‘Entre Mitos. Libros de artista.’ Gema Navarro Goig

Entre mitos. Libros de artista. Gema Navarro Goig
Biblioteca de la Universidad Politécnica de Valencia
Camino de Vera s/n. Valencia
Hasta 16 de mayo 2018

La Sala de exposiciones de la Biblioteca de la Facultad de Bellas Artes de San Carlos, Universitat Politécnica de València, acoge una muestra que pretende establecer un vínculo entre el libro de artista y el mito. Los mitos, se transforman perpetuando algunas de sus características esenciales, como el dinamismo y la propia adaptabilidad que encajan en muy diversos lenguajes. Con la recreación artística en formato papel que conforma la exposición, los propios mitos parecen ceder el protagonismo al propio libro de artista, un soporte y forma de expresión artística que está suscitando un creciente interés en el contexto del arte contemporáneo actual, así como en el ámbito del coleccionismo, diferenciándose del libro tradicional por su carácter objetual y la prevalencia de la imagen sobre el texto, hecho que lo distingue de los convencionalismos que delimitan a los otros libros, los que conocemos y usamos, que generalmente son fruto de producción fabril.

Imagen: Cortesía de la comisaria Gema Navarro Goig. Detalle de MEDUSA, libro artista de Rufino de mingo

Imagen: Cortesía de la comisaria Gema Navarro Goig. Detalle de MEDUSA, libro artista de Rufino de mingo

Las obras que componen esta exposición se caracterizan por la diversidad de planteamientos y metodologías, ya que van desde el libro objeto, el escultórico, el desplegable o el tradicional de hojas cosidas, entre otros. La pluralidad se da también en las técnicas que los conforman: grabado, pintura, talla en madera, fotosensibles, collages, soportes poco convencionales, etc.

Imagen: Cortesía de la comisaria Gema Navarro Goig. Fotografía de la obra de Francesca Genna, titulada ' ACTEÓN'

Imagen: Cortesía de la comisaria Gema Navarro Goig. Fotografía de la obra de Francesca Genna, titulada ‘ ACTEÓN’

La muestra deja constancia de 23 artistas con una amplia trayectoria; algunos de ellos profesores de las Facultades de Bellas Artes de Madrid, Valencia y Palermo. La componen también creadores de diferentes países como Francia, Alemania, Argentina e Italia, que gozan de cierta tradición en la creación del libro de artista. Una parte de los participantes pertenecen al Grupo de Investigación de la Universidad Complutense de Madrid LAMP (el libro de artista como materialización del pensamiento) entre los está Gema Navarro Goig, comisaria de la exposición, conocedora de este ámbito que ha desarrollado en la docencia, actividad artística e investigación.

Imagen: Cortesía de la comisaria. Bestiario, obra de François Maréchal

Imagen: Cortesía de la comisaria. Bestiario, obra de François Maréchal

Comisaria
Gema Navarro Goig
Profesora Titular Facultad de Bellas Artes Universidad Complutense de Madrid

Artistas participantes
José Emilio Antón, Antonio Alcaraz, François Maréchal, Marta Aguilar, Carmen Hidalgo de Cisneros, Mónica Oliva, Rufino de mingo, Gema Goig, Francesca Genna, Gudrun Ewert, Blanca Rosa Pastor, José Manuel Guillén Ramón, Lola Pascual, Santiago Delgado, Carmen Grau, Carolina Maestro, Mariano Maestro, Vivian Asapche, Rosana Arroyo, Sylvain Malet, Emilio Morales, Silvana Blasbalg.

c arte c – Producción de proyectos

Convocante: Centro de Arte Complutense UCM
Dotación: más de 20.000 euros
Modo de presentación: e-mail o correo postal
Plazo de admisión: hasta el 15 de enero de 2018

c arte c (CENTRO DE ARTE COMPLUTENSE)
CONVOCATORIA DE PRODUCCIÓN DE PROYECTOS
Esta convocatoria, dirigida a la producción de proyectos artísticos en el Centro de Arte Complutense, quiere promover el trabajo de artistas noveles, fomentar el arte actual, apoyar la generación de conocimiento y favorecer el aprecio del patrimonio, con el objetivo principal de conectar a la comunidad universitaria con la realidad artística y social.
La convocatoria estará abierta del 1 de diciembre de 2017 al 15 de enero de 2018, siendo este el plazo de entrega para todos los proyectos de comisariado o de creación artística que quieran formar parte de la programación del Centro de Arte Complutense.
1. Participantes
Podrán presentar proyectos, de forma individual o colectiva, artistas y comisarios de cualquier nacionalidad, sin límite de edad. En caso de presentarse como colectivo deberán designar a un representante del mismo.
2. Modalidades
Los proyectos se podrán presentar a una de las siguientes modalidades:
• Programa “Despega”
Dirigido a la presentación de proyectos artísticos por parte de creadores noveles. Se entenderá por “creador novel” a toda aquella persona que no haya mantenido relación profesional con alguna galería de arte, y que no haya expuesto su trabajo en museos o centros de creación de referencia en el circuito artístico.
Se seleccionará un máximo de 6 proyectos que formarán parte de una exposición que se realizará en 2018 o 2019, y cuyo comisariado será encargado por la Universidad Complutense a experto/s de reconocido prestigio.
• Programa “Conexiones”
Dirigido a la presentación de proyectos de comisariado. Se seleccionará un máximo de 3 proyectos que se llevarán a cabo en los años 2018-2019. El tema de los proyectos será libre, aunque se valorarán especialmente los relacionados con los siguientes aspectos:
– Creación artística y nuevas tecnologías.
– Diálogos con el patrimonio universitario.
El proyecto debe ser inédito.
La selección de los proyectos se realizará en función de los siguientes criterios de valoración:
• Programa “Despega”
a) Interés artístico y social del proyecto.
b) Viabilidad del proyecto según el dossier y la documentación complementaria presentada, adecuación económica al presupuesto, necesidades técnicas y requerimientos arquitectónicos/espaciales.
c) Trayectoria formativa e investigadora del creador o creadores del proyecto.
• Programa “Conexiones”
a) Interés artístico y social del proyecto.
b) Innovación en el display expositivo.
c) Interacción con el contexto universitario.
d) Viabilidad del proyecto según el dossier y la documentación complementaria presentada, adecuación económica al presupuesto, necesidades técnicas y requerimientos arquitectónicos/espaciales.
c) Trayectoria formativa e investigadora del creador o creadores del proyecto.
3. Prestaciones
Programa “Despega”
Cada uno de los creadores seleccionados recibirá 1.000 € en concepto de honorarios y 1.000 € en concepto de producción de la obra.
Programa “Conexiones”
La cuantía máxima destinada a cada proyecto seleccionado ascenderá a 15.000 €, que incluirán los siguientes gastos:
 Honorarios de comisariado y del artista o artistas participantes.
 Producción de la obra u obras expuestas.
 Viajes y estancias comisario/s y artista/s del proyecto.
 Derechos por comunicación pública de las obras incluidas en la exposición.
 Derechos de reproducción de las obras incluidas en la exposición.
 Difusión (catálogo, hoja de sala, señalización exterior, etc.).
 Transporte de ida y vuelta de obras y materiales.
 Producción museográfica (carpintería, pintura, gráfica, montaje, etc.).
 Recursos humanos y material técnico. Se computarán los materiales y servicios que el Centro de Arte Complutense no pueda cubrir con su propio personal y su equipo material.
 Desmontaje. El espacio expositivo se entrega pintado en color blanco. Cualquier cambio de color realizado en los muros deberá subsanarse y pintarse de nuevo (con cargo al presupuesto del proyecto) en su color original tras la clausura de la exposición.
Las cantidades mencionadas se consideran con impuestos incluidos y todo ello sin perjuicio de la retención de IRPF que se efectuará si procede.
El Centro de Arte Complutense aportará las infraestructuras, equipos técnicos, asesoramiento, seguros y recursos humanos disponibles, según las necesidades expuestas en el proyecto y siempre con la conformidad de creadores y comisarios. Asimismo, llevará a cabo la difusión mediante redes sociales, mailing y web institucional.
Esta convocatoria queda condicionada a la existencia de crédito adecuado y suficiente en el presupuesto de la Universidad Complutense de Madrid.
4. Envío de proyectos
Del 1 de diciembre de 2017 al 15 de enero de 2018.
Las personas o colectivos interesados en esta convocatoria deberán enviar la documentación por correo electrónico o por correo postal, indicando en todos los casos el siguiente título: CONVOCATORIA PROPUESTAS C ARTE C PARA PRODUCCIÓN DE PROYECTOS.
(…)

