Pequeños grandes artistas

Talleres didácticos del IVAM
Arquilecturas, de Sonia Rayos y Silvana Andrés

El cerebro de los niños es como una esponja que absorbe  lo que ocurre a su alrededor. cualquier actividad que fomente su vena creativa tiene un efecto positivo en la configuración de sus futuras capacidades para enfrentarse al desafío que es la vida.  Aproximarse a las distintas ramas del arte desde la tierna infancia, garantiza un aprendizaje más pleno y participativo. Los ya tradicionales talleres didácticos del IVAM  y algunas nuevas iniciativas como Arquilecturas  abren aulas a la creatividad invitando a los niños a visitar el país del arte.

Talleres didácticos en el IVAM. Imagen cortesía del IVAM.

Talleres didácticos en el IVAM. Imagen cortesía del IVAM.

Desarrollo personal

“Los talleres han pasado de ser un simple ejercicio puntual y una mera visualización de lo hecho por otros profesionales más capacitados a convertirse en un acto creativo y social”, explica José Agustín Martínez, técnico de didáctica del IVAM desde 2002.  “En ellos se  propone la exploración de las artes plásticas como una vía hacia la investigación, el autoconocimiento, el desarrollo de las propias habilidades, el trabajo en equipo, la socialización entre los distintos agentes educativos y la construcción de la identidad. “El objetivo último es estimular el desarrollo personal y promover la expresión plástica y el autoaprendizaje, siempre convenientemente guiado y asesorado por el monitor o profesor encargado del aula, que no es ya un mero juez y director de las actividades, sino un guía y  un compañero más en la aventura creativa”.

Mediante la puesta en práctica de los conocimientos artísticos adquiridos, los estudiantes entran en contacto con distintos materiales, se enfrentan de manera constructiva a situaciones reales como la temida  página en blanco comprendiendo así el proceso creativo desde dentro. “Para superarlo, el alumno echa mano de los conocimientos memorizados y, a través de un proceso de reflexión, investigación y puesta en común con los profesores y alumnos, se familiariza con materiales y obras de artistas relacionados con el taller temático”, indica Martínez. “De esta forma, además de tratarse de una actividad educativa, los talleres artísticos se convierten en un medio de educación en valores y de desarrollo personal de gran potencial didáctico”.

Arquilecturas, de Sonia Rayos y.

Arquilecturas, de Sonia Rayos y Silvana Andrés.

Ciudades para niños

La arquitecta Sonia Rayos y Silvana Andrés profesora de Plástica crearon  hace un año un taller para niños, Arquilecturas en el que trabajan con medios de representación arquitectónica como maquetas, fotomontajes, collages, planos, dibujos y medios digitales, entre otros materiales.  Un innovador concepto inspirado en las escuelas Vittra, colegios públicos suecos;  ARKKI, escuela de arquitectura finlandesa para niños y jóvenes, en Francesco Tonucci, impulsor de la Ciudad de los Niños, o las propuestas de Maushaus en San Sebastián.

“Con la experiencia obtenida durante estos meses estamos totalmente convencidas de que la arquitectura para niños y niñas es una herramienta idónea para trabajar en la escuela”, dicen Andrés y Rayos. “Nuestros alumnos merecen tener acceso a una lectura didáctica del entorno y a la cultura de otros lugares. Creemos firmemente que la escuela es el espacio adecuado para conseguir este fin, y lo es por su función social”.

Consideran que la arquitectura en la escuela ha de ser una herramienta de conocimiento, no el objeto de conocimiento y que el acceso a la educación arquitectónica y urbanística en la infancia transforma la manera de ver y entender el espacio. Comprender e interiorizar el espacio puede despertar después el interés en cuidarlo, transformarlo y mejorarlo.

Arquilecturas organizan talleres a partir de cuatro años y, a partir de tercero y cuarto de primaria abordan competencias más complejas que requieren de un mayor grado de madurez. “No hay ninguna diferencia entre niños y niñas”, comentan. “En nuestras clases se dan tantas conductas diferentes como número de alumnos, esa es la verdadera proporción, y esa variedad y riqueza productiva es sin lugar a dudas lo que más nos maravilla de nuestro trabajo.

Rayos y Andrés emplean métodos vinculados a la arquitectura y el arte para abordar otros objetivos. Trabajan unidades didácticas basadas en la música, las matemáticas, la física, las ciencias sociales o la filosofía. “Tenemos cada día a niños y niñas de primaria explorando los números primos, la sección áurea, conociendo a Pitágoras, trabajando las fuerzas, y además, disfrutando de lo lindo con ello”.

