Convocatorias públicas en el Consorcio de Museos

Convocatorias públicas de proyectos expositivos 2017-2018
Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana

El Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana lanza sus tres primeras convocatorias públicas de proyectos expositivos 2017-2018. Con ellas se pone en marcha un nuevo modelo de gestión basado en la transparencia en los procesos de selección de proyectos, así como en la igualdad de oportunidades en el acceso a las programaciones de los museos públicos.

El director del Consorci de Museus, José Luis Pérez Pont, señaló que “es la primera vez que sale a concurso público la mayor parte de la programación de un ente museístico en la Comunitat Valenciana y es también la primera vez que en esta Comunidad se especifican, en unas convocatorias, los honorarios para artistas y comisarios, algo que el sector venía reclamando desde hace años”.

“Estas convocatorias son la base del proyecto con el que me presenté al concurso para dirigir el Consorci de Museus y constituyen el punto de partida de una nueva institución, más democrática, más participativa, más accesible y donde su programación sea verdaderamente un reflejo del arte que nos rodea”, recalcó Pérez Pont.

Logo de las convocatorias. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

Logo de las convocatorias. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

Las convocatorias se refieren específicamente a las exposiciones de carácter contemporáneo, pensando en el apoyo a los artistas actuales, a los comisarios y a su profesionalización. Asimismo las convocatorias están destinadas sobre todo a los artistas y comisarios nacidos o residentes en la Comunitat Valenciana, pero también hay una convocatoria de comisariado abierta a cualquier persona que presente un proyecto expositivo.

El Diari Oficial de la Comunitat Valenciana (DOCV) publicará en breve las tres primeras de una serie de convocatorias que aglutinan la mayor parte de la programación del Consorci de Museus para el próximo año.  Las tres primeras, las más importantes por su inversión, ya que suman entre todas 270.000€ son: Escletxes, convocatoria de producción artística y apoyo a la investigación; V.O. Convocatoria de comisariado; 365 dies, convocatoria de comisariado durante un año (de una sala del Centre del Carme). El plazo para presentar proyectos a las tres convocatorias finaliza el 14 noviembre.

A estas tres primeras le seguirá la publicación de otras convocatorias dirigidas al sector de la educación artística, para exposiciones de carácter social, así como de revisión de artistas valencianos de larga trayectoria.

Logo de la convocatoria Escletxes. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

Logo de la convocatoria Escletxes. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

Escletxes

El Consorcio de Museos pretende impulsar la creación artística y fortalecer el tejido cultural valenciano mediante la publicación de esta convocatoria de apoyo a la investigación y la producción artística. La iniciativa va dirigida a artistas y colectivos ligados a la creación contemporánea, que presenten propuestas que estén en vías de investigación y requieran de un impulso para su producción, debiendo tener como objetivos la experimentación e innovación en el ámbito de la creación artística.

Los proyectos seleccionados serán objeto, cada uno de ellos, de una exposición organizada por el Consorci de Museus en el Centre del Carme de Valencia, o en otros centros consorciados tanto de Alicante como de Castellón. Se ofrecen tres producciones de 15.000 €, incluyendo los honorarios del artista o artistas participantes (3.000 €). Además la entidad correrá con los gastos de la organización de la muestra así como del correspondiente catálogo.

Logo de la convocatoria V.O. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

Logo de la convocatoria V.O. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

V.O.

El objetivo de esta convocatoria es la selección de tres proyectos de comisariado de carácter inédito para la realización de exposiciones durante los años 2017 y 2018 en el Centre del Carme de Valencia y en otros centros consorciados de Alicante y Castellón. Los proyectos que se presenten deben abordar la creación artística contemporánea y la innovación en los procesos creativos, promoviendo la movilidad de las producciones expositivas  y las diferentes disciplinas artísticas. Puede optar a la convocatoria cualquier persona, a título individual o colectivo. La dotación económica para cada uno de los proyectos es de 25.000 euros, donde se incluyen los honorarios de 3.000 € para comisariado y 3.300 para el artista o artistas participantes.

Logo de la convocatoria 365 dies. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

Logo de la convocatoria 365 dies. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

365 dies

El objetivo de esta convocatoria es la selección de un proyecto de comisariado durante un año para la Sala 1 del Centre del Carme. El proyecto presentado deberá incluir no solo la programación expositiva, sino también el programa de actividades que va unido al proyecto. Los proyectos abordarán la creación artística más contemporánea. Se valorará, asimismo, la introducción de nuevos formatos expositivos, las estrategias educativas para aproximar al público el arte contemporáneo,  talleres, así como otras herramientas de divulgación, investigación y participación  ciudadana.

