“Delante del público es como flotar en una nube”

Acuarela. Bruno Sotos
Café Elvolander
C / Poeta Navarro Cabanes, 25. Valencia
Viernes 2 de febrero de 2018, a las 21.30h

‘Acuarela’ es el nombre del nuevo EP de Bruno Sotos, que incluye una versión más instrumentada y emocional de ‘Hoy duele’ y tres nuevas canciones: ‘Ámame’, ‘Al volver’ y ‘Acuarela’. De la producción artística se ha encargado Antoni Noguera y las mezclas han corrido a cargo de Mateu Picornell. Un paso firme en la carrera de Bruno Sotos, ya de la mano de Sony Music en coproducción con Blau/Discmedi, que le va a abrir las puertas de todos los corazones a ambos lados del Atlántico. El cantautor mallorquín y nuevo fichaje de Sony Music sigue con su gira presentando su último trabajo. Podremos disfrutar de él en el Volander (Valencia), donde estará el viernes 2 de febrero.

Bruno Sotos. Imagen cortesía de su representante.

Bruno Sotos. Imagen cortesía de su representante.

¿Cuándo aparece la música en tu vida? 

Desde niño en casa se escuchaba especialmente la música de autor. Y ya me ilusionaba ser uno de ellos. Algo que con el paso del tiempo se está cumpliendo como un gran sueño.

¿Qué canción marco tu infancia? ¿y tu adolescencia? ¿y en esta etapa de madurez?

Con diez años puedo decir que la canción ’1,2,3,4′ de Javier Álvarez ya me marco muchísimo. Más tarde fue Pedro Guerra con ‘Golosina’ quien entró en mi vida, ampliándose mis gustos a grupos como Extremoduro, SFDK, etc. En la actualidad escucho mucha música desde Ed Seeran, Sam Smith a Andrés Suarez o Pablo López.

Si tuvieras que escoger entre tres grupos ¿cuáles serían y por qué?

Tres son pocos, pero… por ejemplo me encanta Coldplay por puesta en escena, Queen… sobran argumentos y Extremoduro por su fuerza.

Ahora toca mojarse y nos gustaría conocer ¿con quién te gustaría trabajar o colaborar en un futuro? ¿Y en un pasado? 

En un futuro me gustaría mucho, pero mucho, con Bebe y en el pasado tuve la suerte de hacerlo con Javier Álvarez, mi gran referente y Andrés Suarez.

¿Cómo definirías el panorama musical actual?

Creo que, entre todos, tendríamos que cambiar la situación no sólo en la cuestión de creatividad sino en cómo consume la gente la música para que genere y los que nos dedicamos a hacer y cantar canciones podamos vivir de ello.

¿Con qué te quedarías de todo tu recorrido musical? ¿y qué cosas quisieras que desaparecieran? 

Es que yo no quiero que desaparezca nada… todo lo que me he encontrado en el camino de la música es porque lo he buscado y me ha traído el bien, cuando estoy delante de mi público es como flotar en una nube… o a la sombra de tu luz.

¿Cómo definirías tu último disco? 

Bueno, mi último disco todavía está en fase de los últimos retoques ya que el EP que apareció hace unos meses con cuatro canciones era sólo un adelanto del que saldrá en breve. Me gusta destacar que está muy elaborado y he intentado que sea muy variado para dar un salto hacia adelante como cantautor pop, tengo la suerte de contar con un gran equipo de producción.

¿Qué destacarías sobre este último disco que lo diferencia del resto?

Pues, que está muy currado y pensado, que sea diferente al anterior ‘Para respirar’ y que se pueda apreciar todo lo que he aprendido y estoy aprendiendo desde que me metí en este mundo de la música.

¿Quieres aportar algo más a esta humilde entrevista?

Expresar mi agradecimiento a todos los que están escuchando mis canciones. Hay que recordar que son muchos que han compartido por ejemplo ‘Hoy Duele’, no sólo en España sino también en Latinoamérica.

Bruno Sotos

Bruno Sotos. Portada del disco Acuarela.

Lorena Riestra

El trampantojo de Fernández Alvira

La Dernière Lueur, de Antonio Fernández Alvira
Espai Tactel
C / Dénia, 25. Valencia
Hasta el 11 de noviembre de 2016

La Galería Espai Tactel acoge hasta el 11 de noviembre el proyecto ‘La Dernière Lueur’ de Antonio Fernández Alvira (Huesca, 1977), coincidiendo con Abierto Valencia 2016, la apertura general de las galerías de arte contemporáneo organizado por la Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana LaVAC.

Obra de Antonio Fernández Alvira. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Antonio Fernández Alvira. Imagen cortesía de Espai Tactel.

La Dernière Lueur’ es un proyecto de Fernández Alvira que empezó con el solo show que tuvo lugar en La Chapelle des Calvariennes en Mayenne (Francia), comisariado por Mathias Courtet que define el espacio como “un centro de arte contemporáneo que reivindica su lado más experimental”.