Talleres para niños. Imagen cortesía del IVAM.

Talleres para niños. Imagen cortesía del IVAM.

Programa estival del IVAM

Del 4- 8 julio. Escoleta de verano Giros infinitos basada en la danza creativa y la expresión artística, impartido por Elena Barrera, relacionado con la exposición Perdidos en la ciudad. La vida urbana en las colecciones del IVAM.

Del 27 de junio al 10 de julio. Exposición de los trabajos de los alumnos que han participado en los talleres didácticos escolares realizados a lo largo del curso, en torno a la exposición Construyendo nuevos mundos. Las vanguardias históricas en la colección del IVAM (1914-1945): El móvil de Calder, el Fanzine Vanguardista, y los juguetes de Joaquín Torres-García.

Bel Carrasco

Lo imperceptible cotidiano de Luis Úrculo

Ornamento y delito, de Luis Úrculo
Espai Tactel
C/ Denia, 25. Valencia
Inauguración: viernes 6 de mayo, a las 20.00h
Hasta el 17 de junio de 2016

«Los astrólogos tienen encuentros secretos dentro de un cuarto del emperador como panal de miel donde construyen sucesos anticipados al futuro…» (Tristan Tzara)
‘Ornamento & delito’ de Luis Úrculo es un ambiguo acuerdo de contrarios, una disección de algunas ideas desarrolladas por Adolf Loos en el ensayo del mismo título, para ser convertidas en conceptos más flexibles, es decir, fieles y en réplica a los postulados del arquitecto vienés. Loos invita a deshacerse del ornamento (elemento que considera un freno a la evolución, pues no es expresión de nuestra cultura), y a preocuparse por las cualidades de los nuevos materiales.

Lo que realmente señala el arquitecto en su texto es que el delito no es tanto del ornamento, como del hombre que no usa su capacidad para confeccionar nuevos adornos. Se trata de un eje estratégico que convierte a  Loos en un continuador de la senda iniciada por el clasicismo postbarroco de Ledoux o Schinkel, y que desemboca en el racionalismo arquitectónico.

Obra de Luis Úrculo. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Luis Úrculo. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Luis Úrculo presenta una antítesis que enlaza con la lista de contradicciones vertidas en algunos escritos y proyectos que Loos nos ha legado (recordemos cómo se adaptó a las necesidades de Tristan Tzara, un poeta diametralmente opuesto al racionalismo, cuando este le encarga su residencia francesa). Una reflexión sobre lo decorativo que contribuye, como otros trabajos del artista, a un mejor conocimiento de lo doméstico-arquitectónico.

Estamos ante una propuesta expositiva que continúa el proceso de registro del comportamiento de los materiales, iniciado con Reconstructions (2015) y en el que  Úrculo prescinde del cuerpo (de aquellas manos anónimas que coprotagonizaban el vídeo) para concentrarse, citando a Heidegger, en lo “cósico”. La exploración del potencial de lo imperceptible-cotidiano, se lleva ahora a cabo a través de unos fragmentos ficticios que reproducen las tramas abstractas presentes en un material arquitectónico real, cuyo proceso de obtención, a veces, también es fingido.

Obra de Luis Úrculo. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Luis Úrculo. Imagen cortesía de Espai Tactel.

El artista acude de nuevo a la variedad de formas artísticas. Haciendo uso del dibujo (tengamos en cuenta que el arquitecto vienés se oponía a imitar mediante una tintura el material subyacente), o la fotografía (recordemos que Loos cuestionó la capacidad de este medio para representar la arquitectura, pues consideraba que los inquilinos no podían reconocer sus casas cuando las veían fotografiadas), Luis Úrculo crea un enviroment con el que anula la “alternancia wölffliniana” en favor de la coincidencia entre lo “clásico” (homenajeando la preocupación de Loos por las cualidades del material), y lo “barroco” (a través de la filiación romántica del paisaje presente en la abstracción).

‘Ornamento & delito’ supone una paradójica contribución a los estudios que desde el siglo XVIII, se han llevado a cabo sobre los comportamientos del adorno. Una investigación que propone la huida del ornamento (el freno a la evolución según Adolf Loos), como regreso a lo decorativo.

Obra de Luis Úrculo. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Luis Úrculo. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Francisco Ramallo

Revelaciones cinematográficas en CA2M

‘El cine rev[b]elado’, ciclo de performance audiovisual
CA2M (Centro de arte 2 de mayo)
Avenida de la Constitución 23, Móstoles (Madrid)
Domingo, 21 de febrero de 2016, a las 18.30h.

