte de Berlín, y contará con 65 fotografías de la artista. Incluyendo obras de casi todos los períodos de su carrera, la colección ofrece una visión de conjunto extraordinaria de todo su trabajo.

Cindy Sherman. Untitled  #48B, 1979. Cortesia de la artista y Metro Pictures, Nueva York.

Cindy Sherman. Untitled #48B, 1979. Cortesia de la artista y Metro Pictures, Nueva York.

La artista estadounidense Cindy Sherman es una maestra de la mascarada, lo que muestran sus fotografías: Presentando a sí misma de manera variada como una ingenua en el lavabo en blanco y negro de la década de 1950, como una ‘Maria Lactans’ de oro y rubio con una expresión vacía y el pecho de plástico, o como una belleza ya envejeciendo de la clase alta que lleva demasiada joyería y demasiado maquillaje. A lo largo de su carrera ha actuado simultáneamente como su propia actriz y fotógrafa, sujeto y objeto. Y sin embargo, sus retratos no representan personalidades reales. En su lugar, parafrasean los estereotipos sociales y culturales con el objetivo de la deconstrucción de ellos a través del prisma del cine, la pintura clásica, o la publicidad.

Cindy Sherman. Untitled  #475, 2008. Cortesia de la artista y Metro Pictures, Nueva York.

Cindy Sherman. Untitled #475, 2008. Cortesia de la artista y Metro Pictures, Nueva York.

La artista llegó a estar bien conocida en los años 70 por su serie en blanco y negro ‘Untitled Film Stills’, en la que encarna una serie de figuras femeninas estereotipadas de los años 1940 y 1950 presentadas en un ambiente que parece a los stills de películas. La década de 1980 no trajo solamente un cambio al color y a los grandes formatos, sino también el gran éxito de la artista por sus ‘Centerfolds ‘. Provocativamente con referencia a la revista Playboy, la serie mostró mujeres en varios estados de misteriosas crisis emocionales. Este estado de ánimo enigmático también dominó lass series ‘Fairy Tales’ (1985) y ‘History Portraits / Old Masters’ (1988-1990), en las que Sherman recrea y deforma personajes y escenas del mundo de los cuentos y de la pintura clásica, a menudo a través de prótesis y títeres visibles.

Cindy Sherman. Untitled  #354, 2000. Cortesia de la artista y Metro Pictures, Nueva York.

Cindy Sherman. Untitled #354, 2000. Cortesia de la artista y Metro Pictures, Nueva York.

Dientes de gran tamaño, pelo rubio plástico y simplicidad de una ama de casa encarnan las figuras en su siguiente serie, ‘Hollywood / Hampton Tipos’ (2000-2002), mientras que el lado humorístico y misterioso de la mascarada fue capturado en la serie ‘Clown’ (2003-2004), que culminó en los tristes, vulgares retratos del envejecimiento (‘Sociedad Ladies’) cuatro años después. En todas sus series, Sherman presenta un análisis sutil de cliches culturales contemporáneos, fija la atención al poder del simbolismo y la lucha del individuo contra el estereotipo colectivo.

Cindy Sherman. Untitled  #418, 2004. Cortesia de la artista y Metro Pictures, Nueva York.

Cindy Sherman. Untitled #418, 2004. Cortesia de la artista y Metro Pictures, Nueva York.

Cindy Sherman, hoy en día de 61 años, ha creado una obra completa inconfundible y revolucionaria que abrió nuevos caminos de la fotografía. Su legado artístico es uno de los más importantes para el arte contemporáneo.

El extenso folleto que acompaña la exposición se publicará en septiembre de 2015.

Cindy Sherman. Untitled  #315, 1995. Cortesia de la artista y Metro Pictures, Nueva York.

Cindy Sherman. Untitled #315, 1995. Cortesia de la artista y Metro Pictures, Nueva York.

Al mismo tiempo que la exposición, el show ‘Ficciones Falling’ (16.09. -15.11.2015) se abrirá en el salón de demonstraciones. ‘Ficciones Falling’ y la publicación que lo esta acompañando son el producto de una colaboración entre el me Collectors Room Berlin / Olbricht Foundation y la London Metropolitan University y Whitechapel Gallery como parte del Master en Curating the Contemporary’. Este es la cuarta vez que la Fundación Olbricht ha invitado curadores jóvenes a desarrollar sus propias ideas en la Colección Olbricht y a comisariar un espectáculo para me Collectors Room Berlin como parte de su trabajo fin de master.

Thinking about photo: Viktoria Binschtok

C/O Berlin
Hardenbergstraße 22-24. Berlin
Hasta el 16 de agosto de 2015

Una foto es una foto es una foto. Siempre. No es una representación de la realidad, sino simplemente una referencia visual para una presencia vivida individualmente y el punto de partida para nuevas asociaciones. El espectador busca estructuras familiares en la imagen fotográfica, toma nota de los colores conocidos, se cerciora del contexto y de esta manera construye su propia imagen con un significado nuevo. Este complejo proceso de recepción ya se ha investigado lo suficiente. Pero, ¿qué sucede si el autor de una foto no existe? Que pasa si no hay una clara intención? Si la realidad como punto de referencia no es verificable? Y si las asociaciones surgen de un algoritmo puramente mecánico? Viktoria Binschtok analiza a través de un juego entre realidad digital y virtualidad analógica las maneras familiares de ver y materializa la gran cantidad de imágenes generadas por Internet o bien desmaterializa la realidad. C / O Berlin ha seleccionado tres de sus series de fotográfia, que muestran y ejemplifican su enfoque artístico.

