Feraz reivindicación de la armonía esencial

Secret Garden. Perceval Graell y Hans Some
Casa del Cable
Av. Marina Española. Xàbia, Alacant
Hasta el 8 de mayo de 2016

En consecuencia la influencia de otras disciplinas en el proceso de creación es fundamental desde el inicio para establecer la relación entre la emoción y la técnica, entre la estructura y lo poético”

José Manuel López López

Cuando contemplamos dos obras de arte relacionadas por un marco de contigüidad espacio-temporal, inmediatamente no deslizamos hacia convenciones argumentales. ¿Existe una influencia recíproca? ¿Cabe desentrañar una intención dialógica? Parece que la tarea del espectador consiste en construir algún tipo de sentido al binomio y por ello recurre a las estructuras de pensamiento que tenga más a mano. Un poco de analogía de la forma, pequeñas gotas de conceptualismo curatorial, una dosis de posicionamiento artístico, de dialéctica y exploración de la materia. Fuegos de artificio, tan banales como irrelevantes. Casi tanto como las rocambolescas explicaciones que el galerista despliega ante el coleccionista en una feria de arte. Allí se legitiman transacciones financieras, aquí discursos para engrasar el sistema del arte.

Y sin embargo, algo en las tripas nos dice que estamos ante una manifestación veraz cuando dos artistas, desde estructuras de lenguaje diferentes, se entienden. Hans Some y Perceval Graells lo hacen. Su acorde suena. Da igual que el humus del jardín secreto tenga una composición esencialmente distinta. Tampoco importa que los procesos artísticos transcurran por rutas paralelas. El resultado rima porque el receptor reconstruye lo que no existe o lo que existiendo no puede trascender, pues es efímero y contingente.

La poesía reverbera, dibuja ecos en el tiempo y coloniza los espacios. Esa poesía polifónica puede nacer del microtiempo o del macroespacio, componer un valor tímbrico o melódico, estallar en la forma o negarla. Pero cada jardín tiene sus flores y el polen vuela como los sueños hasta la vigilia del que mira. Sencillamente, dos artistas y sus obras titilando en el firmamento escrutado por la mirada estereoscópica.

Uno de ellos, Hans Some, trabaja la escultura y, por tanto, el combate entre la materia y la forma, la energía resultante y las consecuencias expresivas de todo ello: tiempo, espacio, volumen, velocidad, vacío, calor, frío, etc. Nuestra mirada resbala por las piezas como una mano acariciadora. La percepción visual y háptica marcan itinerarios para recorrer todas las tensiones que estallan en cada obra, salpicando al que observa y dejándolo impregnado de placenta primigenia.

Empezando por la forma anguloesférica o cudrancircular, siguiendo por las secuencias disruptivas, la organicidad entrópica o la arqueología del futuro. Toda divergencia es conciliable cuando el fuego alcanza la temperatura necesaria. Otra más: la anulación del tiempo que congela la forma es también supresión del espacio. El magma interior coloniza la superficie, la transfiguración de la materia crea nuevos paisajes tras el vómito y el desvelamiento de la carne.

La belleza en sus sphids y otras series y piezas está más allá del sujeto, porque éste renuncia al control y admite la genialidad del caos. Reside más bien en la libertad con que se desafían los límites. Es de otro orden. Estriba en el coraje del mensajero y en la valentía del que mira. Un juego mágico, que reconoce la cualidad de lo ancestral y la mediación del artista.

Pero esta mediación no se fundamenta en la inspiración sino en la desfiguración. El poder de lo arcaico cobra carta de naturaleza a través de la experiencia volitiva que compromete la corporeidad misma del objeto y del sujeto. Verdades a martillazos, entender a golpes, experimentar el dolor. Lugares del lenguaje, pero también ideas-fuerza a las que asirnos.

Tal vez por ese radical ensimismamiento antrópico, las esculturas de Hans Some tienen algo de ingenioso, aletean como aves fénix despidiendo y atrayendo fuerzas telúricas. Una gravitación que las modula sobre el plano terrestre y las plasma a modo de amebas de hielo o las proyecta hacia el espacio, desintegradas en mil formas punzantes o arborescentes. A veces la tensión se resuelve en fractura y la fractura se restaña, como la vida misma cura las heridas.

Esta desconcertante sinfonía se macera en crudo, a través de las recetas del inconsciente y por eso alimentan el alma mejor que los platos racionales, aliñados con certezas y servidos al punto de consciencia. Paradojas del arte, nada puede ser si parece.

Serenamente disonantes, las pinturas de Percevall Graells lanzan sus mensajes emotivos a través del color y la forma. Indiferentes y coherentes al mismo tiempo, interpelan al ojo atento desde su aparente ensimismamiento. La atonalidad de la forma escultórica encuentra la réplica tímbrica de la pintura. El lienzo es un puro aliento expresivo que conecta el gesto con la emoción y trabaja desde el color y la forma, a veces apropiándose del signo, una dimensión poética.

Detalle de la exposición "Secret Garden" 2016. Cortesía de la galería.

Detalle de la exposición “Secret Garden” 2016. Cortesía de la galería.

Tampoco aquí hay treguas significantes, ni la certidumbre de una conexión con el sujeto. Es pintura y dejaría de serlo si buscara referentes. Funciona como invitación a observar el fruto sensible de lo vivido. Es la antítesis del mapa, una no-cartografía. Inextricable e in-significante, su falta de pretensión la dota de fuerza.

