Sofia Hultén llega a Barcelona

Cuando las líneas son tiempo
Espai 13
Fundación Joan Miró
Hasta el 6 de marzo de 2016

La artista sueca Sofia Hultén (Suecia, 1972) afincada en Berlín, llega a España de la mano de esta exposición, en la que especula con las múltiples historias de los objetos encontrados. Se trata de un proyecto transversal, comisariado por Martí Manen, (Barcelona, 1976) que propone reflexionar sobre cuestiones de temporalidad y producción en la práctica artística. Desde una perspectiva narrativa, explora la vida divergente de los objetos descontextualitzados e invita a imaginar las ficciones que se activan a partir de un uso alternativo de los elementos más cotidianos.

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Cortesía de la artista. Daniel Marzona, Berlín; Galería Nordenhake, Estocolmo/Berlín; y Raebervon Stenglin, Zúrich.

Los procesos industriales buscan optimizar la creación de productos con un diseño definido y una funcionalidad predeterminada. Aun así, más allá de la cadena de consumo en la que fueron concebidos, todos los objetos contienen la posibilidad de vidas paralelas, alternativas o, incluso, divergentes. La mirada de Sofia Hultén los libera de su lógica original, los desprograma mediante el uso erróneo o la aproximación lateral para jugar con el entramado de ficciones potenciales que se desencadenan. En palabras de Martí Manen, comisario del ciclo Cuando las líneas son tiempo, el trabajo de Hultén «implica una experimentación, desde el campo de la narratividad, con todo lo que nos rodea, que permite imaginar otras realidades y otras poéticas, otros contactos y relaciones». Los vídeos y las esculturas que la artista sueca presenta en el Espai 13 recogen distintos relatos en torno a los objetos encontrados. Zapatos, cadenas, carretillas o persianas se convierten, según Manen, «en detonantes para la especulación sobre el sentido de nuestra relación con lo que nos rodea».

Fotograma de Trucking, 2015. Cortesía de la artista. Daniel Marzona, Berlín; Galería Nordenhake, Estocolmo/Berlín; y Raebervon Stenglin, Zúrich.

Fotograma de Trucking, 2015. Cortesía de la artista. Daniel Marzona, Berlín; Galería Nordenhake, Estocolmo/Berlín; y Raebervon Stenglin, Zúrich.

El hecho de trasladar los objetos a lugares o situaciones imprevistos permite generar nuevas lecturas, del mismo modo que las teorías alrededor de la física cuántica prevén la aparición de universos paralelos. La exposición de Sofia Hultén representa, además, una pausa en el ciclo natural de estos objetos que, detenidos, permiten aislar diferentes momentos o imaginar nuevas líneas temporales. En uno de los proyectos expuestos, Hultén coge materiales de un contenedor y los modifica ligeramente para acabar devolviéndolos a la basura sin solución de continuidad. La intervención de la artista añade densidad narrativa a estos elementos, pero acaba desapareciendo también con el objeto rechazado en un tipo de bucle en el que el trabajo deja de tener una finalidad y se convierte en un gesto o en un momento. En otro vídeo, el calzado abandonado en la calle se convierte en un nuevo sistema urbano de navegación, en el que las distintas etapas de un camino están marcadas por pares de zapatos perdidos en la ciudad. El usuario los encuentra, se saca los suyos para ponerse otros y avanza hasta encontrar nuevo calzado. La búsqueda de zapatos lleva a mirar el espacio de otro modo, genera recorridos peculiares y deja un rastro narrativo. La muestra de Hultén se completa con una serie de objetos intervenidos que incorporan capas de tiempo y gestualidad añadida al espacio expositivo. Carretillas que no pueden funcionar y que en un primer momento parece que están en el lugar equivocado. Cadenas de grúas, persianas metálicas o bicicletas que pasan a ser relatos que revelan todo lo que podrían ser y no son, todas las derivaciones posibles, todos los usos que han escapado al control.

Cara a cara. La fuerza del retrato en la fotografía

Fundación Foto Colectania. Cara a cara
Julián Romea, 6. Barcelona
Hasta el 13 de febrero de 2016

La Fundación Foto Colectania muestra desde el 6 de octubre la fuerza del retrato en la fotografía a través de una selección de más de cien obras de 49 fotógrafos de su colección, algunas de las cuales se presentan por primera vez al público. La diversidad de esta selección nace de sumar al retrato de estudio – la aproximación más común sobre este género – la instantánea de la fotografía de calle. El principal objetivo de esta exposición colectiva es enseñar al público destacados ejemplos de fotografía española y portuguesa desde la década de los cincuenta hasta la actualidad. Una licencia que permite descubrir trabajos que se acercan a la temática desde ópticas tan diferentes, y a veces tan opuestas, como la racionalidad, el control, la complicidad, la espontaneidad o el azar.

Alberto García-Alix, Benedicte, 1987. Còpia actual, 105 x 105 cm. Cortesía del arista y VEGAP, Barcelona 2013.

Alberto García-Alix, Benedicte, 1987. Còpia actual, 105 x 105 cm. Cortesía del arista y VEGAP, Barcelona 2013.

El retrato está contemplado a veces como un enfrentamiento en el que el fotógrafo debe vencer, como es el caso de Humberto Rivas; otras veces como un proceso de seducción, como en las fotografías de Leopoldo Pomés; o una experiencia tan intensa como entrar en trance. Este último es el caso de Alberto García-Alix que en palabras propias describe: “A mí, las fotos que realmente me gustan son las que hago cuando estoy en trance. Si no he vivido ese trance, si la sesión ha sido anodina, las fotos podrán resultar buenas, pero no tendré la sensación de haberlas hecho.”

