¿Quién fue el arquitecto de Nueva York?

El arquitecto de Nueva York, de Eva Vizcarra
Documental producido por Endora

Cumplidos los 40 años, Rafael Guastavino llegó a la Gran manzana, a finales del siglo XIX, sin conocimientos de inglés, ni tener allí ningún contacto o padrino, y de forma prodigiosa y tras muchos avatares dejó su impronta imperecedera en la ciudad. Una huella tan firme y sólida que este valenciano nacido en la Plaza de la Reina pasó a la historia como ‘El arquitecto de Nueva York’. Este es el título de un largometraje documental de 70 minutos de duración producido por Endora que con un equipo  íntegramente valenciano trata de responder la difícil pregunta ¿Quién fue realmente Rafael Guastavino?

El arquitecto de Nueva York, de Eva Vizcarra. Imagen cortesía de sus autores.

El arquitecto de Nueva York, de Eva Vizcarra. Imagen cortesía de sus autores.

En pos de su esquivo rastro la directora de Endora y también del documental, Eva Vizcarra junto a los realizadores viajaron a Vila-real, Nueva York y Boston, y se entrevistaron con numerosos especialistas en la obra de este genio desconocido. “En Endora siempre nos interesamos por la cultura y el arte, especialmente por la arquitectura, y cuando me hablaron de este gran hombre supe que tenía que dedicarle un proyecto”, cuenta Vizcarra.

La producción fue posible gracias al apoyo del Ministerio de Cultura, TVE, CulturArts y la aportación de María José Soriano, presidenta de Porcelanosa. En total, algo más de 200.000 euros dedicados a recuperar la memoria y la obra de este valenciano hasta ahora sólo conocido por los arquitectos e intelectuales. El filme se presentó a principios de marzo y se podrá ver el próximo 15 de abril en la serie Imprescindibles de LaDos antes de entrar en el circuito de las salas de exhibición. Manuel de la Reina, Carlos Escutia, ambos ganadores de un Goya, y Miguel Gil forman parte del equipo de producción.

El arquitecto de Nueva York, de Eva Vizcarra. Imagen cortesía de sus autores.

El arquitecto de Nueva York, de Eva Vizcarra. Imagen cortesía de sus autores.

Un millar de edificios

A través de testimonios de expertos y animación en 3D de Primer Frame el documental explica cómo Guastavino (Valencia, 1842-Baltimore, 1908) logró el éxito y se forjó una reputación con sus soluciones constructivas, especialmente con la llamada bóveda tabicada o catalana de origen romano y mediterráneo. En una época en la que Nueva York era pasto de pavorosos incendios,  jugó una gran baza. Construyó unas cuantas pequeñas edificaciones según sus técnicas y tras incendiarlas demostró que resistían las llamas. Así se ganó la admiración y la confianza de sus colegas americanos.

En su etapa estadounidense construyó alrededor de un millar de edificios entre los que destaca la Grand Central Terminal, la estación ferroviaria con mayor actividad del mundo, unos 750.000 viajeros diarios. Espacios tan dispares como la biblioteca pública de Boston o la Catedral de San Juan Divino en Nueva York, cuya inmensa cúpula central podría contener la Estatua de la Libertad. También la primera estación de metro, el Zoológico del Bronx, Carnegie Hall, el edificio de la Reserva Federal o el puente de Queensboroug’s, en el que Woody Allen se inspiró en la película que lleva ese nombre. Sus obras se encuentran también en Baltimore, Boston, Filadelfia y otras ciudades.

Rodaje de 'El arquitecto de Nueva York', de Eva Vizcarra. Imagen cortesía de sus autores.

Rodaje de ‘El arquitecto de Nueva York’, de Eva Vizcarra. Imagen cortesía de sus autores.

Mujeriego empedernido

La faceta humana del arquitecto es más difusa, aunque sí parece claro que fue un gran mujeriego. De hecho, su exilio a Nueva York fue provocado en parte por un lío de faldas. Abandonado por su adinerada mujer, harta de sus constantes infidelidades emprendió el viaje con una de sus amantes y uno de sus cuatro hijos, que contaba a la sazón nueve años y que prosiguió su obra en Estados Unidos. Dejaba en Barcelona algunas deudas y a una sobrina embarazada. De su intensa vida sólo quedan tres retratos fotográficos que lo representan en tres momentos de su vida.

