Mohamed L’Ghacham crea el mural más grande de TEST

‘La Mare’, de Mohamed L’Ghacham
Mostra d’Art i Creativitat de Vila-real (TEST)
C / Jaume Roig. Vila-real
Abril de 2019

‘La Mare’ se ha impuesto entre las 500 imágenes extraídas de álbumes familiares que han llegado a manos del pintor y muralista Mohamed L’Ghacham (Tánger, 1993). Medio millar de recuerdos y escenas íntimas que han servido al artista como fuente de inspiración para crear el mural más grande que incorpora el TEST, la ‘Mostra d’Art i Creativitat de Vila-real’, y de mayor formato al que ha dado vida en toda sutrayectoria el propio L’Ghacham. Es la séptima obra urbana de esta galería abierta que democratiza el arte, y la primera -tras sus predecesoras, firmadas por Pantone, Borondo, Escif, Sam3, Louis Lambert (3TTMan) y Hyuro- que gira sobre una temática “directamente relacionada con la ciudad y sobre todo con sus habitantes”, que han cedido de manera altruista sus recuerdos gráficos, explica Pascual Arnal, director del TEST.

‘La Mare’ luce ya sobre un ‘lienzo’ de 25 metros de alto por 12 de ancho extendido sobre la pared de una finca de viviendas de siete alturas de la calle Jaume Roig, en la zona norte de Vila-real. Muestra a una madre con sus dos hijas en una azotea, vestidas para una ocasión especial. Excepcionalidad dentro de la cotidianidad a finales de la década de los 60. “Al artista le llamó mucho la atención la mezcla de aspectos estéticos tan atractivos como que dos de las tres personas que aparecen en la fotografía fueran vestidas igual y que esas indumentarias resultaran cromáticamente muy atractivas; también el aire de cierta melancolía que impregnaba toda la imagen”, añade Arnal.

El tamaño de la obra, su cromatismo y la curiosidad por ponerle rostro a la escena familiar en construcción -esa que emerge de fotografías que no fueron concebidas para hacerse públicas y que L’Ghacham reformula, radiografía y ensalza sobre paredes a tamaño macro- ha generado un goteo de público durante la semana de trabajo del artista. Decenas de vecinos de Vila-real se han acercado a diario hasta la calle Jaume Roig para ver la evolución del macromural.

La ‘Mostra d’Art i Creativitat de Vila-real’, convertida en plataforma para visibilizar y relanzar el talento artístico emergente, alcanza su ecuador. Abrió sus puertas el pasado 9 de marzo con la exposición colectiva de Jesús Monterde (fotografía), Ana Císcar (pintura-collage-instalación) y Luce (arte multidisciplinar), que podrá visitarse en El Convent Espai d’Art de Vila-real hasta el 25 de mayo. Con la intervención de Mohamed L’Ghacham, el TEST 2019 completa toda la oferta artística para esta edición.

La Mare, de Mohamed L'Ghacham. Imagen cortesía de TEST.

La Mare, de Mohamed L’Ghacham. Imagen cortesía de TEST.

El regreso del colectivo Trashformaciones

‘Huesopiel’
Colectivo Trashformaciones
Centre Municipal de Cultura La Mercé, Burriana, Castellón
Inauguración: Jueves 12 de mayo, a las 19.30h
Hasta el 12 de junio de 2016

El colectivo Trashformaciones presenta el jueves 12 de mayo su proyecto ‘Huesopiel’ en la sala de exposiciones del Centre Municipal de Cultura La Mercé y en distintas calles del centro de Burriana. ‘Huesopiel’, cuyos preparativos empezaron el pasado fin de semana, es un conjunto de instalaciones de gran formato que reúne el trabajo elaborado por los artistas castellonenses durante los últimos años con la chatarra como materia prima, en los que han profundizado en el tratamiento de los ciclos de la materia y su vinculación con la crisis de valores de la sociedad actual. El proyecto ha sido organizado y cuenta con el apoyo de la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Burriana.

La muestra ha sido expresamente concebida por Trashformaciones para los distintos espacios de Burriana, ofreciendo al visitante un recorrido por el casco antiguo de la ciudad, desde la sala del CMC La Mercé, pasando por la plaza Mayor, El Pla y hasta la calle Sant Vicent. La inauguración tiene lugar el jueves 12 de mayo a las 19:30 en la plaza Mayor y permanecerá abierta al público hasta el domingo 12 de junio.

