Jonás Trueba a l’espaididàctic de Castelló

Jonás Trueba Taller de cinema
Espai d´art contemporani de Castelló
C/ Prim, s/n 12003 Castelló
Del 10 al 12 de marzo de 2016

L’EACC desenvolupa un programa d’activitats relacionades amb l’exposició en curs. La «experiència pedagògica» és gratuïta i s’adapta a l’edat dels alumnes que visiten el centre i inclou activitats que permeten una millor comprensió de la mostra.

A més, el centre oferix tallers que es desenvolupen en dos vies paral·leles. Els tallers d’artista i de cineastes permeten l’accés als mecanismes de creació des de l’experiència dels invitats. Els tallers didàctics tenen la intenció de facilitar una millor comprensió de tot allò que embolica la creació contemporània, oferint ferramentes teòriques i pràctiques que poden ser aplicades tant a nivell personal com a professional.

Amb tres llargmetratges a la butxaca Jonás Trueba (Madrid, 1981) és un dels realitzadors més singulars del cine espanyol. L’any 2000 va debutar com a director i coguionista del seu primer curtmetratge professional, Cero en Conciencia. Després del seu debut, Víctor García León va comptar amb ell per a ajudar-lo amb el llibret de la seua comèdia Más pena que gloria. Després de cinc anys sense escriure per al cine en 2006 García León compta amb ell per al projecte Vete de mi. En 2009 col·labora amb Antonio Skármeta en el guió de la pel·lícula El baile de Victoria dirigida per Fernando Trueba. Posteriorment arribaran les seues pel·lícules com a realitzador Todas las canciones hablan de mi 2010, Los ilusos 2013 i finalment Los exiliados románticos 2015.

Fotograma del film "Los Ilusos" 2013. Cortesía de Espai d´Art Contemporani de Castelló

Fotograma del film «Los Ilusos» 2013. Cortesía de Espai d´Art Contemporani de Castelló

Al llarg del taller el realitzador abordarà aspectes relacionats tant amb la direcció i producció de les seues pel·lícules com també influències, amistats i tot allò que li permet finalment poder tirar endavant cadascun dels seus projectes.

»41 x 33» en Galería Cànem

41 x 33
Galería Cànem
C/Antonio Maura, 6. Castellón de la Plana
Hasta el 8 de marzo de 2016

La consolidada y consagrada Galería Cànem ofrecerá hasta el mes de marzo una muestra con parte de la obra gráfica editada por la galería en el taller de Pilar Dolz. El nombre que recibe la exposición, »41 x 33» es una referencia a las medidas del soporte- papel, que supone el factor denominador común de todas ellas, además de coincidir con el 41 aniversario de la inauguración de esta misma galería.

Las obras pertenecen a diversos y variados autores como : Ramón Roig, Manuel Saez, Joan Cardells, Vicent Carda, Rafael Marti Quinto, Evarist Navarro, Wences Rambla, Nuria Besé, Carme Vidal, Pepe Nebot, Pepe Agost, Lidon Fabra, Isabel Tristán, Javier Loren, Rosa Torres, Manilo Rey-Fueyo o la misma Pilar Dolz. Los cuales, han tenido todos ellos, algún tipo de relación con la galería durante estos 41 años de impecable trayectoria.

Cabe destacar que otra de las constantes -además de las medidas-, de la exposición, reside en la técnica y el soporte empleado para ella, ya que todas se encuentran realizadas mediante la técnica del aguafuerte sobre papel, esto es así, con el fin de dar uniformidad al conjunto de la muestra que se nos ofrece.

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En ellos sentiremos la luminosidad de la tinta, la tactilidad de los surcos, la firmeza del trazo… toda su sensualidad, incluso el ritmo de la música amada. Con ellos descubriremos que toda obra es en esencia un poema tanto impresa sobre el soporte-papel, como en el libro íntimo.

Los grabados se encuentran numerados correspondiendo a la serie editada de una plancha. Esto nos dice que es una obra múltiple; pero todas ellas son obras originales, perdiéndose la condición de unicidad, y exclusividad. En la era de la reproducción técnica conseguimos popularizar el arte, haciéndolo de consumo común (por lo menos posibilitandolo) saboreándolo personalmente.

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De esta manera cada uno puede satisfacer el deseo de posesión, sabiendo que a la vez que individual hay un anhelo de compartir. El taller de Pilar Dolz ha conseguido desde una plancha, una matriz, multiplicar la originalidad de la obra, llegar al observador, que deviene comprador múltiple, variado y diverso. Así de los grabados podemos decir como escribía S. Espriu: «Varios son los hombres y diversas las hablas y convendrán todos a un único amor, la obra de arte … que nos hermana y humaniza».

Porque  es, precisamente, a partir de la obra (la cosa llamada obra) que podemos hablar de arte.

Primera exposición de Nástio Mosquito en España

METANOEO, Nástio Mosquito
Espai d’art Contemporani de Castelló
Del 29 de enero al 15 de mayo de 2016

Nástio Mosquito (Angola, 1981) es un artista multimedia, cuya actividad artística se ha desarrollado en el campo de la performance y la instalación, enfrentando en su trabajo a distintos estereotipos culturales y situándose él mismo en una posición central para problematizar tanto su identidad personal como la de su público. Protagonista de sus piezas audiovisuales, utiliza la confusión identitaria para plantearnos el modo como la «locura humana» se manifiesta en la vida moderna.

La obra de Mosquito no resulta fácil de clasificar. En METANOEO, su primera exposición en España, recurre al lenguaje popular, de la música y de imágenes periodísticas para hacer aflorar tensiones presentes en la política, la vida contemporánea, la filosofía, la práctica curatorial y el mercado global del arte. El resultado es una serie de piezas descritas como divertidas, frescas, cínicas, profanas y vulgares, abarcando el cine, la música, la performance teatral, el vídeo y la instalación, frente a las cuales resulta difícil permanecer indiferente.

