UN EMAKIMONO PORTÁTIL Y «ENCAPSULADO»

EMAKIMONO (proyecto de arte portátil para Tokio, Seúl y Pekin), por ENCAPSULADOS
Del 27 de junio al 12 de julio de 2016

Hace 9 años Encapsulados celebró su primera exposición en un hotel-cápsula de Tokio situado junto a la céntrica estación de Ebisu. Los habitáculos 610 y 612 medían poco más de un metro cúbico pero alojaron sin problemas una exposición de veinte pinturas, dibujos y fotografías que fue transportada hasta las correspondientes cápsulas en un par de bolsas de aseo.

Desde aquella primera exposición programática, Encapsulados ha comisariado once exposiciones dedicadas al pequeño formato y a reivindicar espacios tan singulares y poco previsibles como, por ejemplo, el interior de un depósito de agua en la Finca Roja de Valencia. Esa querencia por los lugares inusitados le ha llevado en algún momento a cierto grado de encubrimiento y prisa. La visibilidad de lo expuesto es muy limitada en esas ocasiones, pero queda compensada con la documentación posterior y su difusión a través de una red de simpatizantes encapsulados, cofrades de lo portátil y lo leve. José Oliver, a propósito de la instalación en el Albion Hotel de Miami, definió con mucha exactitud estas exposiciones como “breves y secretas, descubiertas en un descuido, al dirigir uno sus pasos de la piscina a la barra del bar, o al ser convocado clandestinamente por la organización”

Tarjeta Tokyo Encapsulados

Encapsulados tiene también algo de laboratorio. Encierra pequeñas dosis de la sustancia prescrita por los artistas en cápsulas visuales que deben tomarse sin tardanza porque, habitualmente en apenas una hora o, incluso, unos pocos minutos, se desmonta el artificio. Así fue en los casos mencionados de Tokio, Miami, Valencia y Hanoi, los más fugaces. También en Berlín y en Nueva York, pero ha habido excepciones. En algunas ocasiones las exposiciones de Encapsulados, previo acuerdo con el espacio expositivo, se exhiben durante un mes o dos, abandonan sus prisas y su discreción y, como dijo Degas, “sus secretos corren por la calle”.

Ahora Encapsulados sale de gira asiática por las ciudades de Tokio, Seúl y Pekín y presenta el trabajo de 19 artistas contemporáneos españoles en un emakimono (rollo de papel) de 11 metros de longitud y 50 cm de ancho, así como otras pequeñas piezas realizadas a propósito para la exposición como muestra de las poéticas diversas de los artistas participantes.

Imagen de la pieza Emakimono, perteneciente al proyecto. Fotografía cortesía de ENCAPSULADOS.

Imagen de la pieza ‘Emakimono en blanco’, perteneciente al proyecto. Fotografía cortesía de ENCAPSULADOS.

El emakimono portátil ha viajado de estudio en estudio. Con tan sólo unas determinaciones técnicas mínimas, cada artista ha trabajado libremente sobre un fragmento de ese papel enrollado. El papel es el soporte común en el que se amoldan todas las imágenes y el espectador tiene que enfrentarse a un trabajo colectivo sin sentido de continuidad, una obra inconexa cuyo objetivo es el de propiciar hallazgos. La imagen resultante es sin duda extraña, tensa, fragmentada, chirriante en ocasiones. Una asamblea ruidosa de pintores, como los convocados por Francis Picabia a pintar conjuntamente su obra El ojo cacodilato, que mostrará el carácter plural y diverso de unos artistas forzados a coexistir en una tira de papel. Ante tanta diversidad lo único que tal vez nos permita a la postre establecer cierta unidad o sentido sea su propia rareza resultante. Una rareza de artistas y para artistas dibujada y pintada en un emakimono. 

27-28 Junio ____ Sala de exposiciones de la Embajada de España en Tokio. Japón 30 junio -2 julio _ TOTAL Museum. Seúl. Corea www.totalmuseum.org/ 6 -12 julio _____ TAM. Today Art Museum. Pekín. China www.todayartmuseum.com/

ARTISTAS Pepe Medina / Joël Mestre / Teresa Moro / Jorge Tarazona / Fernando Vélez Castro María José Gallardo / Montse Caraballo / Felipe Ortega Regalado / Teresa Tomás Ángel Mateo Charris / Paco de la Torre / Gonzalo Sicre / Dis Berlin / Alejandro Calderón Gabi Alonso / Juan Cuéllar / Marina Iglesias / Roberto Mollá / Lebrel

ENCAPSULADOS Grupo formado por Juan Cuéllar y Roberto Mollá en 2007 Arte portátil www.encapsulados.info/ 

Imagen de la pieza 'Emakimono', perteneciente al proyecto. Fotografía cortesía de ENCAPSULADOS.

Imagen de la pieza ‘Emakimono’, perteneciente al proyecto. Fotografía cortesía de ENCAPSULADOS.