Para su serie Globen Viktoria Binschtok compró en 2002 varios globos por subastas de internet, que se exhibe junto con las imágenes correspondientes, con las que los vendedores privados anuncian los objetos en línea; salvo que los globos permanecen embalados en las cajas. Aunque hay una foto que hace referencia a la original respectiva, la relación real no puede ser verificada. Con esta obra, la artista muestra la relación fundamental y compleja entre representación fotográfica y realidad. Además se transportan los globos, encontrados por Internet, en el espacio real. Sin embargo, al no abrir los paquetes la artista renuncia a la última etapa de materialización. De esta manera, Viktoria Binschtok destaca el fenómeno universal de nuestra era digital – la parte más grande de la realidad sólo se lleva a cabo a través de la recepción de imágenes de ella.

 Viktoria Binschtok. World of Details, Fotográfia, 2015. Cortesia C/O Berlin.

Viktoria Binschtok. World of Details, Fotografía, 2015. Cortesía C/O Berlin.

En World of Details Viktoria Binschtok utiliza imágenes de Google-Street-View como punto de partida para crear sus propias imágenes. Estas imágenes sin autor, automatizadas y digitales muestran una ubicación específica, pero pierden toda su profundidad si te acercas a ellas por zoom. Con sus propias fotos la artista intenta sumergirse en la superficie de las ciudades representadas y superar la pixelación. Para ello viajó a los mismos lugares representados por las fotos de referencia para tomar sus propias fotos – que es la superación de la distancia y el acercamiento físico a las imágenes. Al contrastar sus fotos con las anónimas imagenes de Google en blanco y negro, se transfiere estas en el mundo material y presenta dos percepciones de un mismo lugar. Así que son los espectadores que tienen que crear su propio y lógico todo a través de las partes diferentes de la imagen. Hay que preguntarse: ¿Es realmente el mismo lugar? Cual es el original? Algo ha sido puesta en escena?

Viktoria Binschtok. blue curtain / black stripes cluster, Fotográfia, 2014. Cortesia C/O Berlin.

Viktoria Binschtok. blue curtain / black stripes cluster, Fotografía, 2014. Cortesía C/O Berlin.

Para su serie Cluster, que es la más reciente, Viktoria Binschtok toma como punto de partida una foto al azar de su archivo y la inyecta a la búsqueda de imágenes por internet. El algoritmo busca a través de las innumerables imágenes de la World Wide Web, seleccionando aquellas que parecen al original por su forma, estructura o color – una asociación binaria. Viktoria Binschtok utiliza el material que se encuentra como un modelo para sus nuevos fotografías escenficadas, que luego se divide en grupos de imágenes.A través del acto de re-fotografiar, Viktoria Binschtok elimina todas las referencias a los orígenes de las imágenes. Así que los grupos de los Cluster representan de forma comprimida la coexistencía no comprensible del mundo figurativo que nos rodea. En esta compliación el origen, el original y la imágen singular ya no juegan un papel escpecifico. Es como un bucle sin fin.

Por primera vez en Alemania, C / O Berlin presenta una amplia exposición de la obra completa de Viktoria Binschtok. La exposición ha sido comisariada por Ann-Christin Bertrand. Se publicará un lector que incluye textos de Charlotte Cotton, Laurel Ptak, Joshua Chuang y Matthias Harder.

Viktoria Binschtok. blue curtain / black stripes cluster, Fotográfia, 2014. Cortesia C/O Berlin.

Viktoria Binschtok. Blue curtain / black stripes cluster, Fotografía, 2014. Cortesia C/O Berlin.

La artista:
Viktoria Binschtok, nacido en 1972 en Moscú, criado en Minden / Westfalen (Alemania), estudió Fotografía y Arte Digital en la Academia de Artes Visuales de Leipzig y era una estudiante de maestría en la clase del Prof. Timm Rautert. Sus obras se han presentado en exposiciones, tanto en Alemania como en el extranjero, entre ellos el Museo Folkwang de Essen, Kunstverein Göttingen, Centre Pompidou Metz, Kunsthalle im Lipsiusbau Dresden, Pier 24 de San Francisco, Schirn Kunsthalle Frankfurt, Arts Santa Mónica de Barcelona, ​​Bergen Kunsthall en Noruega, Frankfurter Kunstverein y Les Rencontres d’Arles. Viktoria Binschtok vive y trabaja en Berlín.

Con la serie Thinking about Photography, C / O Berlin ha creado toda una nueva serie de exposiciones de Berlín, que coloca un enfoque deliberado sobre las nuevas tendencias de la fotografía contemporánea. En la historia del medio la fotografía siempre ha sido fuertemente influenciada por las innovaciones tecnológicas, lo que constantemente lleva a su desarrollo y cambio. Desde el advenimiento de la fotografía digital el medio de nuevo se encuentra en otro proceso de transición, cuyos efectos emergentes gradualmente e implicaciones han sido objeto de un intenso debate en los últimos años entre los artistas y expertos internacionales de la fotografía. La nueva serie Thinking about Photography será una oportunidad para la reflexión sobre las nuevas tendencias y desarrollos artísticos del medio de la fotografía. Se enfocan nuevos modos de producción, percepción y presentación de la fotográfia, para concentrarse al futuro del medio.

Viktoria Binschtok. CUTTING MAT Cluster, Fotográfia, 2014. Cortesia C/O Berlin.

Viktoria Binschtok. CUTTING MAT Cluster, Fotografía, 2014. Cortesía C/O Berlin.