También se sabe con certeza que nació en la Plaza de la Reina, que su abuelo residió en Vila-real y que padre era ebanista y de origen italiano. En Barcelona dejó sus estudios en artes por los de la Escuela Especial de Maestro de Obras, donde forjó su estilo a partir de la “construcción cohesiva”: bóvedas para fábricas, masías y fincas que suponían un importante ahorro económico, ya que no requerían de encofrado y eran resistentes al fuego.

Gracias al filme de Endora su rostro será por fin familiar a los valencianos y pasará a la galería de personajes ilustres que pusieron esta tierra a muy alto nivel.

El arquitecto de Nueva York, de Eva Vizcarra. Imagen cortesía de sus autores.

El arquitecto de Nueva York, de Eva Vizcarra. Imagen cortesía de sus autores.

Bel Carrasco

Las “promesas” de Vicente Tirado

Vicente Tirado, “A Promise”
TEST. Muestra de arte y creatividad
El Convent, Espai d’art
Carrer Hospital, 5, Vila-real, Castellón
Hasta el 1 de mayo de 2016

Las fórmulas de desarrollo económico y de bienestar se fundamentan en la acumulación de riqueza, que llegadas a un punto de inflexión han perdido por completo la ponderación necesaria que permita cierto equilibrio. En buena medida en el trasfondo del asunto se encuentra la idea de la consecución de la felicidad individual mediante la representación del éxito, en equivalencia al poder económico alcanzado. Zygmunt Bauman[1] se pronuncia aclarando que la promesa de felicidad universal, y de cada vez más felicidad con el tiempo, llevó al Estado moderno a una especie de pacto social. El Estado se comprometía a distribuir los bienes, y los ciudadanos esperaban recibirlos. A cambio de los beneficios, los ciudadanos comprometían su lealtad al Estado; a cambio de sus servicios, el Estado esperaba que los ciudadanos se disciplinaran a sus órdenes. La expectativa de felicidad y de cada vez más felicidad llegó a ser la fórmula principal de legitimación de la integración social y la motivación principal de la participación de los individuos en cualquier esfuerzo colectivo o causa común. La industria iba a ser el principal vehículo para conducir a la humanidad hacia la felicidad. Se esperaba que pusiera fin a los anhelos, el hambre, la miseria, la pobreza. Apoyada por la ciencia y la tecnología, iba a hacer más fácil la vida, menos agotadora y más segura. Siempre estaba por hacerlo, pero al final siempre alegaba que no le era posible. La felicidad estaba condenada a ser siempre un postulado y una expectativa: su realización sería siempre una promesa, siempre a cierta distancia de la realidad. En base a esa promesa se desarrollan y mantienen políticas de expolio y sumisión territorial sobre amplias zonas del planeta que, como resultado del proceso de modernización compulsiva de las áreas desarrolladas, ha primado los fines sin valorar las consecuencias de los medios empleados, entendiéndolos como externalidades razonables. La explotación de recursos, territorios y personas genera contingentes forzados al desarraigo. El actual concepto de progreso se ha edificado sobre la levedad moral y discursiva, construyendo toda una argumentación que justifica la necesidad de adoptar un determinado modelo de desarrollo, sin reparar en los costes ambientales y humanos.

Vicente Tirado del Olmo. "A Promise". Cortesía del artista.

Vicente Tirado del Olmo. “A Promise”. Cortesía del artista.

Vicente Tirado (1967, Castellón de la Plana) dirige la atención, mediante sus trabajos fotográficos, al paisaje como síntoma del contexto social y económico de nuestro tiempo. El territorio convertido en la principal materia prima de la que obtener riqueza, a veces mediante la explotación directa de sus recursos y otras por la apropiación de sus valores simbólicos, como promesa de unas determinadas cualidades con las que refrendar la venta de productos. “A Promise” muestra imágenes de naturaleza en estado salvaje, evocando el estado inexplorado del planeta antes de la aparición de la especie humana, ese lugar permanente de deseo. Con este trabajo Vicente Tirado aborda el poder de sugestión de las imágenes y su uso publicitario, para abrir una reflexión acerca del anhelo de naturaleza que caracteriza al individuo contemporáneo, cada vez más dependiente y rodeado de artificialidad. El deseo abstracto contenido en la idea de la naturaleza y del paisaje acaba convertido en una mercancía más, una herramienta de la que servirse a través de la publicidad para elevar al status de lo idílico a productos como los automóviles, a pesar de sus consecuencias ambientales. Las multinacionales que dominan ese mercado han evolucionado en sus mensajes de venta, sustituyendo progresivamente el resorte de lo sexual y la objetualización del cuerpo femenino por la representación del paisaje. El sistema, de forma inagotable, coloniza nuestros deseos y los comercializa. Tirado, a su vez, se apropia de los slogans de las campañas publicitarias de automóviles, que entran en diálogo con entornos naturales imponentes y, ahora sí, sin rastro de la mercancía.