 

Kaneto Shindô, Hiroshima y otras películas

Ciclo de cine sobre Kaneto Shindo
Sala Berlanga
IVAC-La Filmoteca de CulturArts

La Filmoteca de CulturArts presenta un ciclo en colaboración con la Fundación Japón sobre Kaneto Shindô, uno de los grandes directores del cine japonés con películas tan importantes como Onibaba (1965) o  La isla desnuda (1960).

Conformado por diecisiete películas destacadas de su extensa filmografía, el ciclo de Kaneto Shindô se inicia el miércoles 13 de enero, a las 18.00 horas,  con la proyección en la sala Berlanga de Epítome (1953), que cuenta la historia de Ginko, la hija de un pobre zapatero de Tokio que es vendida a una casa de geishas como medio desesperado para conseguir dinero para su familia.

Fotograma de Onibaba, de Kabeto Shindô. IVAC- La Filmoteca de CulturArts.

Fotograma de Onibaba, de Kabeto Shindô. IVAC- La Filmoteca de CulturArts.

Nacido y fallecido en Hiroshima, Kaneto Shindô (1912-2012) fue uno de los cineastas japoneses que más interés demostró por indagar las consecuencias sociales, económicas y políticas de la explosión de las dos bombas atómicas en Japón en films como Los niños de Hiroshima (1952), la primera película japonesa que abordó el drama humano de la catástrofe nuclear.

Entre 1951 y 2011, Kaneto Shindô rodó 48 películas y escribió 238 guiones, además de ser uno de los primeros productores independientes del cine japonés. Durante el mes de enero, el ciclo de la Filmoteca incluye algunas de sus películas rodadas en las décadas de los cincuenta y sesenta, como La zanja (1954), Madre (1963) o Lucky Dragon nº5 (1959), también sobre las consecuencias de las radiaciones nucleares.  También incluye el documental Kenji Mizoguchi, la vida de un director de cine (1974), en el que Shindô aborda la vida y la obra, a través de numerosos testimonios, de su principal maestro.

Fotograma de los Niños de Hiroshima . Imagen cortesía de IVAC-La Filmoteca de CulturArts.

Fotograma de Los Niños de Hiroshima, de Kaneto Shindô. Imagen cortesía de IVAC-La Filmoteca de CulturArts.

 

La gente vuelve al IVAM

Presentación del balance anual del IVAM
Lunes 11 de enero de 2016

El Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) duplicó el número de visitas en 2015 con la mitad de presupuesto que hace cinco años. José Miguel Cortés, director del museo valenciano, así lo destacó durante la presentación del balance de las iniciativas que ha desarrollado el museo a lo largo del pasado año: «El museo ha aumentado en casi un 48% el número de visitas con un total de 107.624 visitantes en 2015”. Estas cifras han sido posibles con la mitad del presupuesto que tenía el IVAM hace cinco años, que ha pasado de 10,5 millones de euros a los 5,6 millones de euros actuales. Cortés subrayó, no obstante, que “un museo no se mide sólo por el número de visitantes, pero estamos orgullosos de que la gente esté volviendo al IVAM”.

Albert Girona (izad) y Jose Miguel Cortés, durante la presentación del balance anual de actividades del museo valenciano. Imagen cortesía del IVAM.

Albert Girona (izda) y Jose Miguel Cortés, durante la presentación del balance anual de actividades del museo valenciano. Imagen cortesía del IVAM.

El secretario autonómico de Cultura, Albert Girona, valoró muy positivamente el balance de gestión del IVAM ya que “se están cumpliendo los objetivos marcados”, dijo. Girona destacó la autonomía e independencia que debe tener un museo como el IVAM y anunció que “ésta se va a plasmar en la nueva Ley del IVAM que reflejará la voluntad del gobierno valenciano de dotar de mayor autonomía al museo”.

Un segundo objetivo cumplido, según el secretario autonómico de Cultura, ha sido abrir el museo a la sociedad: “En 2015 se ha llevado a cabo una política de puertas abiertas que ha tenido como consecuencia la apertura del IVAM al público, la apertura a las instituciones y la apertura a nuevos servicios”. Girona señaló que el IVAM ha mantenido la calidad expositiva sin que la merma del presupuesto le haya afectado.

Obra de Gillian Wearing. Imagen cortesía del IVAM.

Obra de Gillian Wearing. Imagen cortesía del IVAM.

El secretario autonómico de Cultura también incidió en que a lo largo de 2016 se intentarán solventar problemas históricos del IVAM como la apertura al barrio del Carmen a través de un jardín de esculturas. “Lo importante es que hemos recuperado el discurso del IVAM que se había perdido”, resumió.

En el año 2015 se ha programado un total de 10 exposiciones, una de las cuales dedicada a Gillian Wearing ha sido calificada como de las mejores exposiciones españolas del 2015 según un importante medio cultural. “Esto hacía muchos años que no ocurría”, apostilló el director.

Obra de Martha Rosler adquirida por el IVAM.

Obra de Martha Rosler adquirida por el IVAM.