El retrato es uno de los géneros más atractivos del medio porque remite a algo muy próximo: nosotros mismos y los otros. La tendencia de los fotógrafos a prestar atención a los detalles les convierte en diestros analistas de las miradas y de los gestos; ellos saben captar como nadie la manera de posicionarnos, la gestualidad corporal que nos identifica y nos delata. Por todo ello, las obras de esta exposición se agrupan alrededor de dos elementos que concentran la atención de los fotógrafos cuando se enfrentan al cara a cara con el retratado: la mirada y el cuerpo. El espectador vivirá la experiencia de verse envuelto y rodeado de una infinidad de miradas: directas, provocadoras, esquivas, cruzadas, miradas que se esconden. Junto con ellas, los autorretratos: la mirada del fotógrafo sobre sí mismo.  Seguidamente, el espectador se encontrará con una serie de fotografías caracterizadas por la expresividad de los cuerpos, que también nos miran y que nos hablan con sus gestos.

Miguel Trillo, En un Allnighter mod de la discoteca Savoy, 1992. Cortsesía del artista.

Miguel Trillo, En un Allnighter mod de la discoteca Savoy, 1992. Cortsesía del artista.

La exposición «Cara a cara» no pretende ser un recorrido por el género del retrato en la fotografía, pero sí quiere mostrar ejemplos destacados de fotografía española y portuguesa desde los años cincuenta hasta la actualidad a través de la colección de la Fundación Foto Colectania. Presentada ya en varios municipios de Barcelona gracias a un programa de itinerancias organizado por la Diputació de Barcelona, «Cara a cara» culmina con su presentación en la propia ciudad después de estar revisada y ampliada para esta ocasión.

Autores participantes:
Helena Almeida, Manel Armengol, Atín Aya, Javier Campano, Vari Caramés, Josep Maria Casademont, Gérard Castello-Lopes, Juan Manuel Castro Prieto, Francesc Català-Roca, Toni Catany, Joan Colom, Gabriel Cualladó, Ricky Dávila, José Miguel de Miguel, Jordi Esteva, Manuel Ferrol, Eugeni Forcano, Albert Fortuny, Alberto García-Alix, Cristina García Rodero, Francisco Gómez, Inês Gonçalves, Fernando Gordillo, Jorge Guerra, Cristóbal Hara, Gloria Giménez, Fernando Lemos, Ramón Masats, Oriol Maspons, Xavier Miserachs, Jorge Molder, Nicolás Muller, Isabel Muñoz, Francisco Ontañón, Carlos Pérez Siquier, Leopoldo Pomés, Jorge Ribalta, Xavier Ribas, Humberto Rivas, Pablo San Juan, Gervasio Sánchez, Rafael Sanz Lobato, Alberto Schommer, António Sena da Silva, Ricard Terré, Miguel Trillo, Javier Vallhonrat, Antoni Vidal, Virxilio Vieitez.

Cristóbal Hara, Retrato. Cortesía del artista y VEGAP.

Cristóbal Hara, Retrato. Cortesía del artista y VEGAP.

La Fundació Foto Colectania es una entidad privada sin ánimo de lucro (nº reg. 1554) que se inauguró en Barcelona en el año 2002 y cuya finalidad es difundir la fotografía y el coleccionismo a través de exposiciones, actividades (coloquios, seminarios, viajes) y la edición de catálogos. Foto Colectania cuenta además con una colección de fotografía que reúne más de 2.000 obras de autores españoles y portugueses desde 1950 hasta la actualidad. Además, dispone de una biblioteca de consulta libre y de una cámara de conservación donde se guarda el fondo fotográfico, el archivo de Paco Gómez (donado por su familia en 2001) y el depósito de una parte de la colección de Juan Redón.

Josep Güell y lo extravisual

Josep Güell. Todo está del otro lado
Galería Víctor Saavedra
C/ Enric Granados, 97. Barcelona
Inauguración: 11 de junio, 20 h.
Hasta 4 de julio de 2015

El trabajo de Josep Güell rebosa poesía y sensibilidad. Una afirmación de ese carácter tiene en la actualidad un elevado riesgo, a medida que la obviedad de lo grotesco ha ido acaparando los campos de la vida pública, logrando a su vez empobrecer el desarrollo de las prácticas privadas. La sensibilidad se ve denostada, despreciada desde una incorrecta acepción que la confunde con la debilidad, ignorando que es necesaria una gran fortaleza para mantener los sentidos activados frente al duro azote de la realidad.

Josep Güell. Puerta sin casa. Cortesía del artista.

Josep Güell. Puerta sin casa. Cortesía del artista.

Las imágenes elaboradas por Güell, como los títulos de sus obras y sus textos publicados, se refieren con frecuencia a un estado vital de desnudez que nos acerca a la infancia, donde el artificio está de más, aunque en el supuesto de necesitarse, sería de producción propia y a cargo de la imaginación. El sometimiento a la materia -al consumo, a la marca, a las señas identitarias con cargo a la tarjeta de crédito-, ha prodigado la parálisis neuronal de la masa, extendiendo la creencia de que el dinero no hace la felicidad, pero la compra hecha, propagando un modo de vida que afecta ya sin diferencia generacional y deja tras de sí una sociedad desarticulada, con una juventud tan despistada, a veces, que el consumo de alcohol a buen precio le parece una reivindicación ajustada. Sin duda es peligroso perder la perspectiva de lo que nos rodea. Es peligroso obviar los estímulos que activan ciertas respuestas humanas, como inocente sería justificarlas en base al número de sus valedores. Puede que la educación debiera recuperar el importante lugar que le corresponde, puede que si desde la base se iniciara una lectura transversal del conocimiento y los acontecimientos, insisto, puede, que las personas recuperaran el disfrute procedente de lo pequeño. Los mensajes de consumo fabricados por la publicidad han alcanzado un estadio radical capaz de dominar el deseo y la libertad de las personas, sumidos todos en un continuo de satisfacciones inmediatas. Lo quiero, lo compro, lo tengo… ¡Soy!