Integrado por los hermanos Pablo y Blas Montoya junto a un equipo de colaboradores, Trashformaciones es un colectivo especializado en el arte del desecho con una trayectoria reconocida a nivel nacional, incluidas algunas incursiones internacionales, desde 2003. Como consecuencia del gran éxito que consiguieron con el Showroom Huesopiel presentado en su propio taller en 2011, los artistas castellonenses han sido incluidos en importantes muestras y bienales: La colectiva “Sustratos” del IVAM (2013), Bienal Incubarte de Valencia (2015), festival Intramurs de Valencia (2014 y 2015), Paranimf de la Universitat Jaume I (2013), TEST de Vila-real (2015), Feria Marte de Castellón (2014), Feria Cersaie en el pabellón de Peronda (2013)…

Trabajos previos del proyecto Huesopiel. Imagen cortesía del colectivo.

Trabajos previos del proyecto Huesopiel. Imagen cortesía del colectivo.

Huesopiel es el resultado de esos 13 años de experimentación y reflexión en torno a los ciclos de la materia surgida en el negocio familiar, una chatarrería que los hermanos Montoya utilizan como inspiración y base de operaciones para sus creaciones artísticas. La instalación está dividida en varias zonas independientes, aunque conectadas por un juego de contrarios alrededor de los conceptos “hueso” y “piel”.

El hueso, el sustento, está representado por grandes muros de hierro compuestos por vigas de construcción cortadas y moduladas a modo de ladrillos, generando espacios, paredes, celosías, lienzos cerrados y figuras geométricas. La piel la conforman una serie de coches y motos aplastados hasta convertirse en una representación gráfica de ellos mismos. Las pieles implican superficie, dermis; expuestas a la intemperie, a la degradación, a la decadencia. Una inquietante ligereza que gana significación y potencia estética al contrastar con la imponente solidez de los muros y columnas de hierro.

Trabajos previos del proyecto Huesopiel. Imagen cortesía del colectivo.

Trabajos previos del proyecto Huesopiel. Imagen cortesía del colectivo.

Principales exposiciones individuales y colectivas de Trashformaciones:

  • –  INCUBARTE 7. Festival de Arte Contemponareno. Junio 2015, Valencia.
  • –  TEST. Mayo-junio 2015, El Convent de Vila-real.
  • –  MARTE. Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Castellón,septiembre 2014, Palau de la Festa de Castellón.
  • –  IVAM. Colectiva “Sustratos”. Octubre 2013-febrero 2014, Valencia.
  • –  CERSAIE 13. Pabellón Museum Peronda. Septiembre 2013, Bologna, Italia.
  • –  Paranimf de la Universitat Jaume I. Exposición Huesopiel 3.0. Enero 2013,Castellón.
  • –  La Mutante. Colectiva. Noviembre 2012, Valencia.
  • –  Inaguración PLAS. Colectiva. Septiembre 2012, Madrid.
  • –  Hat Gallery. Exposición Huesopiel 2.0. Mayo 2012, Valencia.
  • –  Cierre Diplomado Dada 2011-12. Universidad de Arquitectura Zalua,Venezuela.
  • –  Showroom Huesopiel 2011. Presentación en taller propio.
  • –  Cinark 2010. Arquitectura de reelaboración y tectónica sostenible. Escuelade Arquitectura de la Academia Danesa de Bellas Artes. Copenhague.
  • –  Hat Gallery. Exposición Silla Libre. Feria Hábitat Valencia 2010.
  • –  Propostes Creatives 2010. Casa Polo de Vila-real.
  • –  Galería ImagenArte. Nit de l’Art 2009 de Castellón.
  • –  Galería Castalia Iuris. Castellón 2007.
  • –  Espai d’Art La Llotgeta de la CAM. Valencia 2006.
  • –  Basurama 05. La Casa Encendida de Madrid.
  • –  Drap-Art’05. Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB).
  • –  Fib-Art’04. Festival Internacional de Benicàssim (FIB).
  • –  Festival Este 04. Valencia.
  • –  Contemporàni@ 2003. Espai d’Art Contemporani de Castelló.
  • –  Salón NUDE. Feria Internacional del Mueble de Valencia 2003.
  • –  III Biennal Art del Rebuig. Parque Ribalta de Castellón 2003.Para más información:www.trashformaciones.com