El IVAM también ha dedicado un gran esfuerzo a la Colección del museo suscribiendo con tres coleccionistas privados el depósito de 242 obras de más de medio centenar de artistas contemporáneos. Asimismo, la colección del IVAM se ha incrementado en el 2015 con la adquisición de siete obras de los artistas Martha Rosler, Gillian Wearing, Mira Bernabeu y Alexander Apóstol.

La importancia de la Colección del IVAM queda de manifiesto en las más de 300 obras que se han prestado a otros museos e instituciones como el MOMA de Nueva York. José Miguel Cortés incidió igualmente  en “el recorrido que están realizando las obras de Julio González por cuatro ciudades de Japón, entre ellas, Tokio, algo que no se había hecho nunca”.

El IVAM también ha potenciado las actividades culturales y didácticas organizando un total de 127 actividades diferentes, con más de 17.000 asistentes de iniciativas diversas. En el capítulo de convenios, el IVAM ha suscrito en el 2015 una decena de convenios, uno de los más relevantes firmado con la Fundación La Caixa.

Fachada del IVAM con obra de Sento Llobell.

Fachada del IVAM con obra de Sento Llobell.

 

Encapsulados en el Gabinete de dibujos

Encapsulados
Gris Emmarcació Magatzem Art
C / Literato Azorín, 14. Valencia
Inauguración: jueves 17 de septiembre, a las 20.00h
Hasta el 30 de octubre de 2015

Hace ocho años Encapsulados celebró su primera exposición en un hotel-cápsula de Tokio situado junto a la céntrica estación de Ebisu, el dios japonés de la suerte, los pescadores y los obreros.  Los habitáculos 610 y 612 apenas tenían algo más de un metro cúbico pero alojaron sin problemas una exposición de 20 pinturas, dibujos y fotografías, que fue transportada hasta las correspondientes cápsulas en un par de bolsas de aseo.

Obra de Victoria Iranzo. Encapsulados. Imagen cortesía de Gris.

Obra de Victoria Iranzo. Encapsulados. Imagen cortesía de Gris.

Algo más pequeño es el Gabinete de dibujos, el célebre escaparate del barrio de Ruzafa en Valencia que se autodefine como «1m3 de galería». Ambos proyectos estaban fatalmente predestinados a encontrarse por su afinidad y maneras, por ser proyectos independientes y autosugestionados, por su afición al coleccionista más heterogéneo. Lo que les diferencia es también lo que les hace fuertes: la sólida cimentación de uno y el alma viajera del otro.

Obra de Javier Palacios. Encapsulados. Imagen cortesía de Gris.

Obra de Javier Palacios. Encapsulados. Imagen cortesía de Gris.

El Gabinete de dibujos alojará la undécima edición de Encapsulados, un proyecto dedicado al pequeño formato y a habitar espacios tan singulares y poco previsibles como, por ejemplo, el interior de un depósito de agua en la Finca Roja de Valencia. Esa querencia por los lugares inusitados le ha llevado en algún momento a cierto grado de encubrimiento y premura. Así sucedió en Hanoi cuando Encapsulados, en un descuido de la policía local, se empeñó en instalar su octava exposición en un altar para difuntos en la céntrica calle Ly Thuong Kiet.

Obra de Alberto Biesok. Encapsulados. Imagen cortesía de Gris.

Obra de Alberto Biesok. Encapsulados. Imagen cortesía de Gris.

La visibilidad del artefacto expuesto es muy limitada en esas ocasiones pero se compensa con la documentación posterior y su circulación a través de una red de simpatizantes encapsulados, cofrades de lo portátil y lo leve. José Oliver, a propósito de la instalación en el Albion Hotel de Miami, definió con mucha exactitud estas exposiciones como «breves y secretas, descubiertas en un descuido, al dirigir uno sus pasos de la piscina a la barra del bar, o al ser convocado clandestinamente por la organización».

Obra de Toni Signes. Encapsulados. Imagen cortesía de Gris.

Obra de Toni Signes. Encapsulados. Imagen cortesía de Gris.

Encapsulados (y también el Gabinete de dibujos) tiene algo de laboratorio. Encierra pequeñas dosis de la sustancia prescrita por los artistas en cápsulas visuales que deben tomarse sin tardanza porque habitualmente en apenas una hora, o incluso unos pocos minutos, se desmonta el artificio. Así fue en los casos mencionados de Tokio, Miami, Valencia y Hanoi. También en Berlín y en Nueva York. Pero ha habido excepciones y esta instalación en el Gabinete de dibujos será una de ellas. Se dejará ver durante algo más de un mes. Abandonará sus prisas y sus discreción. Y, como dijo Degas, «sus secretos correrán por la calle».

Obra de Juan Sánchez. Encapsulados. Imagen cortesía de Gris.

Obra de Juan Sánchez. Encapsulados. Imagen cortesía de Gris.

La materia encapsulada en el Gabinete de dibujos contendrá trazas, gestos y estratos de Alberto Beltrán, Alberto Biesok, Manuel Blázquez, Victoria Iranzo, Luciana Novo, Javier Palacios, Sergio Pilán, Nuria Riaza, Juan Sánchez y Toni Signes. Será cápsula, pero cápsula de liberación prolongada, lo que permitirá espaciar más el tiempo entre tomas.