Vicente Tirado del Olmo. "A Promise". Cortesía del artista.

Vicente Tirado del Olmo. “A Promise”. Cortesía del artista.

Es inevitable pensar que la implantación de los procesos e infraestructuras industriales de producción tienen una relación directa en la degradación ambiental y en la nueva fisonomía del territorio, aunque parece que lo realmente peligroso es el uso que de ellos se realiza. La producción y el consumo de bienes y servicios mantiene una permanente tensión entre la obtención de mejores rendimientos empresariales y la competitividad de los mismos en el mercado. Partiendo de la creencia de que el individuo como tal posee la capacidad de elegir y marcar las tendencias de consumo, queda patente que en nuestro contexto la circunstancia de una carencia en el aprendizaje de valores de aprecio y respeto al medio natural, alimentado por décadas de omisión en el sistema educativo, configura un consciente colectivo regido por estímulos publicitarios dirigidos al consumo. Las consecuencias de ese proceso de transformación tiene efectos directos e indirectos sobre el medio ambiente y las personas. En esa espiral es necesario destacar lo superfluo de gran parte de las necesidades generadas por la economía postindustrial bajo la prioridad de garantizar su propia pervivencia. La cultura de consumo ha conseguido mercantilizar el aspecto de lo cotidiano hasta vaciar de contenido el disfrute de los hábitos sociales elementales, primando el tener y el parecer como hito de unas vidas más representadas que propiamente vividas. En esa tensión de fuerzas e intereses es fundamental el cuestionamiento personal y colectivo, para el desarrollo de capacidades críticas que nos rediman de estas décadas de banalidad.

José Luis Pérez Pont



[1] BAUMAN, Zygmunt. La sociedad sitiada. Fondo de Cultura Económica de Argentina, Buenos Aires, 2005.

Ángel Gil: “El crimen siempre atrae”

Pez en la hierba, de Ángel Gil Cheza
Editorial Suma

Escribe de lo que conoces, se les dice a los escritores bisoños, un consejo de puro sentido común. Ángel Gil Cheza no es precisamente un novato, ha publicado tres novelas, pero en la tercera, ‘Pez en la hierba’ (Suma) sigue fielmente esa pauta. Ambienta la historia en su pueblo natal, Vila-real, y su protagonista se dedica a la edición como él mismo.

Aparte de eso todo es ficción, una investigación sobre la desaparición de unas adolescentes ocurrida varios años antes de cuando arranca la acción. Gil utiliza sabiamente los recursos que le ofrece un paisaje que conoce muy a fondo, túneles en parte inexplorados o acequias diabólicas para crear una atmósfera opresiva que evoca los paisajes nórdicos.

‘La lluvia es una canción sin letra’, un relato histórico ambientado en parte en Irlanda y ‘El hombre que arreglaba bicicletas’, una novela de personajes son sus anteriores títulos. Con ‘Pez en la hierba’ publicada en pleno Festival Valencia Negra se sitúa dentro de este género tan en boga.

Portada de 'Pez en la hierba', de Ángel Gil Cheza. Editorial Suma.

Portada de ‘Pez en la hierba’, de Ángel Gil Cheza. Editorial Suma.

¿Ha convertido su ciudad en escenario literario con la idea de que pongan su nombre a una calle o plaza?  

No creo que me otorguen ese honor por mi pasado revolucionario. (Risas). Me apetecía sumergirme en el Vila-real que yo recuerdo, el que está bañado de nostalgia. Cada uno tiene una imagen propia de su ciudad, o su pueblo, pero pocas veces tiene la oportunidad de compartirla. Es un riesgo, pero también una suerte poder hacerlo. Además, estaba el reto de transformar un pueblo como Vila-real en el escenario de una novela de género, ver hasta qué punto podía transformarlo todo, pero siendo fiel a mi recuerdo, a ese pueblo donde crecí y donde me siento arropado. Esto también me servía para plasmar la situación local después de la gran burbuja inmobiliaria, con los huertos a medio abandonar, y una sociedad muy particular.

Editor, músico, escritor, hortelano, padre y amante de los perros. ¿Cómo combina esas múltiples facetas? 