‘La Dernière Lueur’ es una investigación sobre los conceptos de representación y fraude visual, que a través del uso del preciosismo y el trampantojo (simulando la madera mediante el papel y la acuarela) funciona como metáfora de lo asumido como real.

Obra de Antonio Fernández Alvira. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Antonio Fernández Alvira. Imagen cortesía de Espai Tactel.

“Este trabajo, junto a la voluntad de contemplación y análisis intrínseco a toda obra, operan a la vez en el propio desmontaje de sus mecanismos. La obra no sólo ocupa un lugar complaciente en una “crítica” de los mecanismos de poder, sino que ella misma se encuentra en crisis, evidenciando su fragilidad al tiempo que pone en cuestión la verdadera construcción de nuestras realidades”, señala el crítico de arte y comisario Eduardo García Nieto.

“Tanto el arte como el poder operan en el terreno de la representación, al margen de los efectos que ambas esferas ocupen en lo real. Pero ambas construcciones son tan endebles como un punto de vista. Muchos sostienen que el carnaval reforzaba las estructuras del poder, pero su inversión no podía más que evidenciar la arbitrariedad de estas construcciones, visibilizando lo endeble de estos andamiajes”, concluye el comisario.

Obra de Antonio Fernández Alvira. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Antonio Fernández Alvira. Imagen cortesía de Espai Tactel.

“Cuento lo mínimo para que se piense lo máximo”

Las Ausentes, de Estefanía Martín Sáenz
I Premio de Dibujo DKV-MAKMA
Centro del Carmen
C / Museo, 2. Valencia
Inauguración: martes 15 de diciembre de 2015, a las 19.00h
Hasta el 31 de enero de 2016

Estefanía Martín Sáenz, I Premio de Dibujo DKV-MAKMA, presenta su proyecto ganador en el Centro del Carmen. Las Ausentes, que es como ha titulado la artista su trabajo, se acerca al mundo de los cuentos, objeto de la convocatoria, poniendo su atención en los personajes femeninos silenciados en muchas de esas narraciones. “Me interesaba dar voz a quienes no la tienen”, aunque afirma que detrás de esa intención no hay una pretensión de corte feminista. Las ausentes aludidas son la madre de Juan sin miedo, la Bruja del Este, la Señora Miller y las princesas delicadas. Las 16 piezas que integran la exposición, 14 dibujos, un vestido y una tela, están realizadas con enorme sutileza, de manera que, como subraya la propia artista, con “lo mínimo, el espectador piense lo máximo”.

Las princesas delicadas, obra de Estefanía Martín Sáenz, ganadora del I Premio de Dibujo DKV-MAKMA.

Las princesas delicadas, obra de Estefanía Martín Sáenz, ganadora del I Premio de Dibujo DKV-MAKMA. Imagen cortesía de la artista.

¿Por qué elegiste esos cuentos que han servido como referente para tu proyecto Las Ausentes?

Mi idea era dar vida a personajes que apenas tienen protagonismo en los cuentos, para lo cual tuve que leerme muchos. Podía haber cogido, por ejemplo, Caperucita, pero hablar de una madre que deja a su hija en el bosque no me apetecía. Preferí escoger personajes que fueran buenos, de ahí la selección de la madre de Juan sin miedo, de la Bruja del Este en El maravilloso mago de Oz, de Susana, Juana y Ana, en Las princesas delicadas, y de la Señora Miller en Rumpelstiltskin (El enano saltarín). Me interesaba dar voz a quienes no la tienen, porque a la Bruja del Este le aplasta una casa que se cae y poco más sabemos de ella. Lo mismo pasa con las tres princesas, que se ponen enfermas y no conocemos el por qué.

¿Esa elección de mujeres ausentes en los cuentos obedece a alguna razón de corte feminista?

Es verdad que todo gira en torno a la mujer y que no hay hombres. Puede que sea feminista, no lo sé. Pero, en todo caso, lo hago no por que crea que la mujer es lo más de lo más, porque de hecho creo en la igualdad, sino porque la mujer me da mucho juego. Me nutro de todas las revistas de moda y luego lo que hago es cambiarlas para que no parezcan modelos. Como en Frankenstein, construyo una especie de mujer con trocitos de muchas.

Juan sin miedo, de Estefanía Martín Sáenz, ganadora del I Premio de Dibujo DKV-MAKMA.

Juan sin miedo, de Estefanía Martín Sáenz, ganadora del I Premio de Dibujo DKV-MAKMA. Imagen cortesía de la artista.

¿Cómo fue el proceso de elaboración de los personajes de cada uno de los cuentos?

Primero me leí los cuentos. Luego escribí la vida de estos personajes y fui viendo qué me encajaba. Por ejemplo, la madre de Juan sin miedo no conocía la belleza, hasta que un día ve la flor más bella del mundo y cree que es el diablo. Entonces le promete a su hijo que él no tendrá miedo. De ahí surgió la idea de dibujar a esa madre como agarrándose las manos de miedo, pero siendo una mujer normal. En la Bruja del Este, a pesar de ser la más poderosa y la más bella, yo he reflejado sus debilidades y cómo se pone máscaras para que no digan ¡pobre Bruja del Este!