Josep Güell. Strip-tease. Cortesía del artista.

Josep Güell. Strip-tease. Cortesía del artista.

“Todo está del otro lado”, título bajo el que se agrupa la última colección de trabajos de Josep Güell, lanza un guante a la cara del espectador con las buenas formas de un duelo entre caballeros, con la seguridad de que si nuestro corazón no ha muerto, con suerte saldrá herido. Hará brotar, entre las fisuras de una corteza construida sobre nuestros sentidos, la pulsión racional de nuestras emociones, trayendo a nuestra memoria aquellos baños de verano en un pequeño barreño de plástico duro o los frondosos bosques (de no más de cuatro árboles) de nuestro recuerdo infantil donde se desarrollaban las más apasionantes vivencias y juegos. Son aquellos momentos, sencillos y sin pasar por caja, los que de verdad hicieron rebosar nuestro corazón; los mismos que hoy, a través de la mirada de Güell, aceleran nuestro pulso recordándonos que estamos vivos, invitándonos a actuar como adultos pero a sentir como niños, poniendo en valor la sencillez frente al espectáculo que todo lo inunda. Tras un acercamiento a sus trabajos, cada cual debiera evocar su recuerdo, comunicar al otro su retazo de memoria, su momento imborrable e impagable, aquél que quedó grabado por siempre como alimento contra el desánimo. Aquel capaz de traernos a este lado, en el que la realidad de las cosas se hace palpable y adquiere el sentido impreciso de lo real.

Josep Güell. Alfabet. Cortesía del artista.

Josep Güell. Alfabet. Cortesía del artista.

Sin duda, la perspectiva desde la que abordamos los asuntos produce la modificación de nuestra percepción sobre los mismos, tal y como nuestra sociedad, simbólicamente referida en “el otro lado” por Josep Güell, no se detiene a prever las consecuencias de sus acciones ni el difícil paliativo de lo omitido. Quizás sea esta una invitación para disponer del tiempo para reflexionar mediante el juego de analogías que el artista propone, desentrañando las relaciones extra-visuales que abundan en su obra.

Josep Güell. Literal. Cortesía del artista.

Josep Güell. Literal. Cortesía del artista.

José Luis Pérez Pont

Lola Lasurt, ejercicio de ritmo

Exercici de ritme
Lola Lasurt
Galería Joan Prats
Carrer de Balmes, 54 (Barcelona)
Inauguración el 18 de diciembre 2014, 19.30 h.

 

La obra de Lola Lasurt parte de material testimonial de una época anterior a la suya, de un espacio temporal que la artistanunca ha ocupado, y trabaja aspectos del des-tiempo, esquivando la doctrina histórica como empresa abierta y auto-crítica y examinándolo todo, ya sea a través del fenómeno del reconocimiento, como mediante la generación de extrañeza.
Con un acercamiento crítico a la idea de nostalgia, Lola Lasurt lleva a cabo un análisis del pasado reciente caracterizado por un cambio de paradigma dentro de lo social, político y autoreferencial del mismo mundo del arte, trabajando la relación de este espacio con la manera de construir la identidad propia y como colectivo, en un sistema de organización que no diferencia entre cultura y patrimonio, iniciativa popular e institucional.
La artista se interesa por el tiempo histórico individual, por su relación con las directrices de comportamiento de la cultura hegemónica y también por sus procesos de construcción de símbolos colectivos. Su trabajo se formaliza a través de la instalación pictórica, el vídeo, y se despliega mediante procesos colaborativos. En motivo de esta exposición, la primera exposición de Lola Lasurt en la Galeria Joan Prats, la artista presenta las siguientes obras:

Exercici de ritme, Storyboard, 2014. Fotografia giclee sobre papel German 85 x 110 cm. Imagen cortesía Galería Joan Prats

Exercici de ritme, Storyboard, 2014. Fotografia giclee sobre papel German 85 x 110 cm. Imagen cortesía Galería Joan Prats

Exercici de ritme (sobre el monument a Francesc Layret), 2010-2014, proyecto a partir del monumento dedicado al político y abogado laborista Francesc Layret, situado en la Plaza Goya de Barcelona. Mediante registro analógico (película super8).

Exercici de ritme propone convertir el monumento en el escenario de un encuentro amoroso entre los cuatro personajes que forman el conjunto escultórico, por medio de la retórica cinematográfica del erotismo. De esta manera, Exercici de ritme es un ejercicio de experimentación con el medio cinematográfico que tiene como finalidad reactivar en el presente una escultura pública que fácilmente pasa desapercibida en el entramado de la ciudad. Mediante una aproximación a la escultura ilusoria y a priori ilógica.

Exercici de Ritme quiere desplazar el Monumento a Francesc Layret del terreno de la
historia hegemónica y las luchas colectivas al terreno personal.

El Partido. Mujeres casadas contra mujeres solteras, una Iniciativa de Manuel Ramírez, barman del Club Federico Garcia Lorca.Bruselas, 1976, 2014. Oleo sobre tela , 10 pinturas de 20 x220 cm. Imagen cortesía Galería Joan Prats.

El Partido. Mujeres casadas contra mujeres solteras, una
Iniciativa de Manuel Ramírez, barman del Club Federico Garcia Lorca.Bruselas, 1976, 2014. Oleo sobre tela , 10 pinturas de 20 x220 cm. Imagen cortesía Galería Joan Prats.

