Contra la reducción del Grado en Bellas Artes

Conferencia de Decanos de las Facultades de Bellas Artes
Celebrada en Bilbao, el 6 de marzo, 2015

La semana pasada tuvo lugar en Bilbao una reunión de la Conferencia de Decanos de las Facultades de Bellas Artes en la que se decidió un posicionamiento de todas las Facultades frente al Decreto 3+2 (Real Decreto 43/2015, de 2 de febrero) al respecto de los títulos de Grado en Bellas Artes, Diseño y Conservación y Restauración de Bienes Culturales. En dicha reunión, se manifestó que dichos estudios de Grado deberán mantenerse en los 240 créditos ECTS actuales, si se quería garantizar unos mínimos de calidad en la formación.

El comunicado emitido tras la reunión del 6 de marzo señala exactamente que «ante la publicación del Real Decreto 43/2015, de 2 de febrero, y en relación a la posibilidad de reducir la duración de los actuales títulos de Grado en Bellas Artes, en Diseño y en Conservación y Restauración de Bienes Culturales, la Conferencia acuerda de forma unánime la solicitud de mantener esos 240 créditos ECTS».

Vista general del campus de la Universitat Politècnica de València.

Vista general del campus de la Universitat Politècnica de València.

Tal y como se manifiesta, «dichos estudios de Grado deberán mantenerse en los 240 créditos ECTS actuales, teniendo en cuenta que, dado su carácter experimental y teórico-práctico, unido a la amplitud y heterogeneidad de sus materias fundamentales, no se podría garantizar la calidad de la formación con un desarrollo temporal más reducido».

Participaron en la reunión representantes de las Facultades de Bellas Artes de: Altea (Universidad Miguel Hernández), Barcelona (Universidad de Barcelona), País Vasco (UPV-EHU), Cuenca (UCLM), Granada (UDR), Madrid (Universidad Complutense), Salamanca (USAL), Sevilla (US), Málaga (UMA), Murcia (UM), La Laguna (ULl), Pontevedra (UVigo), Valencia (Universitat Politècnica de València-UPV) y Teruel (UniZar).

Detalle de la fachada de la Universitat Politècnica de València.

Detalle de la fachada de la Universitat Politècnica de València.

 

(Los) usos del arte: exposición 7 x 1

7 x 1 Usos, Los usos del arte (grupo de investigación)
Sala de Exposiciones Bellas Artes
Campus de Teruel, Universidad de Zaragoza
Del 20 de noviembre al 5 de diciembre 2014

La exposición “7 x 1 Usos” ha sido comisariada desde el Grupo de investigación (los) Usos del arte, contando con la participación en la misma de miembros  colaboradores del grupo así como de artistas invitados para esta ocasión.

“7 x 1 Usos” es fruto de las experiencias y deliberaciones de las I Jornadas de investigación del Grupo (los) Usos del arte, “usos de ida y vuelta” (nov. 2013) y de las II Jornadas “usos en movimiento” (octubre 2014), visibilizando actitudes y poéticas que representan algunos de los ‘usos’ del arte debatidos en las Jornadas.

Exposición 7x1 Usos. Imagen cortesía de la organización

Exposición 7×1 Usos. Imagen cortesía de la organización

Alex Francés. Artista valenciano, ha llevado a cabo multitud de exposiciones con una coherente trayectoria. Trabajando siempre desde el cuerpo, ha ido extendiendo sus investigaciones (colaboraciones, incursiones en otros territorios -la figura materna, la masculinidad, la trascendencia-) y formatos (performances para fotógrafa, vídeos, esculturas, dibujo) reinventándose sin cesar aunque siempre con un centro emocional y corporal.

“Enegrama es la pieza número nueve de mi armadura, engrama doble que como configuración interna de la misma alude a eso que no cesa de girar sobre sí mismo, donde los rangos de igualdad y diferencia, atracción y aversión existen pero son casi indiferenciados. Investir un cuerpo. Al principio ya estaba todo allí, las 9 armas se disponían sobre mi mesa: 1 roja, un puñete, un falo, 2 verde prado, la borgoñota, el bien, 3 azul oscuro, la celada, una máscara para revelar el rostro interior, 4 y 5 amarilla y anaranjada, dos vómitos, beneficios, 6 verde vejiga, la culera, lo propio, 7 azul oscuro, una llave, la voz, 8 verde prado, el vaciado de Hermanos, la apertura.