Como la poesía o la música, hay distintos elementos a considerar. Pero no se atienen a las reglas perceptivas ni buscan el aplauso desde los palcos o el patio de butacas. Su razón de ser reside en la capacidad de revelar nuevas combinaciones de la forma, el color y la materia, no por azarosas menos concluyentes. Resulta normal que lo intangible solo pueda encontrar su cauce expresivo a través de lo ininteligible. El ritmo y la seriación se alternan con el apunte o la deriva. El estallido de la forma puede resultar equivalente a una implosión afectiva. No hay itinerarios ni rutas, porque cada obra es la hoja del diario íntimo del artista que el aire vuela y modela hasta depositarla sobre la piel desnuda del que yace en la mirada.

¿Y todo esto cómo combina? Muy sencillo: La energía es trabajo, el trabajo se expresa por el movimiento y la variación solo se entiende de modo relacional. A fin de cuentas, armonía

Jordi Navas

Nacho Martín Silva, Premio Mardel 2015

III Premio de Pintura Mardel
Las Cigarreras Cultura Contemporánea
C/ San Carlos, 78. Alicante

El jurado del Premio de Pintura Mardel 2015, compuesto por Javier Díaz Guardiola, Begoña Martínez Deltell, José Luis Pérez Pont y Sergio Rubira, ha resuelto conceder el premio a Nacho Martín Silva, por su obra “Degradé after S.T.W”, y destacar a cuatro artistas con un accésit: Gil Gijón Bastante por “Primera comunión”; José Luis Cremades por la obra “Todos los colores”; Rubén M. Riera por “De-venir”; Ángel Masip por “Meteorismo II”.

Mardel logo

 

Premio de Pintura Mardel 2015: Nacho Martín Silva
Degradé after S.T.W, retoma el primer frame de la conocida obra de la artista británica Sam Taylor-Wood, Still life (2001), para reflexionar en torno a la relación entre las disciplinas artísticas a través de los tiempos, la relación entre los modelos y su representación y los conceptos de creación y destrucción.

Nacho Martín Silva. Degradé after S.T.W. Óleo y decapante sobre lino, 31x61 c/u. Cortesía Mardel.

Nacho Martín Silva. Degradé after S.T.W. Óleo y decapante sobre lino, 31×61 c/u. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Gil Gijón Bastante
Sus mas recientes trabajos consisten en reproducciones de antiguas fotografías rescatadas de álbumes familiares, utilizando únicamente el polvo y la pelusa del entorno privado de las personas representadas como materia prima para realizarlos. La razón de emplear el polvo doméstico reside en su composición. Cada partícula que lo forma procede tanto de restos orgánicos, como piel y cabello de las personas que viven ahí; como de restos inorgánicos de los objetos que tenemos en nuestras viviendas: fibras de alfombras, ropas y otros textiles, suciedad arrastrada de la calle bajo nuestros zapatos, polución del ambiente, etc. Con ello el artista pretende recuperar de alguna manera esa estratigrafía efímera del inexorable transcurrir del tiempo que representa el polvo y modelarla en busca de una autentica re-presentación, a la vez presentación y representación, con el uso del retrato y las fotografías (para traer al presente tanto a las personas como los recuerdos de estas) y hacer presente a dichas personas, a través de los restos que quedan de ellas en el polvo. El polvo queda convertido de esta manera en una metáfora esencial de la destrucción, del paso del tiempo y de la ruina. Un resto que ya no puede ser fragmentado más y que es empleado para volver a re-crear a la persona cual ave Fénix a partir de su propia materia. El desencadenante para hacer ver al espectador que está viviendo y respirando la memoria; que sus huellas se mezclan con tantas otras ya pretéritas, en un eco eterno.

Gil Gijón Bastante. Primera comunión. Polvo sobre PET, 150x105 cm. Cortesía de Mardel.

Gil Gijón Bastante. Primera comunión. Polvo sobre PET, 150×105 cm. Cortesía Mardel.

 

Accésit: José Luis Cremades
Cremades aborda la pintura desde la abstracción, pues considera que, como decía Carl Theodor Dreyer, la abstracción es esencial para el artista, porque le permite franquear las barreras que el naturalismo le impone y además hace que su obra deja de ser solamente visual, sino también espiritual. Rechazando los regímenes del mimetismo artístico y buscando los modos de abordar las cuestiones escatológicas a través de medio de la pintura opto por un estudio de las soluciones y estrategias pictóricamente abstractas y deliberadoras, alterando sus propios mecanismos y estructuras. Pero siempre partiendo de la experiencia y evolución técnica, ya que su obra artística no trata de reflejar la realidad sino las sensaciones y sentimientos de una persona que se enfrenta a ella. Con su obra trata de introducir en la conciencia del espectador las imágenes que apelan de modo directo a sus emociones y afectos para trascenderle a este campo del pictórico aislamiento abstracto, sin que el artista pretenda preestablecer significados. Es donde el público de modo absolutamente libre y autónomo crea su propia narración para las obras que, parafraseando a Nietzsche, son un puente y no una meta.

José Luis Cremades. Todos los colores. Acrílico sobre lienzo, 81x61 cm. (x12). Cortesía Mardel.

