Un Bastià i Bastiana de Mozart itinerante

Bastià i Bastiana, de Mozart
Les Arts Volant
Itinerante por diferentes municipios de Valencia
De julio a septiembre de 2017

El título escogido para el comienzo de la gira de Les Arts Volant es una de las obras más emotivas e interesantes de Wolfgang Amadeus Mozart, que compuso cuando tan solo tenía doce años. El libreto narra el romance entre dos jóvenes, Bastià i Bastiana, en una humilde aldea de pastores. Ambos están enamorados el uno del otro, pero la inseguridad les hará recurrir, cada uno por su cuenta, al brujo Colau para que con sus poderes mágicos provoque que ambos vuelvan a sentir atracción.

Una mágica historia de amor que llegará a diferentes municipios valencianos de la mano de la Diputación de Valencia, a través de un convenio con el Palau de Les Arts Reina Sofía. La primera parada de las diez representaciones ha sido Càrcer, en la Ribera Alta, localidad en la que se realizó la presentación oficial de esta propuesta. “Se trata de un claro ejemplo del servicio que prestan las instituciones públicas, ya que conseguimos acercar la ópera a la gente para que los vecinos y vecinas aprecien y conozcan en profundidad este arte”, señaló el diputado de Cultura, Xavier Rius.

Bastià i Bastiana. Les Arts Volant. Fotografía de JC Barberá por cortesía de Les Arts.

Bastià i Bastiana. Les Arts Volant. Fotografía de JC Barberá por cortesía de Les Arts.

Acompañados al piano por Aïda Bousselma y Husan Park, los artistas del Centre Plácido Domingo cantan y declaman, en valenciano, el ‘Singspiel’ mozartiano sobre el camión-escenario de ‘Les Arts Volant’, que ha diseñado el Intendente de Les Arts, Davide Livermore. “Esta iniciativa es el ejemplo perfecto de que la política cultural puede cambiar la calidad de vida de las personas”, destacó Livermore, quien ha calificado el inicio de la gira como “noche histórica para el Palau de les Arts”.

Davide Livermore es también el director de escena de esta producción con vestuario de José María Adame e iluminación de Antonio Castro, también del equipo del Palau de les Arts, que incluye un nuevo personaje, el Patró, interpretado por el actor Sergio Gil. ‘Les Arts Volant’ ha previsto un doble reparto, que se alternará en las diferentes representaciones de ‘Bastià i Bastiana’: Andrés Sulbarán y Moisés Marín (Bastià), Mariana Mappa y Giorgia Rotolo (Bastiana), y Andrea Pelegrini y Alejandro López (Colau).

En última instancia, el alcalde de Càrcer, Josep Botella, consideró que ser la primera parada de Les Arts Volant representaba “un día especial y excepcional para el municipio”. Botella agradeció en su momento la colaboración establecida entre las distintas administraciones en el propósito “de acercar a la ciudadanía una actividad musical tradicionalmente asociada a las élites”, por lo que consideró la propuesta “de muy acertada”. Una iniciativa en la que también colaborarán en su difusión la Generalitat Valenciana y el Ayuntamiento de València.

Bastià i Bastiana. Les Arts Volant. Fotografía de JC Barberá pro cortesía de Les Arts.

Bastià i Bastiana. Les Arts Volant. Fotografía de JC Barberá pro cortesía de Les Arts.

Ópera en los municipios valencianos

Este proyecto persigue hacer visible, e itinerante a su vez, el fascinante mundo de la ópera, además de tratar de proyectar sobre las comarcas valencianas una actividad propia de grandes ciudades. Tras Càrcer, Benaguasil y Montaverner, le tocará el turno a Guardamar de la Safor (20 de julio), Albuixech (21 de julio), Castielfabib (22 de julio) y Albalat dels Tarongers (23 de julio).

Asimismo, en el mes de septiembre se reanudará la gira por otros tres municipios valencianos, como son Sueca, Picanya y Alginet. Un proyecto que, a juicio de Xavier Rius, “contribuirá a que los valencianos y las valencianas crezcan culturalmente”, puesto que iniciativas como ésta “permiten acercar un arte total, como es la ópera”. Todas las representaciones comenzarán a las 22 horas, serán al aire libre y gratuitas.

Bastià i Bastiana. Fotografía de JC Barberá por cortesía de Les Arts.

Bastià i Bastiana. Fotografía de JC Barberá por cortesía de Les Arts.

Diez nominaciones valencianas a los Premios Max

XX Premios Max
Organizados por la Fundación SGAE
Palau de Les Arts
Avda. Professor López Piñero, 1. Valencia
Lunes 5 de junio, 2017, a partir de las 22.00h

La XX edición de los Premios Max cuenta con 10 nominaciones de artistas, espectáculos y compañías valencianas. Los espectáculos ‘Mulïer’ de Maduixa Teatre y ‘Quixote’ de Grup Puja! han recibido la nominación al Mejor Espectáculo de Calle, mientras la compañía Wichita Co. ha recibido la nominación al Mejor Espectáculo Revelación por ‘A España no la va a Conocer ni la Madre que la Parió’. María Cárdenas opta al premio a Mejor Autoría Revelación por ‘Síndrhomo’ y Damián Sánchez ha sido nominado a Mejor Composición Musical para Espectáculo Escénico por ‘Mulïer’.

Escena de 'Solo son muejres', de Carme Portaceli, nominada a Mejor Espectáculo.

Escena de ‘Solo son mujeres’, de Carme Portaceli, nominada a la Mejor Dirección Escénica de la XX edición de los Premios Max.

Por otro lado, Carme Portaceli opta al premio a la Mejor Dirección Escénica por ‘Solo Son Mujeres’; Juanjo Llorens está nominado a Mejor Diseño de iluminación por ‘Hamlet’, de Kamikaze Producciones; y Marcos Morau opta a Mejor Diseño de Espacio Escénico por ‘Oskara’.

Chema Cardeña, en el centro, nominado a Mejor Actor de Reparto por 'Shakespeare en Berlín' en la XX Premios Max.

Chema Cardeña, en el centro, nominado a Mejor Actor de Reparto por ‘Shakespeare en Berlín’ en la XX edición de los Premios Max.

La lista de los nominados valencianos en esta edición de los premios Max se completa con la nominación de los actores Josep Manel Casany en la categoría de Mejor Actor Protagonista, por la obra ‘Hamlet Canalla’, coproducción del Institut Valencià de Cultura (IVC) con la Compañía Micalet, y Chema Cardeña en la categoría de Mejor Actor de Reparto por ‘Shakespeare en Berlín’.