Podrá optar a la convocatoria toda persona, española o extranjera, residente o nacida en la Comunitat Valenciana, que presente un proyecto de comisariado, a título individual o colectivo, con una dotación para todo el proyecto de 90.000 €, incluidos los honorarios para comisariado de 12.000 € y 11.700 € para el artista o artistas participantes.

Albert Girona (izda), secretario autonómico de Cultura, y José Luis Pérez Pont, director del Consorcio de Museos, durante la presentación de las convocatorias. Imagen cortesía del Consorcio.

Albert Girona (izda), secretario autonómico de Cultura, y José Luis Pérez Pont, director del Consorcio de Museos, durante la presentación de las convocatorias. Imagen cortesía del Consorcio.

La Cabina, cada vez más grande

La Cabina
Festival Internacional de Mediometrajes de Valencia
Del 5 al 15 de noviembre de 2015

La Cabina – Festival Internacional de Mediometrajes de Valencia, organizado por el Aula de Cine de la Universitat de València y con la colaboración de CulturArts-IVAC, vuelve del 5 al 15 de noviembre para ofrecer al público el mejor cine narrado entre 30 y 60 minutos en versión original. En esta octava edición se han superado los números de años anteriores llegando a recibir más de 330 mediometrajes (100 más que en la edición pasada) y se ha pasado de los 24 seleccionados a 25 de 13 nacionalidades diferentes. Comedia absurda, drama, acción o humor negro son algunos de los géneros que los espectadores podrán ver en la Sala Luis García Berlanga de la Filmoteca.

Otro de los récords históricos que se han conseguido este año es que España es el cuarto país con más producciones dentro de la Sección Oficial, empatada con Dinamarca. Ambos países presentan dos producciones propias y una en régimen de coproducción. Sólo por delante de ellos están Francia (8), que sigue siendo el país con mayor producción de mediometrajes, Alemania (4) y Reino Unido (4). Dinamarca entra por primera vez en la Sección Oficial al igual que Senegal o Irak (ambas como coproductoras en dos filmes). Además, cabe destacar el mediometraje Uranes (España, 2013), del ilicitano Chema García Ibarra, único mediometraje en Sección Oficial producido en la Comunidad Valenciana.

Fotograma de A running jump, de Mike Leigh. Imagen cortesía de La Cabina.

Fotograma de A running jump, de Mike Leigh. Imagen cortesía de La Cabina.

En cuanto a géneros hay una gran variedad de ellos: desde el drama histórico de H (Lluís Galter, España, 2014), el humor absurdo de Uranes y Kung Fury, la acción de Nocebo (Lennart Ruff, Alemania, 2014) o el conflicto de la inmigración e identidades que encontramos en Terremere (Aliou Sow, Senegal-Francia, 2014). El mediometraje La isla a medio día (Philippe Prouff, Francia, 2014) adapta el relato homónimo de Cortázar que “consigue plasmar la misma sensación que el escritor pretendió con el relato”, afirma Carlos Madrid, director de La Cabina.

El Festival sigue fiel a su filosofía: historias de ficción de calidad que muestran una manera de narrar no sujeta al imperativo comercial del tiempo. A este respecto, Carlos Madrid destaca el mediometraje de Mike Leigh, director y guionista nominado en varias ocasiones al Oscar por películas como Secretos y mentiras (1996), que ganó la Palma de Oro en Cannes; Topsy-Turvy (1999); El secreto de Vera Drake (2004); Happy-Go-Lucky (2010); o Another Year (2010) y cuya película más reciente es Mr. Turner de 2014. “Tener en la Sección Oficial el mediometraje Carrera de obstáculos (Reino Unido, 2012) de Mike Leigh confirma que los directores no utilizan este formato necesariamente como plataforma de nada y que lo importante es rodar una historia tenga la duración que la historia requiera”, asegura Madrid.

Kung Fury, de David Sandberg. Imagen cortesía de La Cabina.

Kung Fury, de David Sandberg. Imagen cortesía de La Cabina.

También destaca Kung Fury (David Sandberg, Suecia, 2015), presentada en el Festival de Cannes de 2015 en la Quincena de Realizadores. El film se ha convertido en uno de los fenómenos virales de este año alcanzando los 21 millones de reproducciones en Youtube. Ésta será una oportunidad única de ver esta película hilarante en pantalla de cine, mezcla de géneros y parodia, a la vez que homenaje, de los años ochenta. La película “aúna una gran calidad en la producción y efectos especiales a la vez que se ríe de sí misma”, afirma el director del Festival.