José Luis Cremades. Todos los colores. Acrílico sobre lienzo, 81×61 cm. c/u. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Rubén M. Riera
Entre lo visible y lo cegador, como dualidad propia de la luz, Riera articula este proyecto en el que busca ampliar los límites de lo pictórico. Investiga en la búsqueda de modelos alternativos de configuración de lo visible y de cómo los márgenes de la representación se diluyen en el diálogo con el espacio. Con esta obra hace una reinterpretación de las posibilidades visuales que hay en los elementos primarios que configuran lo que entendemos por lenguaje pictórico. Existe una vuelta a los orígenes de la que se sirve para desdoblar la representación y cuestionar la realidad. El artista afirma que “Pintura es también, lo único que realmente somos incapaces de ver”.

Rubén M. Riera. De-Venir, 2015. Spray y acrílico sobre polietileno transparente y bastidor de madera, 195x163 cm. Cortesía Mardel.

Rubén M. Riera. De-venir, 2015. Spray y acrílico sobre polietileno transparente y bastidor de madera, 195×163 cm. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Ángel Masip
En este trabajo se establece un juego a través de la propia semántica del término y la confusión que este pueda generar; tal y como habitualmente sucede con la experiencia artística y su análisis conceptual, bajo la exigencia de establecer una deconstrucción analítica de la práctica artística tradicional como reflejo de un pensamiento anacrónico. En la obra, la necesidad de esta renovación viene simbolizada bajo la figura de un meteorito informe, reforzado bajo la estructura dogmática que lo soporta. En este baile de símbolos se pone de manifiesto la contraposición conceptual sobre la idea de representación, así como el cuestionamiento de la percepción y de los modelos estéticos; a menudo la experiencia individual nos puede empujar a cuestionar los paradigmas mentales a través de los cuales se asientan estos conceptos. En este caso, la percepción queda confundida por exceso, rozando efectos casi fotográficos, tal vez truncada por las reminiscencias al graffiti urbano y el uso de los materiales periféricos de toscos acabados.

Ángel Masip. Meteorismo II. Capas sucesivas de tinta pigmentada y veladas con spray plata sobre papel. Cortesía Mardel.

Ángel Masip. Meteorismo II. Capas sucesivas de tinta pigmentada y veladas con spray plata sobre papel. Cortesía Mardel.

Pincha aquí para consultar la lista completa de artistas seleccionados en la III edición del Premio de Pintura Mardel.

Vista parcial de la exposición, con los trabajos seleccionados en la convocatoria del III Premio de Pintura Mardel, en Las Cigarreras.

Vista parcial de la exposición, con los trabajos seleccionados en la convocatoria del III Premio de Pintura Mardel, en Las Cigarreras (Alicante).

Óscar Bento. Bañado en chocolate

Óscar Bento. Chocolate
Sala de exposiciones del Palacio Provincial
Avda de la Estación 6. Alicante
Hasta el 20 de septiembre de 2015

Desde que contemplé por primera vez la obra de Óscar Bento un verano en la Galería Isabel Bilbao, de Moraira (Alicante), descubrí a un artista minucioso, pulcro, sosegado, con una trayectoria sólida, consolidada, prolífica, con cerca de cuarenta años entre pinceles, óleos, lienzos, acrílicos…, y también entre moldes, fundiciones, cámaras, objetivos y otros materiales, pues su producción no solo es pictórica; abarca también la escultura y la fotografía de paisajes en los que se aprecia su amor por el mar, por el Mediterráneo que baña Xàbia, su tierra de adopción.

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Si volvemos la mirada a su evolución pictórica y a través de su búsqueda personal, de su prisma de artista, podemos ver su dominio de la luz, el color y la atmósfera, su interés por los paisajes y costumbres de los lugares por los que Óscar ha vivido y viajado. Lejanos y diferentes, nos acercan a sus vivencias y sensaciones, a sus sabores y colores; en definitiva, a todos los matices que conforman su mundo creativo y que desembocan en esta serie actual dedicada al chocolate -y que da nombre a esta exposición-, esa riquísima mezcla que nace del árbol del cacao, de origen milenario. Semillas de cacao, manteca de cacao y azúcar, junto con otros ingredientes, permiten deliciosas mezclas, sabores, texturas… y algo así sucede en esta serie pictórica en la que líneas y colores, densidades y composiciones nos trasladan desde la percepción visual a la sensorial.

Oscar Bento 3

Óscar Bento trabaja en esta serie desde el 2011, en la que predominan los marrones, junto a otras gamas pictóricas, en mayor o menor intensidad, en las que a veces aparecen los dorados que recuerdan los envoltorios del chocolate. Son obras con volumen, con un grosor denso de materia, que el artista compone minuciosamente, línea a línea, con rigor, predominando la recta en el equilibrio visual. La aplicación de la materia, de los acrílicos, junto al formato grande, cuadrado, en el que trabaja, contribuye a que el resultado sea sorprendente y que, junto a sus composiciones horizontales o verticales, en las que la dirección y el grosor de la línea y la sombra que proyectan, aportan profundidad, riqueza y fuerza expresiva a la obra de Óscar Bento.