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En formas diversas Mosquito nos señala un futuro con distinciones claras entre las diversas formas artísticas, entre la cultura popular y las bellas artes y en el que la categorización de las identidades culturales se habrá convertido en algo superfluo o irrelevante. Su propia conciencia como miembro del mundo del arte convive con su preocupación por la política africana y concretamente por la angoleña —plasmada en su tratamiento del legado de la larga y sangrienta guerra civil de su país—, las políticas sexuales, el consumismo desenfrenado y otros síntomas de la globalización.

Formado en la industria de la televisión, donde trabajó como director y cámara, la práctica artística de Mosquito sobresale por su energía, inteligencia e ingenio. También ha participado a menudo en conciertos y festivales de música, realizando sus performances en el contexto de la creación visual y manteniendo una activa presencia online. En sus obras Mosquito ocupa el centro de la escena asumiendo frecuéntemente y mediante imitaciones diversos papeles para expresar ideas que se le ocurren, no tanto a partir de sus creencias personales como de observaciones sobre las contradicciones del comportamiento humano, tan patentes en la existencia moderna.

La distancia entre su identidad real y esas caracterizaciones le permiten expresarse de diversas formas: transgresor, cool, cínico, irreverente o vulgar. En viñetas complejas que evocan una larga tradición de poesía recitada e improvisación musical, nos brinda una dimensión alternativa a la forma en la que experimentamos el arte, así como las tensas realidades de nuestra sociedad globalizada.

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Un personaje frecuente en su trabajo es el de «Nástia», un sabiondo con falso acento ruso, un auténtico monstruo producto de la Guerra Fría, que representa a la perfección todos esos adjetivos. Nástia, el alter ego de Mosquito, surge periódicamente en su obra para proponer un retrato contradictorio del artista que sugiere un estado de ambivalencia constante.

El artista describe esa dualidad, su identidad alternativa, como «una forma de crear espacio… de incitarte a ver las cosas de otra manera». En la exposición se muestra la obra Nástia’s Manifesto (2008), una proyección circular cuyas palabras clave son: Hypocritical, Ironic y Do Not Give a Fuck (Hipócrita, irónico y no importa una mierda).

El lenguaje, deliberadamente provocativo, evidencia la fascinación del artista por la retórica. En sus propias palabras: «Me encanta el lenguaje, esas palabras que transmiten ritmo, deconstrucción… Uso todo lo que tengo a mano».

En Demo de Cracía (2014) el artista aparece en un estudio para rodar un videoclip para su single. Ahí, frente a una gran pantalla verde, danza y actúa antes de lanzarse a un discurso sobre Angola y la identidad. En esta exposición se estrenan la video instalación My father has no surname (2016) y la audio instalación Storytelling (2016).

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METANOEO es una colaboración con el artista español Vic Pereiró, colaborador habitual en los últimos 6 años. Junto a Vic Pereiró, Nástio forma el colectivo artístico llamado Nastivicious. Colectivo que para esta exposición produce una obra nueva obra: So much trouble in the world (2016), también se muestran sus piezas anteriores: Acts (2012) y iFind (2015). En definitiva, su aparente alegre performatividad, se convierte en un marco para hablar de temas que recorren desde la historia colonial hasta la dinámica geopolítica variable de las relaciones humanas. La poderosa presencia personal de Mosquito, el hábil sentido de la dinámica espacial y el humor perspicaz se combinan para desafiar nuestras percepciones de lo que consideramos confortablemente familiar.

EACC. Performance inaugural de Javier Núñez Gasco

Javier Núñez Gasco. Fuera de acto
Espai d’art contemporani de Castelló (EACC)
C/ Prim, s/n. Castellón
Performance inaugural: 30 de enero, 20.00 h.

En los trabajos de Javier Núñez Gasco (Salamanca, 1971), especialmente aquellos en los que se introduce en el territorio de las artes escénicas, la realidad y la ficción se muestran indistinguibles ante el espectador. Su implicación directa, performativa, es una característica que se formula con éxito en sus obras. Sus proyectos guardan una lógica entre sí, como resultado de una dinámica que persigue crear realidades en lo social, alimentándose del contacto con lo extraordinariamente sencillo de cada día. La observación y la reflexión acerca de lo que sucede a su alrededor, a nuestro alrededor, encuentra en sus obras una formalización imaginativa, liberada de juicios de valor.

Fuera de acto es una propuesta de confrontación entre la obra artística y el público, mediante la exposición variable de algunos de los trabajos realizados por Javier Núñez Gasco en el ámbito de las artes escénicas durante los últimos años. Este proyecto, comisariado por José Luis Pérez Pont, se ha concebido específicamente para el Espai d’art contemporani de Castelló como una experiencia vinculada a las artes vivas.

La representación teatral descansa sobre un acuerdo tácito entre público y actores, que gestiona la ilusión del hecho escénico y consiste en aceptar que lo que ocurre en el escenario es una forma de verdad consentida durante el tiempo de la representación. En lo cotidiano la realidad también se construye mediante pactos y representación de roles. Mediante convenios no escritos con los otros establecemos acuerdos temporales para la construcción de realidades. De este modo participamos en la creación de un espacio público basado en la representación.

Fuera de acto plantea una ruptura de los acuerdos establecidos dentro de las exposiciones de arte contemporáneo. La exposición se convierte en obra en sí misma y la obra que se presenta siempre está en constante cambio. No interesa que el objeto expuesto sea un fin sino un catalizador de la acción. En este caso, el espectador es el protagonista, se convierte en actor y mira la obra desde dentro y desde fuera, a la vez que el artista se erige en actor y torna espectador al mismo tiempo.

