Imprevisual: acerca de un encuentro causal

Out of equilibrium, de Kaylee Bear y Marco Biscard
Galería Imprevisual
C / Doctor Sumsi, 35. Valencia
Inauguración: Viernes 17 de noviembre de 2017, a las 20.30h

Después de conocerse en una feria de arte en Italia que tuvo el tema ‘Equilibrium’, los artistas Marco Biscardi y Kaylee Koss Bear comenzaron a trabajar juntos el 2 de febrero de 2017 en un proyecto de casi un año. Biscardi proporcionaba fotos sin ninguna explicación o contexto, e invitando a Kaylee a interpretar un significado personal y “responder” visualmente a las imágenes en la parte superior de las fotos. El resultado es este grupo de obras sobre lienzo que se exponen en Imprevisual Galería.

Obra de Kaylee Bear y Marco Biscardi. Imagen cortesía de Imprevisual.

Obra de Kaylee Bear y Marco Biscardi. Imagen cortesía de Imprevisual.

Marco Biscardi ha vivido y trabajado en Los Ángeles, Nueva York y actualmente en el norte de Italia. Su obra, que yuxtapone las referencias de la cultura pop estadounidense con una sólida educación artística italiana de NUCT en Roma, se ha exhibido en Europa y Estados Unidos, así como en las principales revistas y periódicos italianos.

En 2016, Biscardi ganó “Mejor artista 2016”, que está organizado por Arte Musei Roma. En 2017 fue invitado a presentar obras como parte de la “Grazie Italia” en el Pabellón de Guatemala en la Bienal de Venecia.

Obra de Kaylee Bear y Marco Biscardi. Imagen cortesía de Imprevisual.

Obra de Kaylee Bear y Marco Biscardi. Imagen cortesía de Imprevisual.

Kaylee Koss es artista, escritora, músico y una de las directoras fundadoras del Museo Independiente de Arte Contemporáneo, que actualmente opera en galerías, edificios e instalaciones para artistas en Irlanda y España. Con un MFA de NCAD (Dublín, Irlanda) también realiza actualmente la investigación de doctorado en Bellas Artes de la UPV en Valencia.

Koss utiliza sus prácticas audiovisuales para explorar los desafíos de los sistemas binarios socioculturales y la creciente intimidad entre los sistemas biológicos y tecnológicos. Kaylee Koss Bear también es la cantante y guitarrista principal de la banda Stunt Lover.  Sus exhibiciones están presentes en colecciones de los Estados Unidos, China, Mongolia, Francia, Londres, Irlanda y España, y fue la representante de Irlanda a la Conferencia Internacional de Comisarios de arte contemporáneo 2010 y el Set Up Feria de Arte en Bologna, Italia en 2017.

Obra de Kaylee Bear y Marco Biscardi. Imagen cortesía de Imprevisual.

Obra de Kaylee Bear y Marco Biscardi. Imagen cortesía de Imprevisual.

Mujeres y arte protagonizan De Par en Part

Festival de Par en Part
VI Bienal de Arte y Diseño
Diferentes espacios de Buñol (Valencia)
Del 26 al 29 de octubre de 2017

Las mujeres están en el punto de mira del Festival de Par en Part, en Buñol, que abrió sus puertas este 26 de octubre. La mayoritaria presencia femenina ha sido uno de los propósitos de la Concejalía de Cultura y la organización del festival que buscan dar protagonismo y visualizar el papel de la mujer en el arte y en la sociedad, según afirma Arantxa Bonillo, codirectora del evento.

La muestra ‘La ciudad de las mujeres. Fotografía, espacios y género”, que reúne la obra del colectivo de mujeres fotoperiodistas Objectives, propone pensar la ciudad como espacio político desde una perspectiva de género, enfrentándose así a la persistente exclusión femenina de lo público y reivindicando la condición de ciudadanía que ellas han conquistado.

Festival De par en part en Buñol. Imagen cortesía de la organización.

Festival De par en part en Buñol. Imagen cortesía de la organización.

Los siete proyectos sobrepasan el lenguaje fotográfico para descubrir otros como formas expresivas como la instalación audiovisual, el vídeo o la cartografía. Las autoras narran historias mediante diferentes mujeres y espacios: sus recorridos, sus acciones diarias, y se detienen para reflexionar sobre su papel en la vida política, la vida pública, su territorialidad y su representaciónen el espacio urbano.

Otro plato fuerte en De Part en Part es la exposición personal de la artista Elena Martí. Bajo eltítulo'”Frágil’, la muestra reúne un conjunto de obras de distintos formatos y técnicas con unelemento común, la fragilidad que nos transmiten los materiales con los que trabaja. Elena Martí elabora “paisajes” con elementos naturales y óxidos, regidos por la acción del tiempo y su efecto en la materia.

Festival De par en part de Buñol. Imagen cortesía de la organización.

Festival De par en part de Buñol. Imagen cortesía de la organización.

Las cinco intervenciones de arte urbano en el entorno de Buñol serán realizadas por mujeres, con muralistas como Julia Silla, conocida como Julieta XLF, una artista muy activa en la Comunidad Valenciana, con una amplia iconografía de marcado carácter infantil, cercana al arte oriental, con influencias del kawaii japonés y el pop psicodélico.

Las otras intervenciones de street art irán de la mano de la artista uruguaya Lucía Pintos, con la obra ‘Nulo’, Doa Oa, con ‘Reforestando’, un proyecto mural que hace una metáfora del resurgir de la vida, Raquel Rodrigo con ‘Arquicosturas’, una especie de “segunda piel” que se inserta enespacios urbanos y Alba Bla, con una obra lúdica entre el absurdo, la lógica y lo mágico de la vida.

De igual manera, destaca la mayoritaria presencia de artistas mujeres que presentan sus obras enlas 35 casas, locales y estudios abiertos al público durante los tres días de festival.

Festival De par en part. Imagen cortesía de la organización.

Festival De par en part. Imagen cortesía de la organización.

Arístides Rosell y Raimundo Díaz

130 artistas toman Buñol

De Par en Part
Festival de Arte y Diseño de Buñol
Diferentes espacios de Buñol (Valencia)
Del 20 al 29 de octubre de 2017

¿Qué sucede cuando el arte toma una urbe por asalto, cuando nada parece importar más que esa relación entre público y artistas? Hemos visto en los últimos años una avanzada de festivales en los que el arte deja de estar enclaustrado en su zona de confort: las galerías, los museos, estudios, y sale a la calle en busca de la gente, interesado en una mayor socialización, liberándose de sus misterios e intimidades. Como quien acude a una playa nudista.

Así asistimos -por segunda vez ya- a la VI Bienal de Arte y Diseño de Buñol, que para su renovación incluyó hace dos años el Festival De Par en Part, hijo directo de Russafart, otro evento que renovó en la Comunidad Valenciana la manera de interactuar con el público, abriendo los estudios de los artistas a la población.

Festival De Par en Part. Fotografía de Raquel Abulaila por cortesía de la organización.

Festival De Par en Part. Fotografía de Raquel Abulaila por cortesía de la organización.

El formato actualizado de “puertas abiertas” redimensionó en 2015 una Bienal, que había sido referente nacional e internacional para el mundo del arte y que casi por desidia había caído en el olvido. Ese año se consiguió atraer a más de 100 artistas hacia un Buñol interesado en salirse de los límites tradicionales de los eventos realizados en la comarca y abonar una vez más el terreno de la cultura. Todos ganaron.