A parte de eso (que ya estaba allí) ¿me moldeé? ¿Es eso (lo que concebí entonces) lo que me hace ahora? ¿Es eso que imagino (ahora) lo que media? ¿Es el patrimonio un cuerpo? ¿Es un vestido para la vida real?”

Juan Antonio Cerezuela. Cartagena (Murcia), 1982. Investigador y artista interdisciplinar. Lcdo. BBAA por la Univ. de Granada (2005). Actualmente pendiente de la obtención del título de doctor en Bellas Artes con la tesis La confesión en la práctica artística audiovisual: modalidades, estrategias discursivas y expresiones del yo confesional.

“A través de” es una preposición, y el diccionario define preposición como “GRAM. Parte de la oración que subordina unas palabras a otras dentro de la oración; es palabra invariable que significa la relación que existe entre los elementos por ella enlazados”. La instalación sonora A través de una propuesta que sirve de nexo entre diferentes ámbitos: lo personal y lo social, la memoria afectiva y la memoria oficial. Sirve de puente entre dos personas: el emisor (que narra la historia), y el receptor (que la escucha). A través de pone en juego el conocimiento de un espacio al cual no se permite acceder a cualquier ciudadano y que, por lo tanto, supone un espacio inexistente o desplazado del resto de la sociedad; una heterotopía en términos de Foucault.

Por una iniciativa personal para este proyecto escribí una carta solicitando un permiso para poder acceder a los espacios e instalaciones de la prisión de Picassent de Valencia. Pero la Dirección General de Instituciones Penitenciarias solventó la solicitud con una carta, denegando la entrada a cualquier persona “por razones obvias de Seguridad”. A través de es una respuesta a la inaccesibilidad visual a este espacio y pone en relación con el espectador las descripciones de personas que han permanecido en la prisión de Picassent durante determinado tempo, descripciones frecuentemente mezcladas con vivencias muy personales. Así pues, el espectador puede acceder al espacio de la prisión a través de una memoria transmitida de forma oral, no visual.

Gloria G. Durán es investigadora postdoctoral en el I+D, “Madrid Cosmópolis: Prácticas Emergentes y Procesos Metropolitanos”, (CSO2012-33949), escritora, investigadora y artista.

Juan Carlos Castro es profesor Ayudante de Proyectos Arquitectónicos de la Universidad de Alicante.

TATUAJE (mamá) Alzheimer. Para aprender. Para recordar. Para no tener prisa. Para estar aquí y ahora. Para no tener jerarquías. Para volver a la infinidad de usos de cualquier objeto. Y una vez más para recordar, recordar cómo era la España de postguerra. Pocas imágenes y mucha radio.

El Alzheimer para recordar y la copla para retratar una España sin imágenes. Todos, todas cantaban, cantaban por que se oían las mismas canciones una y otra vez una y otra vez y otra más. Repetir para construir memoria, para olvidar y después almacenar para volver a recordar. Aprender es repetir, pero repetir el qué. Aprender lo que ya se sabe cuando uno no es capaz de repetir, retener, recordar. Solo queda lo que estaba, lo que había antes.

Mucho tiempo antes. Recordar la memoria del olvido. Las personas que no recuerdan son la memoria viva de nuestro país y cómo ya preguntara Tristan Tzara en su primer manifiesto dadaísta, “¿Hay quien crea haber encontrado la base psíquica común a toda la humanidad?… ¿Cómo se puede poner orden en el caos de infinitas e informes variaciones que es el hombre? Una de esas variaciones son todas aquellas y todos aquellos que están aquí y ahora viviendo entonces.

Es una pieza de Juan Carlos Castro y Gloria G. Durán. Se trata de una pieza de arte sonoro que parte de un archivo de audio en el que gloria g Durán y su madre cantan a dúo la copla TATUAJE de Quintero, León y Quiroga, una copla compuesta para Concha Piquer que retrata unos entornos que cualquier mujer de clase media jamás conocería. Tascas. Humo. Oscuridad. Placeres prohibidos y un manchado mostrador. Por eso TATUAJE sirve para recordar lo que se vivió y, sobre todo, lo que se quiso vivir y no se pudo. Una memoria expandida no solo de lo que hubo sino de lo que se soñó que hubiera.