El Partido. Mujeres casadas contra mujeres solteras, una iniciativa de Manuel Ramírez, barman del Club Federico García Lorca. Bruselas, 1976, 2014, proyecto que recrea el partido de fútbol en el que jugaron mujeres casadas contra mujeres solteras en la fiesta anual del PC en Bélgica en el 1976 y que comprende un grupo de setenta y seis pinturas en forma de friso animado, hechas a partir de las imágenes en movimiento de la película super-8 que documenta el partido original.

Esta obra, de la misma manera que Exercici de Ritme, se sitúa en la conjunción entre el terreno personal, en este caso vinculado a cuestiones de género, y los intereses colectivos, porque repasa características relevantes de la historia reciente
vinculada a momentos de cambio.

Amnesies, 2011. Oleo sobre tela 97 x 73 cm. Imagen cortesía Galería Joan Prats.

Amnesies, 2011. Oleo sobre tela 97 x 73 cm. Imagen cortesía Galería Joan Prats.

Amnèsies, 2011, serie de pinturas hechas a partir de fotografías del álbum familiar de la artista, donde estas aparecen recortadas por su padre quien, en un momento determinado, decidió extraer el contexto para que mostraran solo a los
familiares y personas conocidas. El trabajo de Lola Lasurt se basa en esta decisión y consiste en la reordenación de las imágenes recortadas dejando también los vacíos de algunas imágenes, como si en algún momento se hubiesen caído o extraído. Estos vacíos pintados introducen la amnesia en el relato familiar y, de alguna manera, evocan la discontinuidad y la fragmentación que caracterizan a los mecanismos de construcción de los recuerdos.
Lola Lasurt (Barcelona, 1983) vive y trabaja entre Barcelona y Gante, Bélgica. Licenciada en Bellas Artes en la Universitat de Barcelona, realiza el posgrado en Estética y Teoría del Arte Contemporáneo Pensar l’art d’avui de la Universitat Autònoma de Barcelona y el Máster Produccions Artístiques i Recerca de la Universitat de Barcelona. Ha sido residente en HISK, Gante (2012-14), La Ene, Buenos Aires (2014), Kunsthuis, Friesland, Holanda (2013), Greatmore Art Studios, Ciudad del Cabo, Sudáfrica (2012), Eart, Barcelona (2010) y Hangar, Barcelona (2008). Entre sus últimas exposiciones destacan
Write of Spring, Het Paviljoen, Gante, Doble autorització, Fundació Miró, Barcelona, Los Inmutables, DAFO, Lleida, Learn and Teach, Cape Town Art Week, Amnèsies, Espai2, Terrassa, La gran aventura, Can Felipa, Barcelona, El Gegant Menhir, Museu Abelló, Mollet del Vallès, Contextos Intermedia, Tecla Sala, Barcelona y Paradís Perdut, Can Felipa, Barcelona.

Nominada al ‘Young Belgian Art Prize 2015’, participará en una exposición en el museo BOZAR, Bruselas, en junio 2015.

Exercici de ritme, 2014 Escultura de hormigón sobre base de madera y  estructura de acero. 35 cm. Imagen cortesía Galería Joan Prats

Exercici de ritme, 2014. Escultura de hormigón sobre base de madera y estructura de acero. 35 cm. Imagen cortesía Galería Joan Prats

Martin Parr: Los inconformistas

Martin Parr: Los inconformistas
La Virreina. Centro de la Imagen
La Rambla, 99. Barcelona
Inauguración: 16 de abril a las 19:30 h.
Hasta el 27 de julio de 2014

Hebden Bridge, en la década de 1970, lo tenía todo, especialmente una recién creada y animada comunidad de «forasteros» —jóvenes artistas refugiados de Manchester y Leeds en busca de estilos de vida alternativos y viviendas baratas. Pero también tenía el ambiente de un pueblo tradicional. Había una auténtica frutería a la antigua donde comprar manzanas reineta y granadas. Waites, el panadero, vendía tambaleantes pasteles de crema salpicados con raspaduras de nuez moscada y panes de malta calientes. Se podía comprar carbón, zuecos y pana (todos nos hacíamos nuestros propios pantalones en esa época). Y bajo las tradiciones se percibían raíces profundas: personas que habían sido vecinos y compañeros de trabajo durante décadas, comunidades de toda la vida, campos que habían sido cultivados por las mismas familias durante generaciones. Personas que se conocían unos a otros, que conocían cada árbol y cada piedra de sus campos, cada curva de la carretera.

Nave de costura de Redman, Scarbottom 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Nave de costura de Redman, Scarbottom 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Pero el Hebden tradicional también estaba en declive, las fábricas textiles cerraban y las antiguas industrias se iban a la quiebra. La arena de la rueda del molino seguía siendo negra, y la vida en los pueblos del valle podía ser muy dura. Existía una sensación de pérdida y melancolía en aquel lugar, y cierto resentimiento también en la gente que observaba a los hippies recién llegados restaurando ruinas y cultivando pequeñas parcelas. Empezaron a surgir refugios de escritura, estudios de escultura y alfarerías en fábricas textiles abandonadas y viejas granjas.