Una parte importante de este proyecto es el workshop: Obra completa/Fuera de acto, impartido por el reconocido director y dramaturgo lisboeta André E. Teodósio y el artista Javier Núñez Gasco, con el que se propone una ruptura de acuerdos y la creación de nuevos pactos. Con ese objetivo y con el firme propósito de que las obras cambien y actúen como catalizadores dependiendo del contenido con que se llenen, se plantea un laboratorio de construcción de sentido en el que cada participante pueda aportar ideas e interpretaciones, un taller teórico práctico organizado por el EACC y dirigido a personas con interés especial en las artes plásticas y escénicas.

Se trata de releer los roles que funcionan dentro de las artes escénicas en relación con el display expositivo, los modos de reconocimiento del objeto, su posibilidad de producir acción y la carga performativa generada por el observador. En definitiva, se trabaja sobre la posibilidad de inversión de sentido en el objeto artístico, la capacidad de dotarlo de intención y actuación, y cómo ello afecta a la mirada condicionada del espectador.

El taller se celebra del 26 al 30 de enero en el mismo espacio expositivo que albergará la muestra posterior Fuera de acto, y se invitará a los participantes a colaborar en la construcción de lo que pretende ser una exposición diferente. Las aportaciones inmediatas generadas durante el diálogo entre los participantes, el artista plástico y el experto en dramaturgia servirán para configurar las acciones que se realizarán en la performance inaugural del 30 de enero de 2015, convertida en una exposición que durará tan solo unas horas.

En esa fecha la sala permanecerá vacía, siendo a través del relato que los asistentes tendrán acceso a las obras ausentes, en un ejercicio de transmisión oral de conocimiento. La pieza Mil palabras: acción, objeto, contadores es el resultado del workshop, como una fórmula de mediación en la experiencia personal entre el individuo y la obra de arte. Diez personas, los “contadores”, describen las obras mientras realizan una secuencia de movimientos marcados por el espacio expositivo entre los objetos ausentes. Esta “coreografía” es interrumpida por un músico que interpreta una melodía haciendo uso de un objeto transformado, Arma muerta, resultado de la adaptación del cañón de una escopeta para convertirse en flauta travesera. Con esta melodía los “contadores” acuden de forma ordenada a un punto de la sala, un tramo de pared en el que se han perforado una serie de orificios formando una frase. Algunos de esos orificios están preparados para que, soplando a través de ellos, se generen distintas notas de la escala musical. Una vez situados frente a esta pared y habiendo finalizado la melodía de la “flauta”, los “contadores” adoptan una postura acordada y soplan por los orificios de este Instrumento en un “cluster” sonoro. Al mismo tiempo que se activa el acorde, se desvela el mensaje oculto en su vestimenta.

Javier Núñez Gasco. Ejecución: acto y resultado, 2015. Imagen cortesía del artista.

Javier Núñez Gasco. Ejecución: acto y resultado, 2015. Imagen cortesía del artista.

La segunda performance, Ejecución: acto y resultado, comienza inmediatamente después. Para esta acción se cuenta con la colaboración de agentes de la policía científica, expertos en balística, que descargarán cientos de disparos con un arma del calibre 22 sobre tres resmas de papel de imprenta colocadas en el suelo de la sala con el fin de escribir una frase atribuida, aunque nunca escrita, por el dramaturgo Antón Chéjov.

El proyecto de Javier Núñez Gasco pretende retomar el hecho escénico y llevarlo fuera de los límites del escenario, romper el acuerdo y crear nuevos pactos. Metafóricamente, el proyecto consistirá en disparar esa pistola de la que hablaba Chéjov, más allá del espacio convenido, en ese territorio de nadie, en el campo de lo cotidiano, en el que los acuerdos de construcción y representación de realidad están en constante cambio y movimiento. Dicho de otra manera, Fuera de acto pretende trasladar hechos teatrales a la realidad misma.

Una semana después, el 6 de febrero de 2015, tendrá lugar la inauguración de la exposición con una revisión de los trabajos de Javier Núñez Gasco relacionados con las artes escénicas, ahora ya presentes en la sala, que convivirán en el EACC con la presencia de las piezas resultantes de las performances realizadas y su registro en vídeo.

El título Fuera de acto pretende romper la estructura formal de la exposición otorgando todo el protagonismo al público, que es el que dota de contenido y transforma los acontecimientos. Es aquí donde radica su verdadero propósito.

Javier Núñez Gasco. Prótesis para una bailarina. Cortesía del artista.

Javier Núñez Gasco. Prótesis para una bailarina. Cortesía del artista.

Javier Núñez Gasco (Salamanca, 1971)
Vive y trabaja entre Madrid y Lisboa. Su obra se caracteriza por haber logrado desarrollar una mirada propia para acercarse a la realidad, así como las múltiples formas con las que afronta los recorridos que separa en ocasiones al arte del sentido común. Para su proyecto Miserias Ilimitadas, Lda. (2002-2007) diseñó una fórmula empresarial legalmente constituida -con sede en Portugal-, creada con el fin de promover la solidaridad social y anticipando la llegada de una miseria ilimitada a las sociedades de la opulencia, para desesperación de una parte creciente de la ciudadanía. Aunque quizás sea Microchip (2002) el más perverso de sus proyectos y en el que más claramente se evidencia la facilidad con la que pueden crearse y difundirse falsedades a través de los medios de comunicación de masas. Su implicación directa, performativa, es una característica que se repite con éxito en buena parte de sus trabajos. Sus proyectos guardan una lógica entre sí, como resultado de una dinámica que persigue crear realidades en lo social, pues se alimentan del contacto con lo diario.

