El Centre del Carme acoge los relatos periféricos del arte contemporáneo en ‘Artistas y máquinas’

#MAKMAArte
‘Artistas y máquinas. Diálogos en el desarrollo del arte digital’
Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC)
Museu 2, València
Hasta el 22 de mayo de 2022

El Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC) reúne en la exposición ‘Artistas y máquinas. Diálogos en el desarrollo del arte digital’ más de 80 obras que dialogan entre sí a través del copy-art, el net.art y el video-art, lenguajes que pusieron en crisis el arte más clásico. El museo comienza una línea de trabajo de revisión de los orígenes de la creación contemporánea.

“Con esta exposición producida por el CCCC, ponemos en contexto el arte actual revisando los orígenes de la creación artística contemporánea. Se trata de una selección de algunas de las piezas más significativas del encuentro entre el arte y la tecnología que nos enseña de dónde venimos y visibiliza la importancia de estos lenguajes que rompieron los moldes más tradicionales del arte”, según señaló José Luis Pérez Pont, director del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana.

‘Artistas y máquinas’ exalta las relaciones entre el artista y la máquina de reproducción moderna -ese instrumento tecnológico automático e instantáneo comercializado desde los 60-, haciendo que las creaciones históricas seleccionadas por los comisarios dialoguen entre ellas, de manera yuxtapuesta. Sus imágenes estáticas y dinámicas, analógicas y digitales, físicas y virtuales, se confrontan en un mismo espacio expositivo, revelando las características intrínsecas de cada una y evidenciando las contaminaciones e influencias que todas tuvieron sobre todas.

A partir de la segunda mitad del siglo XX, el protagonismo de la máquina en el proceso creativo de la obra de arte es una de las consecuencias más significativas de los nuevos comportamientos artísticos. La propuesta expositiva introduce al visitante en el primer momento en que los artistas se apoyaron en las tres grandes familias de máquinas de generación y reproducción automática -fotocopiadoras, cámaras portátiles de vídeo y ordenadores gráficos personales-, activando con sus creaciones los programas de las vanguardias artísticas.

En la actualidad, la tecnología forma parte de nuestras vidas, el teléfono móvil es un órgano más. Sin embargo, los videocreadores, copy artistas o net.artistas fueron los primeros creadores en hacer de la máquina una prolongación natural de sus sentidos. Su misión principal consistía en poner en cuestión los paradigmas tradicionales y dar forma concreta a las nuevas ideas, activadas a lo largo del siglo XX por filósofos, escritores, artistas, científicos y pensadores en general.

José Ramón Alcalá Mellado, comisario de la muestra junto a Nilo Casares, destacó que el valor de esta exposición reside especialmente en que “estos tres lenguajes pusieron en crisis los paradigmas tradicionales del arte desde el Renacimiento”. “Con ‘Artistas y máquinas’ colocamos en la historia oficial del arte contemporáneo estos relatos periféricos que se quedaron en la orilla y que aún no tienen su espacio pese a ser fundamentales en el arte actual”, agregó.

La aparición de la máquina moderna en la esfera del arte trajo muchas posibilidades para mirar de otra manera. La tecnología transforma nuestra mirada, la interfaz electrónica actúa como un filtro capaz de representar con nuevas maneras. El mundo visual tradicional es refutado y sustituido por la construcción colectiva de una nueva cultura, la tecnológica, hoy hegemónica en nuestro mundo digital.

Según explicó Casares, “la exposición evita los tópicos tanto del videoarte como del net.art y resalta especialmente la importancia del copy-art en el arte de vanguardia y los avances realizados por los copy-artistas”. “El mundo del arte rechazaba la máquina en sí cuando no era una barrera, sino una aliada, y ahora el público comprenderá que, detrás de lo que vemos, hay gente que lo puso todo patas arriba a través de máquinas”, añadió Casares.

Ambos comisarios subrayaron que en estos lenguajes no existen los patrones tradicionales, por lo que las obras dialogan entre sí a través de la autoría, los originales y las copias, los procesos o los nuevos imaginarios, conceptos que revolucionaron el arte en la década de los 60.

