‘XIX CALL’ de Luis Adelantado

XIX International Call For Young Artists
‘XIX CALL’
Galería Luis Adelantado
C / Bonaire, 6. Valencia
Hasta el 28 de Julio 2017

La galería Luis Adelantado recoge las obras de los artistas seleccionados en la XIX International Call for Young Artists. La exposición, una selección resultante de la convocatoria anual, representa una oportunidad para dar a conocer el trabajo de los artistas noveles que más prometen al visionado de una galería con tan larga trayectoria. Call for Young Artists pone de manifiesto una nueva manera de entender y plasmar.

El espacio expositivo se organiza en cuatro plantas, donde se muestran los trabajos de los 15 artistas seleccionados. Se aprecia diversidad de técnicas y disciplinas que van desde el video-arte, hasta la utilización de esmaltes sobre diferentes soportes, pasando por la fotografía tratada, e incluso la incorporación de elementos escultóricos. La distribución a la hora de visitarla resulta interesante, ya que se invierten los roles establecidos, marcando la sala número cuatro como inicio del recorrido, y no la primera como cabría esperar a priori.

Fotografía cortesía de la galería Luis Adelantado

Vista de la exposición XIX CALL. Imagen cortesía Galería Luis Adelantado.

En algunos momentos del recorrido, los procedimientos seguidos por los artistas para crear sus obras servirán de enganche al espectador, que podrá reconocer todos y cada uno de los elementos que componen individualmente cada pieza, como es el caso de las imágenes proyectadas en la obra ‘The Vertical Bodies’, de David Ortíz Juan, o la aproximación a un sistema plantenario como ‘Nuevas Constelaciones I y II‘, del artista Francisco Muñoz, incluso el trabajo de Camille Besson y Vianney Fivel ‘No season for Metal Flowers’, el cual posee un título suficientemente elocuente por sí mismo.

El elenco de artistas abarca diferentes nacionalidades, lo cual pone de manifiesto cierta identidad con las tendencias de los diversos puntos de origen. Entre la variedad de estos países, cabe destacar a España, Brasil, México, Perú y Francia. Conforme a lo citado, cada uno de los artistas aporta diversos enfoques, todos ellos enriquecedores para el conjunto, de manera que invitan a abrir los ojos ante una perspectiva global de la creación contemporánea más emergente.

Fotografía cedida por Galería Luis Adelantado

Vista de XIX CALL. Imagen cortesía Galería Luis Adelantado.

A modo de conclusión, cabe indicar que el montaje de la exposición no ha pasado por incorporar cartelas a ninguna de las obras propuestas, y convida por una parte al espectador a realizar un viaje a su elección con una interpretación personal y, por otra parte, ofrece la posibilidad de identificar las obras siguiendo la hoja de sala que la galería proporciona al visitante. De esta manera, el paseo por la exposición que nos ocupa supone una aventura interpretativa de principio a fin.

Victoria Herrera Lluch

El propósito y la perseverancia de ‘Razón y Tiempo’

‘Razón y Tiempo. El camino de la pintura’, exposición colectiva
Jorge Carla, Calo Carratalá, Manuel Olías, José Plá y Felicia Puerta
Comisariada por Marisa Giménez
Facultat de Ciències Socials
Sala de exposiciones Manuela Ballester
Tarongers 4b, Valencia
Hasta el 15 de marzo de 2017

Partiendo de la naturaleza de la razón asociada indefectiblemente a la diànoia, es decir, al conocimiento discursivo por oposición al nous o conocimiento intuitivo, y en tanto que seres humanos portadores de la razón como herramienta o facultad de identificación y discernimiento de conceptos, cabe asumir que esta facultad inherente, cuando se emplea con un grado de mayor complejidad, es, a la par, propiciatoria de una senda hacia la que conducirnos, traza el camino hacia un objetivo y revela su pulsión teleológica, es decir, concibe una causa material y formal, alumbra un propósito.

Si esta razón, que perfila un camino, se ve asociada, por ley de contigüidad o semejanza, con el concepto de tiempo, la comunión entre la facultad y la magnitud concluyen erigiéndose en causa indubitalbe de un efecto: la perseverancia.

Y viene a ser la perseverancia el núcleo determinante que emparenta a los cinco artistas -Jorge Carla, Calo Carratalá, Manuel Olías, José Plá y Felicia Puerta- que conforman la exposición colectiva ‘Razón y Tiempo. El camino de la pintura’, bajo la labor comisarial de Marisa Giménez, responsable, junto a Tete Amat, de ‘Doce Islas’ y de la extinta ‘La esfera azul’, y que puede razonarse en la sala Manuela Ballester de la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Valencia.

Razón y Tiempo. Makma

No es ni mucho menos casual que se aluda a la pintura en la subtitulación expositiva, puesto que los cinco autores, aún cuando desarrollen trayectorias de diverso orden subtécnico y curricular, orientan sus perseverancias y representaciones gráficas hacia la razón pictórica.