¿Y los otros dos?

La Señora Miller pensé dibujarla como una mujer preciosa, pero luego fue surgiendo otra imagen, un poco grotesca con su diente de oro. Para las princesas delicadas, de las que no sabemos nada, me fui centrando en la personalidad de cada una a raíz de lo que sugerían sus respectivas enfermedades.

¿Por qué crees que son tan necesarios los cuentos, cuando precisamente existe esa otra percepción despectiva que recoge la expresión ‘no me cuentes cuentos’?

Yo creo que obedece a la necesidad de vivir otras vidas, de estar en otros sitios en los que nunca has estado. Además, vivimos un mundo tan gris, con todo lo terrible que está pasando, que necesitamos coger un libro y desconectar. Es como una vía de escape, porque de política ya andamos bien servidos. Lo último que he leído es La chica del tren [Paula Hawkins].

La señora Miller, de Estefanía Martín Sáenz, ganadora del I Premio de Dibujo DKV-MAKMA. Imagen cortesía de la artista.

La señora Miller, de Estefanía Martín Sáenz, ganadora del I Premio de Dibujo DKV-MAKMA. Imagen cortesía de la artista.

¿Crees que establecer una temática a la hora de convocar un premio condiciona y limita la libertad creativa del artista?

No, para nada. En mi caso, supone un reto. Me ha venido bien pensar en la temática del cuento, porque después de todo el artista lo que hace es amoldar esa temática al terreno en el que vienes trabajando, sin perder de vista la línea propuesta en el certamen. Pero siempre lo haces tuyo. Si te ciñes al cien por cien al proyecto sería nefasto.

El Premio de Dibujo DKV-MAKMA se centra en los cuentos porque se pensó que era una buena forma de ligar la creatividad con la educación artística orientada a los más jóvenes. ¿Qué te parece?

Me parece esencial que a los niños se les enseñe el arte desde muy pequeños, porque son muy agradecidos. A veces piensas que al meter personajes malos en un cuento igual te van a decir algo, que los van a rechazar, pero es que luego ves que les gusta, porque quieren conocerlo todo; no tienen miedo. Si a mí en el colegio me hubieran exprimido, probablemente sería mejor de lo que soy ahora.

La Bruja del Este, obra de Estefanía Martín Sáenz, ganadora del I Premio de Dibujo DKV-MAKMA. Imagen cortesía de la artista.

La Bruja del Este, obra de Estefanía Martín Sáenz, ganadora del I Premio de Dibujo DKV-MAKMA. Imagen cortesía de la artista.

¿Cuáles son tus referentes artísticos?

Son muchos, pero me gusta fijarme en artistas que conozco y admiro. Amy Cutler, por ejemplo. También Guillermo Peñalver, todo lo que hace me parece de una gran exquisitez; Blanca Gracia, Alejandro Calderón… ¡Tengo tantos!

¿Qué técnicas has empleado a la hora de realizar Las Ausentes?

Sobre todo dibujo, dibujo y dibujo. También tinta china, acrílico, acuarela; terciopelo labrado para la Bruja del Este. Y alguna gasa.

¿Cómo es el proyecto expositivo que presentas en el Centro del Carmen?

Son 16 piezas: 14 dibujos más un vestido, pensado para que vaya cosido al cuerpo para que no se pueda quitar, y una tela de 1,70×1,80 que no va a bastidor. Había pensado también incorporar un video que luego he descartado porque me obligaba a quitar otras piezas de la serie de cuentos y, después de todo, lo que he trabajado principalmente es el dibujo y prefería que fueran ellos los protagonistas. En cada una de las piezas va una frase inventada por mí y otra de cada uno de los cuentos. En un cubo situado a la entrada presento a las cuatro ausentes, a modo de prólogo. Y ya en la sala del fondo desarrollo las historias. En todo caso, cuento lo mínimo para que el espectador piense lo máximo.

Estefanía Martín Sáenz. Fotografía: Eduardo Sánchez.

Estefanía Martín Sáenz, ganadora del I Premio de Dibujo DKV-MAKMA. Fotografía: Eduardo Sánchez.

Salva Torres

Toni Signes, la extenuación del poder

Toni Signes. Les aventures de l’home magre
Galería pazYcomedias
Plaza del Patriarca, 5. Valencia
Inauguración: 18 de septiembre, 20h.
Hasta el 18 de octubre de 2015

La obra “Gran moment de celebració” (2015) del artista Toni Signes, ocupa el espacio Glass Wall de la galería pazYcomedias, en diálogo con la exposición Better humans tomorrow! de Ernesto Casero en la sala principal.

Toni Signes. Mut Zur Magro, 2015. Acuarela sobre papel, 190x200cm. Cortesía del artista.