Supongo que es una cuestión troncal, hay un hilo conductor en todas ellas. Mi forma de escribir está impregnada de mi forma de ver la vida. Una vida que considero que hay que vivir mirando a la tierra, a las personas. Cuando uno tiene algo que decir, utiliza cualquier medio a su alcance. Y yo no sé si tengo algo muy importante que decir, pero sí tengo una necesidad vital desde niño de contar cosas, de crear mundos. Y no es por una cuestión mercantilista, acabo de terminar mi primer guión de cine y no creo que tenga la suerte de verlo hecho filme, pero necesitaba contar algo con imagen, sonido y palabra y eso hice.

Se nota que la música se plasma en el texto. ¿Cómo consigue impregnar las palabras de sonidos?

Creo que la música está por todas partes en esta novela, aunque no cito ni una canción en todo el libro, ni hago alusión explícita a ninguna pieza. Pero es algo que muchos lectores están detectando, la música subyacente en la narración. Creo que es por la cadencia del texto, hay un ritmo y una distribución armónica de los tiempos, de los silencios. Hay un runrún regular y melodioso en toda la novela. ¿Cómo se consigue? Ni idea, supongo que narrando la acción desde dentro, viviendo la ficción que cuentas a otros.

¿Cómo surgió el título que trasmite la idea de una agonía?

El pez me ayudaba a crear una bonita y terrible metáfora con una de las chicas asesinadas. Pero poco se puede hablar de ello sin peligro de destripar la trama.

¿Qué piensa de esta eclosión de novela negra que vivimos? ¿Llevará a algo interesante o acabará muriendo de éxito?

Bueno, yo he aterrizado en el género casi por casualidad. Me interesan tanto los aspectos sociales y costumbristas, el testimonio antropológico como las tramas en sí. El crimen, el delito y sus variables, es un tema que siempre ha atraído la atención del consumidor de ficción. Eso no es algo nuevo. Sí que hay un interés comercial en el sector desde hace unos años, y esto a la fuerza propicia que se escriba más novela negra, pero cuando se auto-regule el mercado la oferta y la demanda se ajustarán.

Ángel Gil Cheza. Cortesía del autor.

Ángel Gil Cheza. Cortesía del autor.

Bel Carrasco

Imaginària: una explosión de fotografía

Imaginària. Fotografía En Primavera
Diversas localizaciones de la provincia de Castellón
Del 8 de mayo al 5 de junio, 2015

El festival ‘Imaginària. Fotografía en primavera’ vuelve a la ciudad y a la provincia de Castellón “con el objetivo de acercar la fotografía, en tanto que producto cultural y artístico, a cuantas personas quieran participar de ella, y de las propuestas que hacen fotógrafos venidos de diversas partes del mundo”, según explica el vicerrector de Cultura de la Universitat Jaume I, Wenceslao Rambla.

En esta XII edición de 2015 se han organizado casi 50 actividades, en las que la exhibición de obra fotográfica es el plato fuerte. Treinta y seis muestras expositivas se han programado en las diferentes localidades de la provincia de Castellón. La capital reúne buena parte de ellas, pero van cobrando fuerza otras localidades en las que, gracias al apoyo de las agrupaciones fotográficas y de las instituciones públicas y privadas, el festival se asienta con fuerza, como es el caso de la ciudad de Segorbe, donde su ‘Mayo fotográfico Segorbe’, nacido al amparo de Imaginària, se integra en parte en esta iniciativa.

Fotografía del Grupo Tri-X-Pan en la exposición colectiva 'Calibre 35F4'. Cortesía de Imaginària.

Fotografía del Grupo Tri-X-Pan en la exposición colectiva ‘Calibre 35F4′. Imaginària. Fotografía En Primavera.

De igual forma, y en coincidencia con la reciente creación de la Sede de La Plana de la Universitat Jaume I en la ciudad de Vila-real, y gracias también al apoyo de su Concejalía de Cultura, se ha previsto la realización de un evento singular que, en esta primera edición se integra también en el programa Imaginària. Se trata del proyecto ‘Sonda Vila-real’, que nace con la intención de mostrar la importancia que los procesos creativos y multidisciplinares juegan en el desarrollo de los procesos y de los productos culturales. Vila-real es también la sede de la Universitat Jaume I, donde se hará la clausura de Imaginària 2015.

Fotografía de Lorena Guillén en la exposición colectiva 'El horizonte que nos separa'. Imaginària. Fotografía En Primavera.

Fotografía de Lorena Guillén en la exposición colectiva ‘El horizonte que nos separa’. Imaginària. Fotografía En Primavera.