De este modo, por razones de peso cualitativo, la comisaria Marisa Giménez procura, con esta confluencia, “reconocer la labor de los artistas que durante décadas han trabajado en Valencia”, y que por un motivo generacional transitan en el envés de los oropeles institucionales y de las convocatorias, cuyos fundamentos apriorísticos premian la emergencia o la aedada revisitación antológica. Sumémosle a ello el recurso habitual en los planteamientos expositivos de una perversa acepción del término arte comprometido, cuya preeminencia en los cronogramas imposibilita, en numerosas ocasiones, focalizar la atención en propuestas y trayectorias que palpitan en los márgenes del novísimo pensamiento estético único (una nueva forma de ortodoxia proposicional hace eclosionar insospechados heterodoxos).

Márgenes, estructura, mecánica de la imagen, uliginosos paisajes e identificación reportan, de este modo, morfología última a la razón primera que habita en ‘Razón y Tiempo. El camino de la pintura’.

Jorge Carla, Marisa Giménez, Calo Carratalá, Felicia Puerta, Manuel Olías, Tete Amat y José Plá durante un instante de la inauguración de 'Razón y Tiempo. El camino de la pintura'. Fotografía: Merche Medina.

Jorge Carla, Marisa Giménez, Calo Carratalá, Felicia Puerta, Manuel Olías, Tete Amat y José Plá durante un instante de la inauguración de ‘Razón y Tiempo. El camino de la pintura’. Fotografía: Merche Medina.

Jose Ramón Alarcón

 

Tras la organización de la forma en ‘Gráfica Estructural’

‘Gráfica Estructural’, de VV.AA.
Sala de Exposiciones
Facultad de Ciencias Sociales
Tarongers 4b, Valencia
Hasta el 24 de febrero de 2017

El grupo de artistas de ‘Gráfica Estructural’ se concentra en el concepto de estructura -en el sentido de orden, esqueleto organizativo, preferencia por lo esencial y verdadero, frente a lo superficial y cambiante- como unidad coherente entre forma y expresión, desde su origen lingüístico y formalista, vinculándolo con los procesos mentales de percepción, organización e interpretaciones psicoanalíticas en la teoría clásica de la representación, con la finalidad de establecer paralelismos entre diversas formas de arte actual.

Esta investigación constata el valor esencial de la composición como forma permanente, significativa, bajo la apariencia variable en la evolución de los estilos, pero también la estructura gráfica en sí misma constituye un valor expresivo. En este sentido, la muestra reúne conceptualizaciones distantes, prácticas gráficas, lenguajes y materiales diferentes con un nexo común: la organización de la forma como protagonista de su expresión.

Imagen de la obra 'Tiges de Sal I', de Ximo Micó. Fotografía cortesía de Felicia Puerta.

Imagen de la obra ‘Tiges de Sal I’, de Ximo Micó. Fotografía cortesía de Felicia Puerta.

El montaje expositivo persigue equilibrar las tensiones producidas por los grandes contrastes entre los usos de medios clásicos, como los empleados por Gloria Saez, o la gráfica a mano alzada de Carlos Martínez, respecto de los usos digitales de Ana Pérez y Pau Navarro; investigaciones sobre la representación del movimiento de Esteban Quintario o Noelia Zullar, pasando por la apuesta optical de arte cinético de Francisco Toro y la actuación de danza en vivo del grupo ‘Dinámica Estructural’, bajo la dirección de Cristina Andreu. Se formulan reproducciones mecánicas de la imagen, como la propuesta de intervención de Nicolás Caballero, la concepción espacial y múltiple de la cerámica artesanal del ‘Colador d´idees’, de Amparo Boluda, el minimalismo estructural de Amparo Noguera y las sugerentes abstracciones líricas y poéticas de Rosa Padilla, Carolina Cabo y Ximo Micó.

‘Gráfica Estructural’ propone, igualmente, la confrontación entre una organización esquemática racional y geométrica de Marco Noguerón, con la ‘Frágil’ y rítmica cianotipia de Carmen Dolz, o la visceralidad acromática del gesto expresivo de Jaime Poblete, cercano también a los automatismos de Lydia Navarro y Teresa P. Gómez. Se yuxtaponen las sugerentes arquitecturas de Mª Ángeles Álvarez a las conceptuales de Humberto Nilo; el acento en rojo de Enrique Pitarch con la sinuosidad curvilínea en verde de Julia Martinez. Construcciones que cuestionan los límites entre medios artísticos, como la que aporta Martíllopis, junto con la expresión que evoca el uso de la materia, sugestiva percepción visual y táctil, en las obras de Francisco Cuesta, Felicia Puerta y Felipe Medina.

Imagen de la obra 'Gráfica Estructural', de Felicia Puerta. Fotografía cortesía de la artista.

Imagen de la obra ‘Gráfica Estructural’, de Felicia Puerta. Fotografía cortesía de la artista.

A veces, en la espontaneidad de la mirada, nos quedamos en lo más llamativo y semántico que aparece en la superficie. No se hacen demasiados esfuerzos por abstraer las causas profundas, que se repiten y se funden en similares estructuras; estructuras que generan una misma expresión, lo que nos lleva a emociones parecidas frente a propuestas tan diversas. Detenerse en el tiempo y sumergirse en la profundidad, bucear para encontrar, pues no siempre aparece sin esfuerzo la ‘estructura significativa’ que da sentido, que relaciona un todo coherente y expresivo.