Toni Signes. Mut Zur Magro, 2015. Acuarela sobre papel, 190x200cm. Cortesía del artista.

En la actualidad sorprende el ascenso al poder (o puestos de responsabilidad) por gente poco preparada, con dudosas dotes de gestión y poco carisma. Aunque esto sea aplicable a la gestión privada, el caso más sangrante se reproduce en el entorno público y es más llamativo a mayor responsabilidad, hablando claro, el tema es preocupante en la presidencia del gobierno español, donde vemos que, legislatura tras legislatura, la capacidad, conocimientos y apariencia del presidente de turno va mermando en pro de una total falta de preparación y carisma. La prensa es, en parte, cómplice directa en la perpetuación de esta situación al encargarse de difundir ideología mediante sus imágenes. Ésta genera una iconografía que normaliza y fija las carencias institucionales a favor de unos supuestos valores comunes a la ciudadanía como puede ser la simpatía o las dotes familiares y sociales de nuestros presidentes. Para ridiculizar esta situación, e inspirado en el mundo del cómic, se ha creado un personaje ficticio cuya piel tiene aspecto de chóped: l’home magre. Este personaje consigue, a pesar de su desagradable aspecto y gracias a la repetición hasta la extenuación de su imagen en todos los soportes posibles, llegar a presidente/rey/empresario triunfador de su país imaginario.

Toni Signes. Papà i mamà amb les filles, 2015. Acuarela sobre papel, 94x150 cm. Cortesía del artista.

Toni Signes. Papà i mamà amb les filles, 2015. Acuarela sobre papel, 94×150 cm. Cortesía del artista.

El proyecto está compuesto por acuarelas de gran formato que copian fotografías de la prensa modificando al personaje central de la imagen por la figura del hombre magro. Con todas estas imágenes se genera un cronograma en el que se narra el ascenso y caída de este personaje nacido por y para los media.

Toni Signes. Caminar és un plaer, 2014. Acuarela sobre papel, 81x150 cm. Cortesía del artista.

Toni Signes. Caminar és un plaer, 2014. Acuarela sobre papel, 81×150 cm. Cortesía del artista.

Considerando el espacio Glass Wall, se interviene con una única pieza, Gran moment de celebració, cuya imagen reproduce un congreso de diputados en la que los representantes llevan una máscara con la cara del hombre magro y aplauden a la derecha, donde reposa un chorizo troceado sobre una tabla de corte.

Toni Signes. Gran moment de celebració, 2015. Acuarela sobre papel, 83x150 cm. Cortesía del artista.

Toni Signes. Gran moment de celebració, 2015. Acuarela sobre papel, 83×150 cm. Cortesía del artista.

Este proyecto forma parte del programa sobre cuestionamiento y actitud crítica en el arte comisariado por José Luis Pérez Pont para pazYcomedias, por el que ya han pasado los artistas Yara El-Sherbini (artista participante en la Bienal de Venecia 2015), Isidro López-Aparicio, Isidoro Valcárcel Medina (Premio Nacional de Bellas Artes), Fermín Jiménez Landa y Escif. Tras esta exposición prosigue la programación con Rogelio López Cuenca, Antoni Abad y Nuria Güell, entre otros.

La Cabina ilustrada por Escif

Festival Internacional de Mediometrajes La Cabina
Del 5 al 15 de noviembre de 2015

Alrededor de 200 personas arroparon la noche del viernes 11 de septiembre en Las Naves Centro de Creación Contemporánea la I Fiesta de Presentación de La Cabina-Festival Internacional de Mediometrajes de Valencia, organizado por el Aula de Cinema de la Universitat de València.

Un gran éxito de público que, además de asistir a la proyección de dos mediometrajes y una sesión de CinemaScupe, vio en primicia el cartel de esta VIII Edición firmado por Escif, que muestra a una niña a lomos de un pony. Un cartel en principio sencillo pero que encierra un gran significado (como todas las obras de Escif) y promulga la idea que defiende La Cabina en cada Edición: “El mediometraje es una obra completa, no es la mitad de una película, al igual que el pony no es medio caballo, es un animal completo”.

Presentación de La Cabina en Las Naves. Imagen cortesía de la organización del Festival Internacional de Mediometrajes de Valencia.

Presentación de La Cabina en Las Naves. Imagen cortesía de la organización del Festival Internacional de Mediometrajes de Valencia.

El cartel sigue la línea rompedora del Festival, que cada año apuesta por el diseño y la ilustración de artistas valencianos como Littleisdrawing (Carla Fuentes), Paula Bonet o Luis Demano. Este año ha sido el turno de Escif que “aceptó desde el principio trabajar con nosotros”, asegura Carlos Madrid. Escif es uno de los artistas valencianos más internacionales y que últimamente ha sido noticia por exponer varias obras en el Dismaland de Banksy, versión satírica del parque temático Disneyland.

A la hora de escoger a un artista, Carlos Madrid comenta que lo que se busca es que apoye los valores de La Cabina, que son “inquietud, innovación, que diga algo nuevo y explorar, al igual que hace el mediometraje, nuevas fronteras y conceptos”.

