Luciana Novo se traslada a Boiler Room

Posted on 7 junio, 2016 por MAKMA

Possibility of Landscape de Luciana Novo
Sala Boiler Room. Galería Luis Adelantado
C/ Bonaire, 6 Valencia
Inauguración: jueves 9 de junio a las 20h Hasta el 23 de septiembre de 2016

Luciana Novo (Argentina, 1981) es una artista multidisciplinar, su práctica, muy cercana a la escultura y vinculada a la instalación, genera espacios que rozan lo fantástico, lo mágico. Novo cursa sus estudios superiores en las facultades de Bellas Artes de Valencia y Oporto, completando su formación en talleres y cursos de postgrado de la mano de maestros como Antonio López. Una de sus piezas más relevantes Cabeza de oso polar es seleccionada para el XIII CALL of artists de Luis Adelantado, y reseñada por la prestigiosa publicación Saatchi.com, lo que le valió su inclusión en The Cultural History of Polar Bears publicación de University Washington Press.

La exposición ‘Possibility of Landscape’ es fruto de un proceso de trabajo que ha tenido lugar en el propio espacio de la galería, durante el cual, la artista ha trasladado física y conceptualmente parte de su estudio a Boiler Room, haciéndose con el espacio, y generando una instalación concreta y única a través de lo vivencial. Sus piezas, se reconocen entre lo inmutable de la naturaleza, y lo fabril de los materiales de consumo, generando un aura muy característica.

Esta instalación ha sido generada expresamente para el espacio que la contendrá y se podrá visitar a partir del 9 de junio. Está conformada por sus mitologías personales, y se centra en su producción escultórica de corte acumulativo e instalativo. De este modo, se genera una recreación, una posibilidad de paisaje intuitivo, en el que el realismo asoma con frecuencia. La conjunción de los elementos de la naturaleza, siempre presente en la esencia de su trabajo, se alía con elementos propios de la sociedad de consumo.

Se busca generar una experiencia sensorial, que abarque todos los sentidos y nos transporte al universo de la artista. Con este fin la artista colabora con Odo7, quien ha creado una serie de esencias para la exposición ‘Possibility of Landscape’.

Una de las piezas de la exposición. Imagen cortesía de la galería Luis Adelantado.

La servilleta de MAKMA

Posted on 6 junio, 2016 por Vicente Chambó

Restaurante Colmado de la Rivera
Calle Ribera, 14. Valencia

Toda historia que corre de boca en boca va transmutándose a la voluntad del narrador. Es el caso de la sentada en un restaurante no identificado -probablemente en París- que al parecer reunió a Picasso, Georges Braque, Juan Gris, Max Jacob, André Salmon, Jean Cocteau y Guillaume Apolinaire. Los señores se habían bebido y comido todo y dos huevos duros más. Entre bocado y bocado, alardeaban de sus últimas conquistas o comentaban sobre arte y poesía hasta que llegó el momento de la cuenta. Instante en que todos se hacen los suecos y miran a Picasso. Éste, en un movimiento de nadador experimentado abre los brazos sobre la mesa apartando platos, vasos, botellas, cubiertos y restos de comida que hay sobre el mantel. Toma su estilográfica, hace un dibujo sobre una servilleta y solicita la presencia de la dueña del restaurante. Una vez que ésta acude, le ofrece la servilleta para sufragar los gastos. La dueña, sonriente, solicita a Picasso que firme el dibujo. El genio, mirando a la señora, le responde:

“Estoy pagando el almuerzo, no comprando el restaurante”.

La buena mesa da mucho juego, y si la cocina es virtuosa, la inspiración de los comensales aflora. Algunos años después, Valencia, s. XXI, en el restaurante Colmado de la Rivera -en la histórica calle Ribera, que ha visto pasear a Blasco Ibáñez, Pinazo, Max Aub, Josep Renau, el equipo Crónica o Carmen Calvo (y Ernest Hemingway, cómo no)- se celebra un cónclave en donde lo gastronómico es otra vez centro y excusa de reunión. Los comensales, todos tienen un denominador común: MAKMA, y se reúnen para debatir y contrastar sobre el último trimestre en materia de cultura. Durante la cena y entre frase y frase, alguno de los presentes realiza unos dibujos sobre la servilleta. Nadie se fija, ni se da cuenta, es posible que el propio autor lo hiciera inconscientemente mientras participa en la tertulia. Lo normal es que dichos dibujos hubieran acabado en la papelera si no lo evita alguien que da el último vistazo al mantel antes de levantar la sesión. ¿Quién es el autor de estos trazos pintados entre bocado, trago y tertulia?

La servilleta MAKMA. Pliego frontal.

No hay duda respecto a la creatividad de cada unos de los integrantes de la mesa, y el autor o autora podría ser cualquiera, tal vez por sus comentarios podamos averiguarlo, ¿hubiera sido posible ofrecer los dibujos como moneda de cambio a tan generoso condumio?

De izquierda a derecha Salva Torres, Ismael Teira, JJ Mestre, José Ramón Alarcón, María Ramis, Merche Medina, Miguel Gregori, Carles Figuerola, Vicente Chambó y Carles Claver. Imagen cortesía Restaurante El Colmado de la Rivera.

María Ramis, centrada en conclusiones fruto de sus visitas por galerías, apunta:

“Hay continuas oscilaciones, unas más hiperbólicas que otras, Luis Adelantado trae a Darío Villalba, la todavía recién nacida Shiras asoma la cabeza y pide paso con firmeza, Espai Visor mira hacia Europa, Mr. Pink y Espai Tactel se unen de nuevo, Rosa Santos y Punto continúan con una línea de calidad muy marcada, y parece que diversifican apostando por artistas de su ámbito y de otros puntos geográficos por su vocación internacional”.

“A veces” -continua María Ramis- “da la sensación de que todo funciona con las mismas estructuras y directrices, pero no siempre es así. Un ejemplo de ello es el continuo trabajo de la galería Del Palau, que se mantiene a flote como un barco cargado de pinturas tradicionales, en mitad de un mar dominado por la tecnología. La visión de las paredes de gotelé de esta galería me llevan a recordar, a modo de homenaje, a la recién desaparecida galería Rosalía Sender, cuyo desmontaje pudimos entrever desde las puertas del Carrer del Mar”.

Otro pliegue de la servilleta MAKMA sobre el salvamenteles del restaurante.

Un plano de la servilleta MAKMA sobre el mantel.

Siguiendo en materia de artes visuales, Ismael Teira reflexiona sobre la etapa de cambios que anuncia el Consorcio de Museos.

“Seguramente cueste vertebrar los más de ochocientos kilómetros de territorio de la Comunidad Valenciana, haciendo partícipes a todos los museos, galerías y agentes artísticos implicados en esta unidad. Valencia cede protagonismo, y se impulsa la diversificación del resto de geografía, tal como demuestra el reciente acuerdo entre los museos de bellas artes de las tres provincias. Están sucediendo cosas que poco a poco van abriendo paso a un ilusionante porvenir donde, a día de hoy, no parece que tengan demasiado protagonismo las propuestas de arte más joven y nuevo; seguiremos esperando”, concluye.

Otro pliego de la servilleta MAKMA.

José Ramón Alarcón lo tiene claro, y se refiere al acontecimiento del que él mismo dio parte en exclusiva para Makma.

“Sin óbice de dudas, uno de los acontecimientos más reseñables acaecidos durante el presente trimestre en la ciudad ha sido la visita del eximio pintor Antonio López a la Facultad de Bellas Artes San Carlos”.