El mapa oculto se configura como red de conexiones entre varios elementos ajustados en cantidad, cualidad y significado, únicamente activos en su conjunto en el momento de la contemplación; es la mirada recreativa, generativa, de respuesta sugerente que se fija en nuestra memoria, pues la hemos construido e interiorizado individualmente como experiencia estética, emoción que amplifica nuestro imaginario: conseguir conectar con esa estructura previa.

En el origen de los objetivos del grupo ‘Gráfica Estructural’ nos proponemos revisar el concepto de ‘estructura profunda’ como sistema racional compositivo, esqueleto interno que armoniza los elementos, esencial manifestación expresiva, frente a lo aparencial y epidérmico; conectar estructuras formales con estructuras mentales, con la finalidad de fomentar el pensamiento creativo, produciendo obras en diferentes ámbitos y realizando un ejercicio mental de práctica sinéctica creativa; analizar  las  implicaciones  del  concepto  ‘estructura’ en  su  sentido constructivo -’re-estructura’-, como armazón fundamental en la creación artística, también hoy, renovando su funcionalidad y haciéndose más visible; disertar y re-pensar  modelos constructivos, sistemas formales  de  configuración como causa del proyecto, puesto que, al fin y al cabo, la acción de pensar es en sí misma de naturaleza creativa.

Imagen de la obra 'Colador d'idees', de Amparo Boluda. Fotografía cortesía de Felicia Puerta.

Imagen de la obra ‘Colador d’idees’, de Amparo Boluda. Fotografía cortesía de Felicia Puerta.

Para ello utilizamos una investigación comparativa relacional entre diversos conceptos y disciplinas, vinculando y analizando críticamente estructuras de diferentes poéticas: arquitectura, danza y música, confrontándose con las tradicionales. Mostrar prácticas concretas, como ejercicio mental de correspondencia: ‘estructura y re-estructura’. 

En definitiva, nuestro propósito quiere remarcar las analogías evidentes entre cultura, ciencia y tecnología, al conectar arquitecturas del pensamiento en distintas producciones. Esbozar, de este modo, otra mirada integradora y global sobre el trabajo artístico, no exclusivamente centrada en la relación ‘forma /sema’.

El proceso gráfico de abstracción permanece como estructura profunda en relación al resto de procesos mentales sobre los que se basa la teoría del conocimiento, conectando todos los elementos de un sistema. ‘Gráfica Estructural’ pretende, en consecuencia, un replanteamiento del término como forma de crecimiento intelectual y como germen de toda innovación.

Un instante del Experimental Video Danza 'Caer', de Ana Pérez, con Isabela Alfaro. Fotografía cortesía de Felicia Puerta.

Un instante del Experimental Video Danza ‘Caer’, de Ana Pérez, con Isabela Alfaro. Fotografía cortesía de Felicia Puerta.

Felicia Puerta

 

 

 

El testimonio de la APIV sobre la crisis de los refugiados

‘Refugio ilustrado. Entre el ataúd y la maleta’, de la Associació Professional d’Il·lustradors de Valéncia (APIV)
Escola d’Art i Superior de Disseny de Castelló (EASD)
Plaza de Fadrell 1, Castellón
Hasta el 16 de diciembre de 2016

L’Escola d’Art i Superior de Disseny de Castelló (EASD) ha inaugurado en el vestíbulo de la escuela la exposición ‘Refugio ilustrado. Entre el ataúd y la maleta’, organizada por la Associació Professional d’Il·lustradors de Valéncia (APIV), y con la colaboración la Diputación de Castellón.

La muestra, que anualmente impulsa APIV, está dedicada este año a las personas refugiadas. La asociación, que lanzó en enero la campaña gráfica ‘Refugio ilustrado’ “en apoyo de las personas migrantes, víctimas de esta llamada crisis de los refugiados y de la inoperancia de los países europeos”, recibió a lo largo de tres meses más de 270 ilustraciones provenientes de nueve países de Europa y Latinoamérica, además de la participación del artista sirio Yaser Safi y de los alumnos y alumnas de la escuela. Tras un proceso de selección, finalmente se exponen un total de 150 trabajos.

Un instante del discurso inaugural de “Refugio ilustrado. Entre el ataúd y la maleta”, de la APIV, en el vestíbulo de la Escola d’Art i Superior de Disseny de Castelló (EASD). Fotografía cortesía de los organizadores.

Un instante del discurso inaugural de “Refugio ilustrado. Entre el ataúd y la maleta”, de la APIV, en el vestíbulo de la Escola d’Art i Superior de Disseny de Castelló (EASD). Fotografía cortesía de los organizadores.