Los ganadores de la XX edición de los Premios Max se darán a conocer el lunes 5 de junio en la gala que se celebrará en el Palau de Les Arts de València, a la que acudirá una nutrida representación de Cultura de la Generalitat, encabezada por el conseller de Cultura Vicent Marzà.

Representantes institucionales junto a algunos de los valencianos nominados en la XX edición de los Premios Max.

Representantes institucionales junto a algunos de los valencianos nominados en la XX edición de los Premios Max.

Precisamente Marzà, acompañado por el director del IVC, Abel Guarinós, y del director general adjunto de Artes Escénicas, Roberto Garcia, recibió a una representación de los valencianos finalistas de los Premios Max 2017, organizados por la Fundación SGAE y que este año celebra su XX edición en Les Arts. La SGAE estuvo representada por el presidente del Consejo Territorial de SGAE CV, Pep Llopis y el director de zona de SGAE para el territorio valenciano, Álvaro Oltra.

“Esta es una oportunidad de oro para visibilizar el talento de nuestros creadores escénicos más allá de nuestro territorio”, destacó Marzà. Al encuentro con el conseller, respecto a nominados valencianos, acudieron la productora teatral Loles Peris, la coreógrafa Mamen García y el músico Damián Sánchez, por parte de la Companyia Maduixa. También estuvieron presentes la autora teatral María Cárdenas, la actriz Pilar Almeria en representación del actor Josep Manel Casany, y Teresa de Juan, de   Wichita&CO.

Vicent Marzà tuvo la oportunidad de felicitar a los nominados y de interesarse sobre sus posibilidades de obtener el galardón en las diferentes categorías en que compiten. “Una vez más se demuestra que la vitalidad y la creatividad del sector de las artes escénicas valenciano le permite llevar a los escenarios montajes que conjugan la calidad con la vocación de conseguir públicos numerosos y variados”, destacó Marzà.

Mulier de Maduixa Teatre.

Escena de ‘Mulïer’, de Maduixa Teatre, nominada a Mejor Espectáculo de Calle en la XX edición de los Premios Max.

La melancolía suicida de Werther

Werther, de Jules Massenet basada en la novela de Goethe
Dirección musical: Henrik Nánási
Dirección escénica: Jean-Louis Grinda
Palau de les Arts
Avda. del Professor López Piñero, 1. Valencia
Días 20, 23, 26, 28 y 31 de mayo de 2017

“Werther vive fuera de la realidad y ella [Charlotte] opta por vivir en la sociedad tal y como es”. Así explica su personaje la soprano Anna Caterina Antonacci. Palabras acertadas para describir el carácter del famoso personaje literario que Goethe creó en su novela ‘Las penas del joven Werther’ y que tanto fascinó al compositor Jules Massenet. De hecho, obsesionado con ese escrito y su melancólico protagonista, lo trasladó a la ópera con libreto en francés de Édouard Blau, Paul Milliet y Geroges Hartmann. El Palau de les Arts acoge tan desgarrada ópera, bajo la dirección musical de Henrik Nánási y escénica de Jean-Louis Grinda.

La novela de Goethe ya provocó en su momento una ola de suicidios en Europa, quién sabe si motivados por el profundo dramatismo de un joven Werther aspirando a consumir su vida al margen de la realidad. Esa misma realidad, ahora virtual, dibujando un perfil similar a través del juego de ‘la ballena azul’ que actualmente tantos quebrantos está produciendo. Anselmo Alonso Soriano, en el escrito que acompaña al ‘Werther’ que se presenta en Les Arts, contextualiza esa presencia de la muerte en periodos distintos: “Werther es paradigma de un periodo revolucionario en lo estético [Revolución Francesa de 1789], en el que la actitud de protesta contra lo estable y lo establecido, prefiguran una nueva concepción de la vida para una juventud que vive la quimera de ser un mundo y aspirar a otro nuevo y en exceso distinto”.

Escena de Werther. Fotografía de Miguel Lorenzo y Mikel Ponce por cortesía de Les Arts.

Escena de Werther. Fotografía de Miguel Lorenzo y Mikel Ponce por cortesía de Les Arts.

Esa aspiración excesiva, característica del espíritu romántico que reaparece a lo largo de la historia, es lo que resaltaron los protagonistas de la ópera que hasta el 31 de mayo acoge Les Arts. “No es fácil entrar de golpe en esa intensidad del personaje”, explicó el tenor Jean-François Borras, encargado de dar vida al Werther suicida. Además, está el aspecto musical: “Tenemos cuatro arias y tres dúos. No hay coro. De manera que todo descansa sobre tres personajes, de ahí que sea una ópera tan exigente”.

El director escénico Jean-Louis Grinda aporta un elemento más a esa actualidad de la ópera de Massenet. “Me planteé la escena con flash-back. Empieza con el suicidio de Werther y a partir de ahí se ofrece una visión de las tres etapas por las que pasa el personaje hasta el momento final”. Un espejo que se rompe, y a través del cual se ve el transcurso de tan atormentada vida, es otro de los elementos escénicos, junto a un video, que aportan la “particularidad” de este nuevo Werther de la que habló a su vez el intendente de Les Arts, Davide Livermore.

Escena de Werther. Fotografía de Miguel Lorenzo y Mikel Ponce por cortesía de Les Arts.

Escena de Werther. Fotografía de Miguel Lorenzo y Mikel Ponce por cortesía de Les Arts.

Antonacci, que ya ha interpretado en otras ocasiones a Charlotte, la mujer por la que suspira el joven suicida, señaló que volver a vivir de nuevo esta apasionante historia, “ahora con la aportación del flash-black”, le había permitido descubrir nuevos aspectos de su personaje. “Es una mujer burguesa alejada de la heroína de la tragedia griega”. Mujer que duda “entre lo que debe sentir y lo que realmente siente”, frente al excesivo Werther, “de aspecto romántico y que tiene una gran incapacidad para vivir en la realidad”.

Henrik Nánási, de quien Livermore dijo que era “uno de los maestros a los que más amo del mundo”, es la tercera vez que dirige una ópera en Les Arts, tras haberlo hecho con El castillo del duque Barbazul, de Béla Bartók, y dirigir a Plácido Domingo en el Macbeth de Verdi. Werther, en coproducción de Les Arts con la Ópera de Montecarlo, narra ese amor imposible del joven Werther con Charlotte, cuyo protagonismo en la ópera de Massenet es mayor que en la novela de Goethe, más centrada en el protagonista que da título a la novela.