Bases completas y más información

El compromiso periodístico de Albert Camus

‘Albert Camus, periodista’, de María Santos-Sainz (editorial Libros.com)
Café Literario
Institut Français de Valencia
Moro Zeit 6, Valencia
Martes 21 de febrero de 2017 a las 19:30

Dentro del ciclo ‘Café Literario”, El Intitut Français de Valencia acoge la presentación de ‘Albert Camus, periodista’, de María Santos-Saínz, publicación de la editorial Libros.com que recupera al Camus periodista; al periodista comprometido, al investigador, al modelo a seguir en la profesión y al maestro de periodistas junto a Kapuscinsky, Chaves Nogales y Oteyza.

El libro repasa su trayectoria desde la época de reportero en Argelia hasta su labor como editorialista en París. Partiendo de su serie de reportajes sobre la miseria en Cabilia y llegando a las punzantes editoriales en favor de la democracia y la paz en Alger Républicain y Soir Republicain (entre 1938 y 1940), y en Combat, durante la Guerra Mundial y los primeros años de la posguerra.

Albert Camus. Makma

Probablemente su faceta como escritor, ensayista, novelista y dramaturgo sea la más conocida en España, donde todas sus obras han sido traducidas. Pero su labor periodística apenas había despertado aquí el interés editorial que se merece. Ningún libro hasta ahora recoge y analiza su producción periodística, donde se fraguó su pluma y donde aparecen ya su compromiso moral y su lucidez.

Por ello esta obra le recupera como modelo de periodista, desde que trabajara como joven reportero, a veces al estilo gonzo, hasta su trayectoria como editorialista, en la que difundió reflexiones sobre lo que debe ser el periodismo cuya actualidad es indiscutible.

María Santos-Sainz, doctora en Ciencias de la Información por la Universidad Complutense de Madrid, es profesora titular de Periodismo en el Institut de Journalisme Bordeaux Aquitaine de la Universidad Bordeaux Montaigne de Burdeos, cuya dirección ha desempeñado desde 2006 a 2012.

Albert Camus. Makma

 

Una inédita Cristina García Rodero en Praga

‘Con la boca abierta’, de Cristina García Rodero
Instituto Cervantes de Praga
Na Rybnícku 536/6, 120 00 Praga (República Checa)
Hasta el 6 de junio de 2016

‘Con la boca abierta’ es la primera retrospectiva temática de Cristina García Rodero, y abarca desde los primero trabajos fotográficos de finales de los setenta, hasta la actualidad. La exposición está compuesta por cincuenta y cinco imágenes de las más treinta mil que se han revisado para esta muestra, donde la mayoría de las fotografías seleccionadas son inéditas, rescatadas para un proyecto que durante cuarenta años Cristina García Rodero se guardó en el bolsillo para dejarnos ahora “con la boca abierta”.

“La memoria en ocasiones es perezosa. Necesita apoyos para evocar situaciones enterradas en el olvido. La fotografía es una de las muletas en las que se apoya un tipo de memoria llamada episódica, que funciona como un hangar en el que la psique almacena la información que tiene un significado de carácter personal. Cuando ojeamos el álbum familiar o escarbamos en el arcón de las fotos viejas, se pone en marcha la sala de máquinas de esta memoria biográfica. A veces con resultados sorprendentes, pues las instantáneas no siempre evocan los mismos hechos ni provocan las mismas sensaciones. Algunas de las fotografías de nuestro círculo más íntimo, sólo algunas, activan recuerdos que pensábamos perdidos. Lo expresa muy bien el conocido arranque de la canción de Luz Casal: Cada vez que veo tu fotografía descubro algo nuevo que antes no veía. Esta recuperación de vivencias ante algunos de nuestros tesoros fotográficos privados es un fenómeno común. Lo que no es tan frecuente es que nuestra memoria biográfica active emociones íntimas contemplando fotos en las que aparecen personajes desconocidos. Ese es el efecto que producen las fotografías de Cristina García Rodero. Una extraña familiaridad que puede definirse de varios modos, aunque todas podrían concentrarse en un sustantivo: arte”. (Florentino Moreno Martín, Universidad Complutense de Madrid)

'El sueño de Ariadna', de Cristina García Rodero. Fotografía cortesía del Instituto Cervantes.