La implicación que requieren por parte del comprador, del coleccionista, algunas de sus piezas –iniciadas en 2005-, es una característica común en Tu Creador no te olvida y Resting pieces (R.I.P.). La primera de éstas rinde homenaje a las ideas que, por diversas razones, no ha podido llevar a cabo, y sirve como base para el proyecto Resting pieces (R.I.P.). Este último es un work in progress a partir de lápidas funerarias o conmemorativas talladas en piedra, que contienen algunas de esas ideas no realizadas. Concebido para el circuito comercial artístico, la obra se completa y cobra sentido con el acto de la compra. Las propuestas valiosas e imaginativas de Núñez Gasco son numerosas, como las que resultan de su colaboración en el ámbito teatral. Con la compañía Teatro Praga han surgido proyectos como Público incondicional (2009), Sueño (2010) o Miedo escénico (2012) que son el eje del proyecto Fuera de acto (2015) en el Espai d’Art Contemporani de Castelló. Trabajos en los que la acción del artista se convierte en un modo de relación parasitaria a través de la que indaga la ilusión del hecho escénico, consistente en aceptar que todo lo que ocurre en el escenario es una forma de verdad consentida durante el tiempo que dura la representación, a la vez que el público supone que esta verdad está contenida en una ficción.

Ha participado en numerosas exposiciones y ferias nacionales e internacionales, su obra forma parte de colecciones como la de Fundación Botín, Purificación García o Centro Ordóñez-Falcón de Fotografía, entre otras.

Un workshop que reinventa el hecho escénico

WORKSHOP: OBRA COMPLETA / FUERA DE ACTO
A cargo de Javier Núñez Gasco y André E. Teodósio
Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC)
Del 26 al 30 de enero de 2015

La representación teatral descansa sobre un acuerdo tácito entre público y actores que gestiona la ilusión del hecho escénico y consiste en aceptar que lo que ocurre en el escenario es una forma de verdad consentida durante el tiempo de la representación.

En lo cotidiano la realidad también se construye mediante pactos y representación de roles. Mediante convenios no escritos nos relacionamos con los otros y establecemos acuerdos temporales para la construcción de realidades. De este modo participamos de la creación de un espacio público basado en la representación.

PROPUESTA

El director y dramaturgo lisboeta André E. Teodosio y el artista plástico Javier Núñez Gasco proponen el Workshop: Obra completa/Fuera de acto una ruptura de acuerdos y la creación de nuevos pactos. Con este objetivo y con el firme deseo de que las obras cambien y actúen como catalizadores dependiendo del contenido con que se llenen, se plantea un laboratorio-de-construcción en el que cada participante pueda aportar ideas e interpretaciones, un taller teórico práctico organizado por el EACC y dirigido a personas con interés especial en las artes plásticas y escénicas.

Se tratará de releer los roles que funcionan dentro de las artes escénicas en relación con el display expositivo, los modos de reconocimiento del objeto, su posibilidad de producir acción y la carga performativa generada por el observador. En definitiva, se trabajará sobre la posibilidad de inversión de sentido en el objeto artístico, la capacidad de dotarlo de intención y actuación, y cómo ello afecta a la mirada condicionada del espectador.

El taller se celebrará en el mismo espacio expositivo que albergará la muestra posterior Fuera de acto, comisariada por José Luis Pérez Pont, y se invitará a los participantes a colaborar en la construcción de lo que pretende ser una exposición diferente. Las aportaciones inmediatas generadas durante el diálogo entre los participantes, el artista plástico y el experto en dramaturgia servirán para configurar las acciones que se realizarán en la inauguración de la exposición.

Javier Núñez Gasco. Prótesis para una bailarina. Cortesía del artista.

Javier Núñez Gasco. Prótesis para una bailarina. Cortesía del artista.

DATOS PRÁCTICOS
PARTICIPANTES: máximo 20 personas
FECHA: del 26 al 30 de enero de 2015
PLAZO DE INSCRIPCIÓN: Hasta el 20 de enero, a través del correo electrónico
actividades@eacc.es

HORARIO:
Lunes y jueves de 16 a 20.00 h
Martes y miércoles de 12 a 20.00 h
Viernes de 18 a 22.00 h
LUGAR: Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC)
PRECIO: 5 €
FORMA DE PAGO: En la recepción del EACC.

 

MAKMA te lleva a MARTE

MAKMA te invita a MARTE Feria Internacional de Arte Contemporáneo, en el Palau de la Festa de Castellón, del 11 al 14 de septiembre de 2014. Si nos das un like y te suscribes a nuestra página, te enviaremos una invitación para acudir a la inauguración que tendrá lugar en exclusiva para instituciones, empresas, galeristas, artistas, coleccionistas y personalidades VIP del mundo del arte en la mañana del jueves 11 de septiembre, en el propio Palau de la Festa y en torno a las 11,30 de la mañana.

Con esta invitación también podrás cerrar con la organización de MARTE una visita guiada de manera gratuita y sin compromiso alguno, así como asistir a todas las actividades programadas, conciertos, espectáculos, performances, etc. que puedes consultar en la web de MARTE.

MARTE COMPO 1046 BN DEGRAD

 

La sostenibilidad en un mundo totalizado

7 000 000 000
Artistas participantes:
Anetta Mona Chişa y Lucia Tkáčová, Basurama, Carlos Motta, Daniela Ortiz y Xose Quiroga, Johan Grimonprez, Juan José Martín Andrés, Julieta Aranda and Anton Vidokle, Nuria Güell, Oliver Ressler, Oliver Ressler y Zanny begg, Regina José Galindo,The Otolih Group, Tue Greenfort y Ursula Biemann.
Espai d’Art Contemporani de Castelló -EACC-
C/ Prim, s/n. Castellón
Inauguración: 31 de enero, 20 h.
Hasta el 27 de abril de 2014

Los comisarios, David Arlandis y Javier Marroquí, nos adelantan el enfoque y los contenidos de su nuevo proyecto.

7 000 000 000 es un proyecto que parte de la idea de desarrollo sostenible. Este concepto, como es bien sabido, surgió de un informe de la ONU publicado en 1987 con el simbólico nombre de “Nuestro futuro común” aunque también se le conoce como Informe Brundtland. El trabajo de la Comisión Mundial de Medio Ambiente y Desarrollo de Naciones Unidas, encabezada por la entonces primera ministra de Noruega Gro Harlem Brundtland definió el desarrollo sostenible como la acción de “satisfacer las necesidades de las generaciones presentes sin comprometer las posibilidades de las del futuro para atender sus propias necesidades” y para ello, cualquier plan de acción pasaba necesariamente por el trabajo en tres áreas fundamentales: sostenibilidad económica, sostenibilidad social y sostenibilidad medioambiental. Lo que se ha llamado el triángulo de la sostenibilidad.