“En un tiempo ya de vanguardias, que no son sino revoluciones, así como el Werther de Goethe anunciaba la Revolución Francesa, el de Massenet proclamaba las tormentas políticas y estéticas del siglo XX”, concluye Soriano en su escrito. Diríase que el que se presenta en el Palau de les Arts continúa sumido en esa corriente revolucionaria tan caracterizada por los excesos. Una energía desbocada que, por seguir las palabras de la soprano Antonacci, denota cierta vivencia al margen de la realidad.

Escena de Werther. Fotografía de Miguel Lorenzo y Mikel Ponce por cortesía de Les Arts.

Escena de Werther. Fotografía de Miguel Lorenzo y Mikel Ponce por cortesía de Les Arts.

Salva Torres

La ópera antes del Palau de les Arts

Crònica de l’òpera representada a València (1936-1959): la Guerra Civil i la Postguerra, de Ernest González
Institut Alfons el Magànim

¿Existía la ópera en Valencia antes del Palau de les Arts? Algunos melómanos mal informados creen que no, pero se equivocan. A pesar de la miseria cultural del franquismo el bel canto vivió grandes momentos alentados por un público variopinto que acudía no sólo a los auditorios, sino también a representaciones al aire libre en la plaza de toros o en los Jardines de Viveros.

Un extenso estudio de Ernesto González publicado en valenciano por el Institut Alfons el Magnànim demuestra que durante la primera mitad del siglo XX la relación de los valencianos con la música lírica fue intensa, apasionada y también muy cambiante. “No es exacto que la evolución de la ópera desde el inicio de la guerra civil decayera hasta casi desaparecer como se ha dicho”, afirma González.

La soprano valenciana Ana María Olaria.

La soprano valenciana Ana María Olaria.

Su libro, ‘Crònica de l’òpera representada a València (1936-1959): la Guerra Civil i la Postguerra’ es el fruto de más de seis años de trabajo y de una rigurosa documentación. Sus páginas hacen un repaso a estas décadas, a lo largo de las cuales se produjeron picos de excelencia y puntos muertos en lo que la ópera se refiere siendo ésta un fiel reflejo de los acontecimientos políticos como, por ejemplo, el auge y caída del régimen de Mussolini. ¿Cuáles fueron sus mejores y peores etapas?

“Desde 1939 hasta la caída del régimen de Mussolini vinieron a Valencia excelentes cantantes de ese país”, explica González. “Si se suman las representaciones de la compañías del Liceo barcelonés, en una sola de aquellas temporada se escuchaba en Valencia tanta ópera como en el periodo republicano anterior a la guerra civil. Los momentos más brillantes fueron la temporada 1946-47 y las comprendidas entre 1952 y 1955. A finales de los cincuenta se vivieron los años más oscuros, incluso peores que en la guerra civil. En todo caso, la evolución de la ópera, tanto en calidad como cantidad no es lineal sino accidentada, con subidas y bajadas. Incluso en las temporadas más negras se podía disfrutar alguna actuación interesante”.

El tenor Carlo Bergonzi de Radamès.

El tenor Carlo Bergonzi de Radamès.

En la etapa que cubre el libro las representaciones de ópera no se concentraba en un sólo auditorio, sino que se difundían por toda la ciudad. “Desde el modesto teatro del Patronato (ahora Sala Escalante)  hasta el Principal o el Apolo. Lírico, Ruzafa y Alkázar también ofrecían sesiones de ópera y en primavera y verano se celebraban al aire libre en Viveros y la plaza de toros.

Aunque el público de la ópera se asocia a la aristocracia y burguesía, esta visión “sólo es una parte de la realidad”, matiza González. “La ópera ha gustado a toda clase de público en todas las épocas. En la Valencia de la posguerra la burguesía la usó para alardear de su poderío, pero también incluía diferentes tipos de público”.

Del estudio exhaustivo realizado por González se desprende el amor de los valencianos por la ópera italiana, especialmente, por Puccini. También la reiteración obsesiva de títulos. “Marina de Arrieta se representó 126 veces y Madame Butterfly nada menos que 42 en 20 años. “Los amantes del bel canto valencianos  han sido siempre italianófilos y me atrevería a decir que lo siguen siendo, sobre todo admiradores de Puccini”

González considera que “la inauguración del Palau de les Arts, en 2005,  supuso un impulso a la ópera equivalente a la creación del Teatro Principal, en 1832, pero con un acceso más democrático. Gracias a la continuidad de la programación se ha consolidado un público estable y entendido. Su mayor virtud es combinar títulos del repertorio habitual con otros de estilos y procedencias más desconocidas, algo que en la época que trata mi libro no solía hacer, pues los empresarios no se arriesgaban”, concluye Ernest González.

Ernest González. Imagen cortesía del autor.

Ernest González. Imagen cortesía del autor.

Bel Carrasco

Lucrezia Borgia, más allá de la mujer hermosa

Lucrezia Borgia, de Gaetano Donizetti, por Fabio Biondi y Emilio Sagi
Palau de les Arts Reina Sofía
Avenida del Professor López Piñero, 1. Valencia
26 y 29 de marzo, y 1, 5 y 8 de abril de 2017

Fabio Biondi y Emilio Sagi firman ‘Lucrezia Borgia’, de Gaetano Donizetti, la primera nueva producción de la Temporada 2016-2017 del Palau de les Arts Reina Sofía, que se estrenará el domingo 26 de marzo, a las 18.00 h. El maestro palermitano y el director de escena ovetense presentaron este título basado en el retrato que hizo Victor Hugo de la enigmática hija del papa valenciano Alejandro VI.

‘Lucrezia Borgia’ supone también un hito en la historia de Les Arts, puesto que será la primera ópera que se emita en ‘streaming’ el próximo 1 de abril, a través de ‘The Opera Platform’. La transmisión es posible gracias al acuerdo suscrito con la Agència Valenciana del Turisme y se enmarca dentro de la promoción de la Ruta de los Borja. De esta forma, durante el intermedio entre los actos I y II, se ofrecerá contenido audiovisual sobre la huella de la poderosa estirpe en la Comunitat Valenciana, además de las habituales entrevistas con el elenco de la producción y conexiones desde el teatro.