Asimismo, Madrid se siente satisfecho por la selección de este año y asegura que hay propuestas “más atrevidas en cuanto a su lenguaje”. Por ejemplo Sólo me deseas a mí (Dag Johan Haugerud, Noruega, 2014), “en la que la actriz principal se enfrenta ‘cara a cara’ a la cámara”; el lenguaje atrevido de Kung Fury; la intensidad dramática -“cercana al thriller”- de Todo irá bien (Patrick Vollrath, Alemania-Austria, 2015), que participó en la Semana de la Crítica de Cannes 2015; o la “gran personalidad” de Teenland (Maria Gratho Sorensen, Dinamarca, 2014), que “juega con imágenes y momentos musicales que potencian la liberación de los instintos juveniles”.

Fotograma de Todo irá bien. Imagen cortesía de La Cabina.

Fotograma de Todo irá bien, de Patrick Vollrath. Imagen cortesía de La Cabina.

La calidad de los mediometrajes que conforman la Selección Oficial de La Cabina 2015 viene avalada, además, por cineastas como Abbas Kiarostami o Michael Haneke que dijeron de Todo irá bien (Patrick Vollrath, Alemania y Austria, 2015) que es una película “impactante” e “intensa y bien contada. Excepcionalmente bien interpretada. Una película conmovedora que cautiva desde el primero hasta el último segundo”.

Fotograma de Kung Fury. La Cabina.

Fotograma de Kung Fury, de David Sandberg. Imagen cortesía de La Cabina.

Valencia, en la Champions de la cultura

Europa Creativa #Under 25
Proyecto cultural gestionado por Escuela del Actor, Teatro Inestable, Espai Rambleta, Peshkar y Joao García Miguel CO

“Creemos que va a dar un vuelco a la vida cultural de esta ciudad”. Y Mariola Cubells, directora de Relaciones Externas de Espai Rambleta, dijo más: “Nunca se ha dado en Valencia algo similar”. Luego procedieron a explicar el proyecto, que provocó tan encendidas palabras, los impulsores del mismo: Andrés Poveda, de la Escuela del Actor, que fue quien prendió la mecha; Jacobo Pallarés, de Teatro Inestable, encargado de la farragosa gestión; Lorena Palau, gerente de la Rambleta, y Joao García y Jim Johnson, como responsables de los espacios teatrales ubicados en Torres Vedras (Portugal) y Manchester (Reino Unido), respectivamente.

Entre todos ellos han dado forma al proyecto cultural que unirá las tres ciudades, después de obtener 200.000€ de Europa Creativa, tras un laborioso trabajo de dos años. Un proyecto que permitirá seleccionar a 12 jóvenes artistas (cuatro por ciudad) de entre 18 y 25 años, ofreciéndoles la posibilidad de formarse en común siguiendo un estimulante proceso creativo en el que participarán profesionales a nivel internacional. La selección se hará mediante convocatoria pública en marzo del próximo año.

Escuela del Actor.

Imagen de un video de la Escuela del Actor.

Los elegidos tendrán la oportunidad de participar en laboratorios de ideas y talleres, donde adquirirán una formación, que, como recordó Andrés Poveda, también contará con sus propias aportaciones. “Si dejamos a los jóvenes hablar con sus nuevas tecnologías y sus ideas es probable que sean ellos los que nos enseñen otra manera de actuar”. Hacia el mes de julio convivirán durante 30 días en régimen de residencia, primero en Valencia, culminando el aprendizaje con una representación teatral fruto de su trabajo. Será Espai Rambleta quien lo acoja. Después se hará lo mismo en las otras dos ciudades, completando los dos años previstos con un espectáculo de su creación a modo de resultado final.

“Queremos que el talento crezca y se dispare”, subrayó Mariola Cubells. “Es un proyecto que apuesta por los jóvenes, fomenta la creación y estimula el talento a través de laboratorios y residencias”, señaló Lorena Palau. “Con este proyecto los jóvenes podrán abrirse a la vida, a la experiencia, a la creación”, apuntó Joao García, responsable de la compañía portuguesa que lleva su nombre. “Se trata de que gente con capacidades artísticas puedan desarrollarlas”, indicó Jim Johnson, al frente del espacio Peshkar, en el condado de Oldman, quien ironizó acerca de la lluvia en Valencia: “Me la he traído de Manchester”.