El domingo 21 de febrero se celebra la última sesión de El cine rev[b]elado, ciclo dedicado a la performance audiovisual y la interrelación del cine con otras disciplinas artísticas, que Playtime Audiovisuales comisaría para el CA2M (Centro de arte dos de mayo),  mediante una sesión doble, dedicada a la interrelación del cine con el media art, la arquitectura expandida, el arte generativo y la escultura lumínica. Para llevarla a cabo se contará con la participación de los artistas Jaime de los Ríos y Pablo Valbuena, quienes compartirán con el público, a través de sendas conferencias performativas, su particular forma de entender lo cinematográfico a partir de estas disciplinas.

Jaime de los Ríos – “Arte, vídeo y tecnología. Tan lejos, tan cerca”. Conferencia performativa, 45’.

Conferencia sobre cine expandido en la que Jaime de los Ríos narrará cómo sus obras audiovisuales, realizadas con nuevos medios digitales, se salieron del marco conservando ingredientes tradicionales del cine tales como el movimiento, la luz, lo mecánico, el color y la matemática y después volvieron a materializarse con la generatividad, interacción y los flujos digitales.

En su trabajo, Jaime defiende llevar la acción audiovisual más allá de la pantalla y el tiempo, explorar distintas formas de interactividad y cine expandido, inventando nuevas dimensiones y metaniveles narrativos.

Jaime de los Ríos es unos de los fundadores del laboratorio ARTEKLAB con sede en San Sebastián. Experto en software y hardware libre, encontramos en su trabajo, entornos inmersivos, así como obras dinámicas que relacionan el comportamiento natural con el computacional.

Su trabajo se ha visto en centros de arte y festivales como Koldo Mitxlena Donostia, Espacio Fundación Telefónica, Musac de León, Medialab Prado, Espace Mendes Francaise de Poitiers, Etopia Zaragoza, Art Futura y un largo etc.

'6 Columns", de Pablo Valbuena. Imagen cortesía de Playtime.

‘6 Columns», de Pablo Valbuena. Imagen cortesía de Playtime.

Pablo Valbuena – «Lo que fue, no fue, será y pudo haber sido». Conferencia performativa, 45’

En esta ocasión Pablo Valbuena compartirá sus procesos de trabajo y revelará esos otros trabajos que por circunstancias nunca salieron a la luz. Propuestas que hasta ahora nadie ha experimentado. Cada una de ellas, giran alrededor del tiempo y su relación con la luz y el espacio. Una experiencia abierta que activará nuestros sentidos a través de un encuentro en el que los participantes podrán cuestionarse conceptos como la arquitectura expandida o el paseo-cinemático.

Valbuena desarrolla proyectos de arte e investigación en torno al espacio, el tiempo y la percepción. Algunos elementos clave de esta exploración son la superposición de lo físico y lo virtual, la generación de espacios mentales para el espectador, la disolución de las fronteras entre lo real y lo que se percibida, los vínculos entre el espacio y el tiempo, la primacía de la experiencia subjetiva como herramienta para comunicarse y el uso de la luz como materia prima.

Ha expuesto en la Galería Max-Estrella de Madrid, el Centro de arte Laboral de Gijón, ARCO, el Koldo Mitxelena de Donostia o Matadero Madrid. Sus instalaciones lumínicas han formado parte de programas como La Noche en Blanco de Paris o el Festival Ars Electrónica de Viena.

Todo el programa del cine revelado disponible en: http://noticiasplaytime.blogspot.com.es/2015/12/el-cine-revbelado-02.html

'Tríptico en Tiempo, Silencio, Fuga y Realidad", de Jaime de los Ríos. Imagen cortesía de Playtime.

‘Tríptico en Tiempo, Silencio, Fuga y Realidad», de Jaime de los Ríos. Imagen cortesía de Playtime.

La calle se mete en la galería Luis Adelantado

Brea Flúor, de Carlos Maciá y Juan López
Galería Luis Adelantado
C / Bonaire, 6. Valencia
Inauguración: jueves 21 de enero, a las 20.00h
Hasta el 1 de abril de 2016

La galería Luis Adelantado Valencia presenta, por primera en esta ciudad, las exposiciones individuales de los artistas Juan López y Carlos Maciá bajo el título Brea Flúor. Un único título que enmarca deliberadamente ambas propuestas creadas específicamente para el espacio de la galería y que es consecuencia de un montaje que confronta los dos trabajos.

En ambos casos los artistas presentan sendas intervenciones espaciales que ponen el acento sobre ciertas singularidades del contexto urbano, traído contra la arquitectura de la propia galería. Juan López en esta ocasión prepara una intervención específica para la sala uno de la galería, donde lo urbano pasa a formar parte del interior del espacio expositivo.