Exposición 7x1 Usos. Imagen cortesía de la organización

Exposición 7×1 Usos. Imagen cortesía de la organización

Monique Bastiaans Artista belga establecida hace años en Valencia, ha realizado multitud de exposiciones nacionales e internacionales. Ha llevado a cabo multitud de instalaciones, tanto en el espacio público (urbano) como en el espacio natural. Sus ámbitos principales son la escultura y las instalaciones, ámbitos que enfrenta de un modo sensorial, lúdico, poético, con propuestas llenas de energía e intensidad.

“Para mí el arte es una forma de vivir. Está totalmente interconectado con mis pensamientos de todo tipo, sobre la vida, espirituales, sociales. Yo vivo en la naturaleza y eso significa que estoy muy en contacto con ella, la observo mucho y toda mi obra tener que ver con ella. Es un homenaje a la naturaleza. Mi frase preferida es Natura arts magistra que significa “la naturaleza es la maestra de las artes”. Mi obra está en diálogo con la naturaleza de diferentes maneras. Una de ellas es hacer intervenciones que siempre son efímeras, con lo cual hago un tributo a la naturaleza, parecen formar parte de ella porque están en su entorno natural. Y por otro lado, también hago, cuando no son piezas en la naturaleza misma –son como recreaciones de ella– reinventar la naturaleza con mis propios materiales; me invento siempre los materiales para que las piezas sean interesantes igual de lejos que de cerca.”

Claudia Martínez. Artista argentina (Catamarca, Argentina) afincada en Valencia. Es Licenciada en Artes Plásticas, egresada de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Tucumán, Argentina. Entre otras muchas exposiciones, fue artista invitada en ARTIFARITI, II Encuentros Internacionales de Arte Publico en la RADS, Republica Árabe Democrática Saharaui (2008).

“Mi trabajo se desenvuelve entre la escultura, la instalación, el dibujo y la fotógrafa y las acciones performáticas, en algunos aspectos. Investigo las relaciones existentes entre espacio y materia, poniendo el acento en la sensualidad de los materiales y la relación de la obra con el tempo (el de su ejecución y el de su permanencia); la paciencia como motor, la fragilidad y la precariedad como cualidades; especialmente me motivan aquellos gestos, marcas de lo que apenas se percibe, lo que se camufla tanto en el espacio arquitectónico como en el cuerpo o en el espacio de trabajo. La obra resulta un lugar de confluencias, un punto de partida en que se revela un mundo particular y un imaginario complejo, que enraíza en la biología y las estructuras microscópicas. Intento recuperar para mi obra, el mundo cotidiano y los pequeños gestos: el tejido, las labores manuales valiéndome de los nudos, los enlaces de hilos, ganchillos, el mundo de los alambres, las fibras, las líneas, las tramas y los textiles para darles una característica extraordinaria al transformarlos en esculturas.”

Uxía Piñeiro. Licenciada en Bellas Artes, especialidades de escultura y dibujo, por la Universidad de Vigo, donde posteriormente obtiene el Diploma de Estudios Avanzados. Es Investigadora del Departamento de Escultura de la Universidad de Vigo desde el año 2009. Sus líneas de investigación se sitúan en torno a las poéticas del aparecer en el pensamiento creador.