“En La Cabina buscamos cambiar la imagen y la técnica en cada edición”, asegura el director. “Un festival de cine no tiene por qué centrarse sólo en cine. Nuestro público es un público que aprecia la cultura en general, el cine y el diseño, y nos gusta contribuir a mostrar diferentes técnicas y artistas. Hemos tenido collage, acuarela, etc., y ahora creíamos que le tocaba el turno al arte urbano y tenemos la suerte de tener en nuestra ciudad a un gran referente en esta disciplina: Escif”.

Cartel de Escif para la VIII edición de La Cabina. Imagen cortesía de la organización del Festival Internacional de Mediometrajes de Valencia.

Cartel de Escif para la VIII edición de La Cabina. Imagen cortesía de la organización del Festival Internacional de Mediometrajes de Valencia.

 

El (nuevo) traje de chaqueta de Gris

El traje de chaqueta, de Manuel Antonio Domínguez
Gabinete de dibujos
Gris. Emmarcació professional i artesanal
C / Literato Azorín, 14. Valencia
Inauguración: jueves 28 de mayo, a las 20h

El Gabinete de dibujos comenzó siendo una colección ficticia de dibujos, un proyecto personal que buscaba reunir obra de dibujantes simplemente por compartir su disfrute en la red.

Igual que en el siglo XVIII los ilustrados creaban gabinetes de dibujos en las academias, en el XIX los gabinetes se formaban en los recientes museos, y ya que en el XXI cualquiera puede elaborar su propia colección virtual sin cajoneras, este Gabinete de dibujos se dedicó a seleccionar obras libremente tomando el dibujo como un término muy abierto, inclusivo de múltiples facetas y de posibles circunstancias: dibujos anónimos, de aficionados y de profesionales de muy distinta ralea.

Taxonomías, de Ernesto Casero, en el Gabinete de dibujos de Gris. Imagen cortesía de Gris.

Taxonomías, de Ernesto Casero, en el Gabinete de dibujos. Imagen cortesía de Gris.

En 2011 este proyecto, con la colaboración de Gris (enmarcación profesional y artesanal), encontró un espacio real: un pequeño escaparate en el barrio de Ruzafa en Valencia que fue inaugurado con Max. Independiente y autogestionado, ha funcionado desde entonces como un laboratorio de experimentación del dibujo, un singular prisma vacío a disposición de los dibujantes: Carmen Segovia, Carmela Mayor, Paco Roca, Juan Cuéllar y Roberto Mollá han sido varios de los que lo han intervenido desde sus diferentes campos de trabajo.

Hasta ahora el Gabinete de dibujos ha llevado a cabo una programación continua, permanentemente abierta a recibir nuevas propuestas. En mayo de 2014, coincidiendo con la intervención ‘Taxonomías’ de Ernesto Casero, se transformó en un espacio más neutro, mejor adaptado técnica y estéticamente a cánones expositivos, casi un m3 de galería.

Javier Sáez Castán en el Gabinete de dibujos de Gris.

Animalario, de Javier Sáez Castán en el Gabinete de dibujos. Imagen cortesía de Gris.

Tras los seres imaginados por Ernesto Casero, las intervenciones de Cheles Martínez, Ana Roussel, Javier Sáez Castán y Nuria Ferriol han ido ocupando el espacio. 
Ahora estrena imagen, diseñada por EPB (Bea Bascuñán y Albert Jornet), una imagen que se basa en las características del Gabinete de dibujos, pequeño espacio de arte, variado y cambiante y una nueva web, en la que además de los contenidos habituales habrá una galería virtual con obra disponible de los artistas que van interviniendo el Gabinete de dibujos, un m3 de galería.

El artista Manuel Antonio Domínguez, antes llamado el Hombre Sin Cabeza, será quien inaugure esta nueva etapa con el proyecto ‘El traje de chaqueta’. El andaluz de las composiciones complejas y de la prodigiosa técnica en acuarela investiga hace años sobre la identidad masculina, sus tópicos, sus estereotipos, sus fallas y grietas, sus equilibrios difíciles y los andamiajes precarios que la sustentan.

En ‘El traje de chaqueta’ desarrolla aspectos que unen la construcción de la masculinidad y la historia reciente de Valencia, mediante un políptico de diferentes técnicas: acuarela, collage e intervención pictórica sobre fotografía.

Él mismo introduce así su intervención: “Hace algún tiempo que la cultura política ‘made in Spain’ viene trajeada como uniforme regalado, como si se tratase de una boda sin facturas en donde nadie conoce la persona que paga el enlace. Valencia es el lugar del encuentro y el traje parte de su historia reciente”. Con la colaboración de Ingredients y Tyris, la inauguración será el jueves 28 de mayo.

El hombre del traje, de Manuel Antonio Domínguez. Imagen cortesía de Gris.