Buñol comienza a visualizarse también como una plaza en la que cada dos años, pintores, escultores, grabadores, diseñadores asaltan los espacios urbanos con sus obras, se organizan concursos, talleres, exposiciones, nuevos grafitis invaden los muros. Todo con una complicidad indescriptible con la población local, que la mayor de la veces hace de juez y parte.

Las calles se convierten en un hervidero de ideas y proyectos que posicionan el arte local, nacional e internacional presentes en el evento. Los resultados son visibles. Se ha despertado un mayor interés por el arte. Este año, sus organizadores esperan la participación de unos 130 artistas y 35 casas de vecinos abren sus puertas a expositores.

Cartel del festival De Par en Part. Imagen cortesía de la organización.

Cartel del festival De Par en Part. Imagen cortesía de la organización.

Del 20 al 29 de octubre se programan un sinnúmero de actividades vinculadas a las artes plásticas y al diseño pero también conciertos, espectáculos de danza, conferencias magistrales. La inauguración, el viernes 20 de octubre, contó con la apertura de dos exposiciones en el Castillo de Buñol: la muestra fotográfica ‘Ciutat de les dones’, sobre el rol de la mujer en la sociedad contemporánea y que reúne la obra del colectivo de mujeres fotoperiodistas Objectives, y ‘Frágil’, de la artista Elena Martí, centrada en el ser humano y la naturaleza.

Ese día se presentó un espectacular “videomaping” interactivo del grupo multidisciplinario VitaminArt, en cuyas proyecciones fusiona la expresión artística con las últimas tecnologías, haciendo de sus presentaciones un sugestivo y deslumbrante espectáculo visual. La noche se cerró con el espectáculo de danza aérea ‘Célula’ del grupo Subcielo, pieza de tango bailada sobre pared.

El sábado 21, a la misma hora, se presentó un espectáculo del taller de danza comunitario TaiatDanza en la Sala Raga, mientras que el miércoles 25 en ese mismo espacio se proyectará el documental ‘Manuel Ballester, el llanto airado’, de Giovanna Ribes.

Vista de la exposición de Elena Martí. Imagen cortesía del festival De Par en Part.

Vista de la exposición de Elena Martí. Imagen cortesía del festival De Par en Part.

Los días intensos del festival

Durante el fin de semana, del 26 al 29 de octubre, se programan las jornadas más activas de la mano del Festival de Par en Part. Vecinos y visitantes podrá disfrutar de acciones plásticas de directo, murales, concurso de pintura rápida; talleres de modelado 3D y arquitectura para niños; conciertos; exposiciones y puertas abiertas de más de 30 casas con exposiciones por todo Buñol. Y para dejar un buen sabor de boca, la oferta se completa con una enriquecedora ruta de la tapa,iniciativa a la que se han sumado los bares y restaurantes que colaboran con el festival.

Aunque el festival De Par en Part se inaugura el 26 de octubre en la sala Raga a las 19.30 horas, desde las 10 de la mañana de ese día se podrán apreciar las intervenciones de muralistas como Julia Silla, conocida como Julieta XLF, una artista muy activa en la Comunidad Valenciana, con una amplia iconografía de marcado carácter infantil, cercana al arte oriental, con influencias del kawaii japonés y el pop psicodélico.

Vista de una de las exposiciones del festival De Par en Part. Fotografía de Raquel Abulaila por cortesía de la organización.

Vista de una de las exposiciones del festival De Par en Part. Fotografía de Raquel Abulaila por cortesía de la organización.

Otras intervenciones de street art irán de la mano de la uruguaya Lucía Pintos, con la obra ‘Nulo’, Doa Oa, con ‘Reforestando’, un proyecto mural que hace una metáfora del resurgir de la vida, Raquel Rodrigo con ‘Arquicosturas’, una especie de “segunda piel” que se inserta en espacios urbanos y Alba Bla, con una obra lúdica entre el absurdo, la lógica y lo mágico de la vida.

El 26 de octubre se inaugura en la sala Raga una exposición homenaje al artista buñolense Emilio Villar ‘Cuco’, con un conjunto de pinturas abstractas, mientras que el en mercado municipal se abre la muestra de esculturas ‘Martingalas’, de Luis Pascual Ferrer.

El 27 de octubre, entre las 17.30 y las 20.30, se abrirán al público las casas y talleres de Buñol, con visitas guiadas por especialistas del Ayuntamiento y explicaciones in situ en distintas exposiciones. Para las once de la noche tendrá lugar en Venta Pilar el concierto ‘PinteracciónJazz’, un espectáculo que mezcla jazz y pintura en directo.

Festival De Par en Part. Fotografía de Raquel Abulaila por cortesía de la organización.

Festival De Par en Part. Fotografía de Raquel Abulaila por cortesía de la organización.

El 28 de octubre se desarrollará el concurso de pintura ‘Paisajes del Castillo’, las casas y talleres abrirán en horas de la mañana y tendrán lugar dos talleres, previa inscripción. El primero, de animación 3D impartido por Jaime Rehues en la sala Raga y el segundo, de arquitectura para niños en la sala de la Tomatina. Ese día se premiarán las obras participantes en el concurso de intervenciones efímeras del paisaje.

‘The Left (I) overs’ es el título de la conferencia que impartirá Basurama, a las 20.00 horas en la sala Raga. Basurama es un colectivo madrileño con alcance internacional que realiza intervenciones con desechos. La noche cierra con el concierto de los grupos Demoliciones constructivas, Punk Sailor y Vevas Band.

El concurso de pintura rápida será el plato fuerte en la jornada final del festival de Par en Part el domingo 29 de octubre, día en que los estudios y casas mantendrán sus puertas abiertas a los visitantes. De Par en Part apuesta fuerte por artistas internacionales y últimas tendencias en diseño, convirtiéndose así en uno de los festivales de arte de renombre en la Comunidad Valenciana.

Festival De Par en Part de Buñol. Imagen cortesía de la organización.

Festival De Par en Part de Buñol. Imagen cortesía de la organización.

Arístides Rosell y Raimundo Díaz

Vicent Marco: La realidad imaginaria

Realidad imaginada, de Vicent Marco
Comisariada por Arístides Rosell
Atarazanas
Plaza Juan Antonio Benlliure, s/n. Valencia
Hasta el 10 de septiembre de 2017

La primera sensación que experimentamos al adentrarnos en una exposición de Vicent Marco es la de un hondo sosiego. Afuera queda el bullicio exterior, la vida nerviosa y agitada, el estrés del tráfico, la impronta sonora de la ciudad ajetreada y ruidosa. Dentro, en cambio, en el interior del recinto expositivo, la pintura armónica, equilibrada y racional de Vicent Marco nos infunde de inmediato un sentimiento de calma, de expectación tranquila, como si fuéramos los destinatarios de una invitación exclusiva al silencio y al goce estético.

Sin embargo, esa impresión inicial, provocada por la radicalidad del tránsito, irá modificándose poco a poco, conforme el espectador vaya entrando, paso a paso, en el universo pictórico que tiene delante. A la calma estética le sucede invariablemente una cierta inquietud. Los cuadros se dirigen ahora al espectador con cierta educada inquisición: le interrogan, ponen en evidencia verdades incómodas, afean actitudes que tal vez le molesten… en medio del silencio irrumpe un grito. Un aire de nítida denuncia puebla de pronto la atmósfera. Tras la regularidad y la aparente simplicidad de las formas se abre paso la lógica de un cierto desgarro. La realidad pictórica misma aparece disociada. Figuración y abstracción conviven en un escenario en el que se dirime una lucha… un combate que atañe directamente al espectador.