HUELLA. Permanencia. circular . orbital . ángulo . línea . trazo . idea . luz . entendimiento . pensamiento . orden . noche . luz . translúcido . búsqueda . nube . incluso . hora . metro . cuenco . montaña . forma . cóncavo . magnitud . aislada . paralela . sincronía . número . necesidad . idea . ser . lugar . duda . rotación . naufragio . suma . movimiento . significado . objeto . girar . idea . abstracto . transparencia . perdurabilidad . relación . vínculos . pensamiento . impresión . espíritu . fin . desplazamiento . opinión . identidad . torbellino . tierra . idea . mundo . espacio . ausencia . presencia . anticipación . lejos . idea . sombra . fecha . horizonte . vuelo . guía . distancia. inmóvil . ola . altura . relación . física . despliegue . serie . peso . líquido . arena . idea . viento . estela . eje . vertical . cualidad . sueño . reflexión . huella . sonido . agua . exterior . duda . orden . noche . luz . translúcido . búsqueda . nube . incluso . hora . metro cuenco . rotación . naufragio . suma . movimiento . significado . objeto . girar . idea . abstracto . impresión . opinión . identidad . torbellino . tierra . idea . mundo . espacio . ausencia . presencia . anticipación . lejos . idea . sombra . fecha . horizonte . vuelo . guía . distancia . inmóvil . ola . altura . relación . física . despliegue . serie . peso . líquido . arena . viento . estela . eje . vertical . cualidad . sueño . reflexión . huella . sonido . agua . exterior . duda . idea . sólido . ángulo . línea . trazo . idea . luz . hora . metro . cuenco .montaña. . forma . cóncavo . magnitud . aislada . paralela . sincronía . número . necesidad . idea . ser . lugar . duda . rotación . naufragio . suma . movimiento . significado . objeto . girar . idea . abstracto . impresión . opinión . identidad . torbellino . tierra . idea . mundo . espacio . ausencia . presencia . anticipación . lejos . idea . sombra . fecha . horizonte .vuelo . guía.

Duarte Encarnação. Artista Visual, Doctor en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y profesor en CCAH/Universidad da Madeira, Portugal. Ha desarrollado un trabajo artístico de carácter híbrido entre la escultura, arquitectura y el dibujo, reflexionando sobre el espacio público con aportaciones de proyectos de carácter utópico. Actualmente, realiza una serie de dibujos con el título: riots panorama, que ilustran las manifestaciones globales como medio de expresión y ocupación de la ciudad, señalando la plaza como lugar de la revolución.

 

Fotografías de arquitectura moderna

Fotografía y arquitectura moderna en España 1925-1965
Fundación ICO, Madrid
Hasta el 7 de septiembre
Comisario: Iñaki Bergera

De acuerdo con Thérèse Evette, existen dos tipos de fotografías de arquitectura: las que expresan y las que describen. La tensión entre ambos registros es continua aún cuando, en opinión de Alberto Martín, el primero suele aventajar al segundo como fiel suministrador de iconos inmutables y atemporales de la obra arquitectónica. Establecer las relaciones entre arquitectura y fotografía en España a lo largo de cuatro décadas, las que transcurren desde las vanguardias de los años veinte hasta las soluciones derivadas de la crisis del Estilo Internacional en los sesenta del siglo XX, es el propósito que guía el proyecto de investigación Fotografía y arquitectura moderna en España 1925-1965 a cargo de Iñaki Bergera, arquitecto, fotógrafo y profesor de arquitectura en la Universidad de Zaragoza. De su equipo forman parte investigadores de las universidades de Burgos, Coruña, Madrid, Navarra, Sevilla, Zaragoza y Valencia (Universidad Politécnica y Universidad Europea), quienes durante los últimos años han estudiado numerosos archivos públicos y privados para recopilar el material fotográfico que da testimonio de la arquitectura moderna en España.

Señala Bergera que uno de los propósitos que dirigen la investigación es acometer el estudio de la modernidad arquitectónica a través de sus fotografías, con el ánimo conciliar su «arquitecturalidad» con el registro indicial propio de la mirada de cada fotógrafo que, en ocasiones, es la del propio arquitecto: como autor o como responsable del encargo y, casi siempre, de la selección de imágenes para su archivo y difusión en publicaciones de arquitectura. El progresivo cambio en los códigos de representación de la arquitectura, acorde con la irrupción de los lenguajes de vanguardia que afectaron a todas las disciplinas, así como la atención creciente de los medios de difusión ilustrados por la arquitectura, explican que numerosos fotógrafos se especializaran en arquitectura. Atender a todas estas cuestiones, con las que elaborar una base de datos que actúe como «condensador documental» y sea el origen de reflexiones teóricas de carácter interdisciplinar, es el objetivo que este proyecto se plantea a largo plazo.