Pilar Tébar
Oscar Bento Invitación

 

Recta final de A Quemarropa

Residencias A Quemarropa
Parking Gallery
Bailén, 15. Alicante
Horario: de 10:00 a 14:00 h. y de 17:00 a 20:00 h.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

11 artistas conforman el equipo de residentes de este proyecto que vuelve a las instalaciones de Parking Gallery, tras el éxito de la primera edición. Dos semanas de convivencia, experiencia y formación, Residencias A Quemarropa fomenta la gestión y la difusión de la creación artística, esta convocatoria regresa ante la necesidad de seguir generando un proyecto artístico que permita el diálogo, el debate y la cooperación intergeneracional entre diferentes agentes del arte: artistas, curadores, críticos, galeristas y coleccionistas de toda España.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

En su segunda edición, la organización tiene el propósito de hacer del proyecto una plataforma de apoyo que fomente las redes entre los artistas participantes y el sector profesional invitado. Este año el proyecto de Residencias A Quemarropa se expande en la ciudad, Parking Gallery, El Claustro, Hostal San Roque, La Sede Universitaria ciudad de Alicante, Freaks Arts Bar Benalúa, The October Press entre otros, ampliando en tres los campos de trabajo: 1ª la residencia llevada a cabo en la Parking Gallery y el Hostal San Roque, 2ª Charlas y conferencias abiertas al público y 3ª A Bocajarro festival de vídeo con la participación de algunos de los artistas colaboradores.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

La residencia este año está formada por 10 proyectos artísticos, los artistas que van a compartir la galería Parking Gallery como espacio de trabajo donde mostrar y defender su obra: Misa Shine, Polyphone (Elsa Chardon y Clara Blein), Mari Sol Maza, Jorge Isla, Diana Velasquez, Juan Carlos Rosa Casasola, Gil Gijón, Marco Prieto, María Platero, M. Reme Silvestre. Artistas que muestran su obra a profesionales del mundo del arte tales como: Miguel Ángel Hernández, Isabel Durante, Olivier Collet, Begoña Martínez, Massimo Pissani, Johana Caplliure, Martín Lejarraga, Javier Duero, Eugenio Ampudia, Aurelio Ayela, Isaac Montoya, Javi Moreno, Eduardo Infante entre otros. Como novedad el Hostal San Roque acoge a los residentes del 20 de julio al 31 de julio.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

Paralelo al desarrollo de la residencia A quemarropa, el programa “Abierto al público” ofrece una serie de charlas y conferencias en torno al desarrollo y gestión de espacios alternativos y colectivos que trabajan de manera independiente como AB9 y Home Session, o la ponencia “La comida en la obra de Rosalia Banet” donde la artista aborda la relación que establece entre alimentación y sociedad.

“A bocajarro” es un festival de vídeo-arte que acompaña las actividades programadas en El Claustro de San Nicolas, desde el 24 de julio se proyectan 7 obras audiovisuales realizadas por artistas vinculados al proyecto de las residencias: Aurelio Ayela, Arántzazu Ros, Eduardo Infante, Kribi Heral, Joaquín Artime, Juan Fuster y Saúl Sellés.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

Al igual que el año pasado se celebrará una exposición con todos los residentes en Espacio Trapézio (Madrid) manteniendo así un vínculo de trabajo para los artistas entre las dos ciudades, Alicante y Madrid.

Estas son las próximas actividades abiertas al público:

-Jueves 30 de Julio
2ª parte de visionado de portfolios A QUEMARROPA.
A las 20.00 h la segunda Tanda  de los participantes de Residencias a quemarropa 2015 nos revelan los entresijos de su trabajo artístico, conoce de primera mano quienes son A QUEMARROPA 2015.
Marco Prieto – Mari Sol Maza – Poliphone  – Misa Shine – M Reme Silvestre

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

-Viernes 31 de Julio
Fiesta final RESIDENCIAS A QUEMARROPA
Un encuentro con formato expositivo para disfrutar de la compañía de los residentes de forma distendida y con música en directo.

Además la residencia es visitable a diario para que el público de a pie pueda conocer la dinámica del proyecto.

+INFO

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

MUA: residencias formativas en arte contemporáneo

Programa de residencias formativas de creación e investigación en arte contemporáneo “PLUS”
Museo de la Universidad de Alicante. MUA
Del 13 al 25 de julio de 2015

La Universidad de Alicante y su Fundación General convocaron a través del Museo de la Universidad de Alicante (MUA) un programa de residencias formativas de creación e investigación en arte contemporáneo. “PLUS” se lleva  a cabo del 13 al 25 de julio de 2015 y tiene como objetivo  fomentar la creación, aumentar la formación, promover la investigación y generar contactos entre profesionales del sector.

Cinco propuestas de artistas individuales o colectivos (en distintas disciplinas como pintura, dibujo, escultura, fotografía, videoarte, instalación, etc.) han sido elegidas por una comisión de expertos y técnicos de arte del MUA. Durante dos semanas, de lunes a viernes y de 9:00h a 20:00h, los seleccionados realizarán su proyecto artístico en las instalaciones del MUA: sala Naias, sala Àgora, biblioteca, anfiteatro y exteriores. Las residencias se complementan con una formación que propone talleres de diferentes agentes culturales con los artistas para potenciar la profesionalización y la proyección de los creadores.

Los artistas seleccionados son: María Ortega Estepa, Ángel Masip, Pablo Bellot, Juan F. Navarro y Alexandra Rodes. Cada artista recibe una bolsa de 300€ para la producción de su proyecto. Además se ofertó una bolsa de alojamiento de 600€ para un solo artista no residente en el contexto local. Los proyectos deberán estar acabados al final de la residencia y el MUA los expondrá en octubre de 2015 en una muestra colectiva.

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Desde el martes 14 de julio y hasta el miércoles día 22, el Museo de la Universidad de Alicante, acogerá seis conferencias formativas en el marco del programa de residencias formativas de creación e investigación en arte contemporáneo “PLUS”. De 12 a 13 h. serán sesiones abiertas al público y entre las 13 y las 14 h. se celebrarán los encuentros de los profesionales con los residentes.