Martin había iniciado un exhaustivo estudio fotográfico de Hebden Bridge y la zona circundante. Fotografiaba los partidos de fútbol, a los criadores de ratones y palomas, a los guardabosques en la hacienda de Lord Savile, un club para maridos calzonazos y el restaurante Lady de Willie Sutcliffe en las alturas, donde hacían bizcochos borrachos en palanganas. Siempre daba una copia de la foto a quienquiera que fotografiara, para darle las gracias. Queríamos trabajar juntos y empezamos a documentar tímidamente elementos que parecían ser profundamente tradicionales o estar en declive, o ambas cosas a la vez. Empezamos poco a poco, en una carnicería en cuyo escaparate se exponían trozos de carne asada en enormes fuentes de porcelana ensangrentadas, y donde a los clientes aún se les cobraba en libras, chelines y peniques. Después pasamos al cine de Hebden Bridge iluminado a gas y a la Cliviger Coal Company, ya en Lancashire. Ninguno de los dos conducíamos, así que íbamos a todos sitios a pie, en bicicleta y a veces en autobús.

Hebden Bridge. 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Hebden Bridge. 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Quizá debido a su educación, a Martin le atraían mucho las capillas inconformistas que encontrábamos por todos sitios, muchas de ellas, o bien cerradas, o en declive terminal. Históricamente, los inconformistas se habían distanciado de la ceremonia, la liturgia y la arquitectura de la Iglesia de Inglaterra. Martin fotografiaba actos y cultos en una variada gama de lugares. Para nosotros, había algo en el etos de los inconformistas que nos recordaba a la idiosincrasia de West Yorkshire: trabajadores, frugales, mesurados, disciplinados, autosuficientes, aficionados al té y a la tarta.

En los treinta y tantos años que han pasado desde que nos fuimos, Hebden Bridge se ha convertido en una atracción turística, rebosante de cafeterías y tiendas de antigüedades y artesanía. Renovada y evocadora, es un baluarte de lesbianas y una animada ciudad dormitorio para profesionales que trabajan en Leeds, Bradford y Manchester. Pero algunas cosas siguen igual: las granadas siguen brillando en el escaparate de Holt y aún se puede comer una fragante tarta de crema en Waites.

Susie Parr
Texto extraído de la introducción del libro Los inconformistas. Martin Parr. Edición de 2013 La Fábrica

Limpieza anual de primavera previa al culto del Aniversario, Cornholme capilla metodista de Crimsworth Dean/ 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Limpieza anual de primavera previa al culto del Aniversario, Cornholme capilla metodista de Crimsworth Dean/ 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Los inconformistas, en la Virreina Centro de la imagen.

En 1975, cuando apenas acababa de salir de la escuela de arte, Martin Parr se puso a fotografiar las ciudades textiles de Hebden Bridge y Calderdale en Yorkshire; documentando así una forma de vida tradicional que entonces empezaba a desaparecer.

Los inconformistas acabó siendo un proyecto conjunto de Martin Parr y la escritora e investigadora Susie Mitchell. Mitchell empezó a escribir sobre las personas de los pueblos y de la zona, y también sobre las comunidades de fieles y de granjeros que Martin había estado fotografiando durante cinco años. Juntos han creado un documento en forma de libro, que se publica por primera vez en castellano, ya que fue editado en inglés, y al mismo tiempo, se presenta una exposición en el Virreina Centro de la Imagen.

Té del Aniversario, capilla metodista de Boulderclough/. 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Té del Aniversario, capilla metodista de Boulderclough/. 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

El título The Non-Conformists (Los inconformistas) hace referencia a las capillas metodistas y bautistas que caracterizan esta zona de Yorkshire y define el espíritu independiente de su gente. A través de las fotografías, Martin documenta la vida cotidiana de los trabajadores de las fábricas textiles, los mineros de las minas de carbón, los granjeros de las montañas y los criadores de palomas.

El Antiguo Orden de los Maridos Calzonazos, asamblea general anual. Lunes de Pasqua, capilla de Nazebottom/ 1975-1980 © Martin Parr / Magnum Photos

El Antiguo Orden de los Maridos Calzonazos, asamblea general anual. Lunes de Pasqua, capilla de Nazebottom/ 1975-1980 © Martin Parr / Magnum Photos

La muestra expositiva se conforma de un total de 75 imágenes, en tirada del propio autor e impresiones en tintas pigmentadas.

La exposición Los Inconformistas es el preludio de la visita a la ciudad del fotógrafo Martin Parr prevista el 11 de junio cuando pronunciará la conferencia inaugural de la IV edición del OjodePez Photo Meeting Barcelona. El encuentro internacional de fotógrafos organizado por La Virreina Centro de la Imagen y La Fábrica que tendrá lugar los días 11,12 y 13 de junio.

Boda, capilla metodista de Crimsworth Dean. 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Boda, capilla metodista de Crimsworth Dean. 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

BIOGRAFIA MARTIN PARR

«Mi mayor fascinación es tratar de convertir lo ordinario en extraordinario. Me siento increíblemente afortunado de ser fotógrafo y de tener la vida que tengo. Cada día es diferente, nunca me aburro. Me encanta poder viajar y conocer lugares y sitios nuevos cada día».

Martin Parr nació en Epsom, Surrey, Reino Unido, en 1952 . Cuando era un niño, su incipiente interés por la fotografía fue alentado por su abuelo George Parr, él mismo fotógrafo amateur. Parr estudió fotografía en la Politécnica de Manchester, entre 1970 a 1973.
Martin Parr es una figura clave del mundo de la fotografía, reconocido por su brillante sátira de la vida contemporánea. Autor de cerca de ochenta libros de fotografía, incluyendo Common Sense (2002),Our True Intent Is All for Your Delight (2003), y Life’s a Beach (2013), sus fotografías forman parte de la colección de museos de todo el mundo como el Getty Museum de Los Ángeles, el MoMA de Nueva York O la Tate Modern de Londres.
Desde que se iniciara en la fotografía el 1970, Parr se ha labrado una reputación internacional por su innovadora estética fotográfica, su peculiar visión del documentalismo social y su aportación a la cultura fotográfica, tanto británica como universal. Miembro de Magnum Photos desde 1994, ha ejercido de director artístico invitado de los Rencontres d’Arles el 2004 y otros festivales internacionales de renombre, y ha contado con retrospectivas de su carrera en grandes centros de arte como el National Media Museum del Reino Unido. El 2008, ganó el premio Baume et Mercier que concede PHotoEspaña en reconocimiento a su carrera profesional y a las contribuciones hechas a la fotografía contemporánea.