José Ramón Alarcón se refiere a la conferencia-conversación del artista en el auditorio Alfons Roig, en compañía de Ricardo Forriols -Vicedecano de Cultura- y José Saborit -Catedrático del Departamento de Pintura-, bajo el tema ‘Pintar en los tiempos del arte. La persistencia de la pintura’.

Antonio López, 1961. Lápiz, lápiz Conté y carboncillo sobre papel kraft. Dibujo sobre papel. (178,5 x 81 cm.) Fondo Colección MNCARS.

“Una mirífica ocasión para merodear los fundamentos de su oficio y la razón esencial que orienta su tarea (cuasi-mística) -la realidad y su impronta-, amén de adentrarse por el horizonte anecdótico de ‘Realistas de Madrid’ (Museo de arte Thyssen-Bornemisza), una de las muestras decisivas, a mi juicio, del presente curso expositivo nacional”, concluye Alarcón.

Para Carles Claver, preocupado por el sector audiovisual,

“Puede que simplemente ejerza un efecto balsámico, aunque, por otra parte, también es toda una obviedad. Tocar fondo es lo que tiene, necesariamente –se dice- hay que repuntar. La mayoría de profesionales del audiovisual valenciano describen así la situación del sector. A pesar de esto, está la otra realidad según la cual “el hambre agudiza el ingenio”.

Al calor del cierre de RTVV han surgido no pocas iniciativas audiovisuales con sólidos cimientos y que, confío, se consolidarán cuando la situación del sector se normalice. En este contexto, Makma ha puesto su grano de arena apostando este año por el audiovisual, con una nueva sección dentro de su espacio on line. Se han lanzado ya proyectos dedicados a artistas como Antonio de Felipe, Carles Mondrià o, más recientemente, un reportaje sobre La calle de los colores. El medio audiovisual ofrece muchas posibilidades cuando se marida con el arte. Creo que a lo largo de los próximos meses podremos seguir viendo en makma.net el buen resultado que ofrece esta combinación”.

Al otro lado de la mesa se escucha a Carles Figuerola,

“El teatro coge aire”, -sentencia-.

“En Valencia se detecta más movimiento, parece que se generan más expectativas”.

Y continúa: “Por otro lado, la Mostra de Teatre d’Alcoi que reúne por segunda vez el ‘Circuit Valencià’, seguro es un elemento que contribuye a mejorar la oferta de la actividad teatral y a movilizar al público”.

Salva Torres pide paso al cine,

“El cine -ahora que ya está a la vuelta de la esquina una nueva edición del festival Cinema Jove en Valencia-, ha traído como buena noticia la reapertura de los antiguos Cines Aragón (Aragò Cinema). Una propuesta cooperativa que pretende sacar al público de sus casas, para recuperar la magia del cine en compañía ante la gran pantalla. Su objetivo: proyectar películas que no son habituales en los cines comerciales a precios asequibles”.

Belén Rueda en un fotograma de ‘La noche que mi madre mató a mi padre’, de Inés París.

¿Un ejemplo? -se pregunta y responde el propio Salva Torres- ‘Esa sensación’, película a seis manos de Juan Cavestany, Julián Génisson y Pablo Hernando. Una película atípica que en el último Festival de Málaga cautivó a los presentes. Buena noticia que no puede ocultar lo que Inés París y Belén Rueda, directora y actriz, respectivamente, de ‘La noche que mi madre mató a mi padre’, apuntaron acerca del talento existente en el cine español: “Decía Unamuno que este es un país cainita, en el que nos gusta devorarnos entre nosotros”. “España ha castigado mucho a sus propios creadores”. “Sin duda para tomar nota”, concluye Salva Torres.

Parece que al son de la música hay algo de optimismo, según nos describe JJ Mestre, habitual en conciertos de trinchera,

“Mucho y bueno podría destacarse a nivel musical en el último trimestre” –afirma-. “Dentro del apartado nacional dos nombres que participarán en `El Último Vals’, ese ilusionante festival que se celebrará en Frías (Burgos) durante el próximo mes de julio. Por una parte el sorprendente debut del grupo donostiarra Frank y por otra la publicación del segundo álbum del grupo almeriense Bantastic Fand. A destacar también la dinamita soul de The Excitements desde Barcelona, el magnetismo valenciano del segundo disco de Adrian Levi, las sorprendentes melodías de los toledanos Mawino y podríamos incluir también el debut de Multiverzal, el nuevo proyecto de los argentinos Juan Pablo Mazzola y Mariano Azcurra”.

“En cuanto al panorama internacional los excelentes nuevos trabajos de dos bandas neoyorkinas como Nada Surf o Woods, la sorpresa minimalista entre miembros de The National y de Beirut con impronunciable nombre LNZNDRF, el powerpop melódico de los franceses Cheap Star o de los suecos Swedish Polarbears, los pildorazos de beat sixtie de los alemanes The Mergers, de los italianos Radio Days o de los americanos Outta Sites, la belleza melódica del americano Doug Tuttle o de los canadienses Nap Eyes y, finalmente, el rock alternativo tanto de una nueva princesa del pop-punk como Misty Miller como esa obra maestra que es el nuevo trabajo de Will Toledo al frente de Car Seat Headrest”.

“En cuanto a celebraciones, ya van 50 años del `Paint it black’ de sus majestades los Rolling Stones durante la primera quincena del mes de mayo, y respecto a conciertos destacaría las pasadas giras de los incombustibles Fleshtones, Flamin Groovies y Long Ryders, así como las de los divertidísimos Radio Days aunque muy especialmente distinguiría los arrolladores bolos de los granadinos 091 en su “maniobra de resurrección” y el 30 aniversario de ese maravilloso grupo valenciano que es La Gran Esperanza Blanca”, concluye JJ Mestre.

Merche medina se centra en la industria literaria.

“¿Cómo se evalúa la gestión del panorama literario en la Comunidad Valenciana?”, se pregunta Merche.

“Ha sido época de Feria del Libro, evento referente que pervive durante más de cinco décadas. Tiempo y jornadas de bagaje y promoción literaria que este año ha dado un salto cuantitativo, ampliando la zona expositora de librerías. A priori, una apuesta de éxito para la memoria de esta edición. Balance final: una merma y descenso en el histórico de ventas de las librerías especializadas -algunas con más de treinta años de recorrido-, ubicadas en el nuevo emplazamiento. Motivos aparentes: los riesgos (asumibles) de la conformación del nuevo espacio. Motivos reales: tal vez, una cuestionable gestión, aparentemente cristalina, que prioriza y sitúa en el mismo plano de horizontalidad a espacios literarios de grandes centros comerciales y servicios de publicaciones institucionales y militares, entre otros, en detrimento de las librerías tradicionales, que conforman el pequeño comercio del sector. Además de dubitar acerca del objeto de estas decisiones”.

Merche Medina concluye con pregunta: “¿Cabe esperar propuestas alternativas?”

Para Miguel Gregori -siempre generoso a la hora de compartir filosofía e inquietudes en materia ciber técnica-,

“En el ámbito de la cultura tecnológica, destacaría la visita a la UPV el pasado 16 de mayo de Richard Stallman, padre del software libre, programador, activista, hacker y visionario, una oportunidad única de conocer más de cerca a uno de los padres del Movimiento del Conocimiento Libre, inspirador también del arte en código binario y su filosofía y ética. Valores que MAKMA pone de manifiesto en su web-site, ya que funciona con software libre”.

Stallman en la Universitàt Politècnica de València. Imagen cortesía UPV.

Stallman en la Universitàt Politècnica de València. Imagen cortesía de Adolfo Plasencia.