Escena de Lucrezia Borgia. Fotografía de Tato Baeza por cortesía de Les Arts.

Escena de Lucrezia Borgia. Fotografía de Tato Baeza por cortesía de Les Arts.

Fabio Biondi se adentra en la ópera belcantista en Les Arts después de sus recientes éxitos con la OCV en los repertorios barroco y clasicista. Con el reto de presentar el belcanto de Donizetti desde un prisma diferente, con un lenguaje historicista, el director musical de Les Arts completará su labor filológica alrededor de este periodo de la lírica italiana con ‘Italia más allá de la ópera’, un nuevo capítulo del ciclo de música de cámara que acogerá el Espai Los Toros el 30 de marzo.

Para Emilio Sagi se trata del sexto montaje -el tercero de producción propia- que se presenta en el enclave cultural valenciano tras sus celebradas propuestas para ópera española y zarzuela: ‘La Bruja’ y ‘El rey que rabió’, ambas de Ruperto Chapí; ‘Luisa Fernanda’, de Moreno Torroba; ‘El dúo de ‘La Africana’, de Fernández Caballero, y ‘Katiuska’, de Pablo Sorozábal.

El libreto de Felice Romani, con quien Donizetti firmó éxitos como ‘L’elisir d’amore’ o ‘Anna Bolena’, toma como referencia el drama homónimo de Victor Hugo, más vinculado con la leyenda y mito alrededor de Lucrecia Borja que con su verdadera historia. La ópera se desarrolla en Ferrara, donde Lucrezia Borgia, desposada con el duque Alfonso d’Este, transita entre las contradicciones que arroja su figura pública frente a los sentimientos hacia su hijo secreto Gennaro.

Escena de Lucrezia Borgia. Fotografía de Tato Baeza por cortesía de Les Arts.

Escena de Lucrezia Borgia. Fotografía de Tato Baeza por cortesía de Les Arts.

Musicalmente, ‘Lucrezia Borgia’ es una de las partituras más endiabladas de Gaetano Donizetti, especialmente para su protagonista, un papel que en la historia de la lírica ha quedado reservado a voces legendarias, entre las que destacan Montserrat Caballé o Joan Sutherland.

La soprano Mariella Devia, considerada como la última gran dama del bel canto, encarna en Les Arts a la controvertida protagonista. La mezzosoprano valenciana Silvia Tro Santafé canta el papel de Maffio Orsini. El tenor estadounidense William Davenport, que inauguró la Pretemporada con ‘L’elisir d’amore’, también de Donizetti, presenta su segundo papel en Les Arts: Gennaro, el hijo secreto de Lucrezia Borgia. Cierra el cuarteto protagonista el bajo-barítono croata Marko Mimica como Alfonso d’Este.

El elenco de ‘Lucrezia Borgia’ se completa con los cantantes del Centre Plácido Domingo Fabián Lara (Liverotto), Andrés Sulbarán (Vitellozzo), Alejandro López (Gazella), Moisés Marín (Rustighello), Andrea Pellegrini (Gubetta) y Michael Borth (Astolfo). Participan también Simone Alberti (Petrucci), José Enrique Requena (Ujier) y Lluís Martínez (Una voz) junto con el Cor de la Generalitat Valenciana, que dirige Francesc Perales. Además del estreno el día 26 de marzo, Les Arts ha programado otras representaciones los días 29 de marzo y 1, 5 y 8 de abril.

Lectura dramatizada

Les Arts ofrece, con motivo de estas representaciones, una lectura dramatizada de ‘Lucrèce Borgia’, obra teatral en tres actos y prosa que Victor Hugo estrenó en París el 2 de febrero de 1833. En el texto -un paradigmático ejercicio del imperante Romanticismo que latía con enorme vitalidad en los años 30 del siglo XIX-, el dramaturgo francés ofrece un retrato en negativo de la ilustre hija del Papa Borgia. Un retrato que va más allá de los suaves contornos de la mujer hermosa; un retrato que afila el perfil trágico de la asesina que fue también mujer utilizada y humillada.

Escena de Lucrezia Borgia. Fotografía de Tato Baeza por cortesía de Les Arts.

Escena de Lucrezia Borgia. Fotografía de Tato Baeza por cortesía de Les Arts.

Ópera con marionetas en Les Arts

Philemon und Baucis, de Franz Joseph Haydn
Teatre Martín i Soler
Palau de Les Arts
Avenida Professor López Piñero, 1. Valencia
Jueves 12 y domingo 15 de enero de 2017

El Palau de les Arts Reina Sofía comienza el año 2017 con la ópera para marionetas de Franz Joseph Haydn ‘Philemon und Baucis’, que se estrenó en el Teatre Martín i Soler el domingo 8 de enero. “Una amena propuesta con la que acercarse a la ópera y descubrir también nuevas formas de representación artística al público de Les Arts”, explicó el intendente de Les Arts, Davide Livermore.

“Cantantes, actores, músicos y marionetistas se reúnen en un complejo ejercicio de teatro musical, que hacen posible dos especialistas: Fabio Biondi como director musical y la veterana compañía de marionetas Carlo Colla e Figli junto con los grandes jóvenes artistas del Centre Plácido Domingo”, apuntó el Intendente.

Tras los conciertos ‘Gloria e Imeneo’ e ‘Israel in Egypt’, el maestro Biondi realiza su tercera incursión en la Temporada 2016-2017 con un título que le valió una distinción especial, junto con la compañía Carlo Colla, en la edición de 2008 de los prestigiosos Premios Franco Abbiati de la crítica italiana.

Philemone e Bauci. Imagen cortesía de Les Arts.

Philemon und Baucis. Imagen cortesía de Les Arts.

“Haydn apreciaba mucho este género, de hecho, compuso seis o siete óperas para marionetas de las cuales sólo ‘Philemon und Baucis’ ha sobrevivido”, remarcó Biondi, que también subrayó el espectáculo como un “ejercicio al servicio de la música y de la belleza; el público no ve ni a marionetistas, ni a cantantes, ni a la orquesta, ni tampoco al director ,sólo a las marionetas”. El director titular de la OCV apuntó también que esta ópera es un espectáculo perfecto para todas las edades, visualmente extraordinario e idóneo para abrir la lírica a una joven generación.