La inauguración de esta exposición en Castellón, acercando la triste realidad que viven millones de personas en todo el mundo, ha sido posible gracias a la subvención convocada para actividades culturales de la Diputació de Castelló y la estrecha colaboración con la EASD Castelló. Al acto asistieron por parte de la institución provincial el diputado de Cultura, Vicent Sales, y la Jefa del Servicio de Cultura Nuria Felip. También estuvieron presentes el concejal de Educación en el Ayuntamiento de Castellón, Enric Porcar, y el gerente de la Fundación Dávalos-Flétcher, José Vicente Ramón.

El director de l’Escola, Miguel Monar, explicó que el objetivo de la muestra no es otro que “sensibilizar sobre un problema grave que afecta, según la Agencia de la ONU, a 65 millones de desplazados”. “El compromiso de la escuela es la concienciación. Y no es casualidad que ésta sea la segunda exposición sobre esta temática en lo que llevamos de curso”, añadió. Monar explicó que por parte de l’Escola han participado alumnos del título de Ilustración, profesores y también alumnos de 4º de Diseño de Interiores, -dentro de la asignatura de Instalaciones efímeras-, en lo que al montaje se refiere. Al respecto, la profesora señaló que se han creado cinco expositores de madera y una serie de caminos con lonas de camión para evocar los kilómetros recorridos por los refugiados y también, simbólicamente, las huellas que han dejado.

Ilustración de Ángel Ventura, perteneciente a la exposición  'Refugio ilustrado. Entre el ataúd y la maleta', de la APIV, en el vestíbulo de la Escola d’Art i Superior de Disseny de Castelló (EASD). Fotografía cortesía de los organizadores.

Ilustración de Ángel Ventura, perteneciente a la exposición ‘Refugio ilustrado. Entre el ataúd y la maleta’, de la APIV, en el vestíbulo de la Escola d’Art i Superior de Disseny de Castelló (EASD). Fotografía cortesía de los organizadores.

El profesor de Ilustración, Alain Campos, explicó que este es el segundo año que l’Escola colabora con la APIV en su exposición anual. “El resultado es una fuente de alimentación para nuestros alumnos y alumnas que pueden contemplar estos días 150 trabajos muy inspiradores. En común tienen todos ellos el plasmar una situación intolerable, pero cada uno con una visión personal y muy diferente”, comentó Campos.

Desde la APIV agradecieron a l’Escola y, en especial, al director Miguel Monar y a los profesores  Alain Campos y Pablo Ruiz su implicación. Respecto al programa de Ilustración Gráfica en el que colaboran ambas instituciones se han seleccionado los trabajos de Ángel Ventura y Elisabeth Nebot que, además, han sido becados durante un año con la pertenencia gratuita a la asociación. El diputado de Cultura cerró el turno de parlamentos calificando la exposición de “iniciativa magnífica”.

Ilustración de Javier Olivares, perteneciente a la exposición  'Refugio ilustrado. Entre el ataúd y la maleta', de la APIV, en el vestíbulo de la Escola d’Art i Superior de Disseny de Castelló (EASD). Fotografía cortesía de los organizadores.

Ilustración de Javier Olivares, perteneciente a la exposición ‘Refugio ilustrado. Entre el ataúd y la maleta’, de la APIV, en el vestíbulo de la Escola d’Art i Superior de Disseny de Castelló (EASD). Fotografía cortesía de los organizadores.

El primer artista invitado a sumarse a la campaña fue el pintor y grabador sirio Yaser Safi con su obra Militarization de 2014. En la exposición, pueden verse las obras de ilustradores e ilustradoras de diferentes generaciones, estilos y trayectorias como Juan Berrio, Sonia Pulido, El Roto, Ajubel, Javier Olivares, Rocío Araya, Pep Carrió, Enrique Flores, Erica Fustero, Riki Blanco, Diego Flisfisch, Cachetejack, Luis Demano, Núria Tamarit, Julia Cejas o Joan Negrescolor.

Vista general de la inauguración 'Refugio ilustrado. Entre el ataúd y la maleta', de la APIV, en el vestíbulo de la Escola d’Art i Superior de Disseny de Castelló (EASD). Fotografía cortesía de los organizadores.

Vista general de la inauguración ‘Refugio ilustrado. Entre el ataúd y la maleta’, de la APIV, en el vestíbulo de la Escola d’Art i Superior de Disseny de Castelló (EASD). Fotografía cortesía de los organizadores.

 

Espai Tactel y su ‘Teorema’ de Pasolini

Teorema, exposición colectiva comisariada por Jesús Alcaide con los artistas Javier Pividal, Sergio Porlán, Miguel Rael y Michael Roy
Espai Tactel
C / Dénia, 25. Valencia
Inauguración: viernes 18 de noviembre, a las 20.00h
Hasta el 30 de diciembre de 2016

Espai Tactel inaugura el próximo viernes 18 de noviembre ‘Teorema’, un proyecto comisariado por el crítico de arte y comisario independiente Jesús Alcaide que cuenta con la participación de los artistas Javier Pividal (Cartagena, 1971), Sergio Porlán (Lorca, 1983), Miguel Rael (Lorca, 1974) y Michael Roy (La Rochelle, Francia, 1973).