‘El sueño de Ariadna’, de Cristina García Rodero. Fotografía cortesía del Instituto Cervantes.

La muestra comienza con una fotografía del nacimiento de un niño que, al exhalar su primera bocanada de aire, nos otorga el principio de todo; desde allí navegaremos por los más profundos sentimientos del ser humano, cazados magistralmente por la profundidad y verdad que Cristina García Rodero impronta en su trabajo, acabando el viaje fotográfico con el último suspiro de un velatorio en Georgia.

“’Con la boca abierta’ sigue siendo de interés antropológico y es también un ensayo sobre Antropología del cuerpo. Presenta el ciclo de la vida en vidas diversas que trascurren con la boca abierta. Y explora todo el espectro de significados que se asocian a lo que claramente no es un solo gesto. Son en realidad muchos gestos que generan los músculos faciales, a los que la Anatomía atribuye la mayor responsabilidad sobre la mímica. La boca abierta en los rituales proporciona la base iconográfica del grito que se desplaza a lo largo del eje que va de la euforia al dolor, del pánico a la satisfacción plena, de la más extrema llamada dirigida hacia otras personas a la sensación más aguda de subjetividad afectada. La boca abierta puede convertirse en signo focal y llegar a anular el resto de la cara y en particular los ojos que se cierran o se tornan meramente redundantes. Y además activa codificaciones genéticas que poseemos los seres humanos como especie y que reconocemos en primates e incluso en mamíferos. Es interesante  seguir cómo las aperturas y cierres de los ojos y de la boca están a menudo interrelacionados: a veces se refuerzan y otras se contradicen”. (Honorio M. Velasco, catedrático de Antropología Social y Cultural. UNED)

'Venciendo el mal en Chivacoa, Venezuela', de Cristina García Rodero. Fotografía cortesía del Instituo Cervantes.

‘Venciendo el mal en Chivacoa, Venezuela’, de Cristina García Rodero. Fotografía cortesía del Instituo Cervantes.

 

 

EL INFLUJO INTERNACIONAL DE EL QUIJOTE

‘Quijotes por el mundo’
Instituto Cervantes
Salas de exposiciones y red de bibliotecas
San Juan (Puerto Rico), Nueva York y Chicago (Estados Unidos), Londres (Reino Unido) y Rabat (Marruecos)
Hasta el 12 de octubre de 2016

La exposición ‘Quijotes por el mundo’, compuesta por 185 ediciones de Don Quijote de la Mancha en 56 lenguas, reúne por vez primera fondos de las 60 bibliotecas del Instituto Cervantes en todo el mundo. Con ella, se rinde homenaje a la presencia universal de la novela cervantina y a los traductores que la han convertido, a lo largo de 400 años, en uno de los libros más editados en todos los idiomas y en referente de la literatura española.

La exposición evidencia el influjo mundial el Quijote, una obra que desde 1612 se ha traducido -de manera íntegra o parcial- a más de 140 lenguas y variedades lingüísticas diferentes, y continúa traduciéndose hoy a nuevos idiomas como el coreano o el guaraní. El comisario es José Manuel Lucía Megías, vicedecano y catedrático de Filología Románica de la Universidad Complutense (Madrid), presidente de la Asociación de Cervantistas y coordinador académico del Centro de Estudios Cervantinos.

La muestra aborda por qué tantas lenguas y culturas se han acercado a la obra hasta el punto de convertirla en una de las más traducidas (la segunda del mundo después de la Biblia, según algunas tesis); por qué triunfó desde sus primeros años, cómo Gustavo Doré fijó el imaginario quijotesco, cómo grandes pintores han reflejado las aventuras de don Quijote y Sancho Panza o la forma en que se sigue ilustrando hoy en día.

Cartel de la Metro Goldwyn Mayer, presente en la exposición. Fotografía cortesía del Instituto Cervantes.

Cartel de la Metro Goldwyn Mayer, presente en la exposición. Fotografía cortesía del Instituto Cervantes.

Los libros expuestos proceden exclusivamente de la red de bibliotecas del Cervantes, que conservan una de las colecciones más completas del Quijote en diferentes lenguas, y que ahora por primera vez se exhibe y difunde para el gran público.

‘Quijotes por el mundo’ es un reconocimiento a la labor de los traductores, figura imprescindible de la difusión de la literatura en países que no comparten la misma lengua. Sin su mediación, el Quijote nunca habría alcanzado tal repercusión mundial, ya que el público no hispanohablante no habría podido conocerla ni disfrutar de ella.

El recorrido por la traducción a lo largo del siglo XVII hasta la actualidad es también un camino por el hispanismo y por el triunfo de éste en zonas muy alejadas, como la India, Vietnam o Corea, donde se ha traducido el Quijote directamente del español en los últimos años. En otros casos, las traducciones se efectuaron a partir de lenguas intermedias de cultura, como el francés, el inglés, el alemán o el ruso.

Ilustración de El Quijote perteneciente a la exposición. Fotografía cortesía del Instituto Cervantes.

Ilustración de El Quijote perteneciente a la exposición. Fotografía cortesía del Instituto Cervantes.

Además de las 185 publicaciones impresas, el visitante tiene la oportunidad de escuchar cómo suena hoy el Quijote en casi una treintena de lenguas. Para ello, el Instituto ha grabado en vídeo a otros tantos lectores de sus bibliotecas mientras recitan el fragmento ‘La definición de la poesía’, perteneciente al capítulo 16 de la segunda parte del Quijote.

La instalación audiovisual permite oírlo en idiomas como el bengalí, polaco, árabe, hindi, tagalo o turco. El español de España está representado por Víctor García de la Concha, director del Instituto Cervantes, mientras que al español de Hispanoamérica le pone voz Alicia Mayer, directora del Centro de Estudios Mexicanos de la UNAM en Madrid (México fue el primer país hispanoamericano donde se editó el Quijote). Asimismo tres lectores han grabado dicho fragmento en las lenguas cooficiales de España: catalán, euskera y gallego.

Por su parte, los ciegos podrán leer la obra a través del tacto, ya que se incluyen traducciones al braille, sistema de escritura y lectura que les permite acercarse a la obra. Para las personas invidentes se ha colocado parte de los 17 volúmenes de 120 páginas que ocupa el Quijote completo en braille, según la edición que la ONCE publicó en el 2004.