En los últimos 4 años Parr ha estado trabajando en un proyecto documental sobre el Black Country, una zona del West Midlands de Inglaterra. Phaidon publicará el tercer volumen de la Historia del Photobook durante 2014 y también está trabajando en un libro sobre la historia de los fotolibros chinos que publicará en inglés Aperture a finales de 2014 . Martin Parr ha publicado más de 80 libros de su propio trabajo y ha editado otros 30 más.

Subasta de los productos de la cosecha, capilla metodista de Pecket Well/. 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Subasta de los productos de la cosecha, capilla metodista de Pecket Well/. 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Susie Parr es escritora e investigadora, así como la autora de la obra The Story of Swimming (2011), muy aclamada por la crítica de Inglaterra.

Tres capillas de la zona se reunen para celebrar una ceremonia al aire libre/ West Vale Park, Halifax. 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Tres capillas de la zona se reunen para celebrar una ceremonia al aire libre/ West Vale Park, Halifax. 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Antoni Abad: megafone.net

Antoni Abad, megafone.net/2004-2014
Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA)
Plaça dels Àngels, 1 , Barcelona.
Inauguración:18 de febrero, a las 19 h.
Hasta 24 de junio de 2014.

Desde 2004 megafone.net, un proyecto creado por Antoni Abad y que se puede definir como una instalación audiovisual, invita a grupos situados al margen de la sociedad a expresar sus experiencias y opiniones. Mediante el uso de teléfonos móviles graban y publican en la web, de manera instantánea, mensajes de audio, video, texto y foto.

Es una manera de “prestarles la voz” a los grupos marginados, al mismo tiempo que sirve de espacio donde los participantes, transforman estos dispositivos en “megáfonos digitales”, los cuales amplifican sus voces, tanto individuales como colectivas, que son en muchas ocasiones ignoradas o desfiguradas por los medios de comunicación imperantes.

megafone.net. Lleida, 2005, CC (by-nc-nd). Imagen cortesía del MACBA.

Antoni Abad. megafone.net. Lleida, 2005, CC (by-nc-nd). Imagen cortesía del MACBA.

Estos trabajos exploran la transferencia de creatividad entre el artista y el usuario, de manera que el artista adquiere el rol de catalizador. Las obras traspasan inicialmente la institución museística, y ésta se convierte en receptáculo de esos trabajos-procesos-intercambios, en una conexión entre, por una parte, los espacios físicos de la ciudad, sus geografías y la institución artística y, por otra, el espacio virtual de las ondas, invisible pero tangible y útil de las redes.

Antoni Abad (Lleida, 1956), es el creador y catalizador de este proyecto, un pionero en el uso de redes de comunicación en la tecnología de los teléfonos móviles. A través de su trabajo, permitió que esta tecnología estuviera al alcance de grupos sociales situados en los márgenes de la sociedad: personas con diversidad funcional, inmigrantes ilegales, refugiados políticos, comunidades desplazadas, trabajadoras sexuales y sectores profesionales como taxistas y mensajeros motoristas.

Antoni Abad. megafone.net. Mèxic DF, Mèxic, 2004, CC (by-nc-nd). Imagen cortesía del MACBA.

Antoni Abad. megafone.net. Mèxic DF, Mèxic, 2004, CC (by-nc-nd). Imagen cortesía del MACBA.

Esta exposición documenta y analiza por primera vez un cuerpo de trabajos innovador y de una gran implicación social, que ha sido producido en un amplio abanico de ciudades de Europa, las dos Américas, África y Asia a lo largo de la última década (2004-2014).

El proyecto está comisariado por Cristina Bonet, Soledad Gutiérrez y Roc Parés.

megafone.net. Lleida, 2005, CC (by-nc-nd). Imagen cortesía del MACBA.

Antoni Abad. megafone.net. Lleida, 2005, CC (by-nc-nd). Imagen cortesía del MACBA.

Aggtelek. Increpar, molestar, aburrir.

Aggtelek. Sobre gatos, sin títulos, happenings, masillas, bocadillos y otros conceptos
Cyan Gallery
C/ Fusina, 5. Barcelona
Hasta el 22 de marzo de 2014

Con motivo de su nueva exposición en Barcelona, damos un repaso por algunos trabajos anteriores de Aggtelek.

Aggtelek. Imagen cortesía de la galería.

Aggtelek. Imagen cortesía de la galería.

¿El frío provoca resfriados? ¿La vitamina C los previene? ¿La actividad sexual regular acorta la vida (como se pensaba antes) o la alarga (como algunos piensan ahora) o no influye en la esperanza de vida? ¿Y practicar deporte de forma regular? ¿Por qué algunas personas son de mentalidad abierta, o genios, o insomnes? Para Anthony Weston todas estas son preguntas acerca de causas y sus efectos: sobre qué causa qué. Son preguntas vitales. Los efectos positivos que deseamos potenciar; los efectos negativos que deseamos prevenir. A veces necesitamos averiguar qué o quién es la causa de algo con el fin de felicitarle o culparle. Y a veces lo hacemos tan sólo para comprender mejor el mundo.