Sin duda, desde entonces, se ha conseguido que sea una idea presente tanto en la agenda política de instituciones oficiales de todo tamaño, como en la política desplegada por los propios ciudadanos a través de redes más o menos complejas de iniciativas colectivas o incluso particulares. Sin embargo, se ha dado una cierta perversión en el uso de la expresión ya que a menudo se reduce la idea a su faceta medioambiental o, a la sumo, a la relación de la economía con la ecología. Y a la vez, cada día se hace más y más evidente que el sistema actual no va a ser capaz de evolucionar positivamente y dar respuesta a las demandas tanto a nivel local como global. Por ello, deben plantearse otros modelos de desarrollo diferentes que habrán de mostrarse más sostenibles. Estos modelos tendrán que basarse necesariamente en un entendimiento más amplio de la actividad humana, uno que mire directamente a la totalidad de la vida.

7 000 000 000 hace referencia a la cifra estimada de habitantes en el mundo ya que el problema del desarrollo sostenible abarca a la totalidad de las personas, tanto individual como colectivamente, y además, comprende todas las facetas de su vida. De hecho, nos basamos en la idea de Biopoder y Biopolítica que reformulan Michael Hardt y Antonio Negri en Imperio. Afirman que el poder dominante hoy abarca la totalidad de las relaciones sociales, las mentes y los cuerpos. Pero precisamente por ello, la capacidad de producción de la multitud conserva y explota la capacidad creadora de realidad social. Parafraseándoles podemos afirmar que vida, producción y política son un circuito ininterrumpido dominado globalmente por el modo de producción capitalista pero, a la vez, en esta situación, todas las fuerzas de la sociedad tienden a activarse como fuerzas productivas; todos los poderes de la humanidad son convocados a contribuir a la reproducción global del trabajo, la sociedad y la vida. Es decir, la dominación llega hasta la vida misma, pero la resistencia también se encuentra en el desarrollo de la vida de los 7.000.000.000 de habitantes del planeta. Así pues, todas las facetas de la vida están relacionadas unas con otras, todas forman parte del gran escenario de la producción de nuestra contemporaneidad y en este mismo espacio es donde se produce la posibilidad de sublevación de forma creativa.

El perfil de los proyectos incluidos en el EACC responde a una manera muy concreta de hacer: la del artista como investigador, una manera de entender el arte y la práctica artística desde una posición crítica enfocada a la creación de conocimiento usando herramientas más cercanas a la investigación que a la producción estética de bienes de consumo. Se huye así del modelo contemplativo y se llega al entendimiento de la exposición como un lugar y un tiempo de producción de conocimiento colectivo, pero a la vez, como una ocasión para el encuentro de intereses comunes y, por último, como una ocasión para la activación de la acción social y política.

El espacio expositivo es un lugar de encuentro donde se aprende, donde pasan cosas, se incita a la reflexión crítica y se favorece el intercambio. En muchos de los proyectos que forman parte de 7.000.000.000 se fuerza a este cambio fundamental en el papel del espectador, que de hecho deja de ser mero espectador para convertirse en participante. Pensemos por ejemplo en el proyecto de Basurama Laboratori Públic de Castelló que crea un grupo de trabajo con ciudadanos de Castellón para documentar de manera autónoma zonas sensibles a la destrucción y el consumo del territorio. La manera de hacerlo es conectar a distintas asociaciones locales que ya están trabajando en esa línea para proponerles utilizar una serie de herramientas creadas por The Public Laboratory, una organización de EEUU que promueve el uso de herramientas de toma de datos de ecología a las poblaciones que lo necesiten (fotos aéreas, fotos térmicas o espectrofotometría, por ejemplo) con precios y tecnologías asequibles en licencias libres.

Ocurre algo similar, en cuanto a la necesidad de participación, con la pieza Rescate de Nuria Güell que se configura como una oficina activa instalada en el EACC que difundirá diferentes posibilidades creativas para revertir la insostenible situación económica que vivimos, ofertando asesoramiento gratuito a los ciudadanos interesados. En ambos casos la pieza -si es que podemos seguir hablando en esos términos- es inseparable de la participación ciudadana. No existe una obra más allá de la participación.

Sin embargo, la participación se da más allá de la propia obra, o al menos, más allá de la exposición de la misma. El Laboratori Públic de Castelló tiene la intención de crear un grupo de trabajo que continúe con su labor tras la clausura de la muestra y lo aprendido en Rescate se seguirá poniendo a disposición de la ciudadanía a través de la persona encargada de dar la información y asesoramiento a quienes lo pidan y que tras la clausura seguirá dándola en el Casal Popular de Castelló. Un ejemplo más podría ser Time/Bank, una de las iniciativas que encontramos en el EACC que supone la apertura de una sucursal de Time/Bank, un banco del tiempo que cuenta ya con sucursales en Bélgica, Berlín, Frankfurt, New York, Moscú y la última Ljubiana; y que colaborará con otra iniciativa similar, la Ecoxarxa, que se está desarrollando fuera del ámbito artístico. Time/Bank es un proyecto que consta de una instalación en la que podemos ver material diverso y documentación relacionada con las primeras iniciativas de banco de tiempo. La segunda parte trata de poner en marcha esa sucursal de banco de tiempo, con voluntad de continuidad, en la ciudad. Lo que se persigue es favorecer la implantación real de un modelo económico alternativo donde se intercambia con el tiempo como moneda.