Las actividades se desarrollarán entre el 8 mayo y el 5 de junio de 2015, si bien las propuestas expositivas seguirán abiertas, en muchos casos, hasta al menos el 21 de junio de 2015 o más adelante. Este año el festival tendrá lugar en las localidades de: Benicàssim, Castellón de la Plana, Culla, Fanzara, Morella, Sagunto, Sant Mateu, Segorbe, Sueras, Vilafranca, Vila-real, Vinaròs y Vistabella.

El proyecto es posible gracias al apoyo y la colaboración de instituciones públicas, entidades privadas, colectivos y asociaciones culturales y creadores. Organizado por el Vicerrectorado de Cultura, Extensión Universitaria y Relaciones Institucionales, y coordinado desde el Aula de Fotografía del Servicio de Actividades Socioculturales de la Universitat Jaume I, cuenta entre sus colaboradores principales con el Ayuntamiento de Castellón de la Plana, el Aula Dávalos-Flétcher de la Cultura -Universitat Jaume I y el Museu de Belles Arts- CulturArts Castelló.

Obra de Carlos Sebastià en la exposición 'Construcción del cariño'. Imaginària. Fotografía En Primavera.

Obra de Carlos Sebastià en la exposición ‘Construcción del cariño’. Imaginària. Fotografía En Primavera.

Entre las múltiples exposiciones programadas cabe destacar la instalación realizada por Carlos Sebastiá, a medio camino entre lo fotográfico y lo pictórico: “una forma conceptual de expresar la conquista personal de la propia libertad y de dar valor al torbellino de ideas que se arremolinan en relación con el origen y los recuerdos”, según se recoge en la sinopsis del proyecto. En él se pueden encontrar a personas, momentos, vivencias de padres o abuelos, objetos y memoria genética que configurarán la biografía emocional de Sebastiá y construyen la personalidad del artista.

Fotografía de Nuria López Torres en 'Art revolution in Cuba'. Imaginària. Fotografía En Primavera.

Fotografía de Nuria López Torres en ‘Sex and revolution in Cuba’. Imaginària. Fotografía En Primavera.

‘Sex and revolution in Cuba’ es un ensayo fotográfico de Nuria López Torres que documenta la comunidad homosexual de este país durante tres años. Tras la llegada al poder de Raúl Castro, en la isla se inicia una serie de cambios sociales y económicos. Uno de los cambios más importantes que el régimen anuncia está relacionado con las nuevas políticas de sensibilización en diversidad sexual e identidad de género y que lidera Mariela Castro Espín (hija del actual presidente), directora del Centro Nacional de Educación Sexual de Cuba. Cambios que algunos ven como una simple estrategia de marketing político en materia de derechos humanos.

Fotografía de Luis Montolio. Imaginària. Fotografía En Primavera.

Fotografía de Luis Montolio. Imaginària. Fotografía En Primavera.

También destaca la obra fotográfica de Luis Montolio, entre el documentalismo y el arte conceptual, que atraviesa todo el estrato social para construir un universo de personajes situados en entornos inherentes a la cultura urbana contemporánea. En la creación de sus imágenes, de las que se ha destacado su sintonía con la cultura underground, Luis Montolio lleva la iluminación, la velocidad de obturación, el movimiento y el ángulo del encuadre al límite de su expresividad.

Fotografía de Xavier Ferrer Chust. Imaginària. Fotografía En Primavera.

Fotografía de Xavier Ferrer Chust. Imaginària. Fotografía En Primavera.

‘Ironik’ es una colección de imágenes realizadas por Xavier Ferrer Chust en la que, a través de diferentes recursos narrativos aplicados desde el lenguaje visual, su autor consigue generar estampas llenas de comicidad y sentido del humor: lo grotesco, la ironía, lo divertido, lo gracioso la sátira, la burla y el humor blanco, se dan la mano en la serie y nos permiten, con ello, comprender lo cercano que el lenguaje de la imagen puede estar del literario y del teatral.

Obra de Vicente Pla. Imaginària. Fotografía En Primavera.

Obra de Vicente Pla. Imaginària. Fotografía En Primavera.

La esencia de la fotografía de calle realizada por Vicente Pla es centrar nuestra atención en aquellos aspectos cotidianos que nos rodean y que a menudo pasan desapercibidos. Aunque mayoritariamente muestra la relación que existe entre los espacios urbanos y la gente que los habita, en ocasiones la mirada se dirige hacia el detalle, hacia simples objetos dotándolos de un nuevo significado, reorientándolos hacia su aspecto estético. Las fotografías que forman esta serie pretenden, mediante la simple selección de encuadres aislados, recontextualizar los mensajes mostrados en los muros repletos de carteles deteriorados.