Las «promesas» de Vicente Tirado

Vicente Tirado, «A Promise»
TEST. Muestra de arte y creatividad
El Convent, Espai d’art
Carrer Hospital, 5, Vila-real, Castellón
Hasta el 1 de mayo de 2016

Las fórmulas de desarrollo económico y de bienestar se fundamentan en la acumulación de riqueza, que llegadas a un punto de inflexión han perdido por completo la ponderación necesaria que permita cierto equilibrio. En buena medida en el trasfondo del asunto se encuentra la idea de la consecución de la felicidad individual mediante la representación del éxito, en equivalencia al poder económico alcanzado. Zygmunt Bauman[1] se pronuncia aclarando que la promesa de felicidad universal, y de cada vez más felicidad con el tiempo, llevó al Estado moderno a una especie de pacto social. El Estado se comprometía a distribuir los bienes, y los ciudadanos esperaban recibirlos. A cambio de los beneficios, los ciudadanos comprometían su lealtad al Estado; a cambio de sus servicios, el Estado esperaba que los ciudadanos se disciplinaran a sus órdenes. La expectativa de felicidad y de cada vez más felicidad llegó a ser la fórmula principal de legitimación de la integración social y la motivación principal de la participación de los individuos en cualquier esfuerzo colectivo o causa común. La industria iba a ser el principal vehículo para conducir a la humanidad hacia la felicidad. Se esperaba que pusiera fin a los anhelos, el hambre, la miseria, la pobreza. Apoyada por la ciencia y la tecnología, iba a hacer más fácil la vida, menos agotadora y más segura. Siempre estaba por hacerlo, pero al final siempre alegaba que no le era posible. La felicidad estaba condenada a ser siempre un postulado y una expectativa: su realización sería siempre una promesa, siempre a cierta distancia de la realidad. En base a esa promesa se desarrollan y mantienen políticas de expolio y sumisión territorial sobre amplias zonas del planeta que, como resultado del proceso de modernización compulsiva de las áreas desarrolladas, ha primado los fines sin valorar las consecuencias de los medios empleados, entendiéndolos como externalidades razonables. La explotación de recursos, territorios y personas genera contingentes forzados al desarraigo. El actual concepto de progreso se ha edificado sobre la levedad moral y discursiva, construyendo toda una argumentación que justifica la necesidad de adoptar un determinado modelo de desarrollo, sin reparar en los costes ambientales y humanos.

Vicente Tirado del Olmo. "A Promise". Cortesía del artista.

Vicente Tirado del Olmo. «A Promise». Cortesía del artista.

Vicente Tirado (1967, Castellón de la Plana) dirige la atención, mediante sus trabajos fotográficos, al paisaje como síntoma del contexto social y económico de nuestro tiempo. El territorio convertido en la principal materia prima de la que obtener riqueza, a veces mediante la explotación directa de sus recursos y otras por la apropiación de sus valores simbólicos, como promesa de unas determinadas cualidades con las que refrendar la venta de productos. “A Promise” muestra imágenes de naturaleza en estado salvaje, evocando el estado inexplorado del planeta antes de la aparición de la especie humana, ese lugar permanente de deseo. Con este trabajo Vicente Tirado aborda el poder de sugestión de las imágenes y su uso publicitario, para abrir una reflexión acerca del anhelo de naturaleza que caracteriza al individuo contemporáneo, cada vez más dependiente y rodeado de artificialidad. El deseo abstracto contenido en la idea de la naturaleza y del paisaje acaba convertido en una mercancía más, una herramienta de la que servirse a través de la publicidad para elevar al status de lo idílico a productos como los automóviles, a pesar de sus consecuencias ambientales. Las multinacionales que dominan ese mercado han evolucionado en sus mensajes de venta, sustituyendo progresivamente el resorte de lo sexual y la objetualización del cuerpo femenino por la representación del paisaje. El sistema, de forma inagotable, coloniza nuestros deseos y los comercializa. Tirado, a su vez, se apropia de los slogans de las campañas publicitarias de automóviles, que entran en diálogo con entornos naturales imponentes y, ahora sí, sin rastro de la mercancía.

Vicente Tirado del Olmo. "A Promise". Cortesía del artista.