Ilustración de El Quijote perteneciente a la exposición. Fotografía cortesía del Instituto Cervantes.

Ilustración de El Quijote perteneciente a la exposición. Fotografía cortesía del Instituto Cervantes.

Las aventuras quijotescas también se han volcado a otros lenguajes artísticos, entre ellos el cine. La exposición dedica un espacio a las adaptaciones cinematográficas: se proyecta la película El Quijote cabalga por el cine, dirigida por Javier Rioyo, actual director del Instituto Cervantes de Lisboa, y se exhibe una veintena de carteles de películas inspiradas en la novela y realizadas en diferentes épocas y países.

Buena parte de las traducciones a otras lenguas han sido adaptaciones infantiles o juveniles: los futuros lectores del Quijote han sido un motor importante de la industria editorial y la difusión de la obra cervantina por todo el mundo. De ahí que se dedique una sección a estas múltiples adaptaciones.

 

Julia Llerena se incorpora a AJG Gallery

Julia Llerena
AJG Contemporary Art Gallery
Inauguración en estudio de diseño gráfico Miracomolate
C / Murillo, 10. Sevilla
Miércoles 10 de junio

AJG Contemporary Art Gallery anuncia la incorporación de Julia Llerena a su lista de artistas, quien desarrollará su primera exposición individual en colaboración con el estudio de diseño gráfico Miracomolate, mientras AJG encuentra nueva ubicación. Julia Llerena (Sevilla, 1985) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, Máster en Investigación en Arte y Creación de la Universidad Complutense de Madrid y ha sido becada por el Instituto de la Cultura y las Artes de Sevilla ICAS.

A raíz de una necesidad personal de búsqueda y reflexión sobre la identidad, Julia Llerena disecciona los conceptos espacio-tiempo para plantear los enigmas que invaden al ser humano dentro de su entorno. A través de sus piezas, nos interroga sobre los límites del espacio y nuestras capacidades perceptivas, considerando el vacío una necesidad para el desarrollo de la existencia.

El trabajo de Julia combina con virtuosismo la sutileza en la ejecución de sus obras con una gran profundidad de discurso, que elabora a raíz de estudios realizados sobre pequeños elementos que van apareciendo en su vida cotidiana o que sencillamente forman parte del ideario común, sobre los que construye un universo propio.

Lo micro y lo macro se fusionan para fragmentar el infinito y multiplicarlo, siendo capaz de encapsular la esencia del abismo, la soledad del individuo, la memoria y la nostalgia en un conjunto de obras.

Pensamiento inter-estelar, de Julia Llerena. Imagen cortesía de AJG Galllery.

Pensamiento inter-estelar, de Julia Llerena. Imagen cortesía de AJG Galllery.

 

Circuito Red y la promoción del arte joven en España

Sala Alcalá 31. Comunidad de Madrid
Auditorio
C/ Alcalá, 31, Madrid
Días 7 y 8 de abril de 2015, de 11:00 a 19:00 h.
Entrada gratuita hasta completar aforo

Cricuito Red es un foro de encuentro profesional dirigido específicamente a agentes culturales interesados en la promoción de la creación joven a nivel estatal, autonómico o municipal.
Especialistas y responsables de 15 instituciones que tienen relación con iniciativas orientadas a la promoción del arte joven realizarán presentaciones públicas de sus programas y mantendrán un intercambio de ideas y experiencias, aportando datos técnicos, presupuestos, estrategias, planes de financiación, gestión de los recortes, formas de comunicación, trabajo en red institucional, etc. con el objetivo de generar un contexto enriquecedor y colaborativo del que emanen unas conclusiones que sirvan como indicadores de trabajo a todos aquellos agentes profesionales que estén interesados y que trabajen en la promoción del arte joven en el marco del sector cultural en España.

sala-alcala-31

PROGRAMA
Martes 7 de abril de 2015
11.00 h.
Bienvenida y presentación. Isabel Rosell. Directora General BBAA CAM.
11.15 h.
Margareta Hauschild. Directora Goethe Institut Madrid.
Conferencia “La creación joven en la Europa central. Una historia de consensos y acuerdos”.
12. 00 h.
Injuve. Ayudas a la Creación.
Tania Minguela. Directora de la División de Programas Instituto de la Juventud
12.20 h.
Ministerio de Educación, Cultura y Deportes. Tabacalera Estudios.
Begoña Torres. Subdirectora General de Promoción de las Bellas Artes del MECD
12.40 h.
AECID. Programa ART-EX.
Sergi Farré. Jefe Departamento de Cooperación Universitaria y Científica.
13.00 h.
Pausa. Café
13.20 h.
Acción Cultural Española. Programa PICE.
Jorge Sobredo. Director de Programación.
13.40 h.
Comunidad de Madrid. Sala de Arte Joven.
Antonio J Sánchez. Subdirección General de Bellas Artes de La Comunidad de Madrid
14.00 h.
Matadero Madrid. El Ranchito.
Gema Melgar. Coordinadora de programación de MATADERO.
14.20 h.
Junta de Andalucía. Programa Iniciarte.
Eva Gonzalez Lezcano. Responsable programa Iniciarte
14.40 h.
Universidad Complutense de Madrid. Intransit.
Margarita San Andrés Moya. Vicerrectora de Atención a la Comunidad Universitaria.
15.00 h.
Pausa. Almuerzo
16.40 h.
Ayuntamiento de Bilbao. Fundación Bilbaoarte.
Juan Zapater. Director.
17.00 h.
Fundación Banco Santander. Educación y Talento Joven.
Álvaro Ganado Alonso. Departamento Educación y Talento Joven
17.20 h.
Museo Es Baluard. Les Cliniques
Nekane Aramburu. Directora
17.40 h.
La Casa Encendida. Generaciones.
Lucía Casani. Directora.
18.00 h.
Universidad de Valencia. Art Públic.
José Luis Pérez Pont. Comisario Art públic/ Universitat pública
18.20 h.
Dirección gral de Juventud de la Generalitat de Cataluña. Sala D´Art Jove.
Marta Vilardell. Técnica del programa de Cultura
18.40 h.
Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa (MAC). Becas de Movilidad (Galicia).
Carmen Fernández Rivera. Directora.