Obra de Nuria Riaza. Encapsulados. Imagen cortesía de Gris.

Obra de Nuria Riaza. Encapsulados. Imagen cortesía de Gris.

Calles de película

Ciudades de cine, de Ediciones Cátedra
Coordinado por Francisco García Gómez y Gonzalo M. Pavés
Participan: Pilar Pedraza, Juan López Gandía, Carlos A. Cuéllar y Carmen Guiralt

Cualquier ciudad puede convertirse eventualmente en un plató. Pero algunas grandes capitales son más conocidas a través de las películas que por las visitas turísticas. Escenarios de films memorables que han dado la vuelta al mundo: Nueva York, París, Londres, Roma, Venecia… Cuando el viajero llega a una de esas urbes experimenta una sensación de «déjà vu», de familiaridad, que nunca se da en otros lugares.

'Lost in Traslation' de Sofia Coppola, es una de las películas citadas en el libro 'Ciudades de cine'. Imagen cortesía de los autores.

‘Lost in Traslation’ de Sofia Coppola, es una de las películas citadas en el libro ‘Ciudades de cine’. Imagen cortesía de los autores.

Sin embargo, una enorme distancia separa a la ciudad real de su proyección fílmica. Una película sólo ofrece una visión fragmentada, construida, imaginaria, tamizada por la mirada de los cineastas. Existen tres versiones distintas de una misma ciudad: la real que crece y se desarrolla gracias al esfuerzo de sus habitantes, la representada por los cineastas en sus obras y, por último, la percibida por el público como fusión de las anteriores, en la que ambas se complementan.

Estas tres visiones se funden en ‘Ciudades de cine’ una singular visión del séptimo arte a través de sus escenarios exteriores, editado por Cátedra, con 534 páginas profusamente ilustradas. Valencia no aparece entre las 29 ciudades mencionadas, pero cuatro valencianos integran el equipo de 31 autores, coordinado por Francisco García Gómez y Gonzalo M. Pavés. Son: Pilar Pedraza, Juan López Gandía, Carlos A. Cuéllar y Carmen Guiralt.

Vacaciones en Roma, de William Wyler, es una de las películas citadas en el libro 'Ciudades de cine'. Imagen cortesía de los autores.

Vacaciones en Roma, de William Wyler, es una de las películas citadas en el libro ‘Ciudades de cine’. Imagen cortesía de los autores.

“Como su nombre indica, el estudio analiza cómo el cine ha representado la ciudad desde el punto de vista de la Historia del Arte”, dice Carmen Guiralt. “También aborda muchas otras disciplinas, como la literatura y la fotografía, y, sobre todo, es un libro sobre cine. Un recorrido por las ciudades que con mayor frecuencia han servido de escenario cinematográfico: Nueva York, Roma, París, Londres, Venecia, Los Ángeles, Río de Janeiro, Sidney, Bombay, Barcelona, Shanghai, etcétera”.

Guiralt destaca que se trata de un libro carente de prejuicios desde el punto de vista cinematográfico. “El objetivo de cada uno de los 29 capítulos ha sido ofrecer una visión panorámica lo más completa posible de cada ciudad”, señala. “Es decir, la visión global que el séptimo arte ha reflejado de una determinada ciudad, incluyendo el mayor número de títulos posibles, films de todas las épocas,  distintos géneros cinematográficos y de diversas naciones. No sólo tienen cabida películas de calidad, sino todo tipo de películas, pues hay que tener presente que una mala película en ocasiones puede proporcionar una visión más amplia y rica de una ciudad que una buena”.

'El exorcista' de William Friedkin, aparece en el libro 'Ciudades de cine'. Imagen cortesía de los autores.

‘El exorcista’ de William Friedkin, aparece en el libro ‘Ciudades de cine’. Imagen cortesía de los autores.

Nueva York es sin duda el plató más utilizado en la historia del séptimo arte, seguida de París, Londres, Roma, Berlín, Los Ángeles y Venecia. Otras ciudades que están cobrando una creciente importancia son Tokio y Pekín.  Aparecer más o menos en películas no influye en el prestigio de una ciudad, pero sí la hace más conocida. “Influye directamente en la imagen mental que nosotros como espectadores construimos de esa ciudad, aun cuando nunca la hayamos visitado”, indica Giralt.

“De manera inconsciente, pero firme, nos hacemos idea muy clara de las ciudades a través del cine. Siempre tenemos la sensación de haber estado antes en ese lugar y en ese proceso el cine es el máximo responsable. Tal y como se indica en la introducción del libro, en esa operación de reconstrucción mental influyen todas las artes, pero el cine es el que mayor impacto visual ha ejercido y ejerce en el público”.

Portada del libro 'Ciudades de cine', de ediciones Cátedra.

Portada del libro ‘Ciudades de cine’, de ediciones Cátedra.