Visita al Museo, de Vicent Marco. Imagen cortesía del autor.

Visita al Museo, de Vicent Marco. Imagen cortesía del autor.

Llegados a este punto es necesario decidir. Es la hora de saber si uno está allí para hacerse una selfie y partir, o si uno acepta el reto del artista. Pues lo que va a ver no es un discurso complaciente, una galería de imágenes bonitas e inocuas, sino una radical impugnación de todo el sistema actual del arte. Ese es el propósito, ese es el reto que lanza el artista… y nosotros somos los jueces inapelables llamados a dictaminar si Vicent Marco ha alcanzado el blanco con su arco y sus flechas, con su inteligencia y su talento.

Pero ¿cómo se ha forjado ese propósito en la voluntad del pintor? ¿Cómo ha llegado el artista hasta aquí?

Vicent Marco (l´Alcúdia, 1956) es un artista que viene de lejos, de muy lejos. Ya a los ocho o nueve años, en su Alcúdia natal, tenía el impropio y absurdo deseo de ser pintor, pese a que nadie en su entorno familiar se dedicaba a ello. A los once años le presentaron a Manuel Boix, en cuyo taller se formó como si fuera (sin serlo) un verdadero aprendiz. Allí aprendió todo lo que puede enseñarse sobre técnica pictórica, sin necesidad de pasar por una academia. No es un caso extraordinario en su época: tampoco pasaron por ellas Manolo Valdés o Andreu Alfaro. Luego, en su tiempo libre, pintaba en casa sus propios cuadros. A los 14 años ganó su primer premio de pintura: un Premio Nacional, que lo llevó de golpe a Madrid. En 1974, con 18 años, hizo su primera exposición individual en la Galería Amadís de la capital de España.

Art Fair, de Vicent Marco. Imagen cortesía del autor.

Art Fair, de Vicent Marco. Imagen cortesía del autor.

Desde esa exposición hasta hoy (de 1972 a 2017) han pasado la friolera de 45 años. Pues bien, en esas cuatro décadas y media, Vicent Marco ha sido pintor a full time, artista a tiempo completo, no ha tenido otra actividad que crear su obra, en paralelo a una reflexión cada vez más honda y serena sobre la historia del arte y a una vivencia cada vez más crítica y descarnada de la realidad (incluida esa singular realidad que es el sistema contemporáneo del arte).

Descontando los trabajos de ilustración, llevados a cabo tanto en la Valencia de los años 80 (tan prometedora en expectativas culturales, tan cicatera en sus logros) como en su largo periplo mexicano (de 1990 a 2004), el trabajo artístico de Vicent Marco ha sido esencialmente pictórico. Un trabajo que discurre por la senda de una cierta pintura figurativa, no necesariamente ortodoxa, bastante influenciada por el pop art de los sesenta, pero también por las formas de realismo pictórico y social que en ese momento imperan en Valencia de la mano de los los equipos Crónica y Realidad. Tanto en lo formal como en lo temático, esa impronta se mantendrá de manera constante en la obra de Vicent Marco, y es como un hilo de acero que engarza todas sus épocas y sus distintas series y colecciones.

No Mirar, de Vicent Marco. Imagen cortesía del autor.

No Mirar, de Vicent Marco. Imagen cortesía del autor.

Este ADN está ya tan impreso en su genética pictórica, que no cambia siquiera durante su extensa etapa mexicana, pese al poderoso atractivo que allí ejerce la gran escuela muralista de los Orozco, Rivera y Siqueiros. Respecto al poder real de esa escuela conviene no olvidar que hasta Jackson Pollock, el influyente pintor estadounidense y figura emblemática del expresionismo abstracto, se formó en el taller de Siqueiros. Era difícil sustraerse a ese influjo, pero el Vicent Marco que viaja a México en 1990 y permanece allí 14 años, ya iba con su “mochila” muy hecha, con un bagaje propio muy definido, y decidió serle fiel. No obstante, el distanciamiento le permitió pensar a fondo sobre el valor de esa “mochila”, de ese bagaje propio, al tiempo que iba asimilando elementos nuevos: la importancia de lo matérico y, sobre todo, el tema del color.

De vuelta a España, el artista maduro inicia una reflexión aún más exigente sobre su trabajo y sobre el momento del arte.  Ante las interrogantes sobre ¿dónde estamos?  y ¿cómo seguir?, van emergiendo nuevas respuestas plásticas inspiradas por la contradicción entre “lo que se ve” (lo real objetivo) y “lo que no se ve” (lo que uno imagina). La realidad, a partir de ahora, va a enfrentarse a su “doble” imaginario. Ello conduce a un división material del cuadro en dos espacios, que funcionan como un contrapunto: uno figurativo (pictórico o, a veces, reproducción fidedigna de trozos de periódicos, fotografías, etc.) y el otro abstracto o configurado por trazos que remiten a una elaboración más inconsciente que racional.

Observación, de Vicent Marco. Imagen cortesía del autor.

Observación, de Vicent Marco. Imagen cortesía del autor.

Nace así lo que podríamos llamar un “realismo imaginario”, que prolongando los logros de su trabajo anterior, irá dando lugar a las distintas series y colecciones que se integran ahora en esta exposición antológica que reúne algunas piezas seleccionadas de los últimos diez años de trabajo del pintor.

En esta década, dos grandes temáticas van a ser decisivas. De un lado, un trabajo “deconstructivo”, de crítica, de demolición, de impugnación del “sistema moderno del arte”. De otro, un homenaje cálido a la tradición pictórica, de la que se siente deudor, a través de la serie denominada “el museo imaginario”.

¿Qué entiende Vicent Marco por “sistema del arte”? Todo ese complejo entramado de determinaciones (económicas, culturales, sociales, mediáticas…), que no tiene a priori nada que ver con la creación y la calidad artística, pero que sin embargo dominan e imponen sus leyes en el “mercado del arte”. Ya en “Mediática del arte” (exposición de 2011), el pintor desnuda la falacia con que los medios de masas convierten el arte en una mercancía desprovista de toda “aura” artística, que se “vende” al público con las categorías habituales de cualquier otro producto: precio de venta, objeto de lujo, compraventa, robo, subastas, exposiciones-espectáculo, etc.

Y, en esa misma muestra, inicia ya la impugnación de eso que empieza a evidenciarse como la “relación imposible” del espectador con el cuadro, y que culminará con la muestra “INvidenteS” (Galería Imprevisual, 2014-2015), donde Vicent Marco despliega toda la potencia de su plástica para alertar de la completa “ceguera” que viene. Distraídos con el móvil, paseando por la sala como turistas ensimismados y ajenos, fotografiando los cuadros en vez de mirarlos, bostezando de hastío… los espectadores del arte actual, los visitantes masivos de museos, galerías y exposiciones, ya son completos “invidentes”. Apenas miran y no saben lo que ven.

Mediática del arte, de Vicent Marco. Imagen cortesía del autor.

Mediática del arte, de Vicent Marco. Imagen cortesía del autor.

Para Vicent Marco el arte está hoy “secuestrado” por instancias que amenazan su propia supervivencia. Los medios hace tiempo que han reducido el arte a espectáculo y dinero. Las exposiciones aspiran a ser cada vez más “lúdicas”. Las ferias de arte, ¿son eventos culturales o comerciales? Los artistas se jerarquizan por el valor de sus obras en las subastas. Un artista puede alcanzar la “gloria” solo porque lo respalda un político. El “sistema del arte” ahoga el arte. Lo expulsa. Lo mata.