La exposición se estructura en cuatro estadios que ejemplifican de forma dual cada uno de los cuatro grandes paradigmas puestos en crisis por este nuevo arte medial anticipatorio del actual arte digital. El primero de los paradigmas es el del ‘Original, copia y múltiple’, con obras que reflexionan sobre la multiplicación de imágenes técnicas, su repetición y los originales y copias.

La mecanización y automatización de la reproducción de imágenes y objetos transformó por completo las ideas sobre la creatividad y activó reflexiones transformadoras de las prácticas artísticas y generadoras de movimientos de vanguardia. La relación conceptual entre el original y la copia bajo estas condiciones técnicas constituía en sí un mundo abierto de posibilidades creativas.

En el segundo paradigma, ‘Del objeto al proceso’, el público encontrará obras de copy-art, net.art y video-art que dialogan en torno al proceso creativo como protagonista y a la interfaz electrónica, con la nueva comunicación que se establece entre el artista y la obra y el usuario y la máquina. Las máquinas automáticas focalizan la atención en el proceso productivo, acelerando esta tendencia que históricamente estaba desarrollándose en la esfera artística. De esta forma, se comprenderá el cambio de cómo los artistas ya no requieren de las manos para sus creaciones.

‘Autoría de la obra de arte’ es el tercero de los paradigmas, con diálogos en torno al distanciamiento entre el artista y la obra y en torno a la despersonalización de la autoría en el proceso de la creación de obras de arte (tanto en la creación a distancia como en la colectivizada), sobre cómo la máquina también se convierte en artista. El automatismo de las máquinas actuales, con algoritmos matemáticos y una cierta dosis de Inteligencia Artificial no solo cuestiona, sino que supera el concepto clásico de autoría colocándose a sí misma como autora de la obra.

Finalmente, ‘Los nuevos imaginarios de la imagen técnica’ contrapone las iconografías específicas del media art (la morfología y sintaxis del signo gráfico maquinal en cada lenguaje) y la renovación de los imaginarios colectivos a través de las nuevas poéticas de las imágenes técnicas.

Todos los estadios buscan poner a dialogar las obras creadas por los artistas mediante el uso perverso -desviado de su función original- de cada uno de estos tres grandes aparatos tecnológicos que han terminado por definir el actual régimen escópico de la e-imagen. El objetivo es comprender que, de uno u otro modo y particularizado en cada lenguaje específico, la máquina de reproducción automática nos aboca a producir y percibir del mismo modo.

La lista de los artistas que intervienen en la exposición es la siguiente: 0100101110101101.org, Amal Abdenour, José R. Alcalá, Alcalacanales, Philippe Boissonnet, Patrick Bourque, Klaus Vom Bruch, Fernando Ñ. Canales, Gianni Castagnoli, Arcángel Constantini, Analívia Cordeiro, Community Copy Art, Vuk Ćosić, Jaime Davidovich, James Durand, Equipo DequeDéque, Ant Farm & T. R. Uthco, Jacques Fivel, Fischli & Weiss, Anna Bella Geiger, Emilio Gomáriz, Satoshi Hasegawa, David Hockney y Daniel Jacoby.

Completan la lista: Humberto R. Jardón, Franz John, Jürgen Kierspel, Brian Mackern, Rafael Marchetti & Raquel Rennó, Francesco Mariotti, Hirotaka Maruyama, Karl-Herman Möller, Bruno Munari, Antoni Muntadas, Bruce Nauman, Jürgen O. Olbrich, Bernardo Oyarzún, Clemente Padín, Jesús Pastor, Lieve Prins, Paco Rangel, Christian Rigal, Gustavo Romano, Jeffrey Schrier, Sonia Sheridan, Alexei Shulgin, Technology Transformation, Ariane Thézé, Jake Tilson, Rubén Tortosa, Klaus Urbons, Pierluigi Vannozzi, Pola Weiss, Virgil Widrich y David Zink Yi.