El ser humano sigue recurriendo a la práctica artística como modo de expresión, búsqueda y comunicación con los de su especie, pero en el tiempo presente son múltiples los modos, formas y medios que el arte adopta como propios para lograr sus fines. Ahora conviven, como nunca antes, expresiones artísticas basadas en la tradición del óleo y la piedra con otras que directamente no aspiran a cobrar forma física. La diversidad de tipologías indica lo basto del perfil y la abundancia de creadores. Ya (casi) todos somos, o podemos ser, artistas. Puede que esa abundancia, y la posibilidad de copiar nosotros mismos las obras maestras de la historia de la pintura siguiendo un sencillo curso de pintura comprado en el quiosco de la esquina, haya hecho que una parte importante de la población no aprecie tantas creaciones contemporáneas que no entiende. Algunos artistas pretenden con su trabajo increpar, molestar e incluso aburrir al espectador. No debería extrañarnos. Son tantas las vías a través de las que el mercado desea seducirnos, atraernos y excitarnos que, quizás, se haga necesario un tratamiento de choque para sacarnos del sopor. La crisis económica –iniciada ya hace unos años y reconocida un tiempo después- parecía que podría ser una aliada a los discursos que cuestionan el modelo que tan firmemente ha modelado a la sociedad. De momento el sistema es escasamente cuestionado, como resultado del buen trabajo realizado sobre las mentes, las emociones y las aspiraciones vitales de la masa global. El capitalismo de ficción ha realizado una verdadera obra de arte, una creación con mayúsculas, y la materia prima somos cada uno de nosotros.

Aggtelek. Imagen cortesía de la galería.

Aggtelek. Imagen cortesía de la galería.

Bajo esas premisas Aggtelek, un colectivo formado por Gemma Perales (Barcelona, 1982) y Xandro Vallés (Barcelona, 1978), viene desarrollando proyectos que cuestionan el fondo a partir de la forma. El diálogo, el proceso y la investigación son pautan que marcan la base de sus trabajos, que se suceden desde la lógica de una narración que inició su evolución en 2003. El discurso de Aggtelek partió alrededor de la escultura y el proceso creativo, realizando performances que, registradas en vídeo, muestran los aspectos efímeros del trabajo artístico. En su interpretación literal de algunos conceptos artísticos de los años sesenta y setenta del Siglo XX, han desarrollado un método de trabajo que convierte el proceso en algo central, que lo hace explícito, que lo evidencia hasta dotarlo de hegemonía. La construcción y la destrucción son las caras de una misma moneda, perfectamente representadas en sus conocidos trabajos con cartones. Partiendo de materiales como el cartón y la cinta adhesiva, de escaso valor económico y nulo aprecio social, relacionados con la idea de desecho, desarrollan proyectos como Sculpturing the performance (2006-07). La acción tiene lugar en un espacio cerrado, con la participación activa de los dos miembros del colectivo, inmersos en una agitada tarea de mediación con numerosos envases de cartón que acumulan para agruparlos, envolverlos y/o aplastarlos. Una imagen realmente potente es la del individuo absolutamente rodeado de envases, sujetos a su cuerpo por la presión del precinto, cargando con el peso de tantas promesas vacías, sin capacidad ya para decidir el rumbo. En este trabajo podemos encontrar elementos que bien representan el método que caracteriza a este colectivo, del que a partir de una performance ante la cámara, mostrada posteriormente al público en reproducción acelerada, se observa todas las acciones que conforman su proceso creativo. El resultado, además del registro en vídeo, son instalaciones y esculturas. En esa misma línea podríamos mencionar proyectos como Cartoonformance (2007), Let’s perform everything (2007), 1º Ensayo escultórico (2008), 2º Ensayo escultórico (2008), Boxplot (2008) o Polymorphous row. Ephemeral playground (2008), donde unos elementos dan paso al siguiente proyecto, animando una dinámica autorreferencial, que en ocasiones supone la construcción de espacios arquitectónicos con muros creados con cajas de cartón, que sirven a su vez como escenario para sus acciones.

En los últimos años Aggtelek ha dedicado una especial atención a la producción de sus piezas de vídeo, reconceptualizando las ideas y alusiones ya trabajadas para, partiendo de éstas, lanzar un nuevo discurso a nivel formal y procesual, logrando que “las ideas y los conceptos que se utilizaron explosionaran en nuevas formas, en vez de expandirse como ya había dicho Rosalind Krauss”. Ass dialectics (2009), Our gonzo show (2009), Slash theatre of my mundo (2010) y The autopsy of form (2010) son algunos de esos proyectos, en los que se destila un “humor” corrosivo, una sana voluntad de incomodar más acentuada que tiempo atrás.
Utilizando una broma de Winston Churchill: “Sea optimista. No resulta de mucha utilidad ser de otra manera”.

José Luis Pérez Pont

La montaña mágica de Lúa Coderch

Lúa Coderch. La montaña mágica 
Espai 13. Fundació Joan Miró
Parc de Montjuïc s/n (Barcelona)
Inauguración: jueves 19 de diciembre a las 19.30h
Hasta el 16 de marzo 2014

Lúa Coderch presenta en el Espai 13 de la Fundació Joan Miró La montaña mágica, una exposición que gira alrededor de la paradoja del llamado «presente histórico», que define los momentos convertidos en memorables a partir de acontecimientos que han tenido lugar en la montaña de Montjuïc.

La exposición, que forma parte del ciclo Arqueología preventiva, se plantea como un contenedor de momentos. Todos los elementos que la componen están cerrados en un almacén creado por la artista en el Espai 13 y que está hecho a imagen del depósito municipal de Via Favència, donde el Ayuntamiento de Barcelona guarda esculturas y material que ha retirado del espacio público. Durante cada uno de los setenta y dos días que dura la muestra, la artista sacará un elemento del almacén y lo colocará en la parte visitable de la sala, en un dispositivo preparado para cada ocasión.