Vicent Marco recorre todo el escenario de este crimen combinando la explicitud con la sutileza y el grito airado con la denuncia serena. La simplificación del color (apenas tres colores: magenta, escarlata y azul, junto a todos los matices de blancos y grises, y un leve apunte verde) no produce monotonía, sino que da fuerza al discurso interno, por la sabia conjunción de reiteración cromática y variaciones plásticas. También los cambios formales nutren esa sensación: se juega cartesianamente con las variaciones de arriba y abajo, izquierda y derecha, adentro y afuera… e incluso el propio marco interno está a veces roto, añadiendo puntos de fuga inéditos. La singular dialéctica de esta pintura entre lo que se ve y lo que no se ve, entre lo real y lo imaginario, entre lo figurativo y lo abstracto, hacen que el recorrido por las 80 piezas de esta exposición resulte un paseo instructivo, un campo de variaciones lleno de estímulos y sabiduría.

Y algo parecido ocurre con la serie “El museo imaginario”, fruto de la última etapa del pintor. Allí vemos “escondidas”, a partir de unos trazos aparentemente caóticos, algunas de las figuras canónicas de la historia del arte (arlequines y madonas), deslizándose libremente por el espacio de un lienzo liberado de sus límites. El autor invita al espectador a buscar y reconocer esas figuras, en un juego muy serio, donde las imágenes de la tradición pictórica reivindican, en su simplicidad y armonía, su eterna belleza indestructible. Es como si Vicent Marco elevara tenuemente la voz para recordar: “Podéis matar el arte, pero el arte es inmortal”.

¿Arte sobre el arte? ¿Un discurso meta-artístico? ¿Acaso la literatura actual, en su mejor versión (citemos, por ejemplo, a Enrique Vila-Matas, Mario Levrero o Sergio Chejfec), no adopta a la propia literatura como tema central? ¿No es acaso este punto de vista uno de los más avanzados del momento presente?

80 cuadros y una instalación pictórica componen esta merecida muestra antológica de diez años (2006-2016) de la obra de Vicent Marco. El niño que quería ser pintor contra toda evidencia, y que hoy pone en evidencia con su pintura la verdad madura de su reflexión y su obra. ¿Cabe mayor coherencia?

Viaje pictórico al interior de su pintura y de su alma, esta muestra hace justicia a un artista que ha hecho justicia, durante décadas, al arte y a la pintura. En Valencia y fuera de aquí.

Ver, Mirar, de Vicent Marco. Imagen cortesía del autor.

Ver, Mirar, de Vicent Marco. Imagen cortesía del autor.

Manuel Turégano
Escritor y editor de Contrabando

El arte y el poder en las ideas

Cartell Cubà 1959-1989. Crònica gràfica de la història recent de Cuba
Sala Parpalló del MuVIM
C / Quevedo, 10. Valencia
Hasta el 15 de octubre de 2017

El cartel cubano mantuvo las distancias con la etapa sombría del realismo socialista y la influencia nociva del triunfalismo panfletario de la propaganda revolucionaria. Desde una conceptualización creativa que marcó una insuperable diversidad estética y definió una personalidad única en el contexto contemporáneo, supo acompañar cada episodio y acontecimiento político, histórico y cultural del incipiente proceso que definió la Cuba posterior a 1959. De modo que esta cartelística se convirtió en una mediadora atípica en las relaciones entre el nuevo poder y la propaganda.

Ciertamente no fue una relación idílica. No estuvo ajena a censuras, ni al voluntarismo ideológico que invadió la institucionalidad. Pero lo que realmente le otorgó una dimensión internacional y un protagonismo sin precedentes, fue un lenguaje nacido de la síntesis de recursos expresivos bajo los designios del pop art, el arte óptico, el art noveau y todas las reformulaciones artísticas que se asimilaban en la isla y se cubanizaban al mismo tiempo, mientras desarrollaba una iconografía y un simbolismo sin apego alguno al cartel comercial.

Vista de la exposición sobre el cartel cubano. Imagen cortesía del MuVIM.

Vista de la exposición sobre el cartel cubano. Imagen cortesía del MuVIM.

El Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad (MuVIM) abre, al parecer, una nueva etapa de “redescubrimiento” museístico al dejar inaugurada esta amplia muestra que agrupa no solo la vanguardia del diseño gráfico cubano que tuvo el mayor exponente en el cartel de cine -conocido por anteriores muestra exhibidas en este recinto-, sino en todo el escenario político y propagandístico en un período de tres décadas enmarcadas entre 1959 y 1989, año que marca la caída del muro y el impás de una crisis material que se extiende hasta el presente.

La exposición comprende un recorrido visual por la gráfica de los primeros 30 años de la revolución cubana. El poder de la propaganda del régimen naciente jugó un papel fundamental en los mensajes destinados a crear una conciencia colectiva sobre el ejercicio de la soberanía e identidad nacional. Un remix de carteles representativos de la época, diseñados por los principales exponentes de la gráfica cubana. La ausencia de mujeres diseñadoras es un denominador común en este período. Pocas oportunidades tuvieron las creadoras para dejar su impronta en la nueva cartelística cubana que nacía con fuerza renovadora del lenguaje visual imperante. ¿Casualidad? “No hay motivos aparentes”, según explicaba la comisaria de la exposición, Moraima Clavijo, “solo es un hecho constatable que a fecha de hoy, sigue siendo un tema a revisar”.

En la etapa que comprende la muestra, la producción de carteles fue inmensa. Los contenidos propagandísticos a divulgar, eran los logros de la revolución repletos de metáforas visuales. El juego de imágenes, los héroes de la revolución, las efemérides, la contienda de la caña de azúcar, la campaña de alfabetización, las organizaciones de masas, la pesca y los actos culturales eran los temas recurrentes a tratar en la gráfica naciente.  Carteles cargados de color con influencias del pop art norteamericano, el realismo socialista, el art deco o influencias tan dispares como la gráfica polaca.

Un cartel que nace de la necesidad, aunque la actividad creativa era desbordante, faltaba todo lo demás. Se contaba con pocos recursos para desarrollar los diseños y trabajaban con medios precarios. De ahí su virtud, un nuevo sello marcaba la identidad del cartel cubano, limitados medios técnicos y la fuerza visual de las ideas, imperaba en los diseños.

Uno de los carteles de la exposición. Imagen cortesía del MuVIM.

Uno de los carteles de la exposición. Imagen cortesía del MuVIM.

El movimiento cultural de los primeros años de la revolución cubana marcó un inédito rumbo en la cinematografía. La producción era insaciable, películas filmadas en Cuba y gestionadas desde el ICAIC (Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfica), necesitaban transmitir un mensaje acorde con los nuevos tiempos. Temas recurrentes como pasajes de la revolución, los héroes de la patria, la cultura con influencias de la Unión Soviética y el bloque socialista del este eran las historias contadas bajo el prisma revolucionario. Un cine cubano que expresaba las realidades protagonizado por la sociedad del momento, la experiencia de la revolución y sus hechos trascendentales. En este contexto se desarrolla una gráfica muy visual, con motivos aparentemente simples donde la idea prevalecía en el resultado final.

Muchos creadores conforman la escuela cubana del cartel, entre los que destacan Rafael Morante, Julio Eloy, Alfredo Rosgaaart, Eduardo Muñoz Bach (de origen Valenciano), René Azcuy o Antonio Pérez NIKO, algunos en activo a fecha de hoy. Un movimiento renovador marcado por una época, que supieron adaptarse al contexto internacional para crear la identidad de la gráfica cubana que prevalece hoy día. Estos y muchos otros diseñadores y artistas trabajaron sin descanso durante más de una década, creando una ingente producción con la que conseguirán además de informar de la ajetreada vida cultural del momento, elevar el cartel publicitario a la categoría de obra de arte.