Más de 200 años de experiencia avalan a la compañía Carlo Colla e Figli, que comenzó siendo un grupo de artistas itinerantes por el norte de Italia, hasta que en 1906 se estableció en el Teatro Gerolamo de Milán. La llegada de la televisión y de los dibujos animados contribuyó a la crisis de este espectáculo a mediados de los años 50. La compañía abandona su teatro estable y comienza una intensa actividad por diversas ciudades de Italia, para empezar en los años 80 a recorrer el mundo.

Consolidada ya como una de las empresas más prestigiosas en el teatro de marionetas, en 1994, nace en Milán el Atelier Carlo Colla e Figli, que se convierte en la sede definitiva de la compañía. Eugenio Monti Colla, actual director artístico de la compañía, que pertenece a la quinta generación de esta estirpe de marionetistas, explicó la complejidad del trabajo en este tipo de representaciones, que ha equiparado a la técnica de un músico para tocar un instrumento: “Las marionetas no copian el movimiento del ser humano, son un elemento metafísico, un símbolo que a través de los hilos se convierten en un personaje y entonces el marionetista deja de existir”.

Además del estreno, ‘Philemon und Baucis’, se podrá ver también los días 12 y 15 de enero junto con una representación didáctica el día 11 de este mismo mes. Las localidades para esta obra, de una hora de duración, tienen un precio único de 35 euros.

Philemone und Baucis. Imagen cortesía de Les Arts.

Philemone und Baucis. Imagen cortesía de Les Arts.

Ópera para marionetas

‘Philemon und Baucis’ de Franz Joseph Haydn descubre al espectador de Les Arts el poco conocido repertorio lírico para teatro de marionetas, un género nacido en la Italia del Renacimiento tardío que se hizo tremendamente popular en el Imperio austrohúngaro, a donde llegó vía Venecia en el siglo XVII.

La ópera para marionetas gozaba de larga popularidad ya en 1773, año en el que se estrena esta ópera Singspiel de argumento moralizante y mitológico. El texto de Philip Georg Bader y Gottlieb Konrad Pfeffel se sirve de una de ’Las Metamorfosis’ del poeta romano Ovidio, en la que se narra la conversión en árboles inmortales de un matrimonio de ancianos incondicionalmente fieles a Júpiter, dios de dioses.

Los libretistas y Haydn, artista de la corte del príncipe Esterházy, componen este ’Philemon und Baucis’ a mayor gloria de la emperatriz María Teresa de Austria. En la ópera, ofrecerán una versión transformada del mito ovidiano con un mensaje profundamente moralizante: la loa al orden social del Antiguo Régimen, sistema que se enfrentaba a su brusco final con la Revolución Francesa en 1789.

Música de cámara

Davide Livermore anunció que este mes de enero comienza el ciclo de música de cámara que Fabio Biondi y los profesores de la Orquestra de la Comunitat Valenciana ofrecen en el Espai Los Toros, “un nuevo rincón de Les Arts que se abre al público general”, señaló el Intendente.

Para la primera sesión, el 14 de enero, bajo el epígrafe ‘En torno a Mozart’, el programa incluye obras de Haydn, Martín i Soler, Salieri, Beethoven y Mozart. Las localidades tienen un precio único de 15 euros.

Filemone e Bauci.

Philemone und Baucis. Imagen cortesía de Les Arts.

 

José Mercé da la cara en Les Arts

Doy la cara, de José Mercé
Palau de les Arts
Avda. Professor López Piñero, 1. Valencia
Sábado 15 de octubre, 2016, a las 21.00h

Tras cuatro años de silencio discográfico, José Mercé vuelve a los escenarios para presentar su nuevo trabajo, un disco que marca un antes y un después en su ya dilatada carrera. El álbum, titulado ‘Doy la cara’ y compuesto de clásicos del cancionero de la música popular de todos los tiempos a dúo con los personajes más sobresalientes de la escena pop actual (Joaquín Sabina, Pablo Alborán, Alejandro Sanz, Los Secretos y muchos más) ha vuelto a colocar al cantaor jerezano en un primer plano de la actualidad musical abriendo nuevos horizontes a su brillante trayectoria artística.

José Mercé. Imagen cortesía de la organización del concierto en el Palau de les Arts.

José Mercé. Imagen cortesía de la organización del concierto en el Palau de les Arts.

‘Doy la cara’ es ya un hito en la carrera de José Mercé, el último gran maestro del cante de su generación. Una vuelta a los escenarios rodeada de una gran expectación. En Valencia el cantaor ha elegido el Auditori del Palau de les Arts, en una noche que promete ser histórica.

‘Doy la cara’ es un disco muy especial que sin duda se convertirá en uno de los grandes éxitos del año. Su disco más revolucionario, rodeado de amigos: Joaquín Sabina, Pablo Alborán, Alejandro Sanz, Alvaro Urquijo, Ainhoa Arteta, Chabuco, Andrés Calamaro, Jorge Drexler y Vanesa Martín a dúo con el cantaor jerezano, bajo la producción del multi-premiado Javier Limón. Las diez canciones del álbum grabadas en diferentes estudios de Estados Unidos y España, con un impresionante listado de músicos de los más variados pelajes, rompe con todos los cánones y marcará un antes y después en la carrera del cantaor jerezano, quizá el último cantaor clásico que le queda a una generación ya legendaria.

José Mercé, que sigue siendo flamenco y se siente flamenco, da de esta forma un giro revolucionario a su extensa y fructífera carrera. Con ‘Doy la cara’ nos demuestra que todavía es posible sorprendernos dando este paso valiente, explorando nuevos caminos y alcanzando nuevos horizontes. Todo ello sin renunciar a nada, simplemente sumando emociones y sentimientos. ‘Doy la cara’ es un punto y aparte en la brillante carrera de un cantaor único.

Cartel del concierto de José Mercé en el Palau de les Arts.

Cartel del concierto de José Mercé en el Palau de les Arts.

Monográfico cervantino de Marta Espinós en Ensems

Marta Espinós, concierto para piano
Festival Ensems
Palau de la Música
Paseo de la Albereda 30, Valencia
Jueves 30 de junio de 2016, a las 20h.

Hoy, jueves 30 de junio, a las 20.00 horas, el festival Ensems acoge en el Palau de la Música un concierto de Marta Espinós en el que la pianista propone un monográfico de piezas inspiradas por la obra de Miguel de Cervantes, varias de ellas escritas a petición suya.