Y aunque siempre quedan cosas en el tintero, de las últimas semanas, no se debe olvidar la acción de Lucía Peiró realizada en el Centro del Carmen, o la exposición de Cristina Ghetti (actualmente en Galería Punto) o la clausurada muestra de Ana Vernia (Galería Shiras), en su primera individual tras la concesión del Premio Nacional de Pintura de la Real Academia de San Carlos el pasado año.

Detalle de la invitación de la Galería Shiras. Exposición de Ana Vernia. (2016)

Detenerse, reflexionar sobre lo ocurrido y hacer eco, es a la par un ejercicio de crítica y de inspiración que representa en sí la razón existencial de Makma, y pasa por hacer ejercicios de creatividad experimentales para comunicar más y mejor. En palabras del propio Picasso, y conscientes de que todo depende del contexto, “La acción es la llave fundamental de todo éxito”.

“No cuentes los días: consigue que los días cuenten”

Muhamad Alí

Vicente Chambó

“La pintura nos hermana a todos”

Posted on 11 mayo, 2016 por Jose Ramón Alarcón

‘Pintar en los tiempos del arte. La persistencia de la pintura’
Conversación con Antonio López
Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia
Auditorio Alfons Roig
6 de mayo de 2016

Antonio López -artista eximio por antonomasia-, coadyuvado dialécticamente por dos referentes de la Facultad de Bellas Artes de San Carlos, como son Ricardo Forriols -Vicedecano de Cultura- y José Saborit -Catedrático del Departamento de Pintura-, ha acontecido por el Levante portando consigo los céfiros continentalizados de Tomelloso, el lustre del oficio y la palabra octogenaria -de prosodia honda y naturaleza límpida-, para regresar a la corte (surcando La Mancha con un puñado de chufas) tras haber insuflado su impronta y convertir su prédica en acontecimiento.

Ante un auditorio ahíto de incipientes universitarios, profesores y foráneos del ámbito académico, Antonio López -quien comenzó la jornada evocando su parentesco de recuerdos y devoción por Valencia, los primeros años de María Moreno (artista y esposa) en la ciudad, su exposición por estos lares con Lucio Muñoz y Amalia Avia, etc- se manejó con campechanía en los coloquialismos y con mundología en los filosofemas, para aventurarse, a la postre, por los recodos de diversos temas suscitados durante la conversación: la realidad/el tema/la impronta, la tarea, la técnica, la libertad vs la ortodoxia, el azar y ‘Realistas de Madrid’.

Antonio López, acompañado de Ricardo Forriols y José Saborit, durante un instante de la conversación. Fotografía: Merche Medina.

LA REALIDAD/ EL TEMA /LA IMPRONTA

Partiendo de Ernst Gombrich -referencia de José Saborit- y, en particular, del ensayo del historiador británico ‘Los criterios de fidelidad: imagen fija y el ojo en movimiento’, en el que reflexiona sobre el “principio del testigo ocular” -“se trata del principio que, a la luz de la antigua estética, se solía considerar de mímesis, la imitación de la naturaleza” (E. Gombrich)-, Antonio López sentencia que, como espectador, “todo ha surgido del mundo real” y, tanto por su experiencia como por sus múltiples referentes -menciona a Ingres, George de La Tour (ambos en el Museo Nacional del Prado) y Andrew Wyeth (Museo de arte Thyssen-Bornemisza), en tanto que coincidentes temporales en la capital con ‘Realistas de Madrid’ (compartiendo galpón con ‘Wyeth: Andrew y Jamie en el estudio’)-, afirma que “a lo largo de la realización del cuadro nunca se ha interrumpido esa relación”, puesto que “el mundo real te aporta tal cantidad de elementos para ir dialogando con él que es incomparable”.

No obstante, López reflexiona acerca de la conveniente o inapropiada presencia del modelo para la materialización de la obra, ejemplificado en artistas como Francis Bacon -sobre el que afirma que “no puede pintar teniendo al modelo allí, Lucian Freud, por ejemplo. Le va a quitar libertad”, concluyendo que “para qué quiere el mundo real si, después, lo va a romper todo”- o en el recurso de la fotografía como vehículo de auxilio -”el mundo real te aporta tal cantidad de elementos para ir dialogando con él que es incomparable”. Se adentra, entonces, en los fundamentos de su formación artística: “yo me eduqué en la mitad de los años cincuenta, trabajando sobre el modelo. Llegué a tener una facilidad de trabajar sobre el modelo que no me creaba ninguna dificultad. Coger a mi hermana, a los 17 años, en Tomelloso, y hacer un cuadro a tamaño natural, leyendo un libro, sin pensar que estaba haciendo algo excesivamente complicado”.

En plena digresión, cita a Miguel Ángel y al pintor del siglo XVII Juan Sánchez Cotán -”¿qué es pintar un bodegón de Sánchez Cotán si no lo habitas con el espíritu que tiene? Lo importante es que los objetos, este vaso, te diga cosas del mundo”-, o reflexiona acerca del tercer personaje de las obras de Edward Hopper -”lo que decide todo”-, la clarividencia de Velázquez y la insólita frescura de las pinturas de Altamira -”la inmediatez, extrañeza y fascinación que tienen las cosas que nos gustan. Cuando el hombre casi no sabía nada, sabía expresarse con la pintura. Se nota que todo eso se hace con el hígado, una segregación de los sentimientos”-.

Partiendo de este ineludible vínculo con la realidad como génesis de la obra, de la que “todo lo que coges es una mínima parte de lo que la vida es”, admite que “ copiar la realidad no bastaba, no ibas a ningún sitio”, por lo que, en pleno ejercicio de materialización de la pintura, “tenía que pasar algo”, de esta forma “se crea una especie de tercer personaje, que es el contenido del cuadro, que es lo que decide todo. Que se haga cercano y paralelo al mundo real, que se invente, como Rothko”. En este orden de cuestiones, el pintor persiste en vindicar su fidelidad con el tema de sus trabajos. De un modo u otro “todo tiene relación con la realidad. La pintura nos hermana a todos”.

Imagen de ‘Ventana de noche’, de Antonio López, que puede contemplarse en la exposición ‘Realistas de Madrid’. Fotografía cortesía del Museo de arte Thyssen-Bornemisza.

LA TAREA

A modo de orientación teleológica, Antonio López polariza los fundamentos del quehacer artístico en torno de la tarea, como si se tratase de una revelación metafísica que cobra sentido morfológico, verbigracia, en la praxis pictórica de Wyeth y Hopper -”se sienten con una tarea para hacer. En Europa no teníamos ninguna tarea, como si no fuéramos necesarios. (…) Ellos me dan mucho aire, mucho oxígeno. Sabían que tenían que pintar su mundo, con sus limitaciones, con sus sacrificios. (…) El retrato de América lo han hecho ellos, desde los márgenes ni los fotógrafos ni los pintores abstractos”-, rememorando, de este modo, sus primeros vestigios de conciencia emparentados con una causa pictórica final, desvestida por un lúcido delirio, como “una atracción y fascinación, sin poderlo describir más que pintando. (…) Desde los 17 años, sentí que ya tenía una tarea, algo que pintar (…) la gente anda muy perdida. Hay gente que la encuentra y no la nota. Eso es tan importante como aprender el lenguaje de la pintura”.

LA TÉCNICA

López, amén de ser inquirido por los nuevos medios digitales en el microcosmos de la creación artística -”parece que todo lo que ha ido surgiendo ha estado bien (…) óleo, tempera, huevo, la perspectiva (…) nunca sobro nada. El error es pensar que hay una cosa mejor en arte”-, transita livianamente sobre el plano rudimentario de su técnica pictórica, entendida como una “burocracia del cuadro. (…) Esa primera parte la paso lo más rápido posible para entrar en lo esencial y de qué manera todo aquello que te ha llevado allí -la luz- pueda atraparlo. (…) Toda la parte de la precisión la realizo con la mayor facilidad posible”.