Según palabras de la comisaria Moraima Clavijo, el objetivo principal de la exposición ‘Cartell Cubà 1959-1989. Crònica gràfica de la història recent de Cuba’ “es el de dar a conocer la importancia de la producción gráfica cubana y la efervescencia creativa de la segunda mitad del siglo XX en un campo como el de las artes gráficas, convertidas (con el cartel propagandístico a la cabeza) en vehículo de expresión de las complejas vicisitudes sociales de la etapa inmediatamente posterior al triunfo revolucionario”.

Vista de la exposición sobre el cartel cubano. Imagen cortesía del MuVIM.

Vista de la exposición sobre el cartel cubano. Imagen cortesía del MuVIM.

Con esta muestra el MuVIM realiza su particular aportación al conocimiento del arte y los artistas latinoamericanos y la inclusión de los mismos en los circuitos nacionales y locales, estrechando relaciones y creando sinergias con centros internacionales. La muestra forma parte de un proyecto expositivo mayor que bajo el título de ‘Poder y Propaganda’ alberga además la muestra ‘Les imatges del poder’ que inaugurará el museo el próximo día 29 de junio.

Inmersos en plena Revolución tecnológica digital, nos encontramos en una época dominada por un lado por la licuada actualidad política y la supuesta alteración de las estructuras del poder, y por otro por el bombardeo iconográfico y la continua aparición de nuevos o renovados códigos visuales, aparentemente, cada vez más simplificados. Resulta de especial relevancia en este contexto plantear una reflexión como la que aborda el MuVIM con esta propuesta.

El ciclo ‘Poder y Propaganda’ lo conforman dos exposiciones de tesis que investigan, reflexionan y dan algunas pistas sobre cómo se construye -y se ha construido históricamente- la imagen del poder, poniendo de manifiesto la potencia propagandística, expresiva y comunicativa de la imagen artística, y su maleabilidad al servicio de las exigencias del poder (centralizado, absolutista, o democrático, horizontal y “enredado”), siempre atento a los gustos y tendencias del momento.

La muestra se divide en cuatro grandes bloques (‘El cartel político’, ‘El cartel cultural’, ‘El cartel de cine’ y ‘El cartel institucional’) que abordan las similitudes y discordancias en el desarrollo del arte del cartel y su devenir estético según el carácter de su ámbito de actuación y el tipo de organismo emisor que realizaba el encargo.

Las obras expuestas, 57 carteles originales de la época, realizados en serigrafía y una selección de fotografías que ilustran el paisaje urbano cubano con algunas de sus vallas más representativas, forman parte de los fondos del Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana (26 carteles), y de la Biblioteca Nacional de Cuba José Martí (31 carteles).

Además, el MuVIM ha enriquecido la muestra incorporando parte de su recién adquirida colección de 14 carteles cubanos que, a partir de octubre, conformarán (junto con una serie de paneles divulgativos y otros elementos) la versión itinerante de esta exposición. Una apuesta del MUVIM por dotar de fondos al museo como una experiencia inicial que pretende ser de largo recorrido.

Uno de los carteles de la exposición. Imagen cortesía del MuVIM.

Uno de los carteles de la exposición. Imagen cortesía del MuVIM.

Los diseñadores cubanos y el arte del cartel

Tres son las características que comparten todas las obras que se integran en esta muestra: su falta de finalidad comercial, hecho que los sitúa en el ámbito de la propaganda institucional, su gran calidad artística, y su carácter innovador representativo de una estética y lenguaje propios cultivados y llevados a su máxima expresión a lo largo de este particular período.

El nuevo régimen surgido de la Revolución vio en la democratización cultural una de sus principales estrategias de acción para el desarrollo del nuevo orden social. Proliferan en esta época políticas culturales orientadas a corregir desigualdades ilustrando a las masas, y a preservar y construir la nueva identidad cultural cubana.

En la propaganda, a través de soportes tradicionalmente publicitarios y de la mano de una generación de artistas y diseñadores locales, el régimen cubano encuentra una excelente vía de comunicación directa con el pueblo que se convertirá además en un fecundo campo de experimentación artística que sentará las bases para la aparición y el desarrollo de un lenguaje y un estilo propios que elevarán el cartel a la categoría de obra de arte.

La vida cultural y el cine como campo de experimentación

En la efervescencia creativa cubana del arte del cartel tendrán un papel decisivo una serie de instituciones oficiales, fundadas tras la victoria revolucionaria, para la promoción cultural en el país. El cine, con la aparición en 1959 del ICAIC – Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfico, se convierte en el principal campo de experimentación artística y en la vía para el desarrollo de un diseño gráfico caribeño de nuevo signo.

Destacan en este ámbito los carteles reinterpretados a la manera cubana de películas importadas (japonesas, checas, soviéticas, francesas, italianas, rumanas, alemanas, polacas, búlgaras, coreanas, etc). Esa libertad de reinterpretar, por artistas cubanos, la publicidad de estas películas se revela como uno de los factores cruciales para la expansión de este particular universo gráfico y del ocio cinematográfico.

Uno de los carteles de la exposición. Imagen cortesía del MuVIM.

Uno de los carteles de la exposición. Imagen cortesía del MuVIM.

Propaganda con influencias artísticas

Los creadores del momento, que ya habían formulado las directrices de la emergente estética cubana vinculada al ámbito cultural, supieron aprovechar estas experiencias, reconvertir soportes y códigos propios del lenguaje publicitario de tintes capitalistas, superar la herencia del realismo socialista y crear una gráfica política de nuevo sello al servicio de la revolución.

Los carteles de esta sección son una buena muestra de cómo las soluciones estéticas se despegan de la rigidez socialista inicial para jugar con las posibilidades expresivas del color, el uso de recursos propios de tendencias pictóricas como el art nouveau, la abstracción geométrica, el pop art o el informalismo y la potencia comunicativa del diseño puramente tipográfico.

La ciudad y el paisaje urbano

Otra de las características más sobresalientes del diseño gráfico cubano de estas décadas es su importante proyección urbana. Más allá de la intencionalidad del mensaje que se quería divulgar, y del valor creativo de la pieza en sí, tanto el cartel como la valla van a convertirse en elementos absolutamente representativos, icónicos, del paisaje urbano cubano. En la exposición se muestra una serie de fotografías y reproducciones de los ejemplos más significativos de este período. Su carácter efímero, su constante renovación y su valor creativo, convierten a estos soportes en huellas documentales, testigos directos de la historia gráfica, política y social de la isla y en verdaderas obras de arte.

Vista de la exposición sobre el cartel cubano. Imagen cortesía del MuVIM.

Vista de la exposición sobre el cartel cubano. Imagen cortesía del MuVIM.

Arístides Rosell

El Musical se llena de Encontres

Encontres, Cultura als barris per fer ciutat
Teatre El Musical
Plaza del Rosario, 3. Valencia
Del 10 al 12 de junio de 2016

La Plataforma de festivales urbanos de Valencia PICUV, en colaboración con el Teatre el Musical presentan Encontres, Cultura als barris per fer ciutat¸ una celebración artística abierta a todos los públicos con propuestas escénicas y artísticas desarrolladas por los propios Festivales durante el año. Encontres evidencia así la importancia que los festivales de PICUV tienen en el calendario cultural de la ciudad.