En palabras de la propia Espinós, “ante el IV Centenario de la muerte de Miguel de Cervantes (1547-1616), este concierto comentado explora el repertorio de piano español contemporáneo —finales del siglo XX y principios del XXI— inspirado en su figura y su legado. El proyecto incluye cuatro encargos realizados por Marta Espinós con motivo de la efeméride a algunos de los compositores españoles actuales más representativos: Tomás Marco, Benet Casablancas, Carlos Cruz de Castro y Mercedes Zavala. Paralelamente se incluyen obras preexistentes de los compositores Manuel Angulo y José Zárate, también de inspiración cervantina, y el estreno absoluto de ‘Ecos del Quijote’, del compositor César Cano, encargo del Festival Ensems”.

Imagen de la pianista Marta Espinós durante uno de sus conciertos. Fotografía cortesía del festival Ensems.

Imagen de la pianista Marta Espinós durante uno de sus conciertos. Fotografía cortesía del festival Ensems.

“A través de la diversidad generacional y de concepción estética de estos compositores, las obras del programa retratan la faceta de Cervantes como autor, describen sus personajes, ilustran los paisajes que fueron su escenario geográfico de sus obras, o incluso aluden a fragmentos específicos de su producción literaria”. El concierto tiene además la peculiaridad de contar con los comentarios introductorios de la propia pianista, que siempre trata de tejer de este modo una relación estrecha con su auditorio.

El programa, además de celebrar el aniversario cervantino, constituye en sí mismo una muestra del piano contemporáneo español, con destacados autores de la segunda mitad del siglo veinte. En cuanto a la obra del valenciano César Cano, el compositor declara que “el título de este tríptico para piano, ‘Ecos del Quijote’, se refiere a las resonancias del personaje cervantino que encontramos en diversos compositores y poetas. He escogido como fuentes generadoras de material musical dos obras: el célebre poema sinfónico de Richard Strauss ‘Don Quixote’ y las tres canciones ‘Don Quichotte à Dulcinée’ que Maurice Ravel escribiera en 1932”.

La pianista Marta Espinós durante una mesa redonda celebrada en el marco del festival. Fotografía cortesía del festival Ensems.

La pianista Marta Espinós durante una mesa redonda celebrada en el marco del festival. Fotografía cortesía del festival Ensems.

El festival continuará el viernes 1 de julio con un concierto de la Orquesta de Valencia en el que se estrenará “Bow shock”, de Joan Cerveró, asimismo encargo del festival Ensems.

Ensems es un festival de CulturArts Música – Generalitat Valenciana, con la colaboración del Palau de Les Arts Reina Sofia, el Consorci de Museus, el Palau de la Música (Ajuntament de València), la Fundación SGAE, el Institut Français y el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte (Inaem). Este año la programación del festival se caracteriza por el eclecticismo, la pluralidad y el espaciamiento temporal a lo largo de más de tres meses, en diferentes sedes, con el fin de llegar al público mayor y más diverso posible.

Mata Espinós. Imagen cortesía del Festival Ensems.

Mata Espinós. Imagen cortesía del Festival Ensems.

Juana de Arco, heroína (casi) en llamas

Juana de Arco en la hoguera, de Arthur Honegger
Palau de les Arts Reina Sofía
Avenida del Professor López Piñero, 1. Valencia
Jueves 26 de mayo, 2016, a las 20.00h

Rosana Pastor protagoniza ‘Juana de Arco en la hoguera’, de Arthur Honegger, el jueves 26 de mayo en el Auditori del Palau de les Arts Reina Sofía. La reconocida actriz valenciana debuta en el centro de artes, con este oratorio dramático según un poema de Paul Claudel y con música del compositor suizo.

El estadounidense afincado en Italia Christopher Franklin asume la dirección musical de este concierto-espectáculo, con el que hace su segunda incursión en la Temporada de Les Arts tras el estreno de ‘Café Kafka’, de Francisco Coll.

El Palau de les Arts presentó ‘Juana de Arco en la hoguera’ en conferencia de prensa, con la participación del equipo artístico y creativo del montaje. El enclave cultural plantea para esta obra un marco escénico de producción propia, bajo la dirección de Emilio López. El equipo técnico del teatro firma la escenografía, mientras que Antonio Castro y Miguel Bosch son los responsables de la iluminación y de las videocreaciones, respectivamente.

Según explicó el Intendente de Les Arts, Davide Livermore, la obra es una visión retrospectiva de la vida de la heroína francesa justo antes de morir quemada. ‘Juana de Arco en la hoguera’ -añadió- “es palabra, canto, voces infantiles y adultas, música instrumental, nuevas sonoridades y una enorme visión teatral para reflexionar sobre la condición humana a través de esta mujer histórica que no dejará indiferente a nadie”.

Elenco de Juana de Arco en la hoguera. Imagen cortesía de Les Arts.

Elenco de Juana de Arco en la hoguera. Imagen cortesía de Les Arts.

‘Juana de Arco en la hoguera’ es un proyecto que el director artístico de Les Arts y Rosana Pastor esbozaron en febrero de 2015 para convertirse en una realidad un año y medio después. Pastor se refirió a la pieza de Honegger como “un gran reto como intérprete”, puesto que “la voz es la clave de todo y es el auténtico elemento de expresión para el papel”.

Pastor, que remarcó el valor social de la partitura para reivindicar a aquellos que alzan la voz y son juzgados, incidió también en el sentido universal de la obra. Para la actriz, ‘Juana de Arco en la hoguera’ “es una propuesta que, por su belleza, cautivará a espectadores noveles y eruditos”.

Junto a Rosana Pastor, como la Doncella de Orleans, el también actor valenciano Juli Cantó interpreta al hermano Domingo. El elenco se completa con los cantantes del Centre Plácido Domingo Karen Gardeazabal (La Virgen / Voz soprano), Federica Alfano (Marguerite), Alejandro López (Voz bajo, Una voz, Un heraldo y Paisano) y destacados antiguos alumnos del proyecto como Cristina Alunno (Catherine) y Mario Corberán (Porcus, Una voz, Un heraldo y Clérigo).

También tienen papeles solistas el niño de l’Escolania de la Mare de Déu dels   Desemparats, Alejandro Estellés (Voz niño) y los cantantes del Cor de la Generalitat José Enrique Requena (Recitador, Heraldo, Asno, Bedford, Juan de Luxemburgo, Brindador, Paisano), Bonifaci Carrillo (Alguacil, Reinaldo de Chartres, Guillermo de Flavy, Perrot, Sacerdote) y Diana Muñoz (Madre Toneles).