‘Teorema’ es un proyecto curatorial que toma como telón de fondo algunas de las cuestiones que aparecen en la película y el texto de Pier Paolo Pasolini, para a la manera de un guión abierto poner en escena las relaciones de poder y deseo, seducción y atracción que se ponen en juego en la propia relación entre un comisario (el visitante), un espacio (el hogar) y los propios habitantes de la misma (artistas y galeristas).

Obra de Javier Pividal. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Javier Pividal. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Según la RAE, un teorema es una proposición demostrable lógicamente, partiendo de axiomas o de otros teoremas ya demostrados, mediante reglas de inferencia adaptadas.

‘Teorema’ es el título de un texto escrito por Pier Paolo Pasolini en 1968 que pone el foco de atención sobre la decadencia de una pequeña familia burguesa tras la irrupción de un desconocido que desmantela los cimientos de lo que parecía un dulce hogar y se desvela como un volcán de fuerzas subterráneas. Sexo, religión, libertad, poesía.

Obra de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

‘Teorema’ es también una película, un ensayo poético en imágenes que forma parte de otra trilogía que no es la de la vida, sino la del retrato de una sociedad, la capitalista, que el artista presenta de una manera descarnada en tres de sus construcciones fílmicas: ‘Pocilga’, ‘Saló o Los 120 días de Sodoma’ y ‘Teorema’.

‘Teorema’ se entiende de esta manera como una parábola, un texto moral, un ensayo sobre la irrupción y caída de lo sagrado, sobre la relación con el otro, el misterio, lo inesperado, la pasión y el deseo, en el marco del orden patriarcal en un contexto clave para la historia del siglo XX como fue el año 1968.

Los tiempos cambiaban, pero Pasolini, al igual que otros muchos intelectuales, permanecía escéptico ante estos cambios tal y como dejó escrito en textos como Nebulosa o la selección de textos ‘Demasiada libertad sexual os convertirá en terroristas’ publicados de manera póstuma recientemente.

Obra de Miguel Rael. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Miguel Rael. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Teorema como verdad, teorema como texto, teorema como película, teorema como parábola, teorema como momento histórico y finalmente, teorema como una construcción curatorial a cinco bandas. Una casa, cuatro artistas, dos galeristas y un intruso, el comisario.

‘Teorema’ es pues una situación construida a partir de las relaciones entre los trabajos de Javier Pividal, Sergio Porlán, Miguel Rael y Michael Roy. Un espacio en el que la obra de Pasolini aparece como espejo de una situación como la actual, de desmantelamiento de antiguos órdenes, desaparición de las ideologías, transformación de las construcciones sociales, aparición de nuevos modos familiares, revelación de otras formas de deseo y mutación de las estructuras que configuraban los ordenes de lo político, lo social, lo económico y lo sexual a lo largo del ya extinto siglo XX.

Teorema es un proyecto curatorial que nos invita a pensar la situación de cambio que vivimos en la actualidad a partir de las interferencias y diálogos que se producen entre las obras de los artistas presentes en la exposición, Javier Pividal, Sergio Porlán, Miguel Rael y Michael Roy, el propio espacio de la misma y el contexto de trabajo curatorial propuesto por Jesús Alcaide.

Los artistas Javier Pividal y Sergio Porlán están representados por la galería Art Nueve de Murcia; los artistas Miguel Rael y Michael Roy están representados por la galería Espai Tactel de Valencia.

Obra de Sergio Porlan.

Obra de Sergio Porlan. Iamgen cortesía de Espai Tactel.

 

La plástica espiritual de José Cosme en Miami

‘Plástica del Espíritu’, de José Cosme
10º Miami New Media Festival
Diversas sedes de la ciudad de Miami
Hasta el 25 de noviembre de 2016

El artista conceptual José Cosme, profesor de la UCV, participa con su vídeo arte titulado  ‘Plástica del Espíritu’ en el Miami New Media Festival. Cosme es uno de los 8 artistas invitados que han mostrado su trabajo en el PAMM (Perez Art Museum Miami) el pasado 22 de octubre, dentro del seno del festival, que conmemora su 10ª edición mediante una programación desarrollada en diversas sedes de la ciudad, como Arts Connection Space, Vice City Bean, ICL Studio, Imago Art in Motion y el Miami Theatre Center, hasta el próximo 25 de noviembre de 2016.

Treinta y tres artistas locales e internacionales procedentes de 15 países presentarán videoarte, performances, arte sonoro y las nuevas obras de arte de medios digitales.

‘Plástica del Espíritu’ es un video arte reinterpretativo de dos performances enlazados en el tiempo: el primero titulado ‘Manresa’ y realizado en 1966 por el conceptual alemán Joseph Beuys y el segundo realizado por José Cosme en Aranjuez, en 2005, y llamado ‘¿Dónde está el Elemento 3?’.

La proyección transforma las imágenes que fueron reproducidas en otras piezas del artista como ‘televisión de fieltro’, obra expuesta en CIRCA Puerto Rico, y adquiere un carácter atemporal. El vídeo, producido en blanco y negro con evocación retro, tiene al fieltro como principal elemento discursivo de la evolución y la relación entre épocas y artistas en la búsqueda de una “Plástica del Espíritu”. La cristología reflejada en el Fluxus de los 60 se plantea ahora como “teología conceptual” (término acuñado por el artista y del que utiliza sellos propios en otras ocasiones).