19.00 h.
Fin Jornada

alcala31_04_p

Miércoles 8 de Abril de 2015
11.00 h.
Mesa de diálogo 1. Movilidad artística.
Mesa de diálogo en la que participan instituciones cuyas líneas de actuación incluyen iniciativas, programas y convocatorias públicas dirigidas a favorecer y fomentar la movilidad de artistas visuales y otros profesionales del sector del arte contemporáneo, como los gestores culturales, investigadores y comisarios.
La mesa propone realizar una reflexión sobre el resultado de estas líneas de actuación poniendo en común la experiencia de cada institución; Pensar en sistemas de coordinación que puedan favorecer una mayor relación entre instituciones de un ámbito territorial común; Definir que herramientas son necesarias para la implementación de estrategias de trabajo en red; Analizar el fenómeno expansivo de las Residencias Artísticas; Cómo reforzar la relación con Latinoamérica; Y en un mundo globalizado, existen las áreas geográficas de interés?
Participantes
AECID. Programa ART-EX
Acción Cultural Española. Programa PICE.
Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa. Becas de Movilidad
Matadero Madrid. El Ranchito.
Comunidad de Madrid. Sala de Arte Joven
12.30 h.
Pausa. Café.
12.45 h.
Mesa de diálogo 2. Producción Artística.
Mesa de diálogo en la que participan instituciones cuyas líneas de actuación incluyen iniciativas, programas y convocatorias públicas dirigidas a la investigación artística, la producción de obra en un sentido amplio (objetual, documental, editorial, digital) y el desarrollo de proyectos artísticos.
La mesa propone realizar una reflexión sobre el resultado de estas líneas de actuación poniendo en común la experiencia de cada institución; Pensar en posibles herramientas que faciliten la co-producción de proyectos; Definir que indicadores deben prevalecer a la hora de invertir recursos públicos en producción artística; Cómo articular la relación institución pública-mercado privado; Cómo garantizar el acceso de la ciudadanía al patrimonio artístico contemporáneo producido mediante recursos públicos.
Paticipantes:
Injuve. Ayudas a la Creación.
Dirección general de Juventud de la Generalitat de Cataluña.
D´ Art Jove.
La Casa Encendida. Generaciones.
Junta de Andalucía. Programa Iniciarte.
Ayuntamiento de Bilbao. Fundación Bilbaoarte
14. 15 h.
Pausa Almuerzo
16.30 h.
Mesa de diálogo 3. Formación Artística.
Mesa de diálogo en la que participan instituciones cuyas líneas de actuación incluyen iniciativas, programas y convocatorias públicas dirigidas al fomento, apoyo y gestión de encuentros, seminarios, cursos, talleres y cualquier formato de actividad relacionado con la formación artística.
La mesa propone realizar una reflexión sobre el resultado de estas líneas de actuación poniendo en común la experiencia de cada institución; Cómo articular la relación entre la formación reglada, la formación alternativa y el co-aprendizaje; Analizar diferentes estrategias para la profesionalización de artistas y otros agentes culturales; Es la red el entorno formativo del futuro? Acerca de la formación on-line; Definir canales para la formación de públicos y audiencias; Que co-responsabilidad asume el sector para la mediación de las nuevas comunidades de usuarios.
Participantes
Universidad Complutense de Madrid. Intransit.
Fundación Banco Santander. Educación y Talento Joven.
Museo Es Baluard. Les Cliniques.
Ministerio de Educación, Cultura y Deportes. Tabacalera Estudios
Art Public. Universidad de Valencia
18.00 h.
Conclusiones foro.
19.00 h.
Fin foro.

11001859_10152595730742504_7236762610704662677_n

González Requena, del texto y el abismo

El texto y el abismo. Diálogos con González Requena
Maite Gobantes Bilbao
Sans Soleil Ediciones
Con Maite Gobantes, Jesús González Requena, Jorge Urrutia y José Miguel Marinas
FNAC de Callao
C / Preciados, 28. Madrid
Lunes 26 de enero, a las 19.30h

“Los textos configuran los espacios humanos. No es ni menos texto una película, una novela, que una fábrica o un sistema productivo. De hecho, en tanto que cualquiera de esas cosas funciona, son textos y producen efectos”. He ahí uno de los puntos de partida del análisis textual que viene practicando desde hace más de 30 años Jesús González Requena, al que Maite Gobantes, autora del conjunto de diálogos reunidos en ‘El texto y el abismo’, califica de “lúcido y atípico pensador contemporáneo”.

En poco más de 200 páginas, González Requena va dando muestras de esa lucidez explicando, o por utilizar un término más del gusto de su trabajo como analista, ‘deletreando’ los fértiles hallazgos de su larga trayectoria profesional. “La pregunta fundamental del análisis textual no es ¿qué significa este texto? La pregunta fundamental es ¿qué experiencia hago en este texto? ¿Cuál es mi manera subjetiva de vivir este texto? La experiencia es irrepetible y compromete al sujeto en su singularidad radical”.

Portada del libro 'El texto y el abismo. Diálogos con González Requena', de Maite Gobantes. Sans Soleil Ediciones.

Portada del libro ‘El texto y el abismo. Diálogos con González Requena’, de Maite Gobantes. Sans Soleil Ediciones.

Si el artista “es alguien que necesita desesperadamente crear formas para sobrevivir”, al igual que el lector o espectador lee o ve algo que “le puede afectar profundamente” y cuyas “formas simbólicas le ayudan a vivir”, González Requena se ‘limita’ a “elevar a la consciencia la experiencia que se ha tenido ya de ese texto”. Y añade: “No es que realmente el análisis aumente la emoción del texto, lo que aumenta es la consciencia de esa emoción”.

Los textos de los que se ha ocupado González Requena, tanto en sus clases como en el seminario que todos los viernes imparte en la Universidad Complutense de Madrid, al igual que en la revista Trama y Fondo, de cuya asociación es presidente, son de todo tipo: literarios, artísticos, televisivos y, sobre todo, cinematográficos. Análisis de esos textos alejados del “esquema marxista” que los entendía como ideología. “Entonces [años 80] creíamos que el arte era una cuestión ideológica y, por tanto, analizar un texto era cuestión de desvelar la ideología que contenía”.

Imagen de la serie televisiva 'Twin Peaks', analizada por Jesús González Requena y cuya referencia aparece en el libro 'El texto y el abismo', de Maite Gobantes.