Interesado en los trazos que delimitan y acotan los espacios de circulación en la ciudad, propone una deconstrucción de lo real para así crear nuevos puntos de vista sobre lo establecido. Este trabajo in situ se complementará con una serie de collages y elementos escultóricos en la sala cuatro de la galería, que funcionan como bocetos de intervenciones imposibles, o quizá no tanto.

Obra de Carlos Macíà en la exposición 'Bea Flúor'. Imagen cortesía de Galería Luis Adelantado.

Obra de Carlos Maciá en la exposición ‘Bea Flúor’. Imagen cortesía de Galería Luis Adelantado.

Carlos Maciá presenta tres intervenciones. Una primera que nos remite a su reciente aproximación a la Pichaçao. Manifestación original de la ciudad brasileña de Sao Paulo en donde el artista descubre esta drástica fagocitación del espacio urbano y que aquí acomoda para la sala dos.

Para la siguiente sala, propone un conjunto de piezas pertenecientes a su serie Markers que funcionan y se articulan a modo de una única gran pieza, consecuencia de la asociación que se produce entre ellas en su propio espacio de trabajo. Y por último realiza una intervención pictórica mínima sobre toda la barandilla que recorre las escaleras del edificio, acompañándonos y generando así un nexo de unión entre las diferentes propuestas.

Obra de Juan López. Imagen cortesía de Galería Luis Adelantado.

Obra de Juan López en la exposición ‘Bea Flúor’. Imagen cortesía de Galería Luis Adelantado.

 

El intermedio de Ana H. del Amo

Entre la O y la Y, de Ana H. del Amo
Set Espai d’Art
Plaza Miracle del Mocadoret, 4. Valencia
Inauguración: viernes 15 de enero, a las 20.00h
Hasta el 5 de marzo de 2016

Bajo el título Entre la O y la Y, Ana H. del Amo (Cáceres, 1977) presenta en Set Espai d’Art una selección de sus últimos trabajos donde despliega una reflexión sobre la propia pintura, su materia y objetualidad. El «entre» del título señala esa condición de lugar intermedio, de estar en medio, en el interior, dentro, pero también marca el índice de cooperación y reciprocidad donde se quiere situar esta reflexión sobre y desde la pintura.

Formada en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona en los años noventa, donde fue alumna de pintores de la talla de Joan Hernández Pijuan y Joaquim Chancho, Ana H. del Amo parte de la práctica de la «pintura pintura» para, en los últimos años, desarrollar una desarticulación el cuadro como objeto y soporte de la pintura, jugando con su estructura para ampliar las claves de su trabajo más allá del lienzo.

Obra de Ana H. del Amo. Galería Set Espai d'Art.

Obra de Ana H. del Amo. Galería Set Espai d’Art.

Por una parte, resultará clave la importancia del espacio, de una geometría intuitiva y de cierto carácter arquitectónico, en definitiva: la importancia de la forma y del diseño de las estructuras. Por otra, la importancia del color, que en estas obras se retrae o minimiza para poder explotar con toda su fuerza, con toda su luz, subrayando los cantos de los listones de madera que recuerdan al bastidor, un color texturado, denso, aplicado por capas. Claves que se perfilan y completan a través de una particular actitud de base conceptual en esa revisión de la pintura y de lo pictórico, su materialidad, que no olvida en ningún caso la sensualidad de lo plástico, su comportamiento.

La exposición se compone de varias piezas de pared donde se articula esa «reconversión» del cuadro hacia un nuevo paradigma de la pintura que se fundamenta en el reciclaje y ensamblaje de listones, y cuya construcción subraya la calidez de la madera al tiempo que sugiere una perversión de la geometría minimalista; una estructura central que obliga al espectador al juego, a girar a su alrededor descubriendo las aristas de un volumen vacío; y varios trabajos sobre papel, realizados con ceras y barras de óleo donde apreciamos la fuerza del color, la vibración del gesto y ese gusto de Del Amo por la «pintura pintura».

Obra de Ana H. del Amo. Set Espai d'Art.

Obra de Ana H. del Amo. Galería Set Espai d’Art.

El arte se cuela por las ventanas en Imprevisual

Calle de los solsticios, de José Juan Gimeno
Imprevisual Galería
C / Doctor Sumsi, 35. Valencia
Inauguración: viernes 18 de diciembre, 2015, a las 20.30h
Hasta el 8 de febrero de 2016

El artista José Juan Gimeno toma las ventanas como motivo principal de sus exposiciones ofreciendo la visión más cotidiana de la ciudad. Imprevisual Galería acoge su último trabajo ‘La calle de los solsticios’, que se inaugura el viernes 18 de diciembre y se extiende hasta el 8 de febrero. En su ejercicio plástico presenta una mirada contemporánea e intemporal que transcurre entre lo público y lo privado.