El hombre del traje, de Manuel Antonio Domínguez. Imagen cortesía de Gris.

Irene van de Mheen, dibujos reconectados

Some spaces even have wings (but they never fly), Irene van de Mheen
Galería Aural, Alicante
Del 25 de octubre al 10 de diciembre de 2014

La artista Irene van de Mheen expone por primera vez en la galería Aural bajo el título Some spaces even have wings (but they never fly) donde muestra dibujos y collages realizados en los últimos años así como una intervención in situ, realizada directamente en el espacio de la galería. La sensibilidad contemporánea ha presentado una vigorosa reconexión con el dibujo. De alguna manera la historia del dibujo contiene la idea de proceso, aunque no siempre tiene como implícita esa noción, pues el dibujo se ha vuelto autónomo, se ha liberado de su destino de soporte, y ahora muestra su cara independiente.

En su trabajo Irene van de Mheen explora las posibilidades y limitaciones del dibujo e investiga la relación entre el espacio físico y su traducción en una superficie plana, así como las fronteras entre la ilusión y la realidad. Irene indaga en la búsqueda de otro espacio, el espacio del otro, en la necesidad de una habitación propia, sin tiempo, un lugar para pensar.

Instalación de dibujos medidas variables, 2014

Instalación de dibujos medidas variables, 2014

Ante todo se trata de un trabajo visual; a través de la forma, el color y el material surgen dibujos de construcciones espaciosas donde el azar, la intuición y lo imperfecto tienen un papel importante. Duchamp dijo que el arte se concibe no tanto como una cuestión de morfología como de función, no tanto de apariencia como de operación mental, donde lo que interesan son los proyectos, los procesos, las relaciones, los juegos mentales, las asociaciones, las comparaciones, donde se desplaza el énfasis sobre el objeto a favor de la concepción, donde la ejecución es irrelevante. Su obra abarca desde íntimos dibujos y collages sobre papel a monumentales trazados en la pared, la continuación o expansión de la hoja de papel, componiendo así historias abstractas, creando el espacio más allá del espacio. No se trata sólo del dibujo expandido, ese que ha buscado salirse de los soportes y materiales tradicionales para llegar al diseño, a la arquitectura, sino el generar un espacio para el dibujo habitable, transitable, explorando la relación entre lo bidimensional y lo tridimensional: el dibujo como experiencia espacial.

 Drawings, 2014  Acuarela sobre papel  40 x 40 cm

Drawings, 2014 Acuarela sobre papel 40 x 40 cm

La artista se centra en un riguroso examen en la relación espacio arquitectónico y superficie plana. Se genera así un campo visual de representación en un marco de paisaje arquitectónico donde el concepto de dislocación es el del espacio transformado en otro ya no reconocible. Si Richard Long y Hamish Fulton desarrollaron el concepto de estructuras mentales en sus pasos por la naturaleza, Irene plantea el dibujo mental en su paso por los interiores de las arquitecturas.

Antonio Fernández Alvira: las apariencias

Antonio Fernández Alvira. Lo que parecía indestructible
Centro Párraga. Sala de Máquinas. Murcia.
Hasta el 25 julio de 2014

Exposición de Antonio Fernández Alvira en el Centro Párraga, Murcia. Imagen cortesía del artista y Espai Tactel.

Exposición de Antonio Fernández Alvira en el Centro Párraga, Murcia. Imagen cortesía del artista y Espai Tactel.

Antonio Fernández Alvira  muestra con este proyecto la fragilidad de las estructuras y las construcciones sociales que parecían estables e inamovibles. A través de un ejercicio delicado y a la vez preciosista, este artista muestra los edificios como decorados, como tramoya, como espacios abandonados o desestimados. Como señala el propio artista “Mi trabajo ahonda en el análisis del uso de lo escenográfico y lo teatral en los ámbitos del poder y su propaganda. En la utilización de ciertas herramientas teatrales para hacernos creer en la realidad de esa potestad, de esa autoridad y por lo tanto de ciertas clases y status. Analizar que sucede en la trastienda, en la tramoya, cuando se pierde esa superioridad pretendida. Acceder a la visión de ese decorado desde la parte de atrás, abriendo los ojos a esa realidad, cuando se cae desde lo más alto, y se intenta por todos los medios perpetuar y conservar algo que en el fondo no deja de ser irreal”.

Antonio Fernández Alvira. Lo que parecía indestructible, 2014. Imagen cortesía del artista y Espai Tactel.

Antonio Fernández Alvira. Lo que parecía indestructible, 2014. Imagen cortesía del artista y Espai Tactel.

Antonio Fernández Alvira. Lo que parecía indestructible, 2014. Imagen cortesía del artista y Espai Tactel.

Antonio Fernández Alvira. Lo que parecía indestructible, 2014. Imagen cortesía del artista y Espai Tactel.