Las tres obras de las que hemos hablado hasta el momento son, o bien nuevas producciones para 7 000 000 000, pensando siempre en la ciudad Castellón -como Laboratori Públic de Castelló o Rescate– o bien adaptaciones de iniciativas que ya se han desarrollado en otros lugares y que se adaptan a la ciudad y el espacio del EACC, como Time Bank. Esta última estrategia también se sigue en la obra de Daniela Ortiz y Xose Quiroga NN 15.518 que aunque se realizó en La Capella en Barcelona por primera vez, se vuelve a montar en el EACC y se vuelve a organizar una jornada de participación ciudadana para Castellón. En este aspecto, se ve claramente cómo los proyectos coinciden en la necesidad de articular lo global con lo local. 7 000 000 000 desde su propio título alude directamente a lo global y habla de temas que incumben a la totalidad de la población pero, aún así, es necesario siempre ver qué pasa con esos temas en lo local, en el mismo espacio donde se ubica la exposición.

En este perfil de artista hay algo que suele repetirse y es un tiempo muy dilatado. Lo podemos ver claramente en el caso de las obras de Carlos Motta. Por ejemplo, We Who Feel Diferently es un trabajo que ha llevado años de investigación previa y años de desarrollo y producción. El resultado toma la forma de una base de datos documental que casi podríamos llamar enciclopédica sobre la cultura queer. Para ello, ha entrevistado a especialistas de distintos ámbitos, activistas LGBTQQI, académicos, artistas y personalidades influyentes dentro del discurso queer de distintas procedencias como Colombia, Corea del Sur, EEUU. El relato que conforman todas estas entrevistas es una historia de diferentes desarrollos de las políticas sexuales en distintos países. We Who Feel Diferently es un proyecto que hace de la diferencia bandera y que ve en ella una oportunidad para pensar e imaginar de manera diferente a la retórica del discurso dominante.

En realidad todo el proyecto 7 000 000 000 se podría leer en esa consigna de “Siempre es posible crear nuevos mundos” que tan bien representa el pensamiento de Antonio Negri. Es algo que el arte ha estado trabajando desde hace décadas. Es el mensaje de que puedo ocuparme de pensar otros modos de actuar, ensayar alternativas y proponer formas sociales distintas. Lograr, de este modo, eliminar la imagen de necesidad, naturalidad y unicidad de la actual configuración político-cultural dominante y demostrar que existen múltiples alternativas. Y esto, a la luz de la crisis que vivimos es más importante que nunca. Pensemos en cuantas veces estamos escuchando por parte de la política global el discurso de que es lo único que podemos hacer o es el peor de los males posibles. Son muchas las obras presentes en este proyecto, casi todas, las que nos pueden llevar a esta idea de que existen otras maneras de hacer. Por ejemplo, tenemos Take the Square de Oliver Ressler. Una videoinstalación de tres canales que muestra el surgimiento de movimientos sociales con una capacidad creativa inconmensurable. Son, entre los tres vídeos, 88 minutos en los que vemos a activistas de los movimientos 15M en Madrid, Plaza Sintagma en Atenas y Occupy Wall Street en Nueva York discutiendo las posibles formas nuevas de organización social y política. Otro de los trabajos donde también se puede ver de manera extensa la diversidad de maneras de hacer es Radical Ecology and Tender Gardening de Johan Grimonprez, un video blog dividido en cinco categorías: Biotecture, Guerilla Gardening, Transition World, Radical Ecology y Off the Grid. Un trabajo que te lleva a una idea clara: sólo podremos solucionar totalmente los graves problemas medioambientales que tenemos cuando cambiemos profundamente nuestro sistema de producción capitalista. Pero que también te lleva a interrogantes tan interesantes como la relación entre esta producción, el medioambiente y la consiguiente alimentación de las personas. Es un ejemplo claro de lo absolutamente imbricados que están los tres vértices de los que hablaba el Informe Brundtland.

Pensemos también en Egyptian Chemistry de Ursula Biemann que explora la importancia del Nilo en Egipto. Un papel que se desempeña de una forma muy parecida a como veíamos con Grimonprez pero en sentido inverso, ya que aquí no partimos de la sociedad para que, a través de la economía, se altere el medioambiente y recaiga de nuevo en la sociedad; sino que en el caso del Nilo, es éste el que pone en marcha la rueda: su medio configura la economía y ésta la sociedad que acaba de nuevo afectando al primero y el segundo.

Una de las grandes cuestiones al hablar de sostenibilidad es la energía, un tema siempre presente en las cumbres y en la agenda política pero del que seguimos sin poder ver resultados significativos. En 2011 un terremoto causó en Fukushima el mayor desastre nuclear desde Chernobil, The Otolith Group presentó en 2012 The Radiant, un film resultado de una investigación en la que mezclan imágenes de la catástrofe con fragmentos de antiguos filmes propagandísticos en los que la energía nuclear y la propia construcción de la planta se asocian a la idea de progreso. Este contraste se complementa con entrevistas a expertos en energía nuclear y sus efectos radioactivos. Con Fukushima se volvió a dar protagonismo al debate sobre la energía y cómo abastecer las necesidades de consumo de las grandes ciudades. Las energías limpias cada vez están ganando más terreno pero otra parte de la industria sigue centrando sus esfuerzos en conseguir una mayor eficiencia lanzando cada año nuevos productos y usando las mismas viejas fuentes de energía. Ante esta situación hay voces que están reclamando un cambio de hábitos que nos lleve al consumo consciente.

Exceeding 2 Degrees propone exactamente eso, un pequeño cambio que llevado a gran escala en nuestras viviendas y edificios públicos repercutiría en una menor demanda de energía y en un ahorro económico. Este proyecto fue presentado el la 8ª Bienal de Sharjah y consistió en variar en dos grados la temperatura de la sala de exposiciones para conseguir bajar el gasto energético. Además el dinero ahorrado se invirtió para la reforestación del amazonas. En el EACC de Castellón repetirá la acción, bajará la calefacción del centro dos grados para ahorrar energía y con el dinero comprará una porción de selva amazónica a través de la organización medioambiental Nepenthes para salvaguardarla de la explotación global. Además, esta estrategia muestra una de las realidades más crueles de nuestro sistema desde hace siglos, que no es otra que la de la diferencia abismal entre zonas ricas y pobres del planeta.