Imagen de la serie televisiva ‘Twin Peaks’, analizada por Jesús González Requena y cuya referencia aparece en el libro ‘El texto y el abismo’, de Maite Gobantes.

A González Requena, la palabra ‘ficción’ no le gusta a la hora de definir los textos artísticos. “Cuando se piensa así se está presuponiendo implícitamente que hay un mundo estable, seguro y razonable al margen de los textos, con respecto al cual los textos serías ficciones, ideologías”. Nada que ver con su formulación del texto en tanto ‘artificio’ que no es sinónimo de mentira: “Es sinónimo de construcción humana”. “Lo que se llama grandes ficciones de la literatura no son ficciones, son verdad”, subraya.

En ‘El texto y el abismo’, González Requena lo que hace es precisamente destacar esa relación entre los textos, en tanto construyen espacios y a los sujetos que habitan esos espacios, y el abismo, en tanto reconocimiento del mundo como caos. “La palabra, en tanto que surca lo real, crea el espacio de lo humano”, dice. Siempre y cuando creamos en la materialidad de esas palabras, en su solidez. “El prototipo de intelectual de la deconstrucción se instala permanentemente en la burla, en la parodia de algo que en el fondo considera garantizado”.

Fotograma de 'Psicosis', de Alfred Hitchcock, película analizada en el seminario de Jesús González Requena en la Universidad Complutense de Madrid, referida en 'El texto y el abismo', de Maite Gobantes.

Fotograma de ‘Psicosis’, de Alfred Hitchcock, película analizada en el seminario de Jesús González Requena en la Universidad Complutense de Madrid, referida en ‘El texto y el abismo’, de Maite Gobantes.

De ahí que proliferen en la universidad discursos gastados. “La universidad se dedica ahora a obtener ayudas de investigación y a obtener puntuaciones fabricando artefactos que no lee nadie, que no discute nadie, que no interesan a nadie”. Por eso reivindica la autonomía de la universidad “como espacio del pensamiento lo más desideologizado posible. La afirmación del compromiso ideológico, al final, justifica todas las imposturas”, que relaciona con la “mascarada” del más burdo “compromiso con el poder”.

La filosofía, el psicoanálisis, la antropología y la semiótica son las herramientas con las que trabaja en su singular análisis textual. Materias que le permiten, una vez trabajadas en profundidad, emitir reflexiones de hondo calado acerca de la mal llamada violencia machista, del feminismo, de la universidad, de la caída de la función paterna y, en su lugar, la emergencia de una letal diosa arcaica, del marxismo, la deconstrucción o el cristianismo.

Fotograma de 'La taberna del irlandés', de John Ford, película que figura entre los futuribles análisis de González Requena, referida en 'El texto y el abismo', de Maite Gobantes.

Fotograma de ‘La taberna del irlandés’, de John Ford, película que figura entre los futuribles análisis de González Requena, referida en ‘El texto y el abismo’, de Maite Gobantes.

Para entender, por ejemplo, por qué en lugar de ‘violencia machista’ prefiere la expresión ‘crimen pasional’ se hace necesario penetrar en ‘El texto y el abismo’, de lo contrario vulneraríamos con dos frases su más hilvanada reflexión. Lo mismo cabe decir de sus críticas a la telebasura, el alicaído pensamiento universitario, cierto ecologismo, el nacionalismo furibundo o el denostado cristianismo frente a las idealizadas religiones orientales.

González Requena, pese a considerar que el mundo es puro caos, se considera un optimista. “¿Sabes lo que pasa? Ser optimista es creer que es posible hacer algo con el mundo”. Algo que tiene que ver con esos textos y esas palabras capaces de “surcar lo real”. Algo, no “todo”, que eso sí que es una “idea imaginaria”. Frente al todo o nada, algo. Algo tan productivo como los textos que él lleva analizando desde hace ya muchos años. “Yo sé que hay textos que me han tocado profundamente y por tanto sé que hay una verdad esencial en ellos y lo que hago es buscarla y hacerla aflorar. Ésa es mi manera de trabajar”.

Jesús González Requena.

Jesús González Requena, con quien Maite Gobantes dialoga en el libro ‘El texto y el abismo’, de Sans Soleil Ediciones.

Salva Torres

España reclama buenas prácticas al IVAM

El sector del arte español ha realizado un movimiento conjunto de posicionamiento acerca del Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), lanzando un comunicado en el que se reivindica la necesidad de que el nuevo director aplique el Manual de Buenas Prácticas al funcionamiento integral de la institución, a la vez que se defiende su independencia, se reclama la despolitización del Consejo Rector y la auditoría externa de las cuentas de la etapa de Consuelo Ciscar.

Este es el contenido íntegro del comunicado, suscrito por diecisiete de las principales asociaciones estatales y autonómicas de las artes visuales en España, que representa a la práctica totalidad del sector:

“Ya son muchos los años que los profesionales de las artes visuales en la Comunidad Valenciana y del Estado español, tanto desde las asociaciones como fuera de ellas, vienen advirtiendo sobre la deriva del IVAM, que pese a haber comenzado su andadura como un  centro museístico de referencia a nivel nacional e internacional, con una cuidada atención a sus políticas expositivas y líneas de investigación, pasó a ser el ejemplo que todos conocemos de incoherencia museológica, nepotismo administrativo y opacidad contable.

La situación en la que nos encontramos en este momento merece una especial atención, puesto que se percibe una cierta voluntad de regeneración institucional que parece estar introduciendo aires de cambio en el IVAM. Sin embargo, para que toda esta serie de movimientos no quede únicamente en una puesta en escena sin trascendencia efectiva, las asociaciones representativas del sector que suscriben este comunicado entendemos que hay tres puntos básicos que en este momento deben ser atendidos, para que podamos hablar de una verdadera voluntad de cambio.

En primer lugar, como ya se ha hecho mención en anteriores ocasiones, la composición del Consejo Rector está lejos de ser la deseable en una Institución museística que pretenda actuar con rigor teórico-práctico, articulando un proyecto de una cierta continuidad temporal, ya que la gran mayoría de sus integrantes son políticos profesionales, miembros del actual partido en el poder. Esto supone una clara merma no sólo de las potencialidades museológicas y museográficas del IVAM (al no tratarse de expertos en la materia), sino también del carácter democrático de un museo que es público (al no existir representantes de la sociedad civil), sufragado con el dinero de todos, y que debe permanecer ajeno a los intereses de cualquier partido. El documento 0 del sector de las artes sobre Buenas Prácticas en Museos y Centros de Arte estipula que la composición del patronato de un museo debe ser de entre un 20% y un 33% de representantes de la administración titular, entre un 20% y un 33% de representantes de la sociedad civil (asociaciones, colectivos, etc.) y entre un 33% y un 50% de científicos y expertos en arte. A día de hoy este balance de porcentajes se incumple de manera desproporcionada.