Fotografía de Pablo Fuentes. Imaginària. Fotografía En Primavera.

Fotografía de Pablo Fuentes. Imaginària. Fotografía En Primavera.

‘Let’s get lost’, de Pablo Fuentes, nos acerca directamente, y de manera muy elegante, no a las ciudades americanas, no al Nueva York, Baltimore o Washington DC actuales, sino más bien, a aquellas que recorrieron y contemplaron los grandes maestros de la fotografía clásica americana y a una forma de mirar que para algunos está más que superada, pero que para muchos otros es, sin lugar a dudas, la auténticamente fotográfica, aquella con la que trabaja nuestra memoria y con la que fabricamos los sueños.

Fotografía de Rafael Navarro de la Colección Railowsky. Imaginària. Fotografía En Primavera.

Fotografía de Rafael Navarro de la Colección Railowsky. Imaginària. Fotografía En Primavera.

También es digna de mención la exposición de fotografías pertenecientes a la librería y fotogalería Railowsky que supone una buena muestra de los fotógrafos más destacados de la fotografía, sobre todo española, aunque también internacional de la última mitad del siglo XX. A destacar autores como los valencianos Gabriel Cualladó, José Miguel de Miguel, Francisco Moltó, Pablo San Juan o Joaquín Collado. En el terreno de los fotógrafos españoles también figuran Chema Madoz, Ramón Masats, Carlos Pérez Siquier, Alberto Schommer, Joan Colom, Xavier Miserachs, Vari Caramés, Fernando Herráiz, Javier Campano, Luis Baylón, Cristóbal Hara, Koldo Chamorro, Rafael Navarro y otros muchos más. En el plano internacional participan fotógrafos de la talla de Bernard Plossu, Jean Dieuzaide, Ferdinando Scianna y Alberto «Korda» con la famosa fotografía del Che Guevara.

TEST: muestra de arte y creatividad

TEST: muestra de arte y creatividad
Convento Espacio de Arte de Vila-real
C/ Hospital, 5. Vila-real
Inauguración: 15 de marzo a las 11:00 h.
Hasta 15 de junio de 2014

En unas horas dará comienzo la segunda edición de la muestra de arte y creatividad TEST de Vila-real, en ella se desarrollará la exposición colectiva compuesta por ilustraciones de María Herreros con textos de Jorge Herrero, fotografías de Raúl Pérez y pinturas de Ana Sansano. En la que Sam3, artista urbano internacional, realizará un mural al aire libre.

María Herreros y Jorge Herrero, "Piscolabis" (ilustración y texto). Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.

María Herreros y Jorge Herrero, “Piscolabis” (ilustración y texto). Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.

Ana Sansano, "Viari" (técnica mixta). Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.

Ana Sansano, “Viari” (técnica mixta). Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.

Tras la primera edición del pasado 2013, TEST pretende ayudar en el crecimiento de trabajos y carreras de artistas emergentes, con propuestas que aúnan riesgo y calidad, ofreciendo así un apoyo a los creadores actuales. Al mismo tiempo, se trata de una cita para los amantes del arte, al que se le suma un aspecto formativo para el desarrollo de la creatividad de los más pequeños en formato taller.

Esta edición de TEST está dirigida y comisariada por Pascual Arnal.

Sam3, fotografía de un mural del artista. Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.

Sam3, fotografía de un mural del artista. Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.

Raúl Pérez, imagen de la serie fotográfica ·"Días de él". Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.

Raúl Pérez, imagen de la serie fotográfica ·”Días de él”. Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.

Premio Internacional 5×5 Castellón 2013

5x5Castelló2013. Premi Internacional d’Art Contemporani Diputació de Castelló
Artistas participantes:
Silvina Arismendi, Daniel Bejar, Karmelo Bermejo, Rosella Biscotti, Julius von Bismark, Antoine Catala, Cleo Fariselli, Wineke Gartz, Giovanni Giaretta, Núria Güell, Gesine Grundmann, David Hahlbrock, Tobias Hoffknecht, Jeesoo Lee, Peter Lober, Mieko Meguro, Reuben Moss, Riccardo Paratore, Kerstin Persson, Michail Pirgelis, Tomas E Scherer, Trevor Shimizu, Jered Sprecher, Elisa Strinna y Diego Tonus.