Fotograma perteneciente a 'Plástica del Espíritu', de José Cosme. Fotografía cortesía del artista.

Fotograma perteneciente a ‘Plástica del Espíritu’, de José Cosme. Fotografía cortesía del artista.

Por otra parte, bajo el título ‘Plástica de Espíritu’ la proyección es a su vez perteneciente a una propuesta de diferentes obras relacionadas con la expresión y búsqueda de lo espiritual desde una concepción teológica. Todas estas obras que el artista evoca con el mismo título muestran un mismo hilo discursivo desde lo teológico hacia una expresión poética propia, que en su metamorfosis matiza aquellas características que cada obra pretende revelar acerca del misterio trascendente y su manifestación en el mundo espiritual. Toda las obras inscritas en ‘Plástica del Espíritu’ muestran una transformación en continua evolución del proceso creativo, de la obra en si misma y de su relación con el público con la intención de provocar, desde la experiencia estética, una búsqueda de la presencia real de lo espiritual presente en cada ser humano. Puesto que la obra es básicamente conceptual, la proyección, limitación o concreción en la estética propuesta, así como en su factura artesanal, puede tener diferentes interpretaciones formales dependiendo de las distintas obras que el artista realiza.

La escena transcurre en un fondo de fieltro. Unos brazos gemelos  surgen lateralmente y actúan paralelamente desde la parte izquierda y derecha de la imagen a modo de danza lenta y armónica. El elemento central es una maleta de médico de los años 50, donde las manos se sumergen y buscan pausadamente un misterio escondido valioso y posiblemente curativo. Una fina cuerda comunica con el interior del maletín y va siendo extraída por las manos de una forma casi ritual. Aparece  como conectada con algo interno y termina emergiendo como pieza amorfa envuelta en fieltro. Las manos descubren con cuidado aquello que contiene la tela de fieltro. Es una Tau franciscana. Una cruz partida. Un elemento que representa la cruz de Cristo y su fuerza redentora en el Espíritu. Las manos desaparecen y todo queda en contemplación. Es el elemento1 de la acción ‘Manresa’ de 1966.

Fotograma perteneciente a 'Plástica del Espíritu', de José Cosme. Fotografía cortesía del artista.

Fotograma perteneciente a ‘Plástica del Espíritu’, de José Cosme. Fotografía cortesía del artista.

 

Doce artistas transitando por doce Sendas

Sendas. Exposición colectiva
Galería Fariza
C / Urkijo, 27. Las Arenas (Vizcaya)
Hasta el 20 de octubre

La galería Fariza dio la bienvenida al mes de octubre con la exposición colectiva  Sendas. Clemente García, Dolores de Loma, Iñaki Torres, Fuensanta Ruiz Uríen, José Luis Pacheco, Lucía Higueras, Luis Pardo Martínez, José Luis Flórez de Uría, Miguelina Roldán, Rovira Rusiñol, Wakizashi y Juan María Estancona son los protagonistas de esta exposición. Doce artistas, doce estilos, doce formas de ver una misma realidad.

Las obras, de dimensiones variadas, se entremezclan en un pequeño espacio, en donde el visitante puede sumergirse en diferentes universos, tan distintos como sus artistas.

Inauguración de 'Sendas' en la galería Fariza. Fotografía: Danae N.

Inauguración de ‘Sendas’ en Fariza. Imagen cortesía de la galería.

Esculturas y pinturas de todos los estilos conviven en una galería pequeña que cuenta con pocos meses de vida pero que busca concentrar diferentes puntos de vista en un solo lugar.

Paisajes y retratos, mar y tierra, realidad e interpretación, colores y texturas…una combinación de elementos con la que se busca representar aquello de en la variedad está el gusto.

Obra de Iñaki Torres en la exposición 'Sendas' de la galería Fariza.

Obra de Iñaki Torres en la exposición ‘Sendas’ de la galería Fariza.

Video de la exposición ‘Sendas’ realizado por Néstor Navarro:

Exposición Sendas from Makma on Vimeo.

Danae N.

 

Contra la desaparición del arte en secundaria

Second Round. Arte y lucha en los institutos valencianos
Sala Acadèmia
Centre Cultural La Nau
C / Universitat, 2. Valencia
Hasta el 16 de octubre de 2016

La Universitat de València acoge en la Sala Acadèmia del Centre Cultural La Nau la exposición ‘Second Round. Arte y lucha en los institutos valencianos’, un proyecto que reivindica los estudios de educación artística en la secundaria, con la implicación de 12 centros valencianos y la Universitat de València.