Vicente Tirado del Olmo. «A Promise». Cortesía del artista.

Es inevitable pensar que la implantación de los procesos e infraestructuras industriales de producción tienen una relación directa en la degradación ambiental y en la nueva fisonomía del territorio, aunque parece que lo realmente peligroso es el uso que de ellos se realiza. La producción y el consumo de bienes y servicios mantiene una permanente tensión entre la obtención de mejores rendimientos empresariales y la competitividad de los mismos en el mercado. Partiendo de la creencia de que el individuo como tal posee la capacidad de elegir y marcar las tendencias de consumo, queda patente que en nuestro contexto la circunstancia de una carencia en el aprendizaje de valores de aprecio y respeto al medio natural, alimentado por décadas de omisión en el sistema educativo, configura un consciente colectivo regido por estímulos publicitarios dirigidos al consumo. Las consecuencias de ese proceso de transformación tiene efectos directos e indirectos sobre el medio ambiente y las personas. En esa espiral es necesario destacar lo superfluo de gran parte de las necesidades generadas por la economía postindustrial bajo la prioridad de garantizar su propia pervivencia. La cultura de consumo ha conseguido mercantilizar el aspecto de lo cotidiano hasta vaciar de contenido el disfrute de los hábitos sociales elementales, primando el tener y el parecer como hito de unas vidas más representadas que propiamente vividas. En esa tensión de fuerzas e intereses es fundamental el cuestionamiento personal y colectivo, para el desarrollo de capacidades críticas que nos rediman de estas décadas de banalidad.

José Luis Pérez Pont



[1] BAUMAN, Zygmunt. La sociedad sitiada. Fondo de Cultura Económica de Argentina, Buenos Aires, 2005.

TEST: muestra de arte y creatividad

TEST: muestra de arte y creatividad
Convento Espacio de Arte de Vila-real
C/ Hospital, 5. Vila-real
Inauguración: 15 de marzo a las 11:00 h.
Hasta 15 de junio de 2014

En unas horas dará comienzo la segunda edición de la muestra de arte y creatividad TEST de Vila-real, en ella se desarrollará la exposición colectiva compuesta por ilustraciones de María Herreros con textos de Jorge Herrero, fotografías de Raúl Pérez y pinturas de Ana Sansano. En la que Sam3, artista urbano internacional, realizará un mural al aire libre.

María Herreros y Jorge Herrero, "Piscolabis" (ilustración y texto). Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.

María Herreros y Jorge Herrero, «Piscolabis» (ilustración y texto). Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.

Ana Sansano, "Viari" (técnica mixta). Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.

Ana Sansano, «Viari» (técnica mixta). Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.

Tras la primera edición del pasado 2013, TEST pretende ayudar en el crecimiento de trabajos y carreras de artistas emergentes, con propuestas que aúnan riesgo y calidad, ofreciendo así un apoyo a los creadores actuales. Al mismo tiempo, se trata de una cita para los amantes del arte, al que se le suma un aspecto formativo para el desarrollo de la creatividad de los más pequeños en formato taller.

Esta edición de TEST está dirigida y comisariada por Pascual Arnal.

Sam3, fotografía de un mural del artista. Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.

Sam3, fotografía de un mural del artista. Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.

Raúl Pérez, imagen de la serie fotográfica ·"Días de él". Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.

Raúl Pérez, imagen de la serie fotográfica ·»Días de él». Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.

TEST. Chema López / Ximo Ortega / Clara Bleda / Paula Bonet

TEST
Con trabajos de Chema López, Ximo Ortega, Clara Bleda y Paula Bonet
Inauguración: 1 de marzo, 20h.
Hasta el 13 de abril de 2013
El Convent. Espai d’Art
C/ Hospital, 5
Casa de l’Oli
Plaça de Mossen Ballester, 1
Vila-real (Castelló)