Las charlas contarán con especialistas en diversas áreas de conocimiento y abordarán temas como:

14 de julio:  la Galería de arte como proyecto work  in progress, impartida por Begoña Martínez Deltell, directora de la Galería Aural.

15 de julio:  Arte y comunicación. Comunicación del arte, a cargo por Raúl Rodríguez, coordinador del Máster Oficial en Comunicación e Industrias Creativas.

16 de julio: Hacer, deshacer, rehacer. El sistema del arte y las buenas prácticas, por José Luis Pérez Pont, crítico de arte, comisario y codirector de www.makma.net.

20 de julio: + – 1961 La Eclosión  de un arte expandido, impartido por José Maldonado, doctor en Bellas Artes y profesor de la Universidad Miguel Hernández de Elche.

21 de julio: Valor social del arte, a cargo de Isaac Montoya, artista y presidente de la Asociación de Artistas Contemporáneos de Alicante (ACOA).

22 de julio: Tiempos y procesos en el desarrollo de proyectos artísticos, por Teresa Marín, doctora en Bellas Artes y profesora de profesor de la Universidad Miguel Hernández de Elche.

El programa de residencias formativas de creación e investigación en arte contemporáneo “PLUS”, impulsado por la Universidad de Alicante y su Fundación General, tiene como objetivo  fomentar la creación, aumentar la formación, promover la investigación y generar contactos entre profesionales del sector.

Las jornadas son de acceso  libre hasta completar el aforo.

Ciudad (des)elegida

Ciudad elegida. Alberto Feijóo, Carlos Aguilera, Cristina De Middel, Ricardo Cases, Sebastián Liste, Vicente Paredes
Mustang Art Gallery
C/Severo Ochoa, 36. Elche (Alicante)
Hasta el 8 de mayo de 2015

27 de marzo, 18.00h Mesa Redonda
Con la participación de Rafael Doctor (Crítico de arte y comisario independiente) y Luis López Navarro (Realizador) más Alberto Feijóo, Carlos Aguilera, Cristina De Middel, Ricardo Cases, Sebastián Liste , Vicente Paredes, los seis fotógrafos protagonistas de la muestra. Modera Ana Alarcón, comisaria del proyecto.

27 de marzo, 20.30h Inauguración
El proyecto expositivo Ciudad Elegida reúne por primera vez en Alicante 102 fotografías inéditas de Alberto Feijóo, Carlos Aguilera, Cristina de Middel, Ricardo Cases, Sebastián Liste y Vicente Paredes. Seis creadores del mundo de la fotografía que nacieron en esa provincia y que, a pesar de su gran repercusión internacional, su reconocimiento en premios y festivales, y la lucidez de su discurso, son prácticamente desconocidos en su tierra de origen.

Sebastian Liste. The refuge. All the way back home. Cortesía Mustang Art Gallery.

Sebastian Liste. The refuge. All the way back home. Cortesía Mustang Art Gallery.

CIUDAD (DES)ELEGIDA

En 1967 la constructora Calpisa planteaba en Alicante la construcción de una gran urbanización con el nombre de Ciudad Elegida Juan XXIII entre las carreteras de Valencia y Villafranqueza. La urbanización de aquellos terrenos desiertos y alejados del centro, pero que prometía una zona residencial de ensueño, y que en algún momento incluso llegó a serlo, se inició a finales de la década de los sesenta y se terminó a finales de los setenta. Nacía en aquellos años, aparte de una urbanización feroz y arrasadora en todo el levante español y la cultura que degeneraría en pelotazo, una poderosa generación de jóvenes que viviría el éxito absoluto y el fracaso estrepitoso de la nueva situación social y económica que definiría al país entero. Bajo aquel nombre, tan evocador como agorero, que remataba con grandes letras y aún sigue dominando un pequeño barrio de Alicante, se generó la fuerza de quienes escucharon cassettes y vieron videoclips en los años ochenta, descubrieron las cámaras digitales a finales de los noventa y se colgaron de su teléfono móvil cuando comenzaba el nuevo siglo.

Esos jóvenes comenzaron a generar (buenas) imágenes, miles de fotografías que, a su vez, a través de un boom tecnológico, el auge imparable de internet y la aparición de las poderosas redes sociales permitían que esas instantáneas viajasen a la velocidad de la luz, se transmitieran hasta cualquier lugar del mundo y fueran más arrolladoras aún por lo que implicaban que por lo que en sí mostraban. Ante tal saturación y esa velocidad desmesurada, resultaba muy difícil, casi imposible, distinguir el polvo de la paja, rescatar un fulgor entre miles de flashazos. Pero de repente aparecían pepitas de oro que brillaban con tal fuerza que no hacía falta apartar mucho la arena. Y, entre ellas, cada vez más con nombres que habían nacido bajo aquellas letras decadentes, y todo el mundo, excepto nosotros mismos, los de aquí, miraba en nuestra dirección para volverse loco por el valioso oro levantino.

Alberto Feijóo. Disparar y fallar. Cortesía Mustang Art Gallery.

Alberto Feijóo. Disparar y fallar. Cortesía Mustang Art Gallery.