Las ciudades sufren metamorfosis que conducen a un cambio de las funciones de la urbe. La obra del artista aborda e indaga en ese cambio holístico de la ciudad. La antropología urbana y las perspectivas del urbanismo son los elementos que le conducen a una interpretación plástica de la forma y los espacios de la metrópolis.

Detalle de una de las obras de José Juan Gimeno. Imagen cortesía de Imprevisual Galería.

Detalle de una de las obras de José Juan Gimeno. Imagen cortesía de Imprevisual Galería.

El trabajo de José Juan Gimeno es una práctica de observación que le permite configurar un discurso estético-antropológico sobre la vida social, hablando de los espacios privados y arquitectónicos. Con técnica mixta (acrílico, metacrilato, serigrafía, collage…) personifica fachadas y ventanas, exponiéndolas a una reflexión sobre su propia soledad y su convivencia con el tiempo. Esas fachadas miran directamente al espectador conduciéndolo hacia su propia introspección. La ciudad es el objetivo etnográfico: la pintura, su herramienta.

Como señala el comisario de la exposición, José Angel Caballero, «las horas de sol son la medida de nuestra perspectiva, construyen nuestro horizonte de lo posible. La sombra es, en consecuencia, una expresión melancólica por aquello que se nos escapa imaginar. Da cuenta la obra de José Juan Gimeno de esa tensión perceptiva: una metáfora de ventanas con claros y opacidades, de fachadas transitadas, habla de esa contienda cotidiana que aspira a la luz».

Obra de José Juan Gimeno. Imagen cortesía de Imprevisual Galería.

Obra de José Juan Gimeno. Imagen cortesía de Imprevisual Galería.

Así, continúa explicando el comisario, «el espectador se sumerge en un escenario delimitado por lo que alberga su mirada, por lo que intuye albergar. Con lo que la pintura se convierte en calle paseada, lugar de contemplación, de vivencia; en silencio, cuando la oscuridad comienza a romperse».

«Una obra cada vez más madura que no deja de conversar con el observador, de hacerse un hueco en su retina, de darle opciones a su búsqueda. Así sus cuadros se hacen lugar, espacio de llegada del paseante que anhela reconocerse en aquello que divisa», concluye García Caballero.

Obra de José Juan Gimeno. Imagen cortesía de Imprevisual Galería.

Obra de José Juan Gimeno. Imagen cortesía de Imprevisual Galería.

 

El turismo inquietante de Sergio Belinchón

Grüsse Aus Spanien, de Sergio Belinchón
Espai Tactel
C / Denia, 25. Valencia
Hasta el 23 de diciembre de 2015

“¿No habíamos pasado antes por esta calle? Creo que sí; creo que la cambian de lugar cada tantos años pero regresa siempre… con sus aceras desmoronándose, sus filas de gente recién salidas de un paisaje que desaparece cuando lo abandonan”. (Mark Strand)

Sergio Belinchón ha contribuido a la construcción de un atlas de urbanismo que se nutre de un limbo arquitectónico. Una forma de representar el paisaje con la que ha conseguido captar una suerte de vista metafísica que reproduce una realidad perturbadora revelada como surreal, en la que, bajo una mirada crítica, las construcciones (u otras entidades espaciales) son fotografiadas sin presencia humana, o frente a unos personajes con los que establecen una relación inquietante. Grüsse Aus Spanien es una muestra de fotografía y video, que podemos leer como el análisis del idilio entre el turista y los espacios con los que este participa en el diseño de una iconografía que perpetúa los clichés de nuestro país.

Fotografía de Sergio Belinchón. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Fotografía de Sergio Belinchón. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Las imágenes de lo típicamente español, una miscelánea de tropos que el turista selecciona previamente a su llegada al destino, es producto de la diferenciación y exageración de los estereotipos culturales que llevaron a cabo los pintores del siglo XIX. Un catálogo en muchos casos inalterado y heredado por un turismo que no recuerda a quienes huían de la urbe moderna por culpa de la ansiedad y la saturación que esta les provocaba.

Belinchón elabora una versión del espacio urbano de desorientación encubierta en el que se produce una interpenetración entre el lugar y el no lugar, y por el que deambulan turistas pertenecientes a dos entidades temporales diferentes (los comienzos del siglo XXI y los años setenta del siglo pasado), que en la sala expositiva se vuelven simultáneos.