Uno de los primeros resultados de la investigación es la exposición que con el mismo título se presenta en la sede de la Fundación ICO en Madrid, incluida en el programa de PhotoEspaña, cuyo montaje, a cargo de Íñigo Beguiristáin & Vaillo + Irigaray Architects, es digno de mencionar y elogiar.

La selección de 200 fotografías en exposición no pretende, señala Bergera, ser un álbum completo de imágenes de la historia y etapas de la arquitectura moderna en España, ni tampoco presentar los edificios más destacados, ni siquiera mostrar las mejores fotografías; lo que se busca es componer una de tantas historias posibles de la fotografía: la que registra la arquitectura moderna en España. De esa historia rescatamos las imágenes que dan a ver la arquitectura moderna en la Comunidad Valenciana.

Dado que todas las fotografías seleccionadas de la Comunidad Valenciana corresponden a edificios realizados a partir de la segunda mitad de los años cincuenta del siglo XX, las miradas de los fotógrafos interpretan la nueva arquitectura con profesionalidad, acorde con la tarea que el arquitecto les encomienda, a riesgo de reiterar fórmulas que banalizan los esquemas modernos, como advierte Alberto Martín en el texto incluido en el estupendo catálogo de la exposición. Es obvio que la rigurosa selección de fotografías evita las excesivamente formalistas desde un punto de vista estético.

 

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de Albatera, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1956)

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de Albatera, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1956)

Joaquín del Palacio (Madrid, 1905-1990), conocido como «Kindel», comenzó a colaborar en la Revista Nacional de Arquitectura en los años cincuenta. Sus fotografías más conocidas son las de los Poblados de colonización en las que supo expresar la abstracción y sencillez compositiva de trazados y volúmenes. Así queda reflejado en las imágenes que realizó de los Poblados diseñados por el arquitecto José Luis Fernández del Amo (Madrid, 1914-Ávila, 1995) que, en opinión de Luis Fernández Galiano, se entienden mejor en términos de las artes plásticas: en todos ellos destaca la abstracción que arrojan los volúmenes de estricto rigor geométrico, el tratamiento de texturas y la querencia por lo esencial que evita lo superfluo. En 1953 Fernández del Amo proyectó el poblado de san Isidro de Albatera, en un lugar que había sido campo de concentración de prisioneros durante la inmediata posguerra. Y Kindel lo registró en sus fotografías.

 

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de El Realengo, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1960)

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de El Realengo, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1960)

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de El Realengo, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1960)

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de El Realengo, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1960)

En 1961, Fernández del Amo presentó en la VI Bienal de Arquitectura de Sao Paulo algunos de los proyectos de Poblados de colonización entre los que seleccionó los de Albatera y este de El Realengo. El jurado presidido por Niemeyer le concedió la Medalla de Oro. Kindel supo captar en sus fotografías la dimensión plástica de la arquitectura de Fernández del Amo. En las dos imágenes del poblado de El Realengo seleccionadas, Kindel incorpora la presencia de algunos de sus habitantes para acentuar los rasgos de la arquitectura, aunque se percibe cierta intención de carácter humanista, sobre todo en la fotografía de los niños jugando al fútbol en un paisaje seco y austero, ajeno al entretenimiento.

 

Finezas, Facultad de Derecho, de Fernando Moreno Barberá (Valencia, 1959)

Finezas, Facultad de Derecho, de Fernando Moreno Barberá (Valencia, 1959)

La saga de fotógrafos de Valencia integrada por Joaquín Sanchís Serrano, su hijo Manuel y su nieto José Manuel, era conocida como los «Finezas» por lo bien que vestían. El autor de las imágenes en exposición es Manuel Sanchís Serrano (Valencia, 1918-1996) que aprendió de su padre el oficio de fotógrafo. Tras lograr la popularidad con sus reportajes de fútbol decidió especializarse en arquitectura, a partir de los años cincuenta y durante los sesenta. Su atención a las peculiaridades que singularizan las obras de los arquitectos que le encargaron las fotografías queda de manifiesto en esta imagen de la fachada de la Facultad de Derecho de Valencia (hoy Facultad de Filosofía y Ciencias de la Educación), por ser precisamente la solución que Fernando Moreno Barberá (Ceuta, 1913-Madrid, 1998) dio a las fachadas según su orientación, uno de los elementos más innovadores del edificio: la norte es un muro cortina de superficies acristaladas sujetas con perfiles metálicos; la soleada queda protegida con un sistema de brise-soleils de hormigón.