LA LIBERTAD VS LA ORTODOXIA

Durante el flujo conversacional se manejan conceptos, reflexiones y anécdotas cuyo raquis común se encuentra vertebrado por esta ineludible dicotomía, tras la que se solidifican los mecanismos fundamentales del devenir histórico y artístico -movimiento y metamorfosis-, ejemplificado en los impresionistas -”decidieron romper con la historia”-, los surrealistas -René Magritte, Salvador Dalí-, y, en el horizonte coetáneo, la insurrección del grafiti; “saltarse los controles” como común denominador, puesto que “hay una forma de pudor que es una especie de atadura, una forma de ir a donde no debes. Eso sucede en el arte, eso va contra los mejores”.

López responsabiliza aquí tanto al imperio acaudillado por los portadores de un talento horizontal -”hay una gente media que aprovecha ese esperanto, esa especie de idioma (…) esa gente que tiene que ir hasta el extremo no puede ir hasta él”- como a los encorsetados preceptos de la ortodoxia artística circundante -”hay una policía en el arte que es como la Gestapo. Hay que salvar el escollo de los que deciden lo que hay que hacer. No somos libres”-. Fruto de estos grilletes, Antonio López asevera que “los mejores siempre pierden con esa especie de inspección. (…) La sociedad nos está señalando caminos que no son los nuestros. Hay gente se salva y gente que se condena para siempre”.

Vista general del público que completó el aforo del Auditori Alfons Roig. Fotografía: Merche Medina.

EL AZAR

La estocástica, erigida en uno de los conceptos capitales que vertebra, en penumbra, la transmutación creativa, cobra, a la postre, una presencia indispensable. El azar habita, de este modo, como un accidente, en las transparencias de Velázquez, en la luz de Vermeer, en Sorolla o en la propia obra de Antonio López -”es una emoción que tiene que ver con la psicología de la historia, que se da de una manera natural. Hay quien quiere sistematizar el azar; yo prefiero no hacerlo, pero cuento siempre con él. Es mi aliado, el de todos, no sólo en pintura, sino en la vida”-.

REALISTAS DE MADRID

En relación a ‘Realistas de Madrid’ -exposición temporal exhibida en el Museo de arte Thyssen-Bornemisza, que reúne, amén de a Antonio López, a coetáneos de estrecho vínculo, como son María Moreno, Julio y Francisco López, Esperanza Parada, Isabel Quintanilla y Amalia Avia- el artista manifiesta que “nunca ha estado en nuestra voluntad formar un grupo. Nos han unido por generación, que vivió la guerra y la posguerra”, experiencia decisiva que “tiene algo muy tremendo todo. Una España que no la han podido vivir los demás. Todo nace de ahí, de la elementalidad de las cosas, del respeto a como son”.

Allende divagar sobre la perspectiva curvada como uno de los motivos capitales de su trabajo en pro de su contumaz pretensión por una representación verídica de lo real -tarea inconclusa que puede apreciarse en ‘Ventana de noche’, pieza que cierra el recorrido expositivo-, una de las cuestiones subyacentes y anecdóticas de ‘Realistas de Madrid’ ha sido, para Antonio López, reencontrarse, medio siglo después, con la obra ‘El cuarto de baño’ (1966) -propiedad de un coleccionista norteamericano-, así como con ‘Lavabo y espejo’ (1967) -cedido para la muestra por el Museum of Fine Arts de Boston-, experiencia que le provocaba “miedo y zozobra ante la posibilidad de que no me gustaran a mí, el hecho de verlos juntos, encontrarlos ajenos a tu sensibilidad de ahora mismo, verlos equivocados”.

Sin embargo, a pesar de que “reunirlos todos, mezclarlos con la obra de otros, es un riesgo tremendo”, concluye que “me ha gustado vivirlo. Visto ahora todo lo que hemos hecho al cabo de muchos años me inspira mucho respeto, no solamente desde el punto de vista técnico, sino que hay una mirada al mundo de un peso, una razón de ser que no me imaginaba”.

El pintor Antonio López, tras la conversación. Fotografía: Merche Medina.

Jose Ramón Alarcón

Pintores pintados

Posted on 20 abril, 2016 por Bel Carrasco

Retratos como reflejo del tiempo, de Blas Parra
Tapinearte
C / d’En Bou, 10. Valencia
Hasta el 24 de abril de 2016

“Las posibilidades del retrato son infinitas. Lo más importante es que el semblante del retratado refleje su actitud hacia el mundo, su particular relación del yo con el universo”. Así lo afirma Blas Parra, artista polifacético que practica la pintura, la escritura y la labor editorial en El Nadir, además de traducir obras de teatro.

Su última exposición, ‘Retratos como reflejo del tiempo’ se puede visitar en Tapinearte hasta el 24 de abril. Reúne retratos de siete pintores de distintas épocas, desde Rembrandt a David Hockney pasando por Morisot, Mary Cassatt, Jackson Pollok, Larry Rivers y Pierre Bonnard. Piezas aparte de trasfondo político, Familia Real Española actualizada con fondo de bandera republicana y US First Ladies (Primeras damas USA).

Retrato de Larry Rivers, por Blas Parra. Imagen cortesía del autor.

La elección de estos artistas no es arbitraria. “Cada retratado alude a un tipo de libertad que la sociedad propone y el poder niega”, dice Parra. “Las políticas artísticas institucionales divulgan y ocultan, pero cuanto más divulgan más ocultan porque se basan en la selección crítica y el mercado. Todos los pintores que retrato superaron las limitaciones y reparos del medio social que supieron utilizar en su provecho”.

Parra es licenciado en Derecho, fue funcionario relacionado con la gestión de museos, ha ganado un par de premios literarios y presentados varias exposiciones individuales y colectivas: Galería La Nave, La Llotgeta, Galería Benassar (Madrid), Ibercaja (Valencia) Reales Atarazanas, Universidad Politécnica, Diario Levante, etcétera.

Jackson Pollock, por Blas Parra. Imagen cortesía del autor.

“Me siento un expresionista desplazado de algún centro con virajes hacia lo pop”, indica. “Trabajo todos los materiales, papel, cartón, madera, lienzo. Utilizo el gouasche, la acuarela, el acrílico, el óleo. Desde 1998 que presenté mi exposición en las Atarazanas con más de 50 retratos de escritores y prólogo de Bonet, practico el género retrato de iconos de la cultura, además de bodegones (collages) y algunos paisajes”.

También se ha hecho un autorretrato “y en cada retrato a partir de autorretratos de pintores que admiro me pinto yo mismo como ser virtuoso y a la vez desvalido, ambicioso y hasta tosco, en el sentido de nunca pulido, imperfecto. Las posibilidades del retrato son infinitas”.

Parra admira la obra de Antonio López, pero detesta “su mentiroso y congelado retrato de la realeza”. Cita como ejemplo de lo opuesto el gran retrato de Goya en el Prado y el encargo a Lucien Freud del retrato de la Reina Isabel de Inglaterra.

Rembrandt, por Blas Parra. Imagen cortesía del autor.

Bel Carrasco

Ni rastro de la cultura en la campaña electoral

Posted on 20 diciembre, 2015 por MAKMA

Manifiesto #CulturaEsRiqueza, de Recortes Cero
Héctor Alterio, Patricio Pron y Antonio Zarco se suman al manifiesto cultural

Ya son más de 200 los profesionales de la Cultura que apoyan el manifiesto promovido por Nuria Suárez, candidata a la presidencia del gobierno de Recortes Cero – Grupo Verde. La candidata espera seguir sumando apoyos a su programa cultural.