Tanto Emilio López como Miguel Bosch han desarrollado una dramaturgia alrededor de la obra de Honegger, que sitúa la acción en la propia cabeza de la Doncella de Orleans. El Auditori de Les Arts alberga una arquitectura escénica que se apoya en las videocreaciones en blanco y negro, que toman de referencia fondos pictóricos del IVAM.

El propósito del equipo creativo es plantear un discurso visual que potencie el tenebrismo de la música. “Unos vídeos al servicio siempre de la partitura que convierten a Juana de Arco en una obra en seis dimensiones (6-D)”, recordó Livermore.

El espectáculo, de 85 minutos de duración, cuenta con la participación de 35 niños de la Escolania de la Mare de Déu dels Desemparats, 59 cantantes del Cor de la Generalitat, 5 solistas, dos actores y 80 músicos de la Orquestra de la Comunitat Valenciana.

Rosana Pastor junto al cartel de Juana de Arco en la hoguera. Imagen cortesía de Les Arts.

Rosana Pastor junto al cartel de Juana de Arco en la hoguera. Imagen cortesía de Les Arts.

 

“La cultura tiene un prestigio social”

Desayunos Makma en PICSA Valencia
Con Meritxell Barberá e Inma García, directoras del Festival 10 Sentidos, con motivo de ‘A lo caos’, lema de su quinta edición, que se celebra en distintas sedes de Valencia hasta el 19 de junio de 2016
Entrevistadas por Merche Medina, Salva Torres y Jose Ramón Alarcón, del equipo de redacción de Makma

Con motivo del desarrollo escénico de la quinta edición del Festival 10 Sentidos, Makma conversa con Mertixell Barberá e Inma García -responsables de la dirección artística y técnica del festival, respectivamente- con el objeto de abordar el horizonte de novedades y peculiaridades intrínsecas de ‘A lo caos’, asentado como emblema y divisa conceptual del presente curso de actividades del festival.

“Si queremos que se consolide en la ciudad, vamos a invadirla”

Tras la consumación de cuatro ediciones implementadas en el seno arquitectónico del Antiguo Convento del Carmen -epicentro funcional de un Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana en pleno ejercicio de transición y metamorfosis-, la presente edición no sólo modifica su ubicación, sino que multiplica sus sedes. De la etapa precedente, Inma García admite que “nunca ha habido una convivencia en común (con el Centro del Carmen). No contábamos con ayuda e implicación” e, igualmente, concluye que “a nivel burocrático era un desastre”. Tras la reciente designación de José Luis Pérez Pont como nuevo director del Consorcio de Museos, confía en que “la situación cambie”, no obstante, “por una cuestión de agilidad, nos apetecía darle una vuelta y plantear otros espacios”.

Meritxell Barberá e Inma García, directoras del Festival 10 Sentidos, durante un instante de los Desayunos Makma. Fotografía: Fernando Ruiz.

Meritxell Barberá e Inma García, directoras del Festival 10 Sentidos, durante un instante de los Desayunos Makma. Fotografía: Fernando Ruiz.

A pesar de que en los prolegómenos de la presente edición “pensábamos en un solo emplazamiento”, apunta Meritxell Barberá, ‘A lo caos’ eclosiona con don de ubicuidad, orden programático y dilatado corpus cronológico, rubricando su materialización en diez sedes, un leitmotiv de henchida y vasta especificidad y un período de treinta y cuatro jornadas naturales para cobrar novísima morfología, bajo el amparo de un apotegma por el que ambas abogan: “si queremos que se consolide en la ciudad, vamos a invadirla”.

“La respuesta general ha sido muy buena; colaboran, comparten el proyecto. Convivimos con todos ellos muy bien”, sentencian a propósito de la involucración del Palau de la Música, el Palau de Les Arts, la Fundación Bancaja, La Nau, Las Naves, el Teatre El Musical, La Filmoteca, el Fnac y la Sala Rialto, sedes definitivas del festival, a las que debe sumarse la Plaza del Ayuntamiento (a propuesta de la propia corporación municipal, según afirman Barberá y García), como lugar estratégico de visibilidad y “foro de encuentro para organizar actividades de calle”, en consonancia con la voluntad de la alcaldía por reservar la plaza para iniciativas semejantes cada último domingo de mes. “Tenemos la ventaja como compañía de conocer todos esos lugares, por haber actuado antes. Tienes que conocer los espacios, las personas y sus recursos de programación”.

“OCD Love era increíble para comenzar el festival”

Como eminente cabeza de cartel, la coreógrafa israelí Sharon Eyal -quien ha actuado por primera vez en España con su compañía L-E-V Dance Company- ha procurado el bautismo conceptual de ‘A lo caos’ mediante su pieza ‘OCD Love’; Barberá matiza que “la pieza era increíble para comenzar el festival. Vimos extractos en un showcase (escaparate) para programadores. Los bailarines han hecho un trabajo concienzudo para representar el tema” del TOC (trastorno obsesivo-compulsivo); de este modo, 10 Sentidos ha incoado un desarrollo temático cuyos mimbres debemos encontrarlos, según revela Meritxell Barberá, en el impacto que supuso para la directora artística del festival los acontecimientos derivados del accidente del vuelo 9525 de Germanwings, cuyo copiloto, Andreas Lubitz, hacía estrellar en el macizo de Estrop, en los Alpes franceses, el pasado 24 de marzo de 2015. El tendencioso empleo de la depresión como justificación de su acto homicida situaba a Barberá en una posición de empatía para con aquellos enfermos de un trastorno del estado de ánimo, “tratados con estigmatización por sus diferentes enfermedades mentales”, como una sombría forma de justificar el mal a través de la deriva de posibles psicopatías.

Fruto de este planteamiento, la programación de ‘A lo caos’ se formaliza bien por cooptación, bien por exhortación proactiva de “primeras piezas de producción propia”, como es el caso de ‘Moira’ -gestada por “los jóvenes bailarines que forman el colectivo Led Shilouette”, que versa acerca de la eximia figura de Marilyn Monroe, y en particular acerca de “los conflictos emocionales de este personaje”, a modo de “reflexión del estado mental y emocional” de Monroe- y de ‘Aprèsmoi, le déluge’, de la compañía La Veronal, dirigida por coreógrafo Marcos Morau. En consecuencia, “el resto de trabajos se van buscando en relación al tema de la locura”, corrobora Barberá.