Valencia no ha sido incluida porque el estudio se centra en las ciudades que mayor atención cinematográfica han recibido a nivel mundial, “y no es una ciudad que sobresalga por su presencia fílmica ni a nivel nacional ni internacional. De hecho, es célebre, por absurdo, el caso de la norteamericana ‘Misión Imposible II’, con la ciudad de Sevilla como escenario de fondo, que combina de forma delirante la Semana Santa, las Fallas y los Sanfermines, todo en uno”.

Las ciudades españolas que aparece son Barcelona, Madrid y Sevilla, con películas como ‘Apartado de correos 1001’ (Julio Salvador, 1950), ‘Los chicos’ (Marco Ferreri, 1959) y ‘Grupo 7’ (Alberto Rodríguez, 2012), respectivamente.

'Manhattan' de Woody Allen es una de las películas citadas en el libro 'Ciudades de cine'. Imagen cortesía de los editores.

‘Manhattan’ de Woody Allen es una de las películas citadas en el libro ‘Ciudades de cine’. Imagen cortesía de los editores.

Bel Carrasco

Yoko Ono: Imagine (II)

Yoko Ono. Half-A-Wind Show
Museo Guggenheim
Avenida Abandoibarra, 2. Bilbao
Hasta el 1 de septiembre

El Museo Guggenheim Bilbao acoge la exposición Yoko Ono. Half-A-Wind Show, una muestra multidisciplinar de casi 200 obras entre instalaciones, películas, objetos, textos, fotografías, vídeos, dibujos y documentos de audio, creadas desde los años 60 hasta la actualidad. En todas ellas es la idea, el concepto, la dominadora absoluta de la obra.

Imagen extraída del video de Néstor Navarro, por cortesía de su autor.

Imagen extraída del video de Néstor Navarro, por cortesía de su autor.

Está claro que en la obra conceptual, la idea prevalece sobre el objeto, lo que se omite es tan importante o más que lo que se muestra. Puede incluso prescindir del objeto, llevando la obra completamente al plano de lo imaginario, como en algunos conciertos de esta artista (Tokio, 1933), en los que el público tiene que imaginarse la música.

Pero visto un poco más de cerca la obra de Yoko Ono nos damos cuenta de otra cosa: mucho más que la idea, lo que le interesa es sobre todo el hecho en sí de idear, de imaginar, o sea, de conceptuar; la operación de sacar al objeto de su contexto para que se convierta en idea, mejor dicho para que participe de la actividad de idearse.

Imagen extraída del video de Néstor Navarro, por cortesía del autor.

Imagen extraída del video de Néstor Navarro, por cortesía del autor.

Además, los conceptos varían en función del tiempo y del espacio: un mismo objeto puede cambiar de concepto años después de haber sido visto o también por influencia del espacio en que se sitúan. La propia artista aseguraba en la rueda de prensa que muchas de sus obras le parecían distintas en esta exposición porque hacía mucho tiempo que no las veía y porque además el espacio en que se habían puesto hacía que parecieran diferentes.

De la idea de los opuestos, muy presente en el trabajo de Yoko Ono, se desprende otra también recurrente en su obra: la de la fragmentación, el corte, la disección, la disgregación, el despiece, las partes, y su opuesto, la recomposición, la reunión, la agregación, la integración.

Imagen extraída del video de Néstor Navarro, por cortesía de su autor.

Imagen extraída del video de Néstor Navarro, por cortesía de su autor.

Una nueva idea encontramos en la obra de Yoko Ono y que se deriva de los opuestos antes mencionados: la del envolvimiento, ocultamiento, desaparición, y su contrario, la aparición en su desnudez y liberación (no sólo en un sentido corporal o físico, sino también social y feminista).

Para acceder al artículo completo de Iñaki Torres, ver: https://www.makma.net/yoko-ono-imagine/

Para el video de la exposición: http://vimeo.com/89905083

 

Yoko Ono: Imagine

Yoko Ono. Half-A-Wind Show
Museo Guggenheim
Avenida Abandoibarra, 2. Bilbao
Hasta el 1 de septiembre de 2014

Un momento de la rueda de prensa de presentación de la exposición de Yoko Ono en el Museo Guggenheim de Bilbao. Foto. Iñaki Torres

Un momento de la rueda de prensa de presentación de la exposición de Yoko Ono en el Museo Guggenheim de Bilbao. Foto. Iñaki Torres

El Museo Guggenheim Bilbao presenta la exposición Yoko Ono. Half-A-Wind Show, una muestra multidisciplinar de casi 200 obras entre instalaciones, películas, objetos, textos, fotografías, vídeos, dibujos y documentos de audio, creadas desde los años 60 hasta la actualidad. En todas ellas es la idea, el concepto, la dominadora absoluta de la obra. Vasto edificio para tan frágil andamiaje, el de las ideas.