Espai d’Art Contemporani de Castelló
C/ Prim, s/n. Castellón de la Plana
Inauguración: 25 de octubre
Inauguración en el Convent Espai d’Art de Vila-real: 31 de octubre

Este premio continúa su andadura en el Espai d’art contemporani de Castelló con la intención de consolidarse como un referente dentro del marco artístico internacional.

5x5Castelló2013 es un proyecto expositivo generado por el EACC con el deseo de potenciar el diálogo entre distintas generaciones de creadores. La presencia del EACC como sede del certamen supone atender a la convocatoria bajo idénticos parámetros de interés y rigor que se formulan en el resto de propuestas artísticas auspiciadas a lo largo del año por dicho centro.

El proceso de selección se desarrolla mediante tres fases consecutivas cuya conexión es fundamental para conseguir los objetivos previstos.

La primera fase consiste en establecer contacto con cinco artistas de renombre internacional a los cuales se les encomienda, de forma desinteresada y gratuita, la tarea de proponer un listado de otros cinco artistas contemporáneos los cuales, a tenor de su criterio, estén desarrollando un trabajo artístico de evidente calidad y rigor creativo. Para la edición de este año, el grupo se ha compuesto de los siguientes nombres: Luis Camnitzer, Jimmie Durham, Dan Graham, Santiago Sierra y Rosemarie Trockel.

Una vez aceptada la propuesta por estos últimos y obtenidos los diferentes listados se inicia la segunda fase del proyecto en la cual se establece contacto con cada uno de los artistas inscritos en los diferentes listados. A todos ellos la organización les ha explicado tanto los criterios e intenciones del certamen como también el nombre del artista que consideró los méritos de su trabajo como esenciales para formar parte de la convocatoria. A partir de los respectivos dosieres se llevará a cabo por parte del EACC una nueva selección que tiene como finalidad concretar qué piezas, en último término, formarán parte de la exposición a realizar en el centro. Únicamente las piezas seleccionadas por el comité para formar parte de la exposición tendrán opción al premio que otorga la Diputación de Castellón dotado con 30.000 €.

La tercera fase se traduce en la realización de una exposición bajo el título: 5x5Castelló2013. Premi Internacional d´Art Contemporani Diputació de Castelló que a su vez la presente edición contará con una serie de novedades que aportan nuevos puntos de interés al proyecto. Por un lado la exposición cuenta con la figura de un comisario, en este caso se trata del valenciano Álvaro de los Ángeles, que articula las distintas piezas en diferentes marcos teóricos: Lugares, narraciones, distanciamientos y cuestionamientos. Formalizando, para el espectador, la creación de un recorrido interpretativo inherente a la exposición. Por otro, la muestra contará, por vez primera y de forma simultánea, con dos sedes el Espai d´art contemporani de Castelló y El Convent Espai d’art de Vila-real.

Paralelamente se ha convocado por parte del EACC la creación de un jurado compuesto por críticos de arte y directores de museos que serán los encargados de otorgar el premio. La concesión del mismo, por parte del jurado, atenderá al principio de calidad y excelencia de la pieza premiada y la obra premiada pasará a formar parte de la colección de la Diputació de Castelló.

Esmé Valk (Wijhe, Países Bajos, 1977). Showcasing Today’s Essentials, 2010, (materiales diversos) y Vídeo HD (color, sonido, 9’ 40’’). Imagen cortesía del Espai d'Art Contemporani de Castelló.

Esmé Valk (Wijhe, Países Bajos, 1977). Showcasing Today’s Essentials, 2010, (materiales diversos) y Vídeo HD (color, sonido, 9’ 40’’). Imagen cortesía del Espai d’Art Contemporani de Castelló.

TEST. Chema López / Ximo Ortega / Clara Bleda / Paula Bonet

TEST
Con trabajos de Chema López, Ximo Ortega, Clara Bleda y Paula Bonet
Inauguración: 1 de marzo, 20h.
Hasta el 13 de abril de 2013
El Convent. Espai d’Art
C/ Hospital, 5
Casa de l’Oli
Plaça de Mossen Ballester, 1
Vila-real (Castelló)