Encontres, Cultura als barris per fer ciutat, pretende ser un foro de debate, intercambio y conocimiento, al tiempo que un escaparate donde mostrar las propuestas más destacadas programadas por los 9 festivales de la PICUV. Es por este motivo que los organizadores han contactado con directores de propuestas nacionales con la misma idiosincrasia y espíritu que sus festivales para nutrirse y alimentarse mutuamente.

Obra de Cabanyal Íntim. Imagen cortesía de PICUV.

Obra de Cabanyal Íntim. Imagen cortesía de PICUV.

Una programación dinámica, participativa y multidisciplinar que abarca diferentes disciplinas artísticas. El viernes 10 de junio, a partir de las 19.30h., en el hall del TEM habrá: Djs, stands informativos, la presentación del vídeo promocional Encontres, Sígueme, performance de danza a cargo de la Cía. Malarte, la inauguración de las exposiciones Silencio (escultura) de Martí Moreno y Con otros ojos (fotografía) de Maite Bäckman. Para finalizar, a partir de las 22.00h, en la Plaza del Rosario, Groove All Stars con un elenco de “músicos diez” harán mover el esqueleto a ritmo de soul, jazz, funky y hip hop.

Las jornadas del sábado 11 y del domingo 12 llegan cargadas de actividades desde las 11.00h de la mañana hasta las 22.30. El espacio de debate, reflexión y participación ciudadana se ha programado ambos días por las mañanas de 11.00h a 14.00h.

El sábado 11 la mesa redonda está dedicada a presentar diferentes Iniciativas culturales ciudadanas de diferentes partes de la geografía española: Intermediae de Madrid, Cultsurfing de Barcelona, Redetejas de Sevilla, Olas de Energía de San Sebastian PICUV y Cabanyal Horta de Valencia. El debate estará moderado por el periodista y redactor de Cultura en Valencia Plaza, Eugenio Viñas. Por la tarde, tendremos la segunda charla del día ahondando en un tema tan recurrente en los últimos meses como es ‘Models de relació amb l’administració’, a cargo de Azuzena Klett, de Las Mesas de Citykitchen (Madrid).

Café Sol. Imagen cortesía de PICUV.

Café Sol. Imagen cortesía de PICUV.

El domingo 12, desde las 12.30 a las 14.00h, se podrá participar en la charla ‘Art, participació ciutadana i procesos polítics’ en el Auditori del TEM, con las intervenciones de diferentes agentes culturales: Maite Ibáñez, Eponine Franckc (Los Artistas del Barrio, Madrid), José Luís Pérez Pont, Director del Consorcio de Museos de Valencia y uno de los portavoces de PICUV y Director de Russafart, Arístides Rosell. En la mesa de debate de la tarde se hablará y reflexionará alrededor del valor del arte (Quant costes? Reflexions al voltant del valor de l’art).

El teatro y las actividades para toda la familia también tendrán cabida en Encontres ambos días: el sábado hay programados dos eventos, un taller de construcción de marionetas a partir de materiales reciclados por Froggies y a las 13.30h en la Plaza del Rosario, el espectáculo gratuito Jugo de juguetes¸ de Teatre la Estrella. El domingo las actividades familiares serán por la tarde de 18.30 a 20.00h e incluyen un taller con Roll Paper Craft, otro de construcción de aviones de juguete y de flores decorativas.

Río por no llorarme. Imagen cortesía de PICUV.

Río por no llorarme, de Barbàrie Teatre. Imagen cortesía de PICUV.

El teatro, la danza y la performance más contemporánea y vanguardista vendrán de la mano de varios artistas locales y nacionales: Taxácea del Colectivo Croatán (dos piezas alternas de danza contemporánea) se podrá ver en cuatro ocasiones a lo largo del fin de semana; Hamlet Party, la propuesta teatral-musical del director mallorquín Josep R. Cerdà, tendrá dos pases, (uno a las 19.00h y otro a las 21.30h en el Auditorio del TEM. Se trata de una adaptación libre del clásico de Shakespeare, producida por el festival Jardí Desolat. El domingo a las 20.00h en el Auditorio también, Russafa Escènica presenta una de sus piezas revelación 2015, ‘Río por no llorarme’,  de Barbàrie Teatre.

Otra novedad es sin duda la participación del artista urbano Deih (XLF), quien realizará una intervención artística y urbana a través del lenguage del graffiti como homenaje al TEM i al Cabanyal.

Poble Nou. Imagen cortesía de PICUV.

Poble Nou, de Mou Dansa. Imagen cortesía de PICUV.

La Plaza del Rosario se reserva el espacio para la danza con la exhibición del taller ‘Tú creas, tú decides’ de Bucles; Café Sol de Cía. Fil D’Arena, ambos el sábado, y Wild Side de Cia. Botànic Espai de Dansa y Aproximacions a Poble Nou de Cía. de Mou Dansa el domingo, como espectáculo-clausura.

Como actividad lúdica y divertida por las calles del barrio destacamos la ‘Cercavila: Mardigrass per 40-Funk Brass Band’ con la actuación de Hermanos Tachini (circo) y una performance de danza.

La gastronomía más valenciana no podía fallar en un evento cultural de barrio, tal y como manifiestan las dos paellas populares planificadas ambos días a mediodía y aderezadas con música ambiente.

Actividades, espectáculos, exposiciones, conciertos, talleres y gastronomía para todos los gustos y edades que servirán para dar a conocer a los ciudadanos de València estas iniciativas culturales e impulsar el desarrollo de dinámicas que permitan conectar a instituciones, agentes culturales y ciudadanía en una verdadera dinámica que impulse un modelo cultural más dinámico y participativo.

Los integrantes de PICUV son: Russafa Escènica, Circuito Bucles, Distrito 008, Cabanyal Íntim, Benimaclet Confusion, MUV! Circuito Música Urbana, Intramurs, Ciutat Vella Oberta y Russafart.

 

Russafart arranca fuerte pero con débil presupuesto

Russafart. Obrando arte
Diferentes espacios del barrio de Russafa. Valencia
Del 25 al 29 de mayo de 2016

Arístides Rosell, coordinador de Russafart, lo repite una y otra vez: “Tenemos un valor impresionante en el barrio que la institución pública no tiene en cuenta”. Se refiere a los más de 50 estudios que en apenas 5 km2 se concitan en Russafa. “Hasta ahora vive de espaldas a ello”, resaltó. De espaldas a un festival que del 27 al 29 de mayo abrirá las puertas de todos esos estudios que, junto a galerías, comercios y diferentes espacios expositivos, mostrarán el trabajo de 348 artistas. Y todo ello con apoyo en especies, pero nula ayuda económica.

“El Ayuntamiento de Valencia tiene un doble rasero”, denunció Rosell, en referencia a los 20.000€ que sin embargo el Área de Cultura ha aportado al Festival de Artes Escénicas Tercera Setmana, que arrancará en junio. “Han tenido más en cuenta a un festival de reciente de creación que a otros que llevamos años funcionando”. Y demostrando el potencial artístico de un barrio que este año celebra su quinta bienal abriéndose más que nunca al exterior, con la visita de colectivos del barrio de Bellville en París y de Santa Teresa en Río de Janeiro. Artistas de Russafart ya han estado en el barrio parisino, y otros lo harán después con Río, en lo que constituye un enriquecedor intercambio cultural. La galería el Tossal y la Biblioteca Nova Al-Russafí acogerá los trabajos de esos colectivos.

Obra de Marlén Ramos. Imagen cortesía de Russafart.