En las fotografías seleccionadas, con las que el artista indaga en aspectos como el turismo/exotismo español o la ambigüedad arquitectónico-natural de los fenómenos inmobiliarios (esos monumentos a la hiperrealidad), el visitante se regocija en las características de la nueva urbe (cuento, sueño, deseo y simulacro), perdido, ajeno a una lectura menos simplificadora de nuestro país, así como a la cámara que le captura.

Fotografía de Sergio Belinchón. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Fotografía de Sergio Belinchón. Imagen cortesía de Espai Tactel.

El material fotográfico se acompaña de unas piezas de found footage elaboradas a partir de los rollos de película Super 8 encontrados por Belinchón en rastros y filmados por turistas alemanes durante su estancia vacacional en España. Esta segunda parte continúa la tradición de la búsqueda del objeto encontrado, próxima a la actitud de Breton cuando se topa en un mercado (lugar propicio para hallar lo “maravilloso cotidiano”) con la cuchara-zapato que describe en El amor loco, o al proceder de John Armleder respecto a la búsqueda como paso previo al ensamblaje.

En el caso de Belinchón, tampoco se trata de un encuentro con una finalidad preservacionista, sino de una apropiación organizada durante varios años, guiada por una voluntad manipuladora para ofrecer otra oportunidad a unas imágenes-souvenir, algo que sitúa el segundo montaje fílmico, siguiendo a Didi-Huberman, en “el resultado de nuestros desplazamientos más íntimos, de nuestras derivas pulsionales o conceptuales, visuales o corporales, sentimentales o políticas o de nuestras biografías”.

Fotografía de Sergio Belinchón. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Fotografía de Sergio Belinchón. Imagen cortesía de Espai Tactel.

A la vez que esta batería de escenarios-recuerdo (en las que resuena Edward Ruscha o Stan Douglas) funciona como otra posible versión de la estética del post-turismo, se produce un potente e inmediato diálogo entre las formas artísticas presentes en esta muestra. Los paisajes urbanos del capitalismo contemporáneo de las fotografías (en concreto el caos inmobiliario de las costas españolas, el “responsable” de nuestro Aprendiendo de Las Vegas), se completan con los personajes del material fílmico encontrado, es decir, el resultado del ejercicio mental con el que podemos intentar identificar a los “actores” de estas películas con los turistas del material fotográfico, como si creyéramos reconocerlos.

Los “souvenirs” de Sergio Belinchón devienen en nostalgia de ida y vuelta, en un documento del turismo en España y de la desorientación que no se extingue al llegar al destino (la que vive en la sonrisa del turista alemán que se fotografía junto a la escultura del caudillo), y en una metáfora del fenómeno urbano. Un intercambio de instantáneas y de material encontrado que funciona, utilizando las palabras del sociólogo Giandomenico Amendola, como “un juego de superficies reflectantes o de actores que se envían unos a otros sus propias imágenes sin retener prácticamente nada”.

Sergio Belinchón. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Fotografía de Sergio Belinchón. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Francisco Ramallo

Las estructuras anímicas de Rafa de Corral

Persistencia del vacío, de Rafa de Corral
Galería Alba Cabrera
C / Félix Pizcueta, 20. Valencia
Hasta noviembre de 2015

¿A qué vacío se refiere Rafa de Corral cuando lo alude en una de las cuatro piezas inéditas que muestra en la galería Alba Cabrera? Para responder a esta pregunta, sin duda clave en su obra, se hace necesario desprenderse de la seguridad con la que habitualmente nos manejamos. Porque al hacerlo, descubrimos precisamente el lugar hacia el que los artistas (y Rafa de Corral lo es en alto grado) nos convocan. Lugar que no es otro que ese vacío aludido, en torno al cual los creadores van generando formas que hagan soportable la angustia de quien se arriesga a vivir próximo al caos.

Estructura ambigua, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Estructura ambigua, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Por eso Rafa de Corral combina en su obra estructuras pesadas que parecen unas veces flotar y otras alejarse de su condición sólida para evocar tumultuosos estados de ánimo. La firmeza y la fragilidad van dialogando en su obra, mostrando la tensión de la vida bajo múltiples formas. Todo empieza así: “Tengo sensaciones, veo formas y colores y los dibujo”, dice el artista. Diríase que del fondo oscuro, ése que algunas noches de infancia llegó a provocar la angustia de la que se nutre el vacío, van surgiendo esas formas y colores que, a base de inspiración y mucha transpiración, permiten alcanzar la plétora del sentido.