Turismo de masas, verano eterno, abundancia low cost y de mercadillo, ascenso a los cielos y descenso a los infiernos empresarial y económico, feísmo urbanístico, belleza mediterránea, idiosincrasia particular (por utilizar un adjetivo), circo político y un vacío, enorme abismal, tremebundo, ante el arte y la cultura contemporánea (y la acción, que no resignación, de las partes afectadas). Esas eran algunas de las respuestas, mezcladas y distintas, que encontraba cuando me preguntaba muchas veces por qué cada vez resonaban más creadores originarios de esta tierra. Quizá no se debía a nada en particular, quizá sólo era así, y punto. Pero todos esos ingredientes debían curtir y generar una manera particular de ver el mundo. Y ese vacío, esa nada y ese agujero negro por el que se podrían haber colado y haber desaparecido para siempre y que, para empezar, les hizo marcharse lejos o muy lejos, les debió dar más fuerza para trabajar sin tregua y desarrollar una certeza creativa sin precedentes.

Entre 2011 y 2014 he reunido a distintos fotógrafos nacidos en esta provincia que comparten algo en común: trabajo impecable poco o nada reconocido en su lugar de origen; trayectoria frecuentemente fuera del circuito establecido y con mucha repercusión internacional; prefijo auto en la mayoría de sustantivos que definen su recorrido (autoedición, autogestión, autodifusión…); y una decisión y un coraje fuera de lo habitual. En esta muestra cada uno nos asoma a su tierra de origen mediante trabajos inéditos que se presentan por primera vez con motivo de la misma. Alberto Feijóo (Alicante, 1985) parte del título Ciudad Elegida para construir “una estructura con los restos que encuentro en la periferia de dicha ciudad, aquellos objetos que la propia ciudad desecha y a los que otorgo una segunda vida. Muestro objetos y “memoriales” de mi experiencia con la ciudad y con el paso del tiempo”. Sebastián Liste (Alicante, 1985), fotoperiodista puro con un lenguaje fotogrí﷽﷽﷽﷽﷽﷽﷽﷽o sas di que el mundo se haya vuelto msu familia poldicierra de origen a travecuentemente fuera del circuito estableciáfico muy distinto al del resto, nos muestra un diario íntimo que comenzó hace más de diez años y que se centra en Abdet, un pueblo del interior en el que vive su familia política. Carlos Aguilera (Los Montesinos, 1992), artista novel que para su puesta de largo mira a su pueblo de nacimiento y nos presenta La general: “estas fotografías establecen un punto de encuentro entre el pasado y el presente, los espacios que un día sirvieron para que se fuese configurando el pueblo por agregación, son ahora lugares borrosos a los que se les han asignado nuevos usos, indeterminados y arbitrarios”. Cristina de Middel (Alicante, 1974) rescata las imágenes de un blog que creó en 2008 cuando trabajaba para la prensa local y reúne “historias obvias y olvidadas que nunca darían su salto a las portadas. Vividas en primera persona y metabolizadas de ese mismo modo sin más filtro que la necesidad de sacar a la luz aquel detalle que convierte el día en algo mágico y excepcional, orgullosamente ajeno a la actualidad y los criterios editoriales”. Ricardo Cases (Orihuela, 1971) y Vicente Paredes (Orihuela, 1972) muestran a dúo sus Oriolanos ausentes “después de más de veinte años de un exilio voluntario que aún perdura, regresamos a nuestra ciudad para presentar un mundo adormecido por el cannabis y la religión y revisamos la iconografía oriolana que representa el alma de este lugar”.

Casi cincuenta años después de que Ciudad Elegida asentara sus cimientos, seis artistas vuelven a su Ciudad (Des)elegida para contarnos lo que sienten. Más allá de sus imágenes está la historia de una generación y de una región que podría haber sido absolutamente triste pero que deviene más bien una esperanza y hace que el cuento culmine con más moraleja que muchas narraciones clásicas. El contexto social y político en el que vivimos, y que va estrechamente relacionado con las imágenes que tenemos delante, daría para dar muchas vueltas a este texto y utilizar muchas malas palabras, pero la inteligencia que desborda de cada fotografía hace que no sea necesario. En absoluto. “El analfabeto del futuro no será aquel que no conozca las letras, sino quien no conozca la fotografía” sentenciaba el filósofo Walter Benjamin ya a principios del siglo pasado. Miremos esta(s) Ciudad(es) y no lo seamos. Nosotros no.

Cristina de Middel. Ciudad elegida. Cortesía Mustang Art Gallery.

Cristina de Middel. Ciudad elegida. Cortesía Mustang Art Gallery.

Texto curatorial de Ana Alarcón para el proyecto “Ciudad elegida”.

 

Alberto Feijóo: Something we used to Know

Alberto Feijóo: Something we used to Know

Tras su exposición en el Centro 14 (Alicante), Alberto Feijóo (Alicante, 1985) nos explica su trabajo Something we used to know: “Los lugares frecuentados, los acontecimientos presenciados, las relaciones interrumpidas, todos esos fragmentos de recuerdos que, como los objetos que antes atesorábamos, ocupan un espacio en un almacén que es nuestra memoria.

Alberto Feijóo "Something we used to know" (tabla de madera 100 x 80 cm combinada con fotografías enmarcadas de medidas variables). Imagen cortesía del artista.

Alberto Feijóo “Something we used to know” (tabla de madera 100 x 80 cm combinada con fotografías enmarcadas de medidas variables). Imagen cortesía del artista.

“Something we used to know” que se podría traducir como: “algo que solíamos conocer”, es un trabajo que gira en torno a la Juventud y a sus recuerdos.
El foco se centra en la etapa de la vida comprendida entre la adolescencia y la vida adulta, de límites difusos y abierta a miles de interpretaciones y enfoques.