 

Finezas, Estación de servicio Oliva, de Juan Haro Piñar (Valencia, 1960)

Finezas, Estación de servicio Oliva, de Juan Haro Piñar (Valencia, 1960)

A Manuel Sanchís Serrano, «Finezas», recurrió el arquitecto Juan Haro Piñar para fotografiar la estación de servicio de El Rebollet. La fotografía en exposición corresponde a la fachada del restaurante que proyectó junto con el servicio de gasolinera. Sergio Grande García ha descrito esta obra tan compleja como atractiva: espacio cubierto por una composición de superficies alabeadas en forma de paraboloide hiperbólico para la zona administrativa y comercial, mientras que los surtidores de gasolina se encuentran protegidos bajo marquesinas fungiformes de diferentes alturas que imprimen dinamismo al paisaje y suscitan la curiosidad del viajero.

 

Navarte, Seminario Mayor de Santa María, de Luis Cubillo (Segorbe, Castellón, 1966)

Navarte, Seminario Mayor de Santa María, de Luis Cubillo (Segorbe, Castellón, 1966)

El autor de la fotografía es Elías Gil Roca (1911-1995) aunque la firma «Navarte», una empresa de importación y venta de artículos fotográficos de Castellón que desde comienzos de los años sesenta hasta su cierre a finales de los ochenta equiparon a los fotógrafos de toda la provincia, además de revelar sus imágenes. Asimismo, la empresa recibía encargos que subcontrataba a fotógrafos profesionales como es el caso de Gil Roca que dejó el testimonio gráfico del empeño del arquitecto Luis Cubillo (Madrid, 1927-2000) por trasladar las soluciones y recursos de la arquitectura moderna a los espacios de liturgia.

 

Pando, Universidad Laboral de Cheste, de Fernando Moreno Barberá (Valencia, 1970)

Pando, Universidad Laboral de Cheste, de Fernando Moreno Barberá (Valencia, 1970)

Juan Miguel Pando Barrero (Madrid, 1915-1992) aprendió fotografía de arquitectura en el estudio de Mariano Moreno aunque no fue hasta la década de los cincuenta cuando trabajó en esa especialidad. Recibió encargos de Gutiérrez Soto, Sáenz de Oiza, Cano Lasso, Fisac o Moreno Barberá, autor de la Universidad Laboral de Cheste. Del arquitecto se ha destacado su obsesión por explorar la correspondencia entre la estructura y la forma, la repetición de elementos o la reducción formal, así como su atención a las condiciones climáticas que ya se han señalado en la Facultad de Derecho de Valencia. Los severos contrastes de luces y sombras de una arquitectura abierta y extraordinariamente rica en recursos permanecen en las dos fotografías de Pando en exposición.

Chus Tudelilla

 

¿Cuales son los usos del arte?

Primeras Jornadas «(los) Usos del arte_Usos de ida y vuelta»
Salón de actos del Vicerrectorado de Teruel
Ciudad Escolar, s/n. Teruel
Universidad de Zaragoza
7 de noviembre de 2013
De 10.30 a 19.00 horas

En innumerables ocasiones hemos escuchado mencionar la “muerte del arte” (Hegel[1]) habitualmente desde el marco del propio campo del arte (Bourdieu), así como la “inutilidad del arte”[2], habitualmente, en este caso, desde un marco social más amplio. En definitiva, parecería que el arte fuera un aditamento, un añadido prescindible, un resto de tiempos pasados donde verdaderamente éste era importante y cumplía sus funciones.

El grupo de investigación H70 “(los) Usos del arte” explora las posibilidades que ofrecen las transformaciones de estos usos y usuarios del arteEl grupo está compuesto por doctores, personas del ámbito de la gestión cultural, de la investigación y de la creación artística, y docentes de diversas universidades y procedencias. Formado desde el Departamento de Expresión Musical, Plástica y Corporal de la Universidad de Zaragoza, actúa en la Facultad de Ciencias Sociales y Humanas, siendo sus miembros efectivos profesorado de la Titulación de Bellas Artes del campus de Teruel. El grupo se plantea cuatro líneas principales de investigación.