Claredat de l’art
L’obra de Chema López ha incidit sobre els grans relats de la modernitat i les seues bases ètiques, amb la certesa que estan sotmesos a una profunda crisi. En aquesta crisi, i inclús dins de les seues ferides obertes, l’artista inicia la seua reflexió. El resultat no és tant una possibilitat de restituir-los, fugint per tant de la figura de l’artista com a guru, sinó de firmar el seu certificat de defunció a través d’homenatges fragmentaris i no sempre oferits a primera vista.
El mateix fet de pintar determinades escenes exemplars d’aquesta debilitat crítica completa la consciència de la crisi.
Aquesta pareix la comesa que s’ha proposat l’artista. En una cançó interpretada per Bonnie Prince Billy, es llança la pregunta Why must the same love made me laugh, make me cry?, “Per què el mateix amor que em va fer riure, ha de fer-me plorar?”
La qüestió implica la gran complexitat de les coses que, sent ja sabudes, no per això perden la seua càrrega emocional i profunda.
La pintura i l’escriptura comparteixen una vinculació primigènia per la comprensió del món a través del llenguatge, cada vegada més sofisticat, on el text esdevé imatge i les imatges necessiten ser llegides.

Àlvaro de los Àngeles

 

Tres pardals d’un tir.
Les seues escultures no exposen solucions de continuïtat relacionades amb el futur, sinó una referència permanent a la resta, al fragment des del qual no és possible reconstruir el tot, a la processualitat, al reciclatge de la fusta que abandona per això la seua qualitat de producte per a recuperar els seus valors en brut, per a perdre l’olor de mercaderia.
Com un fuster peculiar, va generant híbrids d’animal i arquitectura en un bestiari personal en què es produeix la simbiosi d’allò orgànic i allò constructiu, marcat per buits ortogonals que mostren l’interior d’aquelles carcasses, semblants a mobles inestables. En elles habitem sempre els límits i en situacions sempre límit. Com a animals ensinistrats, caçadors caçats, els individus contemporanis conceptualitzem el nostre temps com un present d’aniquilacions i supervivències, sense demores, sense possibilitat de sedentarisme o nomadisme, sinó només de subsistències precàries.
D’aquesta manera, el treball de Ximo Ortega Garrido és una invitació a creuar el confús buit de la contemporaneïtat, els seus trofeus espectaculars i la seua derrota monumental.

Marina Pastor

 

FM2
Clara Bleda capta instantànies de quotidianitat, reflex del pas del temps i les seues relacions, de les connexions i interaccions de la ciutat amb els seus habitants, i ho fa mitjançant el llenguatge de comunicació urbana, detenint el temps en les seues fotografies. Bleda desenvolupa aquest llenguatge després de buscar els seus referents en els pioners del color, però sempre sota una mirada entremaliada.
Ser fotògrafa professional pot paréixer una labor entremaliada –per usar l’expressió pop de Diane Arbus– en la qual les càmeres són màquines que fabriquen fantasies i creen addicció. Paul Strand deia que la fotografia és un registre de la vida, per a qui sàpiga veure-ho; carabasses, picaportes, cotxes, fanals, racons, rètols, cafeteries, etc., formen part de la quotidianitat que se’ns escapa i rescata Bleda per a nosaltres. Les seues obres capten i reflecteixen els detalls transformant l’essència dels seus protagonistes i les alliberen de l’anonimat.
La càmera analògica li permet captar imatges amb un tractament de pel·lícula que li aporta una textura cinematogràfica a les seues sèries, revelant un estil que destaca per una estètica tipogràfica, caracteritzada per la frontalitat i l’atemporalitat.

Irene Gras Cruz

 

Viatge a l’interior de Paula Bonet
Benvolguts passatgers, cordin-se els cinturons, posin els seus seients en posició vertical i apaguin els dispositius electrònics. L’espectacle Paula Bonet és a punt d’alçar el vol. Amb “Life vest under your seat” els espera un viatge que mai no oblidaran al llarg de les il·lustracions més íntimes d’aquesta jove artista vila-realenca de traç instintiu i directe, gairebé animal.
Posseïdora d’un claríssim do per al dibuix, les seves creacions ja ostenten una marca pròpia que parla totes les llengües, atrau totes les mirades i sedueix els cors d’arreu del món. Ella és inconfusible, irrepetible i universal.
Les imatges seleccionades per a aquesta exposició, no obstant, tenen més en comú que un estil fresc o una tècnica exquisida. Perquè en aquest cas, sí, cal prendre-s’ho com un assumpte personal. Totes elles estan inspirades en les vivències de la Paula Bonet i juntes conformen un retrat del seu univers interior, descobrint-nos una autèntica transformista de l’expressió artística, capaç d’adoptar les pells que calgui per posar en ordre allò que li cou a la pròpia carn.

María Leach