Rafa de Corral confiesa que a veces se pasa más de ocho horas seguidas intentando domesticar esas estructuras que parecen figuras. Porque la suya es una abstracción con los pies en el suelo, aunque sienta cómo cada vez más huye del referente. “Me impone mucho respeto la abstracción geométrica”, comenta. Esa sensación de perder pie, de alejarse por completo de la realidad, hasta caer en ese vacío que, no obstante, se muestra persistente en su obra. No sólo porque lo evoca una de sus últimas piezas (Persistencia del vacío), sino porque es su forma de trabajar.

Puerta del olvido, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Puerta del olvido, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

El vacío en la obra de Rafa de Corral se intuye en esas “estructuras con vida dentro”, según expresión del propio artista, que sin duda sirven de guía de su trabajo. Estructuras y formas que sin retorcerse, porque la línea nunca pierde su compostura, destilan una energía desbordante. Como si esas formas arquitectónicas, pesadas y firmes, perdieran precisamente su firmeza en medio de la nada. Como si la orgánica naturaleza del fondo mantuviera un pulso con esas formas próximas a derrumbarse, a pesar de su energía, de su mayestática presencia.

The Infinitive Live Ii, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

The Infinitive Live Ii, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

“Yo lo veo como estados de ánimo, siempre bajo el signo de la dualidad, entre una parte orgánica y otra parte estructural; en lucha ambas partes”. Rafa de Corral dice trabajar con muchos bocetos previos, como si él mismo luchara por contener el vacío. Esto es, por dotarlo de contenido que amortigüe la angustia del fondo magmático, y por literalmente contenerlo a base de formas que casen con esa luz propiciada por el trabajo con los colores. “Trabajo por capas: del oscuro al claro”, dice. Y añade: “Trabajo con acrílico, pero la plasticidad me lo da el óleo”.

A base de una “luz escenográfica que genera inquietud”, Rafa de Corral va creando esas estructuras anímicas que recorren su obra en dirección a una cada vez más depurada realidad. Como si ese vacío persistente (“los títulos en mi obra son pistas, partes del cuadro”) le obligara a afinar su  propuesta con vistas a ceñirlo mejor. A reconocerse digno de la verdad que ese vacío encierra. Porque el vacío al que Rafa de Corral insiste en acercarse es, más que sinónimo de angustia, la posibilidad última de afrontarla sin miedo a perderse.

La persistencia del vacío, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

La persistencia del vacío, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Salva Torres

Bombas Gens renacerá como centro cultural en 2017

Centre d’Art Bombas Gens
Antigua fábrica de bombas hidráulicas del barrio de Marxalenes de Valencia
Apertura prevista para marzo de 2017

Ya hay fecha: Fallas de 2017. Y presupuesto: seis millones. La rehabilitación de la antigua fábrica Bombas Gens ubicada en el barrio de Marxalenes ya está en marcha. Susana Lloret, directora general de la Fundació Per Amor a l’Art impulsora del proyecto, y el arquitecto Eduardo de Miguel, presentaron la maqueta y los planos de lo que será el futuro Centre d’Art Bombas Gens, que supondrá el regreso del ex director artístico del IVAM Vicente Todolí a Valencia. Nuria Enguita, que será quien lo dirija, aseguró que se expondrá obra de la colección privada del centro, compuesta por 1300 piezas de alrededor de 100 artistas, “mostrada de modo singular y de forma extensa”.

Fotografía de la ubicación de la antigua fábrica del barrio de Marxalenes de Valencia donde irá el futuro Centre d'Art Bombas Gens.

Fotografía de la ubicación de la antigua fábrica del barrio de Marxalenes de Valencia donde irá el futuro Centre d’Art Bombas Gens.

El inmueble diseñado por Cayetano Borso di Carminati y construido en 1930 albergará también un Centro de Día de Atención al Menor y un Centro de Coordinación de la enfermedad de Wilson. “Queremos devolver a la sociedad lo que ella nos ha dado”, aseguró Lloret, para lo cual se servirán de las tres actividades puestas en marcha en cada uno de esos centros. “Compartir y sensibilizar”, sintetizó Lloret. La licencia municipal para empezar con los trabajos de consolidación, demolición de elementos impropios y rehabilitación de la cubierta fue concedida hace un par de semanas. Falta la de obra nueva, cuya concesión llegará más tarde.

La intención es recuperar el diseño original de uno de los referentes de la arquitectura industrial de Valencia. Así, se mantendrá la fachada Art Decó y aquellos elementos que recuerdan su pasado industrial. Los usuarios del futuro centro también podrán disfrutar de un restaurante, jardines y patios exteriores, así como de un aparcamiento subterráneo que vendrían a completar los usos previstos. “Se trata de recuperar la memoria de una parte de la ciudad”, destacó Eduardo de Miguel, sorprendido por el buen estado del edificio pese a llevar abandonado 30 años y haber sufrido recientemente un incendio.