El manifiesto, que se titula ‘La Cultura es Riqueza’ y que ya circula por las redes sociales con el hastag #CulturaEsRiqueza, ha reunido más de 200 firmas en 48 horas. Tal y como ha expresado Nuria Suárez, “juntos representan una parte significativa del mundo de la cultura española”. Un Premio Velázquez, un Premio Cervantes, un Premio Príncipe de Asturias, un Premio Nacional de Teatro, una Medalla de Oro al Trabajo, un Premio de la Unión de Actores, la Creu de Sant Jordi, un Goya de Honor… “además de cientos de películas, de cuadros, de obras de teatro, de obras literarias, de reconocimientos, de redes populares de formación y promoción de la cultura, de cientos de miles de horas de profesionales en muy diferentes campos, de multitud de contribuciones al desarrollo y enriquecimiento del pensamiento y la del país”. Suárez ha remarcado que “entre los firmantes hay tradición, trayectoria y mucho futuro”.

Antonio López. Imagen extraída de la web de RTVE.

Entre ellos están el pintor Antonio López, el escritor Juan Goytisolo, los directores Salvador Távora, Jordi Grau y Jorge Eines, el cantaor Juan Peña ‘El Lebrijano’, los actores Manuel Galiana, Paco Algora y José Antonio Lobato, el teólogo Benjamín Forcano, la escritora Antonina Rodrigo, el poeta Salvador Jofré, el investigador Benito Muros…

En las últimas horas se han incorporado el actor Héctor Alterio, el escritor argentino Patricio Pron, el pintor Antonio Zarco o la investigadora literaria Ioana Zlotescu.

Los firmantes denuncian la desaparición de la Cultura en la campaña electoral, algo que consideran, “no solo un error, sino además un déficit en el diagnóstico y las alternativas que se han puesto encima de la mesa”. Suárez insiste en que “tenemos que lograr que los diferentes sectores de la cultura y sus profesionales recobren el papel social que les corresponde, y que sistemáticamente se les ha negado estos años”.

Imagen promocional del Manifiesto #CulturaEsRiqueza.

El manifiesto recoge seis ejes programáticos que se consideran esenciales porque “no habrá un cambio de verdad, si no hay también un cambio profundo en la cultura de nuestro país”.

La promotora del manifiesto, Nuria Suárez, según han informado desde Recortes Cero – Grupo Verde, continuará “hasta el último momento” sumando adhesiones al manifiesto. “Esta primera etapa hasta el 20D es tan solo el primer paso de lo que pretendemos que sea un nuevo movimiento cultural como sostén de una nueva alternativa para sacar a España de la crisis”.

Juan Carlos Torres, miembro del equipo que ha coordinado la redacción del manifiesto, lo ha presentado como “un proceso abierto”, considerando dos etapas en su elaboración. Por una parte los “ejes clave”, como son “defender la soberanía y la pluralidad cultural del país frente a las políticas de la Troika”, o desarrollar un tejido cultural de amplia participación social “que garantice una cultura de base, de carácter popular”.

Y por otra, la incorporación tanto del saber y la experiencia de “tantos profesionales que son el alma viva de nuestra cultura”, como de lo que, según Torres, “debería ser uno de los centros de nuestra economía, la industria cultural”.

Héctor Alterio. Imagen de la web de Recortes Cero.

La mirada de Madoz

Posted on 6 noviembre, 2015 por Bel Carrasco

Coloquios de Cultura Visual
Fundación Mainel
Plaza Porta de la Mar, 6. Valencia
Todos los viernes de noviembre, 2015, a las 19.30h

Las nuevas formas del coleccionismo de arte, la peculiar mirada del fotógrafo Chema Madoz y una retrospectiva de los últimos 100 años de cultura artística valenciana. Es el programa de los Coloquios de Cultura Visual, organizados por la Fundación Mainel, que se celebran todos los viernes de este mes de noviembre y reúnen a artistas, profesionales, estudiosos y amantes de la cultura visual, para reflexionar acerca del papel que ésta tiene en la sociedad actual.

Fotografía de Chema Madoz, invitado a los Coloquios de Cultura Visual de la Fundación Mainel.

En esta vigésima edición destaca la sesión del día 13 dedicada a Chema Madoz, uno de los fotógrafos más relevantes del panorama actual. La mirada de Madoz convierte los objetos cotidianos en algo extraordinario, creando un juego de metáforas que ha llevado a calificar su fotografía como poesía visual. Premio Nacional de Fotografía en el año 2000, Madoz (Madrid, 1958) ha realizado numerosas exposiciones individuales, tanto en España como en el extranjero, y en su obra destacan los trabajos surrealistas en blanco y negro.

Capta imágenes extraídas de hábiles juegos de imaginación, en los que perspectivas y texturas crean un impactante efecto visual. En el encuentro de Valencia el fotógrafo madrileño conversará con el profesor Luis Vives-Ferrándiz sobre esta peculiar mirada del fotógrafo.

Fotografía de Chema Madoz, invitado a los Coloquios de Cultura Visual de la Fundación Mainel.

En la primera mesa, que tendrá lugar el viernes 6, intervendrán Rosina Gómez-Baeza y Alicia Ventura, expertas en arte y coleccionismo, quienes con el artista y galerista Mira Bernabeu tratarán desde un prisma profesional el papel de los nuevos mecenas y el nuevo coleccionismo en el arte contemporáneo.

El día 20 de noviembre, última sesión, se dedicará a hacer un viaje por los últimos 100 años de la cultura artística valenciana. El encargado de este recorrido es el historiador del arte José Francisco Yvars, quien fuera director del Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM).

Cartel de los Coloquios de la Fundación Mainel.

Los Coloquios de Cultura Visual es una de las actividades culturales más longevas y mantenidas en el tiempo de todas las que tienen lugar en Valencia. Comenzaron en 1997, año en el que se celebraron dos ediciones en el Colegio Mayor Universitario La Alameda. Tras la buena acogida de la iniciativa, la Fundación Mainel estableció los viernes de noviembre como la fecha a señalar en el calendario, y no ha faltado nunca a la cita.

Importantes nombres de las artes y de la docencia de nuestro país han dejado su huella en los Coloquios. Antonio López, Román de la Calle, Tomás Llorens, Felipe Garín, Venancio Blanco, Julio López, Horacio Silva, María Corral, Alberto Corazón, Kosme de Barañano, Eva Lootz, Isidro Ferrer o Jaime Rosales son sólo algunos de estos nombres. Todas las sesiones se celebran a las 19.30 horas en la sede de la Fundación Mainel y son de acceso libre hasta completar el aforo.

Fotografía de Chema Madoz, invitado a Fundación Mainel.

Fotografía de Chema Madoz, invitado a los Coloquios de Cultura Visual de la Fundación Mainel.

Conociendo los entresijos de Foro Arte Cáceres

Posted on 8 octubre, 2015 por Juliana Notario

Foro Arte Cáceres’15
Del 23 al 25 de Octubre de 2015
Entrevista a Lucía Ybarra y Rosina Gómez-Baeza, coordinadora y comisaria de Foro Arte Cáceres’15

Foro Arte Cáceres’15 es una iniciativa de la Junta de Extremadura para impulsar la creación de un patrimonio artístico contemporáneo y a su vez fomentar, desde una óptica novedosa y detallada, las propuestas de los artistas, sus postulados y posicionamientos. Un punto de encuentro entre el público profesional y el público en general en torno al arte contemporáneo en diálogo con la arquitectura y el patrimonio artístico e histórico extremeño. Esta edición en concreto cuenta con galerías, artistas y comisarios de España y Portugal, como reflejo de la riqueza y diversidad de ambas culturas, entrelazadas de manera especial en tierras extremeñas.