LúaCoderch_Espai13

El almacén creado por Lúa Coderch en el Espai 13 de la Fundació Joan Miró

Las piezas que Lúa Coderch presentará a lo largo de la exposición tienen varios formatos: desde el vídeo, el audio o la fotografía, hasta objetos escultóricos o imágenes de archivo. Algunas han sido creadas específicamente y otras son apropiaciones de la artista. Todas las historias que aparecerán diariamente en el Espai 13 están recogidas en una publicación en forma de calendario y de registro de la actividad, que se entregará el día de la inauguración y estará a disposición de los visitantes mientras dure la exposición.

Cada uno de los episodios en los que se divide la exposición tiene relación con el imaginario histórico de la montaña de Montjuïc, que se ha convertido en un espacio de momentos planteados como «presente histórico», desde la Exposición Internacional de 1929 hasta el proyecto de los Juegos Olímpicos de 1992. Lúa Coderch explora el imaginario de estos momentos, relacionados con la expansión urbana de Barcelona y vinculados históricamente a acontecimientos, iconos turísticos o campañas oficiales.

Acotaciones tras la cuarta pared

Acotaciones tras la cuarta pared
Marla Jacarilla

BCN Producció ’13
Espai Club
C/ Hospital 56, Barcelona
Hasta el 23 de junio de 2013

"Acotaciones tras la cuarta pared", Marla Jacarilla. Imagen cortesía de la artista.

«Acotaciones tras la cuarta pared», Marla Jacarilla. Imagen cortesía de la artista.

Marla Jacarilla (Alcoy, 1980) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, formación que completó con el máster en Producciones Artísticas e Investigación de la Universidad de Barcelona. Más allá de esa conformidad, el desarrollo de una labor literaria paralela, que compagina con la de redactora en revistas de crítica y análisis cinematográficos, la ha llevado a optar por un territorio de reflexión híbrido con el uso de recursos afines a la práctica artística para explorar el proceso mismo de la escritura. Por su universalidad y omnipresencia, podríamos pensar que explorar la mecánica narrativa del texto nos llevará solo a conclusiones inocuas. No obstante, la gran habilidad de Jacarilla consiste en alejarnos rápida- mente de ese pensamiento para despertar otra vez la promesa demiúrgica del texto. Sin grandes titubeos, la artista devol- verá a la escritura el valor de lo performático.

En esta ocasión, si nos dejamos llevar por lo que nos propone Jacarilla, entraremos físicamente en un espacio reservado a la ficción y seremos testigos de un despliegue dramático en el que un falso demiurgo conversa con cuatro personajes. Se trata de los protagonistas de obras teatrales que muchos reconoceremos rápidamente: Krapp, el de La última cinta de Krapp, de Samuel Beckett; Willy Loman, el de Muerte de un viajante, de Arthur Miller; Lis, la de Fando y Lis,

de Fernando Arrabal, y Berenguer, el de El rinoceronte, de Eugène Ionesco. Personajes, todos ellos, dados a su propia crisis ontológica. Nos hallamos, pues, ante un ejercicio intencionado de descontextualización y apropiación que, sobre todo, nos pone frente a la compleja incertidumbre de la “personificación”. Cabe entender aquí lo que esto implica, más aún si pensamos en cómo conceptualizamos normalmente los logros de la literatura y cómo los reduci- mos al desfile de una interminable lista de personajes.

La vitalidad de esa personificación, su pulsión, precisamente es producto de las interminables hiperactividades que se derivan de la condición de texto. Todos sabemos que nadie acomete una lectura o escritura sin que se multiplique de forma inmediata la expansión rizomática de numerosas asociaciones. Todos sabemos que la riqueza del texto reside en ese potencial, el de lecturas y escrituras divergentes, tergiversadas, que se niegan a la interpretación unívoca. Admitamos, por lo tanto, que la linealidad narrativa no nos es del todo congénita, que es producto de mucha disci- plina, que, en realidad, es el resultado de un esfuerzo de concentración dedicado a regular y controlar esas hipertex- tualidades que se generan continuamente. El hipertexto es, pues, la condición orgánica del texto, es el lenguaje vivo. Pero, ojo, se trata de una vitalidad entendida como aquello que se realiza en todo momento, performáticamente –un pensamiento mágico, simultáneo, polisémico.

Ante tamaña amplitud de horizontes, Acotaciones tras la cuarta pared nos sugiere una línea exploratoria posible que implica entrar en las entrañas de una arquitectura que, en el contexto teatral, no es más que imaginaria, pero que, en el contexto del Espai Cub, se convierte en objetiva. Aquí, no es necesario “romper” esa cuarta pared porque está provista de una puerta de acceso, un extraño instante de literalidad. En cualquier caso, el cierre del proscenio sustituye las “especularidades” típicas del teatro por una especie de ensimismamiento, un encierro que puede remitirnos al murmullo interno de la persona. Frente a los referentes explícitos de Krapp, Willy Loman, Lis y Berenguer, marcados por una subjetividad conocida, definida de antemano por sus autores, nos vemos forzados a interrogarnos sobre esa otredad, esa caída impuesta por la mise en abyme en que se encuentran los personajes que vuelven desorientados al presente, de nuevo, a noso- tros… Extraña oportunidad para ellos de presentarse ante el juicio cruel del tiempo y de la historia.

"Acotaciones tras la cuarta pared", Marla Jacarilla. Imagen cortesía de la artista.

«Acotaciones tras la cuarta pared», Marla Jacarilla. Imagen cortesía de la artista.