Este proceso de despolitización tiene que ser inminente, y puede realizarse sin otro mecanismo que la pura voluntad política, puesto que el año pasado vimos cómo el Consejo Rector era transformado de plano para asumir la forma actual, sin que ello haya generado ningún impedimento administrativo. Entendemos, por tanto, que con la misma celeridad que se llevó a cabo ese proceso, puede ser revertido, por lo que los representantes del sector exigimos una inmediata reformulación del Consejo Rector, para que los miembros no pertenezcan en su mayoría a la Administración titular, sino que esta mayoría la constituyan los expertos en Arte o en gestión de museos de reconocida trayectoria, y haya una igual proporción de los representantes de la Administración titular y de los de la sociedad civil.

En segundo lugar, la independencia del director del IVAM es una cuestión que se ha puesto de relieve en los últimos días, con las polémicas levantadas a tenor de las injerencias del Consejo Rector en las decisiones del nuevo director del IVAM, José Miguel García Cortés. La independencia del director, “que se plasma en la programación de exposiciones y actividades culturales, atendiendo a criterios estrictos de profesionalidad” según una carta que el pasado día 27 de noviembre enviaron los propios trabajadores del IVAM a la Consejera de Cultura, es una demanda conjunta del sector de las artes visuales, que debe ser respetada para garantizar la coherencia en la propuesta museística de la dirección del IVAM. El Consejo Rector debe ser un órgano con el cual la dirección del IVAM trabaje conjuntamente, en un proceso de mutuo entendimiento, en base a ofertar una programación que cumpla no sólo con unos elevados estándares de calidad sino también con la función pública de incidir en la calidad de vida de los ciudadanos, a través de las capacidades expresivas de la práctica o consumo cultural y de la vertebración simbólica del territorio en el que se inserta el museo.

Recordamos aquí que es finalidad primera del IVAM “desarrollar la política cultural de la Generalitat en cuanto concierne al conocimiento, tutela, fomento y difusión del arte moderno”. Ello implica la generación de instrumentos y el desarrollo de programas que incentiven estos fines en todos los niveles de la estructura social. El IVAM es un Instituto, no un museo, y la dirección del mismo debe de ser permeable a la participación, diálogo y comunicación con la ciudadanía y los profesionales. Es necesario que la dirección del IVAM asuma los postulados de las buenas prácticas profesionales que en su día acordó el sector junto al Ministerio de Cultura como garantía de buen funcionamiento del mismo.

En tercer lugar, debido a los antecedentes de la anterior directora del IVAM, que salió de la dirección de Consorcio de Museos dejando un déficit de aproximadamente 14 millones de euros, y debido a que los informes aportados por el IVAM son insuficientes, se impone con urgencia una auditoría externa de las cuentas del IVAM cuyo resultado se haga público sin maquillajes, para saber en qué estado se encuentran actualmente y, si procede, que la justicia actúe como corresponda. Es de crucial importancia someter las cuentas del IVAM a una auditoría externa para que la actual dirección no se vea entorpecida por las consecuencias de una mala gestión anterior. La opacidad del IVAM en estas cuestiones llama la atención cuando se compara con regiones como el País Vasco, donde ya en 2003 se aprobó una Ley de Museos en la que se obliga a informar anualmente del precio de las obras adquiridas con dinero público.

Debido a lo anteriormente expuesto, entendemos que estas tres demandas deben ser atendidas, no sólo por constituir una reclamación conjunta del grueso de la sociedad civil, representada por diversas asociaciones y colectivos profesionales, sino por la necesidad de entender lo público únicamente desde la perspectiva de transparencia, participación y responsabilidad política que caracteriza a la auténtica democracia. La sociedad reclama un IVAM en el que el cambio no se limite a una serie de declaraciones bienintencionadas, sino que cumpla con rigor las funciones públicas para las que fue creado.”

SUSCRIBEN:

Arte Madrid. Asociación de Galerías de Arte Madrileñas

Art Barcelona. Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de Barcelona

Associació d’Artistes Visuals de Catalunya (AAVC)

Associació d’Artistes Visuals de les Illes Balears (AAVIB)

Associació Catalana de Crítics d’Art (ACCA)

Asociación de Directores de Arte Contemporáneo de España (ADACE)

Asociación Nacional de Investigadores en Artes Visuales (ANIAV)

Artistas Visuales Asociados de Madrid (AVAM)

Associació Valenciana de Crítics d’Art (AVCA)

Artistes Visuals de València, Alacant i Castelló (AVVAC)

Consejo de Críticos y Comisarios de Artes Visuales (CCCAV)

Consorcio de Galerías Españolas de Arte Contemporáneo (CGEAC)

Instituto de Arte Contemporáneo (IAC)

Mujeres en las Artes Visuales (MAV)

Sociedad Española de Estética y Teoría de las Artes (SEyTA)

Unión de Asociaciones de Artistas Visuales (UAAV)

Unión de Artistas Visuales de Andalucía (uavA)

 

MASQUELIBROS, el balance de una feria

 

El balance de la III edición de la feria MASQUELIBROS, feria de libros de artista de Madrid que reúne a editores, ilustradores, artesanos del papel,  tipógrafos y todo tipo de profesionales y enamorados del libro como contenedor y soporte de creación contemporánea ha sido positivo, incluso se podría afirmar que la feria se ha consolidado definitivamente en ésta tercera edición, y una muestra de ello es que la organización ha tenido que hacer una selección exhaustiva de propuestas debido al exceso de demanda por parte de expositores, según María Crespo del comité organizador. Por un lado, la previa selección es obligada para preservar un criterio, y por otro, para mantener un número de stands que al parecer es el idóneo para el espacio que alberga el evento, el edificio del Colegio de Arquitectos de Madrid, COAM. Los datos conducen a cierto optimismo, algo se mueve y da muestra de un claro cambio de tendencia. El libro de artista cada vez capta más el interés de coleccionistas y lectores, aunque en España todavía estamos hablando de cifras muy inferiores a las destinadas en países como Alemania, Estados Unidos, Francia, México o Canadá.