Está claro que en la obra conceptual, la idea prevalece sobre el objeto, lo que se omite es tan importante o más que lo que se muestra. Puede incluso prescindir del objeto, llevando la obra completamente al plano de lo imaginario, como en algunos conciertos de esta artista (Tokio, 1933), en los que el público tiene que imaginarse la música. O como cuando en 1958 Yves Klein presenta su exhibición El Vacío con pinturas invisibles, es decir, con una sala vacía, o pretendiendo cuatro años después vender a orillas del Sena su sensibilidad pictórica.

Pero visto un poco más de cerca la obra de Yoko Ono nos damos cuenta de otra cosa: mucho más que la idea, lo que le interesa es sobre todo el hecho en sí de idear, de imaginar, o sea, de conceptuar; la operación de sacar al objeto de su contexto para que se convierta en idea, mejor dicho para que participe de la actividad de idearse.

Ajedrez blanco, de Yoko Ono, en el Museo Guggenheim de Bilbao. Foto: Iñaki Torres

Ajedrez blanco, de Yoko Ono, en el Museo Guggenheim de Bilbao. Fotos: Iñaki Torres

Por ejemplo, una campana fuera del campanario y puesta sin intención decorativa en un museo, como ella ha hecho aquí, es un objeto que reclama ser visto como idea porque al sacarlo de su contexto, el objeto pierde el anclaje del significado asociado a su función para abrirlo a otros sentidos, ya sean los de la propia artista o los que el espectador pueda dar. De esta manera la obra se forma por significantes que cambian continuamente de significado gracias a la participación del público. En palabras de la propia artista: “Para hacer algo, primero te lo tienes que imaginar, así que todo arranca de un concepto, y las obras acaban siendo conceptuales. Casi siempre le pido a la gente que participe, y eso hace variar el concepto».

Por tanto, lo que hay que destacar aquí como más importante es el “significar” más que el significante o el supuesto significado, el acto de idear o imaginar, más que el objeto o incluso el concepto.

Además, los conceptos varían en función del tiempo y del espacio: un mismo objeto puede cambiar de concepto años después de haber sido visto o también por influencia del espacio en que se sitúan. La propia artista aseguraba en la rueda de prensa que muchas de sus obras le parecían distintas en esta exposición porque hacía mucho tiempo que no las veía y porque además el espacio en que se habían puesto hacía que parecieran diferentes.

Media habitación, de Yoko Ono, en el Museo Guggenheim de Bilbao.

Media habitación, de Yoko Ono, en el Museo Guggenheim de Bilbao.

Pero hay que decir que esta alteración del significado de las cosas sigue estando dentro del campo del concepto. Nos puede parecer absurdo, pero el absurdo sobreviene sólo por desplazamiento de contexto. De los dos principios que rigen toda lógica, el de identidad y el de contradicción, sólo el primero se ve afectado en el arte conceptual haciéndolo parecer absurdo: las cosas dejan de ser lo que ellas son. Sin embargo, la otra proposición permanece intacta: una cosa dada tiene algo opuesto a ella.

Es aquí, en este juego de opuestos, donde encontramos una de las ideas que la artista ha desarrollado a lo largo de toda su carrera. Los opuestos y su conciliación. Lo vemos sobre todo en sus instalaciones y en sus performances, como en la instalación Pieza de equilibrio, donde se muestra en la parte izquierda un potente imán que atrae bruscamente todos los objetos que contiene una oscura habitación, jugándose en ella con el sentido del equilibrio, no sólo físico sino también mental.

El mismo principio de equilibrio entre opuestos encontramos en la instalación Ajedrez blanco, o Media habitación.

Pieza de envolver para Londres, de Yoko Ono, en el Museo Guggenheim de Bilbao.

Pieza de envolver para Londres, de Yoko Ono, en el Museo Guggenheim de Bilbao.

En esta idea de la conciliación de los opuestos, también vemos la influencia zen que Ono expresa con las ideas de agua, aire o cielo, en obras como Eventos y Piezas agua, o Todos somos agua, Piezas respiración, Pintura para el viento, Dispensadores de aire, TV Cielo o Máquina cielo. Esta última idea, la del cielo, es en sí misma integradora de contrarios como vacío y lleno, sin límites, profundo y claro, inasible, callado y elocuente. Las máquinas expendedoras de cápsulas de aire o de cielo, en el sentido del aire que todos compartimos, y también en un sentido más profundo de que cada parte contiene el todo.

De la idea de los opuestos, al estar incluida en ella, se desprende otra también recurrente en su obra: la de la fragmentación, el corte, la disección, la disgregación, el despiece, las partes, y su opuesto, la recomposición, la reunión, la agregación, la integración.

Lo vemos en Pintura en partes, en la instalación Pieza reparación, en la mencionada Media habitación, o en las performances Pieza corte, y Pieza promesa, presentada dos días antes de la exposición, en la que se rompe un jarrón en el escenario pidiéndose la participación del público para que recoja sus trozos con la promesa de que se reúnan dentro de diez años y recompongan el jarrón. El jarrón es tanto cada uno de sus trozos como el jarrón resultante de la futura recomposición.