Obra de Marlén Ramos. Imagen cortesía de Russafart.

“Demandamos acompañamiento de la institución pública: velar por lo que sucede en la ciudad”, manifestó Rosell, contrariado por ese doble rasero institucional. Doble rasero económico que se extiende al régimen de ayudas, “a las que nos presentaremos todos”, aludiendo a las nueve asociaciones que conforman la Plataforma de Iniciativas Culturales Urbanas (PICUV), y de las que han sido excluidos los organizadores de Tercera Setmana recibiendo ese trato de favor. A pesar de todo, el “museo expandido en el barrio”, como fue definido Russafart “continúa creciendo y desarrollándose”, subrayó Rosell.

Román de la Calle, catedrático de Estética y Teoría del Arte de la Universidad de Valencia, que desde su primera edición viene apoyando el festival, incidió en ese carácter museístico de Russafart: “El IVAM ha introducido la ciudad entre sus reflexiones y vosotros el museo en el barrio”. Pintores, escultores, fotógrafos, videoartistas y performers participan en un festival que desplegará, además, alrededor de 500 actividades paralelas en cuatro días.

Obra de Carlos Hernández Sacristán. Imagen cortesía de Russafart.

Obra de Carlos Hernández Sacristán. Imagen cortesía de Russafart.

De ahí lo de museo expandido y de ahí también el lamento de sus organizadores por tener “que partir de cero” cada año, a pesar del voluminoso y cualitativo aporte artístico del barrio a la ciudad. “Se hace desde la precariedad más absoluta”, insiste Rosell, “cuando estamos contribuyendo a la revitalización de Russafa y a que se conozca Valencia a nivel nacional e internacional”. En cualquier caso, el coordinador del festival artístico huye de la palabra moda. “No me gusta decir que está de moda, porque las modas pasan y aquí se ha creado un tejido cultural que ha dinamizado el barrio y escapa de esas modas”.

Una exposición colectiva en la galería Imprevisual, con obras de formato 20×20 donadas por los propios artistas al precio de 50€ por pieza, combina la exhibición de 149 trabajos y la casi única posibilidad de recaudar fondos. “El recurso de Verkami [plataforma digital de micromecenazgo] no ha funcionado muy bien hasta la fecha”, reconoció Rosell. Lo que sí está funcionando es la aplicación digital creada por Esam Tecnología, de la Universitat de València, que servirá de guía por los diferentes itinerarios. “Apenas puesta en funcionamiento ya llevamos más de 300 descargas”, destacó Vicente Llorens, responsable de la empresa tecnológica.

Obra de Bia Sasso. Imagen cortesía de Russafart.

Obra de Bia Sasso. Imagen cortesía de Russafart.

La empresa privada, a la espera de la tan ansiada ley de mecenazgo, también aporta su grano de arena al festival. Embajada Alhambra, espacio ideado por la marca cervecera, reunirá en Cosín Estudio las últimas creaciones de artistas como Paco Roca, Vicente Talens, Marco Caparrós, Omega TBS y Raquel Rodrigo. Y EMT, empresa de transporte municipal (he ahí el aporte institucional en especie), cederá un microbús para que los niños lo pinten y hagan graffitis sobre su chapa a modo de talleres creativos. La artista de Russafart Hélène Crecent será la encargada de guiar ese “espíritu gamberro” (Rosell) de los más pequeños.

Román de la Calle definió la cultura que a borbotones fluye en Russafart como ese “pequeño afluente que nada entre dos ríos: la política y la economía”. Carmen Amoraga, directora general de Cultura y Patrimonio, en representación de ese primer río, dice en el catálogo del festival que el mundo de la creación es “un sector estratégico en el nuevo modelo de desarrollo socio-cultural y económico justo y sostenible en el que estamos trabajando”. Por eso valora “mucho la aportación que hace Russafart”. Lástima, como ironizó De la Calle “que [el barrio] no tenga mar”, aunque “sí la mar de imaginación”. De momento, a falta de ese otro río económico, Russafart desde luego nada en la abundancia.

Obra de Miguel Ángel Aranda. Imagen cortesía de Russafart.

Obra de Miguel Ángel Aranda. Imagen cortesía de Russafart.

Salva Torres

Open Natura se va a la Fundación Antonio Pérez

Desechos encontrados
Certamen Open Natura 2015
Fundación Antonio Pérez
C / Julián Romero, 20. Cuenca
Viernes 16 de octubre, a las 20.00h
Hasta el 29 de noviembre de 2015

La iniciativa Open Natura surge hace cuatro años desde la Galería Imprevisual, en Valencia (Russafa), de la mano de Arístides Rosell y José Juan Gimeno. Este año tiene como particularidad, el traslado de sus instalaciones artísticas, habitualmente en la naturaleza, a los espacios de la Fundación Antonio Pérez (Cuenca).

La exposición con el título Desechos Encontrados se inaugurará el 16 de octubre del 2015, a las 20 h. Las obras permanecerán expuestas hasta el 29 de noviembre para todas aquellas personas que quieran acercarse a disfrutar de esta extraordinaria fusión entre arte y el espacio que le rodea, Site-specific art.

Clorofila, de Inma Abarca. Open Natura 2015 en la Fundación Antonio Pérez. Imagen cortesía de la organización.

Clorofila, de Inma Abarca. Open Natura 2015 en la Fundación Antonio Pérez. Imagen cortesía de la organización.

En esta ocasión los artistas son retados por los extraordinarios patios y espacios de exposición de la Fundación Antonio Pérez. Artistas: Aracelí Carrión, Bichobola-Creativo, Dilena Díaz, Elena Martí, Ferrán Capilla, Inmaculada Abarca, Jordi Arnal, José Juan Gimeno, Mario Molins, Miguel Ángel Aranda, Vicent Marco y Arístides Rosell.

La filosofía de Open Natura, según su coordinador José Juan Gimeno: Open Natura arranca desde el respeto hacia el medio ambiente, pero afianza su intervención en la naturaleza de una forma fundamentalmente artística. Con el precepto de que la obra instalada dialogue con el paisaje o espacio que le rodea, su particularidad medioambiental y su contexto social.

Open Natura quiere invadir el espacio desde la individualidad artística, con una propuesta de grupo ecléctica y materiales variados, que en ningún caso perjudiquen el medio natural. Algunos de estos materiales, en ocasiones, se desintegran en el tiempo de exposición o, por el contrario, sus características crean un valor de descontextualización. Open Natura nace con el objeto de la creación fuera del atelier, vinculado a la galería Imprevisual y a la vocación altruista de los artistas participantes.

Las especiales características del Paraje Rural la Ermita en Paracuellos de la Vega, Cuenca, ha sido siempre el enclave idóneo, donde discurrieron sus tres primeras ediciones, albergando diferentes artistas de la geografía española y de fuera de nuestras fronteras. El momento estético de las instalaciones artísticas adquiere relevancia entre árboles, viento o lluvia, el contacto entre lo creado y la magnificencia de la naturaleza pone en claro si el trabajo es aceptado por el medio, cuando ocurre, la naturaleza acepta la obra integrándola para ella misma y la magia se apropia del lugar.

El huerto de la sabiduría, de Arístides Rosell. Open Natura 2015 en la Fundación Antonio Pérez. Imagen cortesía de la organización.

El huerto de la sabiduría, de Arístides Rosell. Open Natura 2015 en la Fundación Antonio Pérez. Imagen cortesía de la organización.