Comisariada por Ricard Huerta, profesor de la Universitat de València y coordinador de CREARI Grupo de Investigación en Pedagogías Culturales, la exposición exhibe 120 obras elaboradas por los 12 institutos de educación secundaria que han participado en el proyecto: IES Lluís Vives, IES Juan de Garay e IES Benlliure, de Valencia; IES Clot del Moro, de Sagunt; IES L’Estació, de Ontinyent; IES Laurona, de Llíria; IES Tirant lo Blanch, de Torrent; IES Número 1, de Requena; IES Josep de Ribera, de Xàtiva; IES Ausiàs March, de Manises; IES Sanchis Guarner, de Silla; e IES María Enríquez, de Gandia.

‘Second Round’ es un proyecto académico que arrancó el curso pasado con la colaboración de los vicerrectorados de Participación y Proyección Territorial, con la producción e itinerancia de una muestra compuesta por 21 paneles explicativos; de Políticas de Formación y Calidad Educativa, con la organización de ciclos de conferencias que reunieron a centenares de alumnos en los diferentes centros educativos; y de Cultura e Igualdad, que acoge la exposición ‘Second Round. Arte y lucha en los institutos valencianos’.

Second Round. Joan Llorca. Imagen cortesía de los organizadores.

Second Round. Imagen cortesía de los organizadores.

La muestra, que se podrá visitar hasta el próximo día 16 de octubre, aglutina todas las manifestaciones artísticas a través de 120 piezas realizadas por el alumnado de secundaria, exalumnos de los centros participantes y profesorado, entre ellas, dibujo, pintura, instalación, escultura, poesía visual y ‘performance’.

“Este es el resultado de un proyecto que parte con la idea de visibilizar los estudios de creación artística en la etapa secundaria, después de detectar que estos tienden a su desaparición. Lo que queremos con ‘Second Round’, desde la Universitat y con la implicación de los institutos valencianos, es apoyar la educación artística ante esta situación salvaje y extrema”, explica Ricard Huerta.

Y parece que la visibilización ha sido uno de los logros, pues han trabajado en el proyecto miles de personas entre estudiantes, exalumnos y profesorado; la muestra itinerante ha recorrido 12 institutos de una decena de municipios del territorio valenciano; e incluso ha promovido el nacimiento de la Asociación Valenciana de Profesorado de Dibujo (AVPD).

La exposición ‘Second Round’ que se puede visitar en La Nau se divide en dos partes tituladas ‘El cuerpo’ y ‘El alma’, que describen dos líneas de trabajo: una primera, que ofrece representaciones del cuerpo humano a través de dibujos y pinturas, y una segunda, que se hace cargo de geometrías y mapas que reflejan las esencias más conceptuales, respectivamente. Según señala el comisario, este relato se relaciona con la formación del profesorado de Dibujo procedente de las especialidades de Bellas Artes y de Arquitectura.

‘Second Round’ se convierte así “en referente de una temática poco tratada hasta ahora: la actividad artística en los centros de secundaria valencianos, y sirve para reflexionar sobre aquello que queremos realmente para el futuro de la educación artística”, apunta Huerta, quien apuesta por la investigación como clave de futuro. En este sentido, anuncia que, a partir de ahora, el proyecto ‘Second Round’ se centrará, con el apoyo de la Universitat de València, en el impulso de la investigación académica a través de una red en línea con la que se creará un espacio común de debate entre las personas, instituciones, organizaciones y agentes afectados e implicados en la enseñanza de la creación artística.

Second Round. Imagen cortesía de los organizadores.

Second Round. Imagen cortesía de los organizadores.

Así, ‘Second Round. Arte y lucha en los institutos valencianos’ se configura como un proyecto de investigación académica y de innovación educativa, impulsado por el Instituto de Creatividad e Innovaciones Educativas de la Universitat de València, que ha empezado ya a generar investigaciones (tesis doctorales, TFM del Máster de Profesorado de Secundaria o artículos en revistas especializadas) sobre la temática del impacto de las actividades artísticas en los centros de secundaria valencianos en las últimas décadas. Y, en la actualidad, ya ha comenzado a prepararse una web con las incorporaciones más remarcables del proyecto de innovación educativa.

Coloquios Second Round en La Nau

En la exposición de La Nau, además, se proyectará un vídeo recopilatorio de lo que ha sido la actividad artística y su repercusión educativa en los institutos, un audiovisual dirigido por Emilio Martí que se presentará oficialmente y en abierto, con el título ‘Second Round Movie – Líneas’, el 14 de octubre, a las 19.50 horas, en el marco del ciclo académico ‘Col·loquis Second Round a La Nau’, que tendrá lugar en la Sala Gonzalo Montiel los próximos días 13 y 14.

 

Un centenar de artistas derriba el muro Mediterráneo

Mediterrani: Mar de Murs
Octubre Centre de Cultura Contemporània
C / Sant Ferran, 12. Valencia
Inauguración: jueves 6 de octubre, a las 20.00h
Hasta el 30 de octubre de 2016

Más de un centenar de artistas y creadores participan en la exposición ‘Mediterrani: Mar de Murs’ que acoge el Octubre Centre de Cultura Contemporània de Valencia y que ofrece una singular mirada a los conflictos y las desigualdades del Mediterráneo y Europa y plantea una reflexión sobre  la crisis de los refugiados. La exposición está englobada dentro de los actos de Mostra Viva del Mediterrani, el festival de cine que se celebra esta semana y ha recuperado y mantiene activo el espíritu de la Mostra de Cine del Mediterrani.