Alberto Feijóo "Something we used to know" (tabla invertida apoyada sobre dos pomelos 80 x 60 cm). Imagen cortesía del artista.

Alberto Feijóo “Something we used to know” (tabla invertida apoyada sobre dos pomelos 80 x 60 cm). Imagen cortesía del artista.

Todos estamos configurados de nuestras experiencias pasadas y somos un producto de las mismas. La manera de expresión física y mental de un determinado tramo vital en un individuo deja un remanente que lo acompaña para siempre.
De esta manera, se pretende que dos momentos en el tiempo se pongan en relación, pasado y presente se entrelazan formando así superposiciones de capas que, en distintiva, son recuerdos.

Alberto Feijóo "Something we used to know" (Bodegón  de fruta: lo componen frutas naturales y frutas pintadas con pintura acrílica en spray en varios colores. Esta pieza es efímera y se degrada conforme avanza la exposición). Imagen cortesía del artista.

Alberto Feijóo “Something we used to know” (Bodegón de fruta: lo componen frutas naturales y frutas pintadas con pintura acrílica en spray en varios colores. Esta pieza es efímera y se degrada conforme avanza la exposición). Imagen cortesía del artista.

Uno de los elementos catalizadores es la Música, mediante la cual canalizamos nuestra energía.
Dicha disciplina, es una forma más de encuentro social y de expresión artística. Un elemento diferenciador que agrupa y a la vez disgrega grupos de personas con los que nos sentimos identificados e incluso formamos parte.

Alberto Feijóo "Something we used to know". Imagen cortesía del artista.

Alberto Feijóo “Something we used to know”. Imagen cortesía del artista.

“Something we used to know” se configura de fotografías en su mayoría, pero también de objetos y de documentos de épocas pasadas, cosas que se desentierran para la ocasión y que forman parte de un imaginario personal. Este trabajo consta de dos formatos, por un lado una publicación y por otro una exposición. Ambos tienen cosas comunes y lugares de encuentro aunque están concebidos de manera independiente.

Alberto Feijóo "Something we used to know" (fotografía). Imagen cortesía del artista.

Alberto Feijóo “Something we used to know” (fotografía). Imagen cortesía del artista.

En resumen,” este proyecto es un intento de analizar la identidad, el anhelo de recordar lo que fuimos y de recuperar lo perdido”.

Alberto Feijóo "Something we used to know" (fotografía). Imagen cortesía del artista.

Alberto Feijóo “Something we used to know” (fotografía). Imagen cortesía del artista.

Alberto Feijóo "Something we used to know" (Fotografía). Imagen cortesía del artista.

Alberto Feijóo “Something we used to know” (Fotografía). Imagen cortesía del artista.

Bases II Convocatoria Mardel de pintura

II Convocatoria Mardel

Mardel es un proyecto sin ánimo de lucro, cuyo objetivo es ayudar y promocionar a jóvenes artistas. Pretende dar la oportunidad a jóvenes intérpretes y creadores de mostrar su arte, y acceder a una ayuda económica a través de premios concedidos desde un jurado cualificado e independiente, ya sea en metálico, becas de formación o facilitando la difusión y conocimiento de su obra a través de exposiciones colectivas.

Cristina Toledo. Bag-it. Primer premio de la Convocatoria de Pintura Mardel 2013. Imagen cortesía de la artista y la organización.

Cristina Toledo. Bag-it. Primer premio de la Convocatoria de Pintura Mardel 2013. Imagen cortesía de la artista y la organización.

PARTICIPANTES
Artistas plásticos españoles o residentes en España con edades comprendidas entre 18 y 35 años a 1 de enero de 2014.

MODALIDAD
Se establece una única modalidad: Pintura

CARACTERISTICAS
Cada participante podrá presentar una sola obra a concurso de la que sea autor y propietario, y que no haya sido premiada o seleccionada en otras convocatorias, así como un breve texto explicativo de la obra (máximo 200 palabras). Se establece una medida de 100cm en su dimensión menor.

DOTACION
Un primer premio de 3.000 euros . El premio conlleva la cesión de la obra a la entidad convocante. Se concederán además tres accésits.

INSCRIPCION-RECEPCION
Primera Fase:
De 15 de septiembre a 15 de octubre de 2014 se enviará una fotografía en formato digital de un máximo de 2 Mb y 300 p.p.p. de la obra a concursar, hechas sin cristal, para la preselección.

Las fotografías se enviarán en formato .jpg a través del Boletin de suscripción que aparece en la página de mardel, junto con un dosier fotográfico en formato PDF de otras obras (entre 3 y 5) de su propia producción.

Segunda Fase
En noviembre de 2014 se comunicará los artistas seleccionados, los cuales enviarán su obra del 17 al 27 de noviembre inclusive en las condiciones y al lugar que se indica. Se realizará una exposición en el Centro Municipal de las Artes de Alicante que será inaugurada el 4 de diciembre 2014.

Las obras se presentarán bajo los siguientes condicionantes:
1. La obra deberá entregarse debidamente embalada y protegida con material resistente, reutilizable para su devolución. En el embalaje deberán figurar además los datos del remitente.

2. En el dorso de la obra deberá figurar el título y año de realización así como el nombre y apellidos del artista y fotocopia del D.N.I.

3. Cada artista podrá concurrir con un máximo de una obra, corriendo a su cargo los gastos de envío y retorno de las mismas. Las obras estarán aseguradas durante el período de exposición.