Logotipo de presentación de la nueva edición de Foro Arte Cáceres’15. Cortesía de Foro Arte Cáceres.

Lucía Ybarra, Coordinadora General de Foro Arte Cáceres, es licenciada en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid especializada en arte moderno y contemporáneo. Durante dieciséis años (1995-2011) desarrolló su carrera profesional en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid como coordinadora y responsable de las exposiciones itinerantes. Asimismo, ha llevado a cabo numerosos proyectos expositivos con museos nacionales e internacionales y trabajado con los artistas y comisarios más reconocidos en el mundo del arte contemporáneo, realizando también labores de comisariado y colaboraciones como crítica de arte en la sección de Arte y Cultura del diario El Correo Español. En la actualidad, es Socia Directora de YGB ART-Sociedad de Ingeniería, Mediación y Gestión Cultural, Vicepresidenta y Directora de Relaciones Externas de la Asociación para el Apoyo al Emprendimiento en las Industrias Culturales y Creativas y responsable de FACTORIA CULTURAL desde abril de 2014.

Rosina Gómez Baeza, Comisaria de Foro Arte Cáceres, es graduada en Literatura y Filología Inglesa por la Universidad de Cambridge, estudió Pedagogía en Londres e Historia del Arte y la Civilización Francesa en París. Fue directora de ARCO entre 1986 y 2006, Directora Fundadora de la 1ª Bienal de Arte, Arquitectura y Paisaje de las Islas Canarias (2005-2006) y Presidenta del Instituto de Arte Contemporáneo (2005-2008), Directora Fundadora de LABoral, Centro de Arte y Creación Industrial de Asturias (2006-2011). Ha sido galardonada con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2009), la Gran Cruz de Cooperación Iberoamericana, la Distinción a la Excelencia Europea de la UE y Caballero de la Orden de las Artes y de las Letras de la República Francesa, entre otros. Actualmente es Socia Directora de YGB ART, presidenta de la Asociación para el Apoyo al Emprendimiento en las Industrias Culturales y Creativas y responsable de FACTORÍA CULTURAL desde abril de 2014.

En la presente entrevista, Gómez-Baeza e Ybarra responden sobre los orígenes, objetivos, características y gestión de Foro Arte Cáceres así como las novedades de la presente edición y el papel de la ciudad de Cáceres en el proyecto.

Rosina Gómez-Baeza y Lucía Ybarra, comisarias y coordinadoras de Foro Arte Cáceres’15

¿Cómo nace Foro Arte Cáceres?
Foro Arte Cáceres es consecuencia de la actual situación económica y la crisis experimentada muy especialmente por el sector del arte en España desde 2008. Tras numerosas consultas se vio la necesidad de contribuir a la difusión de la creación contemporánea a través de agentes múltiples y formatos diversos. En estas cuatro ediciones han participado artistas, coleccionistas, comisarios, críticos, directores de museos y prensa especializada a través de exposiciones, talleres, debates y los “salones de arte”, que denominamos Gabinetes, y que centran su atención en distintos soportes y medios con un fin didáctico y no estrictamente de mercado.

¿Cuáles son sus objetivos y las características de este proyecto?
El principal objetivo de FORO ARTE CÁCERES es establecer un diálogo entre tradición histórica y contemporaneidad, así como entre la extraordinaria belleza de Cáceres y las nuevas expresiones artísticas. Igualmente se trata de provocar el interés por la creación contemporáneo haciendo partícipe a toda la ciudadanía del arte de nuestro tiempo. Coadyuvar en la proyección de Cáceres como destino artístico y cultural, sus artistas, sus profesionales y sus museos y centros de arte.

¿Cómo lo gestionáis?
Se parte de un Plan Director en el que se proponen un concepto teórico y líneas de actuación concretas: programación, campaña de comunicación y marketing, participantes, equipo de colaboradores, imagen y calendario de trabajo. Todas estas acciones se realizan a partir de un presupuesto establecido por los organismos competentes quienes han de aprobar las líneas de trabajo.

¿Qué disciplinas artísticas acoge el proyecto?
Como anteriormente señalado en esta próxima edición dedicamos una especial mirada al medio pictórico en el Gabinete de Pintura y las primeras sesiones del Foro de Debate. En la exposición Tercer espacio se amplía el espectro, incluyéndose todas las disciplinas artísticas, escultura fotografía, video, instalación y pintura.

¿Qué papel juega la ciudad de Cáceres en este proyecto?
Una ciudad que es Patrimonio Cultural en sí misma es un escenario perfecto para acoger un acontecimiento como FORO ARTE CÁCERES. Durante el certamen, el arte contemporáneo impregna todos los rincones de la ciudad: la práctica totalidad de los espacios expositivos de Cáceres participa con diversas actividades, las exposiciones principales de esta edición proponen recorridos por la ciudad al estar repartidas en distintas sedes, e incluso palacios privados normalmente cerrados al público, como el de los Condes de Adanero o el palacio de Hernando de Ovando se abrirán al arte contemporáneo durante el fin de semana central del evento con la instalación de obras de los artistas españoles Jacobo Castellano y Sara Ramos como en sus patios.
No sólo la ciudad es un protagonista más de FORO ARTE CACERES, sino que también los artistas cacereños cuentan con presencia en el certamen con la actividad A puerta abierta: que supondrá la apertura al público de los talleres de diez artistas locales que mostrarán cómo son sus procesos creativos “desde dentro”: Hilario Bravo, Beatriz Castela, Jorge Gil, Matilde Granado, Ana H. del Amo, Nacho Lobato, Roberto Massó, Cesar David Montero, Luis Rosado y Andrés Talavero.

El ‘plato fuerte’ de esta edición es la exposición Tercer espacio: entre tradición y modernidad. ¿Qué nos ofrece?
“Tercer espacio: entre tradición y modernidad” es una muestra comisariada por Miguel Amado y su adjunto Martim Días que pretende ahondar en el concepto de “intercambio cultural” mediante la exposición de casi un centenar de obras en diversos soportes y medios que forman parte de las colecciones del Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) y de la Fundación ARCO cuyo tema es el análisis de los espacios sociales donde se cruzan distintos tiempos y culturas (el museo, la ciudad y la historia). Profundizando en esta idea de intercambio, las piezas dialogarán con las obras del Museo de Cáceres así como con su patrimonio arqueológico y etnográfico. La exposición invita a los espectadores a recorrer y descubrir Cáceres, ya que se distribuye en cuatro espacios singulares de la ciudad: el Museo de Cáceres, la Sala de arte El Brocense, la Fundación Mercedes Calles-Carlos Ballestero y la Filmoteca de Extremadura. La muestra podrá visitarse en la sala El Brocense hasta el 15 de noviembre, en la Fundación Mercedes Calles-Carlos Ballesteros hasta el 22 de noviembre y en el Museo de Cáceres hasta el 29 del mismo mes.

¿Con qué nombres del arte contemporáneo contaremos en esta edición?
Además de los ya mencionados, FORO ARTE CÁCERES 2015 cuenta con la presencia de Antoni Abad como artista invitado.
Por otra parte, participarán en el programa de debates de la edición de este año artistas de la talla de Antonio López, Darío Urzay, Juan Ugalde, Alejandra Freyman, Emilio Gañán o Ignacio Pérez-Jofre.