Una nueva idea encontramos en la obra de Yoko Ono y que se deriva de los opuestos que decíamos más arriba: la del envolvimiento, ocultamiento, desaparición, y su contrario, la aparición en su desnudez y liberación (no sólo en un sentido corporal o físico, sino también social y feminista).

Mosca, de Yoko Ono, en el Museo Guggenheim de Bilbao.

Mosca, de Yoko Ono, en el Museo Guggenheim de Bilbao.

Pieza desaparición, Pieza escondite, Pieza barrido, Eventos de envolver el león, la silla convertida en crisálida Pieza de envolver para Londres, Piezas bolsa, Pintura sombra, Pintura humo, Pintura tiempo, o la publicación Esto no está aquí, son obras que exploran esa idea de lo que se borra, se oculta o desaparece, y de su opuesto.

En la actuación Pieza cielo para Jesucristo, también presentada como preludio a la exposición dos días antes, los músicos de una orquesta de cámara son envueltos con vendas mientras ejecutan una pieza musical hasta que les es imposible seguir tocando. Lo conceptual en ella, definida por el peso que ejerce lo que se calla sobre lo que se escucha, siendo protagonista de la performance en igual medida que su contrario, podemos imaginar la actuación en un plano ideal siguiendo la dirección inversa: los músicos de una orquesta de cámara envueltos en vendas son estatuas inmóviles, estáticas crisálidas. Conforme se van desprendiendo de sus vendas, empiezan a tocar música hasta que completamente libres de ataduras la ejecutan en un despliegue de potentes sonidos. Es un movimiento de contracción y expansión, de conciliación de los opuestos.

Pintura para dar la mano, de Yoko Ono, en el Museo Guggenheim de Bilbao.

Pintura para dar la mano, de Yoko Ono, en el Museo Guggenheim de Bilbao.

La idea contraria al envolvimiento, la encontramos en los DVD Pintura para dar la mano, Surgiendo, Pintura para dejar pasar la luz del atardecer, Pintura para ver en la oscuridad, o su película Libertad con banda sonora de John Lennon, donde la libertad es en realidad una liberación.

Idea del envolvimiento y liberación, también formando parte de la meditación zen, como puede apreciarse en la película Pieza cerilla, o en obras como Grabación en cinta magnetofónica de la nieve cayendo al amanecer, Piezas de la mañana, Pintura para ver en la oscuridad, Pintura para dejar pasar la luz del atardecer, Pintura sombra, o Pintura humo.

En otro plano más contemplativo, encontramos la exploración del cuerpo hecho de un modo que éste se presenta como si nos fuera extraño. Lo vemos en la película Traseros y sobre todo, en Mosca, donde una mosca recorre en primer plano el cuerpo desnudo de una mujer haciéndonos descubrir el cuerpo como si fuera un paisaje. El hecho de que sea un insecto el que protagoniza la acción, nos hace pensar que visto el cuerpo desde su plano de dos dimensiones, imaginar un plano tridimensional –el cuerpo que recorre- nos parecería absurdo. De la misma manera, vistas las obras de esta artista desde la perspectiva habitual en la que cada cosa sólo puede ser ella misma, siempre nos van a aparecer absurdas.

La interacción del público no acaba aquí. Como ya hemos dicho, cada una de las obras tendrá tantos sentidos como le dé cada espectador. A fin de cuentas, esta multiplicidad de sentidos estará siempre ligada a la lógica de múltiples dimensiones que encierra todo acto artístico.

Imagen perteneciente a una de las obras de Yoko Ono en el Museo Guggenheim de Bilbao.

Imagen perteneciente a una de las obras de Yoko Ono en el Museo Guggenheim de Bilbao.

Iñaki Torres

Kenryo Hara, el arte de la escritura japonesa

Kodai Moji, de Kenryo Hara
Galería O+O
C / Francisco Martínez, 34/36 (Benimaclet). Valencia
Hasta el 25 de julio

El pasado 13 de junio la Galería O+O inauguró la primera exposición en Valencia del maestro calígrafo y artista japonés residente en Tokio, Kenryo Hara. Es Kodai Moji, un total de 19 trabajos que enlazan la escritura tradicional japonesa a base de sinogramas con el arte. Debido al éxito de la muestra, que ha atraído a visitantes de Madrid y Barcelona, se ha decidido prolongarla hasta el 25 de julio.

Obras de Kenryo Hara en la Galería O+O de Benimaclet. Imagen cortesía de Galería O+O

Obras de Kenryo Hara en la Galería O+O de Benimaclet. Imagen cortesía de Galería O+O

Para sumergirse plenamente en  la obra de Kenryo Hara, hay que intentar comprender el funcionamiento básico del idioma japonés. Un idioma que incluye muy pocos sonidos y sí muchos significados, en el que el lenguaje escrito es completamente distinto del hablado. Existen muchas palabras y construcciones gramaticales que son sólo del idioma hablado.