Claredat de l’art
L’obra de Chema López ha incidit sobre els grans relats de la modernitat i les seues bases ètiques, amb la certesa que estan sotmesos a una profunda crisi. En aquesta crisi, i inclús dins de les seues ferides obertes, l’artista inicia la seua reflexió. El resultat no és tant una possibilitat de restituir-los, fugint per tant de la figura de l’artista com a guru, sinó de firmar el seu certificat de defunció a través d’homenatges fragmentaris i no sempre oferits a primera vista.
El mateix fet de pintar determinades escenes exemplars d’aquesta debilitat crítica completa la consciència de la crisi.
Aquesta pareix la comesa que s’ha proposat l’artista. En una cançó interpretada per Bonnie Prince Billy, es llança la pregunta Why must the same love made me laugh, make me cry?, “Per què el mateix amor que em va fer riure, ha de fer-me plorar?”
La qüestió implica la gran complexitat de les coses que, sent ja sabudes, no per això perden la seua càrrega emocional i profunda.
La pintura i l’escriptura comparteixen una vinculació primigènia per la comprensió del món a través del llenguatge, cada vegada més sofisticat, on el text esdevé imatge i les imatges necessiten ser llegides.

Àlvaro de los Àngeles

 

Tres pardals d’un tir.
Les seues escultures no exposen solucions de continuïtat relacionades amb el futur, sinó una referència permanent a la resta, al fragment des del qual no és possible reconstruir el tot, a la processualitat, al reciclatge de la fusta que abandona per això la seua qualitat de producte per a recuperar els seus valors en brut, per a perdre l’olor de mercaderia.
Com un fuster peculiar, va generant híbrids d’animal i arquitectura en un bestiari personal en què es produeix la simbiosi d’allò orgànic i allò constructiu, marcat per buits ortogonals que mostren l’interior d’aquelles carcasses, semblants a mobles inestables. En elles habitem sempre els límits i en situacions sempre límit. Com a animals ensinistrats, caçadors caçats, els individus contemporanis conceptualitzem el nostre temps com un present d’aniquilacions i supervivències, sense demores, sense possibilitat de sedentarisme o nomadisme, sinó només de subsistències precàries.
D’aquesta manera, el treball de Ximo Ortega Garrido és una invitació a creuar el confús buit de la contemporaneïtat, els seus trofeus espectaculars i la seua derrota monumental.

Marina Pastor

 

FM2
Clara Bleda capta instantànies de quotidianitat, reflex del pas del temps i les seues relacions, de les connexions i interaccions de la ciutat amb els seus habitants, i ho fa mitjançant el llenguatge de comunicació urbana, detenint el temps en les seues fotografies. Bleda desenvolupa aquest llenguatge després de buscar els seus referents en els pioners del color, però sempre sota una mirada entremaliada.
Ser fotògrafa professional pot paréixer una labor entremaliada –per usar l’expressió pop de Diane Arbus– en la qual les càmeres són màquines que fabriquen fantasies i creen addicció. Paul Strand deia que la fotografia és un registre de la vida, per a qui sàpiga veure-ho; carabasses, picaportes, cotxes, fanals, racons, rètols, cafeteries, etc., formen part de la quotidianitat que se’ns escapa i rescata Bleda per a nosaltres. Les seues obres capten i reflecteixen els detalls transformant l’essència dels seus protagonistes i les alliberen de l’anonimat.
La càmera analògica li permet captar imatges amb un tractament de pel·lícula que li aporta una textura cinematogràfica a les seues sèries, revelant un estil que destaca per una estètica tipogràfica, caracteritzada per la frontalitat i l’atemporalitat.

Irene Gras Cruz

 

Viatge a l’interior de Paula Bonet
Benvolguts passatgers, cordin-se els cinturons, posin els seus seients en posició vertical i apaguin els dispositius electrònics. L’espectacle Paula Bonet és a punt d’alçar el vol. Amb “Life vest under your seat” els espera un viatge que mai no oblidaran al llarg de les il·lustracions més íntimes d’aquesta jove artista vila-realenca de traç instintiu i directe, gairebé animal.
Posseïdora d’un claríssim do per al dibuix, les seves creacions ja ostenten una marca pròpia que parla totes les llengües, atrau totes les mirades i sedueix els cors d’arreu del món. Ella és inconfusible, irrepetible i universal.
Les imatges seleccionades per a aquesta exposició, no obstant, tenen més en comú que un estil fresc o una tècnica exquisida. Perquè en aquest cas, sí, cal prendre-s’ho com un assumpte personal. Totes elles estan inspirades en les vivències de la Paula Bonet i juntes conformen un retrat del seu univers interior, descobrint-nos una autèntica transformista de l’expressió artística, capaç d’adoptar les pells que calgui per posar en ordre allò que li cou a la pròpia carn.

María Leach