Las piezas se sitúan dentro del dibujo y su experimentación. Son imágenes realizadas en acuarela sobre papel que construyen diversos decorados que vistos desde la trasera, desde la tramoya, nos muestran espacios decadentes y ruinosos. Unas estancias opulentas y ricas, que se caen y derrumban, mostrándonos ese poder y status ruinoso y perdido, haciéndonos visible su fragilidad. El hecho de realizar todo en papel ahonda más en la sensación de debilidad y de imitación o teatralización. Las maquetas por su parte, realizadas también en papel, y colocadas dentro de vitrinas nos hablan de ese momento congelado, antes de que se derrumbe todo, en un último intento desesperado de parar lo inevitable y salvaguardar lo poco que queda en pie, a la vez de poder admirar no sin cierta visión nostálgica y romántica lo que pudo ser.

Exposición de Antonio Fernández Alvira en el Centro Párraga, Murcia. Imagen cortesía del artista y Espai Tactel.

Exposición de Antonio Fernández Alvira en el Centro Párraga, Murcia. Imagen cortesía del artista y Espai Tactel.

Árbol y Arte: hermano vegetal en el MuVIM

En Arborar! Grandes árboles para la vida
Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad (MuVIM)
C / Quevedo, 10. Valencia
Hasta el 23 de marzo

El tronco nudoso y retorcido de un olivo milenario. Las exuberantes crestas de un círculo de palmeras que se cimbrean con la brisa. La frondosa copa de un ficus gigante a cuya sombra se reúnen los vecinos del pueblo generación tras generación. La naturaleza imita al arte e inspira a los artistas y en el caso de los árboles singulares esa sinergia puede adoptar un mensaje ecológico que conjuga necesidad y belleza. No hay mayor monumento que uno de esos ejemplares portentosos que han sobrevivido durante décadas a las plagas, los incendios forestales y, sobre todo, al afán destructivo del hombre. Cada uno de ellos no es sólo una criatura viva, sino también cuna de vida que alberga y alimenta a infinidad de seres vivos.

Fomentar el aprecio por estos héroes silenciosos del planeta y la conciencia sobre la necesidad de protegerlos es el objetivo de En Arborar! Grandes árboles para la vida, una exposición itinerante que se presenta en el MuVIM hasta el 23 de marzo. Divulgación y arte se conjugan con la aportación de dos importantes artistas: el dibujante valenciano Paco Roca y el acuarelista e ilustrador de la naturaleza, colaborador del proyecto Atapuerca y diversas revistas, Fernando Fueyo.

Detalle de la ilustración de Paco Roca para 'Arbolarte'. Imagen cortesía de Imelsa de la Diputación de Valencia.

Detalle de la ilustración de Paco Roca para ‘Arbolarte’. Imagen cortesía de Imelsa de la Diputación de Valencia.

Organizada por la Diputación del Valencia junto a la Fundación Félix Rodríguez de la Fuente, con fondos europeos, esta muestra coincide con la celebración del Año Internacional de los Bosques. Su faceta didáctica la integran fotografías de gran formato, documentación y proyecciones audiovisuales, en las que se visualizan algunos ejemplares monumentales, los paisajes arbolados y agrícolas más significativos de la provincia de Valencia, así como varios jardines. Se completa con paneles que informan de los mecanismos que existen en la actualidad para proteger, conservar y difundir ese valioso patrimonio.

Paco Roca aporta su inconfundible estilo con cuatro grandes láminas que rinden homenaje a tres especies carismáticas de la Comunidad Valenciana: la palmera, el olivo y el naranjo. Y una cuarta dedicada a La Lloca (Clueca) de Canals en el centenario de su plantación, que incluye el poema que le dedicó en su día Vicent Andrés Estellés.

Fernando Fueyo, ilustrador y acuarelista de la naturaleza, ha recreado una veintena de árboles monumentales de España. Ejemplares únicos con nombre propio e historia, entre ellos, una decena de la Comunidad Valenciana, como el Garrofer de Lluixent, el Pi del Salt de Serra, las sabinas blancas de Puebla de San Miguel (Rincón de Ademúz) o La Xuca del Jardín Botánico.

Acuarela de Fernando Fueyo para 'Arbolarte'. Imagen cortesía de Imelsa de la Diputación de Valencia.

Acuarela de Fernando Fueyo para ‘Arbolarte’. Imagen cortesía de Imelsa de la Diputación de Valencia.

En la muestra se exponen documentos originales y reproducciones facsímiles de libros, revistas y fotografías, desde  la Ilustración a nuestros días, destacando la labor de botánicos valencianos, como Antonio José Cavanilles, Simón de Rojas Clemente o la obra pionera del ingeniero agrónomo de la Diputación de Valencia Rafael Janini Janini, Algunos árboles y arbustos viejos de la provincia de Valencia, editada en 1914.