Respecto a las actividades, ¿a quién irían dirigidas?
Todas las actividades de FORO ARTE CÁCERES son de entrada libre y están dirigidas tanto al público general como al especializado.

¿Qué herramientas de promoción utilizaréis?
Estamos utilizando todas las herramientas a nuestro alcance: desde la colocación banderolas y el reparto de información comunicación tradicional y la presencia en medios impresos y audiovisuales hasta la difusión en prensa online, blogs y redes sociales.

¿Qué novedades encontraremos en este proyecto respecto a ediciones anteriores?
Este año se duplica la presencia.
Otras de las principales novedades incorporadas en el programa de este año ha sido la ya mencionada actividad “A puerta abierta” y la inclusión en el programa de un taller infantil de retrato colectivo de la mano de la asociación cultural cacereña Lemon y Coco.

¿Es posible aunar patrimonio histórico y arte contemporáneo?
Foro Arte Cáceres lo intenta y trata de establecer ese dialogo tan necesario entre la tradición y la modernidad.

Plaza de San Jorge de Cáceres, espacio de actividades en Foro Arte Cáceres’15. Cortesía de Foro Arte Cáceres.

Vista de Cáceres. 2015. Cortesía de Boni Sánchez.

Juliana Notario

El tiempo que hiere de Pilar Pequeño

Posted on 30 marzo, 2015 por Salva Torres

Huellas, de Pilar Pequeño
Railowsky
C / Gravador Esteve, 34. Valencia
Hasta el 5 de abril, 2015

Pilar Pequeño habla de “tiempos acumulados”. De las “huellas que va dejando el paso del tiempo”. También de “recuerdos y nostalgia” y de cómo la naturaleza se encarga de unir “diferentes instantes del pasado”. Lo dice con una voz mansa, serena, a veces abriendo mucho los ojos cuando una pregunta le llega con escasa nitidez. Los abre entonces como abre su objetivo para captar la luz igualmente escasa que, en muchas ocasiones, penetra débilmente los espacios abandonados que tanto le gustan. Espacios que Railowsky acoge en una exposición de elocuente y atinado título: ‘Huellas’.

Fotografía de Pilar Pequeño. Imagen cortesía de Railowsky.

La que fuera hace cuatro años premiada con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, manifiesta a través de 17 fotografías su concepción del tiempo, de la naturaleza, de la vida. Nada que ver con la sensación de eterna juventud que prima en la publicidad. Como tampoco tienen nada que ver sus imágenes con esa idea del mundo estable, seguro, razonable, que vive de espaldas a lo real de la corrupción que impone el paso del tiempo. “Intento que mis imágenes sean ambiguas”. Ambiguas, no por dejar de mostrar explícitamente esas huellas del implacable tiempo, sino porque “me gusta que el espectador las sienta a su manera”.

No es lo mismo la impresión que lógicamente le produce a Pilar Pequeño fotografiar el edificio abandonado que fuera colegio de su padre (de ahí “el recuerdo, la nostalgia”), que la que pueda tener el espectador ante un lugar que desconoce. Aún así, esa vegetación que invade las habitaciones, estancias y balcones del caserón de finales del siglo XIX en la que Pequeño deposita su mirada, con sus paredes desconchadas y sus frágiles suelos de madera, impacta por igual. “Es la ausencia y la presencia de la gente que ha pasado por allí lo que conmueve”.

Fotografía de Pilar Pequeño. Imagen cortesía de Railowsky.

Pilar Pequeño tomó fotografías en blanco y negro de ese espacio en 2003 y lo volvió a visitar diez años después con su cámara digital y en color. “Aquí en Railowsky, por razones de espacio, he preferido reunir imágenes de un solo edificio, para no mezclar”. Imágenes que siempre realiza utilizando la luz natural. “No utilizo flash porque falsea la realidad”. Y la realidad que quiere captar Pequeño tiene que ver con esas naturalezas muertas del paisaje, las plantas o los bodegones, con los cuales disfruta disponiendo “la escena lumínica”, que va “tamizando con papeles y plásticos”.

Las ‘Huellas’ a las que se refiere la exposición son el depósito acumulado de ese tiempo fugitivo que la artista persigue como lo hacía Marcel Proust, mediante su célebre ‘En busca del tiempo perdido’, o Antonio López en ‘El sol del membrillo’, la película de Víctor Erice. Huellas de lo real del tiempo que va desgastando las cosas, de la vida que se marchita y, en consecuencia, de su carácter frágil y caduco. Los marcos de puertas y ventanas, por las que penetra esa vegetación y esa luz que Pilar Pequeño modula para evitar el letal reinado de las sombras, son “estructuras geométricas” características igualmente de su obra.

Fotografía de Pilar Pequeño. Imagen cortesía de Railowsky.

“Yo he seguido siempre mi camino. He hecho lo que me ha gustado”. Y aunque venda lo justo, “no para hacer una vida maravillosa”, lo cierto es que sus fotografías atrapan esa verdad que escapa a los dictados del simple mercado. La verdad de las huellas que el tiempo deposita en esa vasta naturaleza, esas plantas o esos edificios abandonados. Porque el tiempo hiere, Pilar Pequeño lo que hace es contener su escozor mediante el tratamiento artístico de la luz a punto de ser devorada por las sombras. Como ha llegado a decir la propia artista: “En estos paisajes cercanos me estoy fotografiando yo, es un permanente mirar hacia dentro”.

Fotografía de Pilar Pequeño. Imagen cortesía de Railowsky.

Salva Torres

Colección Valdepeñas, ¿ejemplo para Valencia?

Posted on 2 enero, 2015 por Salva Torres

Colección Valdepeñas. 75 aniversario
Centro del Carmen
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 25 de enero de 2015

Es el certamen artístico más antiguo de España. Nació en 1940 en Valdepeñas, fruto del empuje de un grupo de amantes del arte, recién finalizada la Guerra Civil. Un grupo de artistas que “frente a la oscura sotana del pecado antepusieron la penitencia del color”, cuando justamente “el color era el ocre de los escombros”, destacó Jesús Martín, alcalde de la localidad manchega. Se trata del Premio Internacional de Artes Plásticas de Valdepeñas, el único que cuenta con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. Ahora que celebra su 75 aniversario, el Centro del Carmen acoge 45 obras representativas de su longeva trayectoria.

Obra de Tania Blanco de la Colección Valdepeñas expuesta en el Centro del Carmen.

Felipe Garín ha sido el encargado de la selección de los trabajos, varios de los cuales pertenecen a artistas valencianos: sin ir más lejos, Tania Blanco y Calo Carratalá, sus dos últimos premiados. Garín presentó la muestra como parte ilustrativa de la Colección Valdepeñas y como “aviso para navegantes”. Dicho lo cual, se explicó: “Mantener un premio artístico al margen de los vaivenes políticos es un ejemplo a seguir”. Sobre todo en una ciudad como Valencia, donde “hubo en su momento premios, pero todos murieron por un exceso de localismo”. Luego se refirió al IVAM, cuyo nacimiento supuso “la entrada del arte contemporáneo en una ciudad donde hasta entonces apenas interesaba”.

Obra de Calo Carratalá de la Colección Valdepeñas expuesta en el Centro del Carmen.

De manera que ahí están esas 45 obras ilustrativas de un premio cuya dotación presupuestaria es indiscutible en Valdepeñas. “Los partidos políticos lo discutimos todo, pero la Exposición es algo que no se toca”, explicó orgulloso Jesús Martín. Los 30.000€ destinados al premio pueden alcanzar los 200.000€ entre gastos de transporte, seguros y montaje. Da igual: el Premio Internacional de Artes Plásticas de Valdepeñas es intocable. Lo ha sido a lo largo de sus 75 años de historia, incluidos los duros de la posguerra, la Transición e incluso los actuales de la crisis.