Imagen de detalle de diversos instantes del Desayuno Makma con el Festival 10 Sentidos. Fotografías: Fernando Ruiz.

Imagen de detalle de diversos instantes del Desayuno Makma con el Festival 10 Sentidos. Fotografías: Fernando Ruiz.

A lo caos aspira a consolidar una apuesta por las artes inclusivas”

En base a los mimbres de ediciones precedentes y la experiencia de más de una década de Meritxell Barberá e Inma García al frente de la compañía Taiat Dansa, ‘A lo caos’ aspira a consolidar una apuesta por las “artes inclusivas” -rememorando aquí la participación de Candoco, ”primera compañía de Reino Unido especializada en la integración de bailarines discapacitados y no discapacitados”, en ‘Im-Perfectos’ (lema del Festival 10 Sentidos de 2014), pero apuntando una nueva senda en la que “lo más inclusivo era no hacer mención a ello en esta edición. El valor de la diferencia sigue siendo importante, pero ya no es lo fundamental del festival, sino que tenga un componente social determinante”.

Amén de conversar acerca de diversas propuestas escénicas y performativas, como ‘ATOEWEFTR’, de Soren Evinson -”una experiencia sensorial, a través de música, sonido y texto”- o la acción de Ada Vilaró -”Fin Públic, Present 24 h’-, ambas directoras reseñan ciertas innovaciones programáticas, como la exposición de artes plásticas ‘a lo caos’, en el seno de la Fundación Bancaja, impulsada por DKV Seguros y la Fundación DKV Integralia, fruto de “una selección de los mejores trabajos artísticos y de diseño realizados por La Casa de Carlota”, bajo la coordinación de diversos artistas emparentados con cinco áreas de trabajo (pintura, dibujo, escultura, fotografía y arquitectura), en torno a las que se materializarán obras específicas y colectivas.

Igualmente, destacan el proyecto de la artista Katia Giuliani -quien ha diseminado doce conceptos (Belleza, Tiempo, Posesión, Juventud, Identidad, Futuro, Control, Exhibición, Tedio, Vacío, Procreación y Soledad) por el entramado de diversas estaciones de metro de la ciudad y la estación terminal de ferrocarril Joaquin Sorolla- y la celebración de un certamen coreográfico -emitido en streaming-, cuyos diez finalistas son fruto de una selección de entre más de doscientos proyectos, que reportará un premio económico de 2.000 euros a la propuesta ganadora, designada por un jurado formado, entre otros, por Gretchen Blegen (Lucky Trimmer, Berlín), Guillermo Arazao (las Naves, Valencia), Cesc Casadesús (Mercat de les flors, Barcelona) y Laura Kumin (Certamen coreográfico de Madrid).

Inma Garía y Meritxell Barberá, directoras del Festival 10 Sentidos, conversan con Merche Medina, Salva Torres y Jose Ramón Alarcón -del equipo de redacción de Makma-durante un instante de los Desayunos Makma. Fotografía: Fernando Ruiz.

Inma Garía y Meritxell Barberá, directoras del Festival 10 Sentidos, conversan con Merche Medina, Salva Torres y Jose Ramón Alarcón -del equipo de redacción de Makma-durante un instante de los Desayunos Makma. Fotografía: Fernando Ruiz.

Dos de las inéditas extremidades que completan el raquis del festival adquieren formato de itinerario plástico y literario. La ‘Ruta del caos’ aúna la colaboración de trece galerías de la ciudad, como Luis Adelantado, Pepita Lumier, Rosa Santos o Galería Punto, quienes escogerán, de entre su colección o de sus presentes propuestas expositivas, una obra cuyo concepto se emparente con los fundamentos del festival. Allende, ‘Rincones de la locura’ propicia, bajo semejante criterio, la participación de doce librerías (Railowsky, Primado o Dadá por partida doble), que destacarán en sus anaqueles un florilegio de títulos consanguíneos con el objeto temático de ‘A lo caos’.

“Hay que programar espectáculos buenos para hacer público”

Meritxell Barberá e Inma García ponen de relieve la complejidad que supone organizar y equilibrar semejante propuesta programática, fruto de ineludibles “once meses de trabajo”. Como ejemplo, mencionan la intrincada tarea de coordinación para que la gira de Sharon Eyal recalase en Valencia, “fruto de mil emails con sus managers, modificar fechas del festival y no solamente con la cabeza de cartel, sino con todo el mundo”, puesto que “todos tienen sus peculiaridades”, así como la determinante tarea de “hacer encajar las propuestas en las diez sedes, reservar fechas”, etc.

Refieren, Barberá y García, el horizonte de refinanciación que ha devenido tras la necesaria búsqueda de nuevos patrocinadores del festival. A este respecto, preponderan el apoyo de Caixa Popular -patrocinador principal-, por su explícita sensibilidad y acogida de ‘A lo caos’, y analizan la deriva habitual y desentendimiento de numerosas empresas locales y nacionales para con el refrendo de proyectos como 10 Sentidos -”muchas veces otras empresas no te escuchan ni te entienden. No interactúan”-, en comparación con la idiosincrasia empresarial norteamericana, en la que “la sensibilización hacia la cultura es manifiesta” y recuerdan que “en Estados Unidos trabajamos para diversas compañías con espectáculos y se realizan pases privados para los patrocinadores”. Por este motivo, sentencian que aquí se debe entender que “participar de la cultura tiene un prestigio social”.

Ante la proliferación de propuestas escénicas como Tercera Setmana (AVETID) o los diversos proyectos de la PICUV, entre otros múltiples y diseminados eventos, ambas consideran que “estaría bien sentarse para tratar de no coincidir. Cuanta más oferta más público se genera. Pero debería convivirse con cierta distancia, sin solaparse”. No obstante, rubrican que 10 Sentidos pretende, en consecuencia, suplir una falta de tradición en la ciudad, ya que “el único motivo por el que no existe un público extenso es porque no se programa danza. Hay que programar espectáculos buenos para hacer público. Que al verlo merezca la pena”.

Inma Garía y Meritxell Barberá, directoras del Festival 10 Sentidos. Fotografía: Fernando Ruiz.

Inma Garía y Meritxell Barberá, directoras del Festival 10 Sentidos. Fotografía: Fernando Ruiz.

http://www.festival10sentidos.com

Jose Ramón Alarcón