Imagen de un video promocional de Teatro Inestable.

Imagen de un video promocional de Teatro Inestable.

Jacobo Pallarés, que tiene larga experiencia en Teatro Inestable en lo que se refiere a la gestión de ayudas europeas, reconoció que se trataba de “un marrón”. Por eso el trabajo con proyectos europeos resulta “insignificante”. “Italia y Alemania nos llevan la delantera”, apostilló. De hecho, el proyecto por el que han obtenido los 200.000€ de Europa Creativa (el 60% del total; el 40% restante corre a cargo de las partes implicadas) es uno de los ocho que han alcanzado la puntuación necesaria, de los poco más de 40 presentados en toda España y de los 300 a nivel europeo. Por eso Pallarés y Poveda insistieron en la importancia que tiene su consecución.

“En los últimos cinco años sólo ha habido tres empresas valencianas que han tenido un proyecto europeo de este alcance”. De ahí que Pallarés tuviera la impresión de haber entrado con Europa Creativa #Under 25 en la “Champions de la cultura”. Valencia, Torres Vedras y Manchester jugarán en ella promoviendo la libertad de creación y el diálogo cultural en Europa.

De derecha a izquierda, Mariola Cubells, Joao García, Jacobo Pallarés, Lorena Palau (en el centro, de rojo), Andrés Poveda y Jim Johnson, en Espai Rambleta. Foto: Pablo Ortuño.

De derecha a izquierda, Mariola Cubells, Joao García, Jacobo Pallarés, Lorena Palau (en el centro, de rojo), Andrés Poveda y Jim Johnson, en Espai Rambleta. Foto: Pablo Ortuño.

Salva Torres

La Familia ‘títere’ de Paloma Olmos

Russafa Escènica
Festival de las artes escénicas
La Familia: cartel ganador obra de Paloma Olmos
Del 17 al 27 de septiembre de 2015

La quinta edición de Russafa Escènica, el festival de otoño de las artes escénicas en Valencia, va tomando forma. Si hace apenas unos meses se desvelaba el que iba a ser el lema de este año, ‘La familia’, ahora se hace pública la imagen que inspirará el cartel del festival, que se celebrará del 17 al 27 de septiembre en el barrio valenciano de Ruzafa.

Por segundo año consecutivo, la imagen ganadora ha sido seleccionada a través de un concurso puesto en marcha por la organización del festival con el fin de premiar la participación del público y el espíritu colaborativo. Las 34 propuestas presentadas (entre las que había fotografías, montajes y dibujos) han sido un reflejo de la interpretación que cada participante ha hecho del lema de esta edición.

Cartel ganador de la quinta edición de Russafa Escènica, obra de Paloma Olmos. Imagen cortesía de Russafa Escènica.

Cartel ganador de la quinta edición de Russafa Escènica, obra de Paloma Olmos. Imagen cortesía de Russafa Escènica.

Más de 1.300 personas han ejercido su voto a través de la página web de Russafa Escènica desde que se abrieron las votaciones el pasado 30 de marzo. La imagen seleccionada, obra de Paloma Olmos, recibió en una primera fase del concurso 135 votos de los usuarios que visitaban el portal web.

Sin embargo, para alzarse con el premio, la propuesta de Olmos ha tenido que convencer a un jurado compuesto por José Luis Abad, fotógrafo, Jorge Montalvo, ganador de la imagen del cartel del 2014, Aristides Rosell, director artístico de Russafart, y Bárbara Trillo, responsable de redes sociales de Russafa y Julian Romero, responsable de diseño de Russafa Escènica. Este último será el encargado de diseñar el cartel definitivo inspirado en la propuesta ganadora.

Según su autora, que se declara aficionada al cine y al teatro, la imagen “bien podría representar una familia disfrutando de un espectáculo del festival” y, entre todos sus elementos, destaca el títere, una pieza especial que “siempre he querido mostrar” a todo el mundo.

La ganadora, que conocía de cerca el festival, afirma que “es una buena iniciativa, para que gente de otras partes de Valencia y alrededores puedan conocer espacios muy interesantes, curiosos y bonitos del barrio” y hace un llamamiento a las instituciones a invertir más en una ciudad donde “el nivel de quienes se dedican a las artes escénicas es muy alto”.