Alejandro Casanova. Bata estampada, perra y terraza. Segundo accesit de la Convocatoria de Pintura Mardel 2013. Imagen cortesía del artista y la organización.

Alejandro Casanova. Bata estampada, perra y terraza. Segundo accesit de la Convocatoria de Pintura Mardel 2013. Imagen cortesía del artista y la organización.

DIRECCION DE ENVIO
La dirección de envío y recogida es:
Centro Municipal de las Artes.
Pza. Quijano, 2 (Centro Histórico), Alicante

Se recibirán obras entre el 17 y el 27 de noviembre de 2014 inclusive en horario de 10 a14h.
Posteriormente, las obras (excepto la ganadora) deberán retirarse entre el 12 y el 16 de enero de 2015. Las no retiradas dentro del plazo fijado quedarán en propiedad de la organización convocante.

JURADO
-José Luis Martínez Meseguer. Crítico de arte y comisario de exposiciones
-Angel Masip. Artista
-Luisa Pastor. Artista
-José Luis Pérez Pont. Crítico de arte. Presidente de la Associació Valenciana de Crítics d’Art (AVCA)
-Pilar Tébar: Crítica de arte. Vicepresidenta por Alicante de la Associació Valenciana de Crítics d’ Art (AVCA)

El fallo del jurado, inapelable, podrá ser declarado desierto y se dará a conocer en la apertura de la exposición.

El hecho de participar en el concurso conlleva la aceptación de todas y cada una de las bases.

Rubén Martínez. Desmemoria. Tercer accesit de la Convocatoria de Pintura Mardel 2013. Imagen cortesía del artista y la organización.

Rubén Martínez. Desmemoria. Tercer accesit de la Convocatoria de Pintura Mardel 2013. Imagen cortesía del artista y la organización.

Lliure Briz en Mustang Art Gallery

Lliure Briz, “Inflorescentia- Out of the Bloom”
Sala MAG
Mustang Art Gallery
C/ Severo Ochoa, número 36, Elche Parque Empresarial
Hasta el 25 de septiembre de 2014

Esta es la instalación artística número 25 que acoge Mustang Art Gallery desde que se puso en marcha en julio de 2010. La Sala MAG se configura así como una sala de exposiciones para la promoción y difusión del nuevo arte contemporáneo. Sin duda se trata de una iniciativa innovadora dentro de un entorno empresarial.

Lliure Briz durante el montaje en la Sala MAG. Cortesía Mustang Art Gallery.

Lliure Briz durante el montaje en la Sala MAG. Cortesía Mustang Art Gallery.

“Inflorescentia-Out of the Bloom”, de Lliure Briz, dado como resultado una intervención mural que cubrirá como un tapiz el gran muro central de Mustang Art Gallery. Briz ha utilizado la pigmentación de las flores como paleta cromática fusionando pintura y animación. De este modo la abstracción del color y la evolución de las formas dotan de profundidad y libertad estética a esta experiencia visual.

Esta es la singular propuesta de esta artista, de la galería “Say Hi”, ganadora del “Just Mag Premio Joven 2013”, que otorga anualmente la Sala MAG en el marco de la Feria Internacional de Arte Emergente, JUSTMAD.

Formada en la Royal Academy of Arts de Amberes fue seleccionada para representar al talento emergente de Bélgica en La Haya. Su trabajo también ha sido valorado por el Museum Quartier de Viena y el MOMA de Nueva York.

Lliure Briz durante el montaje en la Sala MAG. Cortesía Mustang Art Gallery.

Lliure Briz durante el montaje en la Sala MAG. Cortesía Mustang Art Gallery.

Y en el marco de esta exposición se dará a conocer el proyecto “Confluencias” que acogerá Mustang Art Gallery en octubre, en colaboración con AVVAC (Associació d’Artistes Visuals de València, Alacant i Castelló) y la UHM. Se trata de un networking que pretende ser un punto de encuentro entre artistas jóvenes y artistas profesionales, críticos, gestores culturales y galeristas de primer orden. Se planteará como una serie de conversaciones privadas entre ambas partes que incluirá un espacio propio de exposición para cada joven artista. Podrán participar tanto estudiantes de grado de la facultad de Bellas Artes de Altea como socios de AVVAC. Estos últimos podrán presentarse tras el lanzamiento de la convocatoria en septiembre, que se comunicará a través de la propia asociación.

SET cumple 10

Javi Moreno, Juan Olivares, Cristina Almodóvar, Rubén Tortosa, Ibán Ramón, Isidro Ferrer, Lukas Ulmi, Sara Sanz, Sean Mackaoui, Sergio Barrera, Andreu Alfaro, Chema Madoz.
Set Espai d’Art
C/ En Grenyó, 7. Jávea (Alicante)
Inauguración: 12 de julio, 20 h.
Hasta el 30 de agosto de 2014

Set Espai d’Art celebra sus primeros 10 años en su sede de Jávea (Alicante). Para festejarlo inaugura una exposición colectiva con algunos de los artistas representados por esta galería, con piezas especialmente seleccionadas, a través del dibujo, pintura, fotografía, escultura, instalación y obra gráfica.

Fachada de Set Espai d'Art en el casco antiguo de Jávea (Alicante). Imagen cortesía de la galería.

Fachada de Set Espai d’Art en el casco antiguo de Jávea (Alicante). Imagen cortesía de la galería.