Son los sinogramas, la escritura ideográfica que expresa ideas más que sonidos, al que se añaden tres sistemas más de escrituras por varias razones básicas. En japonés no existen separadores entre palabras, las palabras van juntas una junto a la otra, sin espacios, esto hace que muchas palabras se pronuncien igual o muy parecida. De ahí vienen los ideogramas chinos, los Kanjis, para diferenciar bien los significados de las palabras en la escritura sin espacios y de escasa pronunciación, pues evita ambigüedades. Kanji es la escritura de ideas y significados, sin ellos es imposible entender algo, con ellos puedes deducir el significado.

Obras de Kenryo Hara en la Galería O+O de Benimaclet. Imagen cortesía de Galería O+O.

Obras de Kenryo Hara en la Galería O+O de Benimaclet. Imagen cortesía de Galería O+O.

La obra de Kenryo Hara permite apreciar que la escritura no es únicamente una técnica o práctica con fines utilitarios, sino también un camino de evolución y desarrollo personal. Mucho más que un buen maestro calígrafo, es un artista que crea una obra a partir de la antigua escritura, una obra creativa y libre, plena de significados. Sus trabajos aproximan a la rica y sorprendente cultura japonesa a través de una serie de diecinueve obras Sumi I, que se exponen por vez primera en España.

En ellas el singular artista intenta expresar sus ideas y sentimientos, conmover y emocionar al espectador  a través de la escritura antigua Kodai-Moji creando su lenguaje íntimo, su propio idioma tanto personal como artístico.

Obras de Kenryo Hara en la Galería O+O. Imagen cortesía de O+O

Obras de Kenryo Hara en la Galería O+O. Imagen cortesía de O+O

Bel Carrasco

¡Cuidado con el dedo de Esteban Pastorino!

Esteban Pastorino
Kir Royal Gallery
C / Reina Doña Germana, 24. Valencia
Hasta el 12 de mayo

Suele ocurrir: prendados de la sorpresa técnica, vendamos los ojos a la gozosa contemplación estética. Es lo que un proverbio zen resume de la siguiente manera: “Cuando el sabio señala la luna, el tonto mira al dedo”. Que es lo que nos puede pasar ante las imágenes del fotógrafo argentino Esteban Pastorino (Buenos Aires, 1972). Encandilados con su destreza técnica, ésa que le ha llevado a poseer el Guinness de los Records por haber creado el negativo fotográfico más largo del mundo, podemos dejar de percibir sus fantasmales y enigmáticas vistas. Kir Royal Gallery nos muestra estos días en su espacio de Valencia esa combinación de objetividad científica y subjetividad artística.

Lo hace con una serie de fotografías panorámicas entre metacrilatos e iluminadas por detrás, en las que Pastorino, valiéndose de sus estudios de ingeniería mecánica, recoge vistas insospechadas de grandes urbes con su cámara de dos objetivos. Jorge López, director artístico de la galería, resalta la “toma panorámica única de 360º con cámara analógica”, que Esteban realizó en el Old Town de Pekín. Algunos han intentado probar, sin demasiada fortuna, la manipulación de semejante fotografía mediante photoshop. Nada de eso: Pastorino se las ingenia para lograr técnicamente tamaña panorámica.

Esteban Pastorino. Imagen cortesía de Kir Royal Gallery

Esteban Pastorino. Imagen cortesía de Kir Royal Gallery

De una u otra forma, lo repite en ciudades como Nueva York, Washington, Tokio o Buenos Aires. Y en todas ellas, la sorpresa inicial por tan alargadas visiones de la realidad, por efecto del increíble movimiento de traslación de su cámara, va dejando paso al fantasmagórico paisaje que emerge una vez superada la admiración técnica. Es como si el ojo de la famosa computadora Hal 9000, con la que Kubrick impresionó en su odisea espacial, adquiriera de pronto un sentimiento insospechado a su cualidad mecánica.

La cámara fotográfica y el propio cinematógrafo son instrumentos nacidos al servicio de la ciencia, cuya curiosidad abrió enseguida la puerta de la subjetividad artística. Las imágenes de Esteban Pastorino guardan esa estrecha relación. Tienen su origen en la habilidad e inventiva del ingeniero mecánico que Pastorino lleva por fuera, para enseguida convertirse en extrañas instantáneas fruto del artista que lleva dentro.

De manera que lo que finalmente vemos, una vez saltada la valla de la espectacularidad técnica, es ese mundo de espectros y sombras que Máximo Gorki vio igualmente, tras esa primera impresión de realidad que le produjo el cinematógrafo de los Lumière. Jorge López lo explica muy bien, fijando su atención en una de las panorámicas de Pastorino, al observar el contraste entre lo fijo y lo móvil: “Hay un barrido de los objetos más estables, mientras los móviles aparecen perfectos”. He ahí la fantasmagoría a la que alude Gorki, una vez traspasado el umbral de la invención técnica. No les queda mucho tiempo, pero cuando vayan a Kir Royal fíjense en el reflejo de esa imágenes y tengan mucho cuidado con el dedo, sin duda perfecto, con el que Esteban Pastorino monta su cámara.

Salva Torres.