«La situación de los árboles ha mejorado mucho con la última Ley de Protección que da opción a los ayuntamientos de proteger los ejemplares que hay en su territorio, comenta Bernabé Moyà, director del Departamento de Árboles Monumentales de Imelsa, responsable del montaje de la muestra en la que se han invertido ocho meses de trabajo. «Cada día aparecen nuevos ayuntamientos que se suman a esta tarea, últimamente, el de Algemesí o el de Alcoi», indica Moyà. En la actualidad existen catalogados 880 ejemplares, la mayoría en Castellón, donde se produjo en años pasados un importante expolio de olivos centenarios al que se ha logrado poner fin.  

La exposición se ha visto ya en Toledo, Orense y Salamanca y durante los próximos tres años visitará las principales ciudades españoles, para sensibilizar sobre la importancia de los árboles singulares y bosques maduros de España. En Valencia podrá visitarse en el Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad (MuVIM) hasta el 23 de marzo (de martes a sábado de 10.00 a 14.00 horas y de 16.00 a 20.00 horas, y domingos y festivos de 10.00 a 20.00 horas).

Detalle de una de las acuarelas de Fernando Fueyo para 'Arbolarte'. Imagen cortesía de Imelsa de la Diputación

Detalle de una de las acuarelas de Fernando Fueyo para ‘Arbolarte’. Imagen cortesía de Imelsa de la Diputación

Bel Carrasco

El papel, auténtico protagonista

El arte del papel, exposición colectiva
Galería Rosalía Sender
C / Mar, 17. Valencia
Hasta el 14 de diciembre

El muestrario es imponente: Alfaro, Toledo, Molina Ciges, Vento, Maestre Yago, Pagola, Monjalés, Castellano. Y así hasta un total de 19 artistas cuya obra en solitario ya ha sido objeto de singulares exposiciones en la galería Rosalía Sender que ahora, a rebufo de la crisis, los reúne a todos en una brillante colectiva. Rosa Torres, Balanzà, Manchas, Brecht, Granell, Salvador Victoria, Lucebert. Artistas de renombre para una exposición en torno al papel, protagonista material de una muestra cuya selección aviva la mirada del espectador por la indudable calidad de los representados. Richard White, Inmaculada Martínez, Juan Vida, Pérez Bermúdez: 19 artistas hermanados alrededor de El arte del papel, que hasta el 14 de diciembre permanecerá en Rosalía Sender.

Obra de José Vento en 'El arte del papel'. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Obra de José Vento en ‘El arte del papel’. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Con las navidades a la vuelta de la esquina, llevarse uno de esos papeles se antoja ocasión inmejorable de elevar el tono del consumo. Los hay de todos los estilos, desde la figuración más o menos velada, más o menos explícita e incluso grotesca, hasta la abstracción. Y los hay realizados con técnica mixta, a lápiz, a base de tinta china, acuarela, grafito o acrílico sobre cartulina, cartón y, principalmente, sobre el papel que da título a tamaña reunión de talentos.

Obra de Inmaculada Martínez en 'El arte del papel'. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Obra de Inmaculada Martínez en ‘El arte del papel’. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

“Ante todo sinceridad”, decía Andreu Alfaro refiriéndose a su obra. En Rosalía Sender, esa honestidad queda reflejada en el jazz de minimalistas trazos. Y sinceridad que se observa en el conjunto, ya sea el bodegón de Molina Ciges o la “pintura de playas y bañistas” de Inmaculada Martínez, en esta ocasión concentrada en un par de sencillas figuras. Javier Pagola, para quien lo atractivo del abstracto residía en la liberación del cuadro de contenido y de sentido, muestra esa liberación en un par de obras, siendo así el único de los artistas expuestos que cuenta con dos trabajos.

Brecht, que ya expuso en la galería sus “dibujos alarmantes”, insiste en esa exclamativa atracción por la vida excesiva. Excesos que pueden verse en otras de las obras exhibidas, ya sea por la cadencia del color que explotan Rosa Torres, Bermúdez o Molina Ciges, o el riguroso trabajo formal de Castellano, Vento o Monjalés. La inquietante figuración corre a cargo de Richard White, Balanzà o Toledo, mientras el collage de Maestre Yago nos descoloca frente al rostro de Hopper. Como lo hace Juan Vida en su brumosa Notre Dame.

Obra de Maestre Yago en 'El arte del papel'. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Obra de Maestre Yago en ‘El arte del papel’. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

La variedad continúa en el taller de Manchas, o en ese soldado que Eugenio Granell muestra como si fuera una reliquia universal de la frustración ante un mundo tenebroso que parece confluir en “La casa está oscura” de Brecht. Y así, entre oscuridad y luminosidad, siguiendo el movimiento pendular de la crisis, que sin duda arroja sombras producidas por tanta demolición, al tiempo que abre agujeros por donde se filtra cierta luz, avanza la exposición El arte del papel. Una muestra colectiva en tiempos de ajuste económico que, sin embargo, permite al espectador deleitarse con una brillante selección de artistas y trabajos. Una veintena de obras en papel que Rosalía Sender muestra como antídoto visual a la penosa crisis.

Broken sibling, de Richard White en 'El arte del papel'. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Broken sibling, de Richard White en ‘El arte del papel’. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Salva Torres