Emilo Sdun en Lamp

Emilo Sdun en Lamp

A diferencia de otras ferias del libro de artista celebradas en países europeos, (London Art book, Salon du Livre d’Artiste de Bruxelles, L’Association Page(s) París, Thessaloniki Book Fair), en MASQUELIBROS se contabiliza una cantidad mayor de ejemplares únicos realizados por el propio artista, frente a ediciones numeradas  y de tiradas cortas que predominan en los otros eventos conocidos. Según explicaba Emilio Sdun, esto ocurre también en FALA, feria de libro de artista de Alicante celebrada el pasado diciembre de 2013, a diferencia de otra feria celebrada en España, como lo es  ARTS LIBRIS (Barcelona)  en cuyo caso, la entidad organizadora, Raiña Lupa, parece tener como objetivo encontrar el equilibrio entre número de expositores que se dedican a la autoedición, número de  artistas y número de editoriales especializadas que exponen en dicha feria. Todo indica que cuando una feria se consolida, progresivamente inicia un proceso de selección entre las solicitudes de expositores: la demanda es mayor pero el espacio es limitado, de ésta manera va aumentando la calidad.

Caridad Fernández y Olga Antón, de Tres en Suma Espacio de Arte

Caridad Fernández y Olga Antón, de Tres en Suma Espacio de Arte

La realización de Masquelibros, y también de cada una de las otras ferias citadas, se podría afirmar que depende en gran parte de patrocinadores privados y entidades públicas. Los números lo dicen todo, cada expositor paga entre poco más de 180 euros hasta algo más de 500 euros, dependiendo del  espacio que desee contratar. Si se contabilizan alrededor de 100 expositores, los números no engañan,  no se recauda lo suficiente para sufragar los gastos de la organización del evento.  Es de cajón.

Tristán Barbarà

Tristán Barbarà

Sea como fuere, detrás de MASQUELIBROS hay mucha dedicación por parte de los organizadores, Raquel de Prada, Jesús Herrero, Sandra F. Sarasola, Claudia Ospina, Gloria Donato, María Crespo y una larga lista de nombres. Incluso han realizado una recolecta de micro mecenas, (crowfunding) a través de Verkami para poder financiar la edición que ha finalizado recientemente. De entre las instituciones presentes en  la Feria cabe destacar el apoyo y participación de la Biblioteca Nacional de España, la Casa Velázquez, Academie de France à Madrid y la Fundación Exlibris, o la presencia de otras ferias en campaña de promoción como Arteliburu21,  Asociación Cultural Ilde o Festival Arte Libro Santillana. En cuanto a editores, un total de 24 con nombre propio, como Alchemy  Prints, Chucherías de arte,  Tristàn Barbarà Editions, Tres en Raya, Fotolito books, El Torpe al timón, Hilatina, La Seiscuatro,  Perro vagabundo o El Caballero de la Blanca Luna entre otros. En lo que se refiere a Galerías un total de 8, entre las que destacan Espacio Valverde, Galería Estampa, Galería Rina Bouwen o Artágora galería virtual. La relación de artistas, un total de 33, superior en número a las editoriales o galerías, pone de manifiesto la apuesta por la autoedición o la producción de obra singular conforme a lo citado con anterioridad, como ejemplos, Emilio Sdun, Almudena Mora, Bosch Books, Clara Bosch, Diario Zeruto,  Liya Huang, Pintocanales, Társila  Jiménez, o José Emilio Antón. En cuanto a colectivos, -10 en total- como lo son, Estilo Compadre, Estudio Crudo, Libroz, Tres En Suma Espacio de Arte y LAMP (libro de artista como materialización del pensamiento, grupo de investigación de la Universidad Complutense de Madrid). Entre las Escuelas con stand,   Escuela de Arte de Cádiz (ciclo superior de grabado) Escuela de Arte Oviedo, Escuela de Arte Diez, Escuela Superior de Diseño de Madrid, La Lavandería, y el máster de Diseño Editorial. Entre revistas objetuales, Branques, Lalata e Imput. Entre fabricantes y artesanos de papel, Libracos, Eskulan, La Dominoterapia y Adela Yustas.

Vista parcial, galerías y exposición de Mateo Maté

Vista parcial, galerías y exposición de Mateo Maté

Así, alrededor del libro, agoniza el recinto ferial,  ¿es el principio del fin del “azafatismo” como concepto de ferias y negocios?. Sea como sea, Masquelibros se consolida como una iniciativa artístico-comercial más coherente con la ciudad, ubicada en un espacio arquitectónico rodeado de vida cotidiana en la que todos los expositores ganan, -si no en ventas- al menos en experiencias, conocimiento y calidad en las formas.

José Emilio Antón en su conferencia: "¿Qué es el libro de artista?, diferencias con otras propuestas y sus clasificaciones"

José Emilio Antón en su conferencia: “¿Qué es el libro de artista?, diferencias con otras propuestas y sus clasificaciones”

La recién clausurada edición de Masquelibros también ha ganado en actividades complementarias,  conferencias, talleres e intervenciones de artistas, como ejemplo, por citar algunos, la propuesta de libros-escultura de Mateo Maté, o la conferencia de Silvia Ramírez, “Arte Correo y libro de artista: puntos de intersección”.  En los próximos días les ofreceremos el texto de otra conferencia  de mención obligada, la presentada por  José Emilio Antón titulada: “¿Qué es un libro de artista?, diferencias con otras propuestas y sus clasificaciones”. Les anticipo que con algunas afirmaciones de Antón estarán de acuerdo, y con otras muchas no,  la  definición de libro de artista, libro objeto, libro intervenido, o libro de bibliófilo se entremezclan en busca de un razonamiento muy poco acotado, lo cierto es que todo es importante en un libro, maquetación, tipografía, uso de imágenes, calidad de la impresión, tipo de papel y acabado, sin olvidarse de las cubiertas, como afirma el escritor Alan Powers en su libro Front Cover: Great Book Jacket and Cover Design, que dice literalmente “las cubiertas mejor resueltas poseen una forma de erotismo oculto, ya que conectan con una parte indefensa de nuestra personalidad para decirnos tómame, soy tuyo”.

Algo parece claro, el libro como soporte de creación o como pieza de arte será el que sobreviva a la imposición de lo digital.

 

Vicente Chambó