Juan José Martín Andrés con su obra Infografías para entender el capitalismo en tiempos de crisis pone nombres y cifras a estas avergonzantes relaciones de desigualdad entre países. Así mismo la obra de Regina José Galindo viene denunciando desde hace años esta situación. En Saqueo se hizo incrustar en los dientes oro nacional de Guatemala. Cuando la operación estuvo concluida cogió un avión y viajó hasta Berlín, allí volvió a acudir a un quirófano para que el cirujano alemán le quitará el oro nacional, reproduciendo así el saqueo que el norte hace al sur desde hace siglos.

Esta es una pieza muy dura, como todas las de Regina José Galindo, y con una crítica, una denuncia muy áspera. También es una crítica muy contundente la que hacen Anneta Mona Chişa & Lucia Tkácová en When Labour Becomes Form que habla de la trampa en la que se encuentran las mujeres de entorno a 45 años, con una doble discriminación laboral por edad y por género y la obligación cultural de ser ellas las que se ocupen del trabajo reproductivo, de los cuidados de los mayores y los niños. Para hacer su pieza publicaron un anuncio en el periódico buscando una mujer de mediana edad en paro y ofreciéndole su fee por participar en la exposición, como pago por hacer un macramé diseñado por las artistas y que representa una gráfica que denuncia con datos reales, tomados por el Gobierno Eslovaco, las enormes diferencias en el campo laboral cuando las mujeres llegan a su mediana edad.

En este sentido, es un buen momento para explicitar un punto que nos parece muy importante. Encontramos en esta muestra, en realidad como reflejo de todo el arte crítico, piezas que hacen denuncias muy potentes de situaciones totalmente insostenibles -como la que acabamos de ver-; también piezas que van más allá y no muestran sólo la denuncia, aquello que no funciona, sino que muestran propuestas reales que llevan a cabo personas o colectivos para solucionar esas cuestiones que nos afectan en nuestro día a día -como Take the Square de Olvier Ressler-; pero también tenemos propuestas -como la de Laboratori Public de Castelló, Time/Bank o la obra de Tue Greenfort- que directamente lo que hacen es crear propuestas de solución, de mayor o menor calado. En todo momento, son conscientes de su limitación, de la imposibilidad de que su acción llegue a un movimiento tal que alcance su objetivo de una manera universal; sin embargo, su trabajo está pleno de valor al imaginar otros modos de actuar, ensayar alternativas y proponer formas sociales distintas. Lograr, como decíamos, eliminar la imagen de necesidad, naturalidad y unicidad de la actual configuración político cultural dominante y demostrar que existen múltiples alternativas.

No cabe duda de que en el proceso de invención de un nuevo mundo, las potencialidades que hacen realidad el cambio no son estas prácticas artísticas sino los movimientos sociales. Lo que ocurre es que unos y otros viven un proceso de asimilación, cada vez trabajan más estrechamente. Esto se hace muy evidente, por ejemplo, en los grandes encuentros de los distintos grupos alter-globalización en los que la performance es ya un elemento esencial; o en la utilización del video como herramienta creativa y de difusión de experiencias. Pero esto son sólo formas evidentes. Lo más importante es que el arte está aportando al crecimiento de nuevas formas sociales su capacidad imaginativa, creativa. Estas prácticas han decidido firmemente ser partícipes de la invención de un nuevo mundo. La habilidad de los artistas para buscar soluciones creativas sale “fuera del arte” y son utilizadas sobre el tejido social. La división de especialidades de la modernidad deja huecos donde no llega ninguna de las formaciones académicas convencionales. Ahí es donde el artista puede actuar aportando alternativas creativas, pensando de una manera diferente, transversal, ensayando nuevas formas sociales, económicas, medioambientales…

Hub de empresas

El proyecto 7 000 000 000 no se mueve en el terreno de lo utópico, los proyectos hablan todos de realidad y de hechos. Como actividad paralela a la exposición, se ha organizado un encuentro de empresas para dar visibilidad a pymes que están trabajando día a día en cuestiones de sostenibilidad.

La intención es doble, por un lado, sacar del terreno de lo “artistico” el discurso del proyecto, ya que no tiene sentido hablar de sostenibilidad únicamente a través de proyectos vinculados al “arte” -aunque siempre defenderemos que estos proyectos ya poco o nada tienen que ver con el arte, entendido como una forma cultural ya muy lejana. Y por otro, dar a conocer a la ciudadanía una serie de empresas que les están ofreciendo la posibilidad de actuar sobre el mundo de una manera distinta, sencillamente cambiando su consumo.

Para ello, en la planta superior del EACC se va a diseñar un display con información básica sobre estas empresas y servicios que podrá estar disponible para el visitante en cualquier visita al Centro de arte; y además en febrero tendrá lugar un encuentro físico con estas empresas. Se configurará como una charla en la que todas las empresas tendrán la oportunidad de explicar sus servicios o productos a los ciudadanos de Castellón.

MARTE: La Feria de Arte de Castellón

MARTE. Feria de Arte Contemporáneo de Castellón
Palau de la Festa de Castellón (Calle Río Sella, 1)
Del 11 al 14 de septiembre 2014. Entrada gratuita
Presentación: 19 de diciembre 2013, a las 10h (Ayuntamiento de Castellón)

¿Qué es MARTE?

MARTE es la Feria de Arte Contemporáneo de Castellón, del Mediterráneo, la que abre la temporada de Ferias Internacionales en España, es joven aunque nacida con vocación de ser un evento internacional, una ocasión única para ver en un mismo tiempo y lugar la oferta más novedosa del arte actual. Es mar, es arte (y un lugar un poco marciano).