Obra de Antonio López de la Colección Valdepeñas expuesta en el Centro del Carmen.

‘Desnudo en la playa’, de Antonio López, de la Colección Valdepeñas expuesta en el Centro del Carmen.

Como ejemplo del espíritu que desde sus inicios animó el certamen, Jesús Martín se refirió a una de las “joyas de la corona” de la Colección Valdepeñas: el cuadro de Antonio López, ‘Desnudo en la playa’. “Como no había dinero en el Ayuntamiento (año 1959), un concejal lo compró con dinero de su bolsillo por 15.000 de las antiguas pesetas. Luego tuvo la honradez de darlo al Ayuntamiento tras recuperar su dinero sin cobrar interés alguno”. Y una prueba más: “El Reina Sofía, que no tenía ningún cuadro de Antonio López, quiso comprarlo, pero hubo amenaza de todos los concejales de presentar la dimisión y el alcalde tuvo que negar su venta”.

Obra de Agustín Úbeda de la Colección Valdepeñas expuesta en el Centro del Carmen.

Ese cuadro tan simbólico dentro de la Colección Valdepeñas, ‘Desnudo en la playa’ de Antonio López, está presente en la exposición del Centro del Carmen. Jesús Martín reconoció que era la segunda vez que esa obra salía de Valdepeñas, tras la Expo de Sevilla. Junto al artista que hoy vuelve a ser actualidad por su ‘Retrato a la familia de Juan Carlos I’, figuran en la muestra otros ilustres de la pintura como Agustín Úbeda, Juan Barjola, Pacho Cossío, López Villaseñor o Venancio Blanco. También hay una obra del dramaturgo Francisco Nieva, ganador del certamen de 1960, del que Felipe Garín desveló que firmaba como Francisco Morales Nieva.

Obra de Gonzalo Sicre de la Colección Valdepeñas expuesta en el Centro del Carmen.

El director del Centro del Carmen destacó igualmente la numerosa presencia de artistas valencianos entre los premiados, a lo largo de los 75 años del certamen. Entre ellos, además de Tania Blanco y Calo Carratalá, cabe citar los nombres de José Quero, Joël Mestre, Gonzalo Sicre, Javier Garcerá, Juan Cuéllar o Antonio Gadea, casi todos ellos presentes en la exposición. Un repaso a la historia no sólo de la Colección Valdepeñas, sino del arte español desde la posguerra a la actualidad. Todo un “ejemplo a seguir” en Valencia.

Obra de Antonio Zarco de la Colección Valdepeñas expuesta en el Centro del Carmen.

Obra de Juan Cuéllar de la Colección Valdepeñas expuesta en el Centro del Carmen.

Salva Torres

Arte y literatura en el cine al aire libre

Posted on 22 julio, 2013 por Salva Torres

Cine d’Estiu: 14 películas sobre arte y literatura

Claustro Gótico del Centro del Carmen

C / Museo, 2. Valencia

Viernes y sábados de julio y agosto: 22.00 horas

Empezó el IVAC de la Generalitat Valenciana con su Filmoteca d’Estiu. Luego fue la Universitat de València quien siguió el veraniego rastro cinematográfico con su ciclo de películas en el Claustro de La Nau. Y, desde hace dos años, el Centro del Carmen del Consorcio de Museos hace lo propio en su Claustro Gótico. El cine a la luz de la luna, ahora que aquel primer Viaje a la luna de Georges Méliès revive en las pantallas con La invención de Hugo, brilla con fuerza en Valencia durante los meses de verano. Una muestra del tirón que tiene el cine y, por ende, la cultura entre un público ávido de buenos relatos y cansado de malas historias protagonizadas por mediocres personajes de la política y la banca. Mediocres, pero, eso sí, altamente peligrosos por los efectos letales de sus torpes propuestas.

Fotograma de Blade Runner, de Ridley Scott. Cine d’Estiu del Centro del Carmen.

El Claustro Gótico del Centro del Carmen acoge hasta 14 películas relacionadas con el arte y la literatura, que se proyectarán los viernes y sábados de julio (desde el pasado día 19) y agosto. Películas dedicadas a Klimt, Rembrandt, Dalí, Gauguin o Antonio López, mediante las cuales se pueden rastrear los diversos caminos que adopta el talento, así como las dificultades que encuentran los dispuestos a encender con su arte la vida cotidiana. Y, en el terreno de la literatura, películas basadas en novelas de autores tan insignes como Cervantes, Shakespeare, Bram Stoker, Philip K. Dick o Blasco Ibáñez. A Rafael Gil y Vicente Escrivá se les rinde tributo en el centenario de su nacimiento. Y el director finlandés Aki Kaurismäki remata el cartel con dos películas: Juha (mal encuadrada en el bloque de arte) y Hamlet vuelve a los negocios.

Fotograma de El artista y la modelo, de Fernando Trueba. Cine d’Estiu del Centre del Carme

Con Klimt, de Raoul Ruiz, y Blade Runner, de Ridley Scott, basada en la excelente novela de Philip K. Dick Sueñan los androides con ovejas eléctricas, arrancó el Cine d’Estiu la pasada semana. Le seguirán las películas: El artista y la modelo, de Fernando Trueba; Drácula, de Francis Ford Coppola, según la novela de Bram Stoker; Rembrandt, de Alexander Korda; Don Quijote, de Rafael Gil; Dalí, de Antoni Ribas; Mare Nostrum, de Rafael Gil, basada en la novela de Blasco Ibáñez; Soberbia, de Albert Lewin, sobre la vida de Gauguin; La Guerra de Dios, Rafael Gil; El sol del membrillo, de Víctor Erice, siguiendo el lento trabajo creativo de Antonio López; La lozana andaluza, de Vicente Escrivá, y referencia escrita de Francisco Delicado, autor inmediatamente posterior al Fernando Rojas de La Celestina. Y, por último, las mencionadas películas de Kaurismäki, en colaboración con el Consulado de Finlandia en Valencia y el Instituto Iberoamericano de Finlandia.

Imagen de Juha, de Aki Kaurismäki. Cine d’Estiu del Centre del Carme

El arte que las películas programadas reflejan nos devuelven la visión del ser humano entregado a la pasión creativa. Pasión en ocasiones autodestructiva, pero siempre conmovedora en tanto amplía los límites de la existencia, ahora un tanto degradada de tanto poner el acento en la corrupción y la vileza humana. No es que los grandes artistas retratados en las películas fueran o sean unos santos, pero sin duda nos permitían acercarnos a lo mejor y a lo peor del hombre desde la cumbre de su creatividad y no desde la llana superficie de la mediocridad reinante.

Imagen de Drácula, de Francis Ford Coppola. Cine d’Estiu del Centre del Carme

El proceso creativo comparece en las películas dedicadas al arte, mientras que las relacionadas con la literatura lo hacen desde perspectivas diferentes: ciencia-ficción, drama histórico, comedia picaresca, novela de aventuras, terror psicológico, humor negro. Un total de 14 películas para reflexionar a la luz de la luna de Valencia, en noches veraniegas que incitan a pensar en la salida de la crisis a golpe de talento. Bien está el cine, a falta del acomodador político capaz de arrojar una luz distinta en los asuntos públicos.

Fotograma de Blade Runner, de Ridley Scott. Cine d’Estiu del Centro del Carmen

Salva Torres