El proyecto monográfico, con el título Desechos Encontrados, retoma esta vez el ámbito del objeto reutilizado, donde lo residual y el desperdicio son reinterpretados por la vía del arte. Al reutilizar lo que parece inservible, los artistas participantes confieren otro valor a lo despreciado para recontextualizar el valor objetual del desecho en una nueva configuración artística. El objeto como desecho y su posterior intervención justifican el objetivo de dicho proyecto expositivo.

¿Qué es arte y qué no? La eterna controversia donde el significado de la obra de arte se desestructura según los criterios de quien critica, de quien cura, de quien dictamina las tendencias del mercado o de quien valoriza el objeto de arte. Siendo éste uno de los temas recurrentes en diferentes contextos donde la critica juega un papel decisivo para definir el concepto “arte”.

¿Puede un simple objeto ser una obra de arte? La duda fue aclarada cuando se acuñó por vez primera el término de “arte encontrado”, a partir de las intervenciones reveladoras de Marcel Duchamp, a principios del siglo XX. En francés “objet trouvé”, en inglés found art” o “ready-made”, éste se describe como el arte realizado mediante el uso de objetos que normalmente no se consideran artísticos, a menudo porque no tienen una funcionalidad artística.

Árbol de la vida, de Ferran Capilla. Certamen Open Natura 2015 en la Fundación Antonio Pérez. Imagen cortesía de la organización.

Árbol de la vida, de Ferran Capilla. Certamen Open Natura 2015 en la Fundación Antonio Pérez. Imagen cortesía de la organización.

Cuando este “arte encontrado” entra por primera vez a los cotos de las galerías y los museos, provoca una verdadera catarsis y encuentra enormes resistencias. Se trataba de una renovación conceptual que en el contexto de esa época era una impostura, una provocación “intolerable”. Concedía valor a lo que habitualmente no encontraba espacio en los ámbitos expositivos. Distinguía y dignificaba un objeto “sin ningún valor”. Y aunque despectivamente surgió un discurso crítico calificándolo de “no arte”, la realidad es que no se trata de una mera transposición o mudanza. Se trata de una relectura en la que interviene con intensidad la actitud creativa del artista. Lo modifica, lo utiliza para modelar nuevos discursos, y el “objeto encontrado” puede aparecer como sujeto, como actor en un contexto diferente o integrado en un conjunto donde se palpa de primera mano el trabajo artístico.

El paralelo que da título a la exposición Desechos encontrados, alude por similitud a la Fundación Antonio Pérez, que alberga la muestra. Su creador Antonio Pérez, precursor del Museo del objeto encontrado, constituye el referente insoslayable. La delgada línea que separa los conceptos tanto para el objeto como para el desecho en su sentido de búsqueda o de encuentro son los referentes para configurar esta muestra expositiva.

Obra de en Open Natura. Imagen cortesía de la organización.

Objeto inteligente, de Elena Martí. Certamen Open Natura 2015 en la Fundación Antonio Pérez. Imagen cortesía de la organización.

 

Pinceladas colectivas, silencio administrativo

Pinceladas colectivas
Galería Imprevisual
C / Doctor Sumsi, 35. Valencia
Hasta el 11 de septiembre de 2015

Que 150 artistas se reúnan para dar forma a un proyecto que nació en 2011 con fecha de caducidad, su presentación en las jornadas de clausura de Russafa Conviu de ese año, ya merece justa consideración. No es fácil aglutinar a tanto artista, con sus egos respectivos y estilos diversos, en torno a una propuesta que arrancó mediante la creación de un cuadro obra de Miguel Ángel Aranda, al que se fueron sumando otros 20 artistas, con sus añadidos a la obra realizada en vivo y en directo durante 15 días en la Galería Imprevisual.

Obra de Miguel Ángel Aranda que dio origen a Pinceladas colectivas. Galería Imprevisual.

Obra de Miguel Ángel Aranda que dio origen a Pinceladas colectivas. Galería Imprevisual.

Las figuras o siluetas incorporadas a ‘La plaza de las artes’, título del cuadro que sirvió de germen creativo, fueron adquiriendo vida propia una vez concluido el proyecto. Así fue como, poco a poco, Pinceladas colectivas adquirió la dimensión que hoy tiene: centenar y medio de artistas interviniendo libremente esas figuras expuestas hasta el 11 de septiembre en Imprevisual, la galería en la que se gestó tamaño proyecto.

Hablamos de artistas como Gabriel Alonso, Javier Calvo, Calo Carratalá, Pepa Castillo, Javier Chapa, Raúl Dap, Rafa de Corral, Ramón Espacio, Xus Francés, Jarr, Sebastián Nicolau, Concha Ros, Ana Vernia o Vinz, del largo etcétera que nutre con sus aportaciones individuales la propuesta colectiva. Artistas en su mayoría valencianos, a los que se suman autores nacionales e internacionales, ya sean europeos o latinoamericanos. Artistas que reunidos en torno a esa plaza de las artes inicial han terminado por conformar el políptico denominado Avenida de Proyecto, cuyo conjunto se vende al precio de 46.700€.

Pinceladas colectivas. Galería Imprevisual.

Obra de Xus Francés en Pinceladas colectivas. Galería Imprevisual.

Una cantidad estimada a partir de los 300€ en que se valora cada pieza por separado y con la que se pretenden sufragar los costes de producción de las figuras, de los 300 catálogos editados y pagar el trabajo de los 150 artistas que hasta la fecha han intervenido en el proyecto. Porque el proyecto, a tenor de la pasión con la que arrancó de la mano de Miguel Ángel Aranda, al alimón con Arístides Rosell, seguirá creciendo.

De hecho, las 150 figuras expuestas en una de las paredes de Imprevisual, justo enfrente del cuadro mayor que dio origen al conjunto, se dividen según los fondos de color rojo y amarillo que aparecen en los costados de ‘La plaza de las artes’. De manera que ya se piensa en su continuación, tomando ahora como referencia los tonos azul y negro que dominan el cielo y la tierra de la obra de Aranda. Una obra que viene a reflejar, mediante esa cabeza que se multiplica en todas direcciones, el carácter multidisciplinar y abarcador de todos los puntos de vista.

Obra de Vinz en Pinceladas colectivas. Galería Imprevisual.

Obra de Vinz en Pinceladas colectivas. Galería Imprevisual.

Pinceladas colectivas, a pesar de la dimensión que ya tiene y del vuelo que va tomando, no ha despertado el más mínimo interés por parte del Ayuntamiento de Valencia. “Lo hemos presentado en Casas de Cultura, en La Rambleta y en diversos ayuntamientos, entre ellos el de Valencia, siempre con resultado adverso”. Y cuando se refiere Arístides Rosell a “resultado adverso”, se refiere a la nula respuesta una vez presentado el proyecto, lo que significa el acostumbrado silencio y falta de sensibilidad hacia propuestas que, como ésta y tantas otras, merecerían al menos una explicación acerca de las razones por las que se desestiman.

En cualquiera de los casos, Pinceladas colectivas sigue su rumbo porque, como señala Miguel Ángel Aranda, hay un motor que mueve el proyecto: “la pasión”. Una pasión compartida por 150 artistas a los que se van sumando otros nuevos en lo que han dado en llamar ‘Anexos’: prolongación lateral de la obra inicial que, pese al silencio administrativo, da mucho de qué hablar. Entre otras cosas, de aquello que todas esas figuras y siluetas contienen como pálpito de la heterogénea visión del mundo.

Vista de algunas de las obras de Pinceladas colectivas en la Galería Imprevisual.

Vista de algunas de las obras de Pinceladas colectivas en la Galería Imprevisual.

Salva Torres