Disfrutar del arte contemporáneo no es fácil, es un aprendizaje muchas veces lento y progresivo, necesita de un proceso laborioso y constante. Por eso mismo precisa de estructuras que acompañen este proceso, que no sean inflexiones anecdóticas, que terminen calando en la memoria.

Fotografía promocional de MARTE. Cortesía de Bocángelus

Fotografía promocional de MARTE. Imagen cortesía de Bocángelus

MARTE (organizada por El Sac Producciones, Coll Blanc, Idear Ideas, Diputación de Castellón y Ayuntamiento de Castellón, con la colaboración de la Universitat Jaume I) tiene por objeto la promoción de artistas y venta de obras y ediciones de arte contemporáneo. De este modo, se busca:

1. Presentar y dar a conocer la actividad de galerías de reconocido prestigio  que ofrezcan una visión representativa de la creación artística contemporánea.

2. Ofrecer garantías de profesionalidad, a través de la calidad de las exposiciones, el trato con coleccionistas y/o entidades artísticas.

3. Fomentar la difusión y el coleccionismo del arte contemporáneo.

4. Promocionar a artistas castellonenses ante galerías de prestigio internacional.

Y también que el arte contemporáneo se enfrente a la gente; esparcir las bases para una nueva actitud hacia al arte que pueda inspirar una nueva manera de entender la vida y la sociedad. Queremos interactuar y transferir cultura. Queremos luchar por nuestras ideas y sueños. Queremos desarrollar la imaginación. Queremos alzar la voz para expresarnos como creadores y como consumidores de cultura. Y queremos divertirnos.

¿Por qué hay que ir a MARTE?

Porque el público verá de manera concentrada, en un mismo lugar y en breve tiempo, una interesante oferta del arte contemporáneo, pudiendo acceder a la compra de obra de calidad, con asesoramiento profesional, y a un coste muy aceptable.

Porque será el acontecimiento artístico más importante de la costa mediterránea, y eso no se puede dejar de ver.

Porque novedosas propuestas del arte contemporáneo hecho en Castellón, convivirán con las de las galerías de mayor prestigio. Las galerías podrán evaluar el interés que despierta su propuesta durante el evento, podrán analizar las muestras, incluyendo los precios, de la competencia a nivel mundial, podrán conocer todas las novedades y las nuevas tendencias del mercado, y podrá difundir su imagen, darla a conocer y presentar sus propuestas ante nuevos potenciales clientes.

MARTE, además, desarrolla un gran número de actividades complementarias a la feria, como presentaciones exclusivas para galeristas, artistas, patrocinadores y colaboradores, premios de patrocinadores con adquisición de obra y una gran variedad de instalaciones e intervenciones.

Rams de vidre: fragmentos de tiempo entrelazados

Rams de vidre. II Encuentro Internacional de performance
Espai d’Art Contemporani de Castelló
C/ Prim, s/n. Castellón
29 de noviembre a las 19:30h

La performance es ante todo un proceso, más que un resultado. No quiere apuntar a un fin concreto que albergue un significado preciso, sino que más bien podría verse como una sucesión de instantáneas o de fragmentos de tiempo entrelazados, en donde lo que ocurre no se articula de forma lógica sino que más bien recurre a enlaces, relaciones o conexiones en los que no se evoca algo conocido, sino que se aleja de ello, tratando así de hallar otros modos de ver, o si se quiere, otras maneras de habitar y convivir con todo aquello que nos rodea. Es por ello por lo que muchas veces una performance nos resulta incomprensible: porque no recorre caminos conocidos ni tampoco dice o quiere decir algo único, sino más bien plural. Y se trata de una pluralidad que se abre y escapa en todas direcciones, y para la que se pide una mirada y una escucha que disponga de múltiples ojos y oídos siempre abiertos.

En este II Encuentro en el EACC de Castellón intervendrán Johannes Deimling, Denis Blacker, Joana Mollá e Isabel G. Mondragón; cuatro performers de la escena europea, que mostrarán una práctica de acción ligada a la plástica, a la poesía y al teatro. Se trata de un Encuentro en el que se pretende impulsar y estimular la capacidad creativa en este territorio, que alberga, hoy por hoy, los mejores performers de la Comunidad Valenciana.

performance de Denys Blacker

Performance de Denys Blacker. 2013. Imagen cortesía del EACC

New Street TRAM en Castellón

Proyecto de Arte Público de Beat Streuli en las paradas del TRAM de Castellón

 New Street Tram es un proyecto producido por el EACC cuya finalidad es el establecimiento de un diálogo entre el arte contemporáneo y el ciudadano, a través de la transformación visual de diferentes paradas del nuevo TRAM de Castellón, en el trayecto UJI-Parque Ribalta.

Las imágenes que componen dicha pieza son el producto de una selección realizada por el artista Beat Streuli tras la convocatoria abierta, en la que el público participó libremente en el proyecto fotográfico llevado a cabo en el EACC a comienzos de enero de este año. Este proceso de producción conllevó un primer diálogo participativo entre el ciudadano, el artista y la institución que acoge el proyecto.

El TRAM de Castellón supone, en sí mismo, un proyecto de transformación urbana radical al tener en cuenta que la ciudad carecía hasta la fecha de dicho servicio. Una vez finalizados los trabajos, la propia imagen de la ciudad se verá totalmente transformada en su espacio central ya que, por vez primera, se realizará una conexión directa entre el norte y el sur de la misma, produciéndose un paso más en la previsión de generar una ciudad menos dependiente del automóvil y más afín con el uso del transporte público.

La intención de la propuesta de Streuli al ocupar dichos espacios supone una clara vindicación del propio ciudadano, protagonista único de la realidad cotidiana.

Por último, la pieza también posee una línea teórica y expositiva que la propia institución ha ido desarrollando a lo largo de los últimos años en un intento de llevar las diferentes manifestaciones del arte contemporáneo más allá del propio espacio expositivo.