Plano diseño del futuro centro cultural de Bombas Gens.

Plano diseño del futuro centro cultural de Bombas Gens.

El Centre d’Art Bombas Gens tendrá “vocación pública aunque su origen sea privado”, indicó Enguita, en la línea de lo apuntado por Susana Lloret. Los seis millones que costará la rehabilitación del edificio “salen del patrimonio familiar”, descartando Lloret que hubiera ayuda pública alguna. Y desmintiendo a su vez que fuera Ubesol, marca asociada a Deliplus como proveedora de alimentos a Mercadona y propiedad de José Luis Soler, presidente de la Fundació Per Amor a l’Art, la fuente de financiación.

El Centro de Día de Atención al Menor, que ocupará la superficie de la nave añadida con posterioridad al conjunto original, pretende ayudar a niños con riesgos de exclusión social. Dentro de las tres plantas previstas, habrá un comedor. “Se dará de comer actuando en coordinación con los servicios sociales”, precisó Lloret. El otro centro, dedicado a las personas que padezcan la enfermedad de Wilson, completará esa triple faceta educativa, investigadora y cultural que pretende abarcar el futuro edificio de la Avenida de Burjassot.

Para el Centre d’Art Bombas Gens, Enguita contará con Vicente Todolí, ahora en el Hangar Bicocca de Milán y patrono de la Fundació Per Amor a l’Art, que se encargará de la programación. Su experiencia artística y sus numerosos contactos permitirán la realización de proyectos colaborativos. Los artistas Bleda y Rosa ya están trabajando para el centro de arte contemporáneo llamado a ser uno de los referentes de la ciudad de Valencia.

Maqueta del futuro centro cultural en la antigua fábrica de Bombas Gens.

Maqueta del futuro centro cultural en la antigua fábrica de Bombas Gens.

Salva Torres

Las geometrías depuradas de Rafa de Corral

La persistencia del vacío, de Rafa de Corral
Galería Alba Cabrera
C / Félix Pizcueta, 20. Valencia
Inauguración: viernes 18 de septiembre, a las 20.00h

La obra de Rafa de Corral (Bilbao, 1967) ha evolucionado desde un panorama de edificaciones organizadas hacia una depuración arquitectónica, donde lo lineal cobra su máximo sentido.
Las estructuras razonadas de sus trabajos, que nos recuerdan a las obras de Mies van der Rohe, de la escuela de La Bauhaus, o a las arquitecturas de Le Corbusier, unen racionalismo, figuración y abstracción.
La depuración formal, arquitectónica y pictórica del trabajo actual de Rafa de Corral proyecta una síntesis que une lo geométrico al ilusionismo pictórico. Realiza una perfecta unión entre lo onírico y lo real, lo íntimo con lo personal.

Obra de Rafa de Corral. Cortesía de la galería Alba Cabrera.

Obra de Rafa de Corral. Cortesía de la galería Alba Cabrera.

En sus exuberantes escenas de arquitecturas geométricas, el color recalca su maestría. Los cielos brumosos, los contrastes entre las luces y las tinieblas y la intensidad de su color, nos guían al aspecto más íntimo del autor.
Se nos presenta un juego de sensaciones, donde la experiencia visual del espectador y la propia experiencia de Rafa de Corral, se unen en sus estructuras dramáticas, donde no solo la contemplación conduce hacia lo más íntimo del artista.
Un ejemplo de ello son los títulos de sus obras, que esconden historias y sensaciones, dejando la puerta abierta al espectador para profundizar en el interior y en el estado emocional del propio  autor.
Su trabajo actual se sigue sosteniendo sobre unas bases que han sido constantes a lo largo de toda su trayectoria artística. Rafa de Corral trabaja arduamente sus obras, realizando estudios previos sobre ellas, analizando cada detalle y manteniendo la arquitectura como tema primigenio. La ubicación de las escenas en un espacio atemporal, la sensación de inmensidad y el estudiado control de las formas,  también forman parte de dichas bases que tanto caracterizan al artista.
Rafa de Corral atraviesa actualmente una etapa de madurez artística, donde une lo posible con lo imposible y la realidad con la ficción, donde el vacío se expresa en su máximo exponente.

Obra de Rafa de Corral. Galería Alba Cabrera.

Obra de Rafa de Corral. Galería Alba Cabrera.