La primera de ellas pretende centrarse en el estudio y análisis de los debates actuales en torno a los usos críticos del arte. En ese sentido, sus objetivos serían actualizar las reflexiones acerca de los usos posibles del arte, así cómo plantear la cuestión de qué uso/s se hacen, o pueden hacerse, del arte, y sondear el estado de la cuestión. Cabe destacar, en este sentido, el desarrollo de las Primeras Jornadas sobre “(los) Usos del arte_Usos de ida y vuelta”, que tendrán lugar el próximo jueves 7 de noviembre, en el Salón de actos del Vicerrectorado del Campus de Teruel.

La segunda línea se interesa por las intervenciones en el territorio, el contexto y el espacio público que se llevan a cabo desde el arte.  Así, se trata de llevar a la práctica algunos de los usos del arte, intervenir desde el conocimiento propio del arte en ámbitos interdisciplinares, en procesos de producción, o de transformación o conflicto social de modo contextual, revitalizando y fortaleciendo de este modo el tejido empresarial, social, educativo, imaginario, simbólico, identitario o productivo.

La tercera tiene por objeto el arte como creación y, desde esa perspectiva, se trata de llevar a cabo experiencias y búsquedas creativas interdisciplinares en las prácticas artísticas.  Así, se pretende renovar el flujo de información, las temáticas, los sistemas de producción, etc., que, proviniendo de otros ámbitos de la sociedad, confluyan hacia el arte, llevando a término una actualización de una de las principales premisas heredadas de las vanguardias en el sentido de la unión entre arte y vida.

La cuarta línea pone el foco sobre las múltiples y diversas conexiones que pueden establecerse en torno al arte y la educación. Así, por una parte, pretende investigar modos de acercar de manera actualizada el conocimiento propio del arte y sus procesos al ámbito educativo. Y, por otra, pretende equiparar y poner en valor el conocimiento artístico -y sus saberes y modos de hacer- respecto de la forma de conocimiento científico y reivindicar su importancia y posibilidades de transformar, tanto a los sujetos como a la sociedad.

PROGRAMA 1as. Jornadas. (usos de ida y vuelta)

10.30h_PRESENTACIÓN
Grupo de investigación H70 (los) Usos del arte.
Departamento EMPC. Universidad de Zaragoza.

11.00h_CONFERENCIA
“Los usos del arte en el espacio público”
José Luis Pérez Pont. Comisario y crítico independiente.

Descanso

12.30h_MESA 1
(en torno al) USO SOCIAL/INSTITUCIONAL
Miguel Molina. Catedrático de escultura de la UPV.
Pepe Miralles. Director de la Cátedra “Arte y Enfermedades” y profesor de la UPV.
Diego Arribas. Director del Museo Salvador Victoria y Profesor de la UZ.
Gloria G. Durán. Investigadora dep. antropología de la UNED y crítica independiente.
Silvia Martí Marí. Profesora de la UZ.

17.00h_MESA 2
(en torno al) USO INTERNO
Alex Francés. Artista.
Monique Bastiaans. Artista.
Holga Méndez. Artista y Profesora de la UZ.

No existe una pretendida esfera del arte separada, pura y ajena al resto del sistema en el que estamos inmersos. Además, todas esas diferentes actitudes y usos ocurren sincrónicamente de modo que, con respecto al arte, múltiples visiones, acciones y vivencias, que pertenecen a concepciones y periodos históricos diferentes, tienen lugar en un mismo momento. Se tratará de ser capaces de generar una “poética de los usos” (usos de ida y vuelta).

(extractos del texto de Silvia Martí Marí, profesora contratada doctor del Área de Escultura del Departamento de Expresión Musical, Plástica y Corporal de la Facultad de Ciencias Sociales y Humanas de Teruel, Universidad de Zaragoza)

www.usosdelarte.unizar.es



[1] Hegel habla de que el arte, para nosotros, es una cosa del pasado, en el sentido de que no parece estar ya relacionado con alguna clase de trascendencia.

[2] Particularmente se observa esa actitud, en comentarios del tipo “las asignaturas artísticas no son importantes” o en recortes en asuntos ‘prescindibles’ (educación y cultura…).