La exposición ofrece una original reflexión sobre un complicado momento geopolítico que ha dejado de lado la identidad y proximidad cultural y el intercambio de ideas para convertirse en un simple juego de intereses sociales, políticos y económicos. Coordinada por la catedrática de Escultura y académica de San Carlos, Amparo Carbonell, la muestra parte de una sencilla idea: la creación de obras de arte y reflexiones a partir de ideas y objetos encontrados en la orilla del mar y que evocan espíritu de libertad y comunicación entre culturas y sociedades próximas y ahora distantes.

Vista de la exposición Mediterrani: Mar de Murs, en el OCCC. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Vista de la exposición Mediterrani: Mar de Murs, en el OCCC. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Cuadros, esculturas, instalaciones, poemas, textos, simples objetos abandonados a su suerte y deteriorados por el mar pero representativos de nuestro presente proponen un sinfín de sensaciones en las paredes del antiguo edificio El Siglo. Actúan al mismo tiempo  como metáfora, crítica y objeto de reflexión en torno a las desigualdades, los conflictos bélicos y el distanciamiento que la actual situación está generando entre un Norte preocupado de su economía y un Sur necesitado de la solidaridad.

Para Amparo Carbonell, esta exposición ”tiene como punto de partida las miradas individuales de un grupo heterogéneo de personas que se interrogan sobre los muros que levantamos desde Europa. Por eso la hemos llamado ‘Mediterrani: Mar De Murs’. La propuesta a los participantes fue que elaborara pequeños objetos tomando como referencia esos otros que tal vez llevaríamos con nosotros en un bolsillo, en una maleta o en un hatillo si tuviéramos que salir con límite de equipaje”. Al mismo tiempo, según recuerda la comisaria de la exposición, cada uno de ellos tenía que ir acompañado de una pequeña historia que lo situara y armara de intención. El resultado ha sido un espacio lleno de piezas de pequeño tamaño y cargadas de significado.

Vista de la exposición Mediterrani: Mar de Murs, en el OCCC. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Vista de la exposición Mediterrani: Mar de Murs, en el OCCC. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Por ello, Amparo Carbonell propone una visita tranquila y anima al espectador a que se detenga en cada pieza y lea las historias que hay escritas en las etiquetas ya que están llenas de curiosidades. “Es una muestra poco habitual, en la que se conjugan muchos factores y una magnífica oportunidad para reflexionar en un lugar  ahora cargado de energía y motivación”, añade la comisaria de la exposición.

La muestra multidisciplinar estará abierta hasta el 30 de octubre. Es una gran oportunidad para descubrir infinidad de originales propuestas creadas ex profeso para la ocasión y generar al mismo tiempo un proceso de reflexión en torno a un conflicto interminable que ha llenado las orillas del Mediterráneo de  drama e insolidaridad.

Algunas piezas de la exposición Mar de Murs.

Algunas piezas de la exposición Mediterrani: Mar de Murs, en el OCCC. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Galería Cuatro retorna con Maestros

Maestros, exposición colectiva
Galería Cuatro
C / La Nave, 25. Valencia
Inauguración: jueves 29 de septiembre de 2016, a las 20.00h

Galería Cuatro, tras un periodo de ausencia en el circuito de la actividad expositiva, vuelve a la carga con ilusiones renovadas. Heredera de la mítica Theo, comienza su trayectoria en los años 80, habiendo pasado por distintas etapas, adaptándose a las demandas sociales y culturales de cada momento. Siempre desde la independencia que le ha permitido su gestión autónoma, se ha esforzado en apoyar y difundir la cultura y el arte, principalmente valenciano, manteniendo también un fondo de galería de artistas de reconocido prestigio nacional e internacional.

Obra de Eduardo Chillida. Imagen cortesía de Galería Cuatro.

Obra de Eduardo Chillida. Imagen cortesía de Galería Cuatro.

En 2016 Galería Cuatro se renueva e inicia una nueva etapa. En esta nueva temporada continuará mostrando las obras de los artistas de la casa, alternándolas con los consagrados, pero también apostando por nuevos talentos emergentes. Como novedad, inicia una serie de eventos para dar a conocer otras facetas de autores del panorama artístico y cultural contemporáneo.

Obra de José María Yturralde. Imagen cortesía de Galería Cuatro.

Obra de José María Yturralde. Imagen cortesía de Galería Cuatro.

Para esta nueva andadura, Galería Cuatro reclama la ayuda del público, de ahí su convocatoria e invitación a la primera exposición que inaugura la temporada: ‘Maestros’, que quiere dedicar a reconocidos artistas, como Tapies, Mompó, Chillida, Francisco Lozano, Michavila, Carmen Calvo, Yturralde y Teixidor, entre otros.

Obra de Carmen Calvo. Imagen cortesía de Galería Cuatro.

Obra de Carmen Calvo. Imagen cortesía de Galería Cuatro.