Olmos recibirá  como premio 250€ además de que su imagen sea portada de los 25.000 programas de mano que se impriman y distribuyan en esta quinta edición de Russafa Escènica.

Cartel ganador de la quinta edición de Russafa Escènica, obra de Paloma Olmos, dedicada a La Familia. Imagen cortesía de Russafa Escènica.

Cartel ganador de la quinta edición de Russafa Escènica, obra de Paloma Olmos, dedicada a La Familia. Imagen cortesía de Russafa Escènica.

¿Qué quieren? Miradas de mujeres

En torno a la visibilidad de las mujeres en el Arte

No cesa la queja. Es más, se incrementa día a día. En todo. Nada de lo que pueda hacerse para disiparla es ni será suficiente; la queja es, en esta era posmoderna, ¡qué le vamos a hacer!, una de las actitudes más rentables. ¿Por qué no quejarse, entonces? Ah, y otra cosa; la queja será más rentable en proporcionalidad directa al rencor y el odio que en ella vayan intrínsecos. Son cosas del activismo y de la corrección. En el Arte, también.

No cesa de oírse esa queja. “Queremos más visibilidad”. Así, quieren más visibilidad. ¿Quiénes? Ellas, por supuesto, las mujeres. ¿Más visibilidad? No exactamente; lo que dicen querer es la misma visibilidad que los hombres. Para ellas, no puede haber (existir) un hombre artista si no hay (existe) una mujer artista… de forma !simultánea y ubicua! Sí, ésta sería la cuestión. Lo que quieren las mujeres (y tomo el todo por la parte en la medida en que las que callan otorgan, habida cuenta de los beneficios que obtienen de la queja, tengan o no tengan clara la exigencia) es una igualdad numérica, estadística, cuantitativa. Paridad, igualdad. Si alguien quiere comisariar una exposición sobre, pongamos fotografía nocturna, lo que le exigirán los abanderados de la corrección política es que ese alguien NO seleccione a los 12 fotógrafos -sean mujeres o hombres- que le parezcan más interesantes -adecuados, apropiados-, sino que en su elección haya 6 fotógrafas y 6 fotógrafos (6 mujeres y 6 hombres: 6 personas con vagina y 6 personas con pene).

Pero, ¿a quién se quejan esas mujeres tan activistas?, ¿a la sociedad machista, ese corpus amorfo de individuos al que se le echa siempre la culpa de todo? ¿o al mundo del Arte, ese conjunto de personas que configuran el mismo mundo del Arte que “al parecer” es discriminatorio con las mujeres? Porque esa es la queja: las reivindicadoras no se quejan de que haya menos mujeres artistas sino de que la selección habitual -para su exhibición- no sea natural, sino malignamente partidista. Para ellas, sí hay una selección natural y es tan natural que tiene que ser equitativa… por cojones (perdón). Así, natural, o sea, equitativa, igualitaria. Natural (?).

Obra de Ana Gesto exhibida en La Nau de la Universitat de València.

Obra de Ana Gesto mostrada en la exposición ‘Mujeres: territorios artísticos de resistencia’ en La Nau de la Universitat de València.

Mutatis Mutandi

Podríamos comenzar por diferenciar entre presencia y poder.  ¿Y qué quieren las mujeres: presencia o poder? ¿Qué quieren cuando dicen querer igualdad? ¿Más presencia en las decisiones del poder? ¿Más presencia en los eventos expositivos?

Y podríamos también, para situarnos realmente, remontarnos a los años ochenta, los años de apertura, cambio y desarrollo de la España ulterior a los 40 años de anquilosamiento cultural. ¿Y quién detentaba el poder del Arte durante esa década y la posterior? Pues se lo digo yo: las mujeres. ¿A quién había que conocer si uno quería medrar en el fantástico y sensible mundo del Arte durante los ochenta y los noventa una vez fallecida Juana Mordó? Pues se lo digo yo: a Juana de Aizpuru, a María Corral, a Cármen Jiménez, a Helga de Alvear, a Soledad Lorenzo… a Elba Benítez, a Elvira González, Oliva Arauna, las Moriarty, Oliva María, Rosa Martínez, Estrella de Diego, Evelyn Botella, Rosa Olivares… y poco más allá Pilar Parra, Marta Cervera, Elena Ochoa, Ana María Guasch… Ellas lo controlaban TODO, ellas configuraron el panorama que representaba el arte español y foráneo en nuestro territorio. Y diseñaron la estrategia de expansión. Ellas impusieron su criterio, algo contra lo que no hay nada que objetar, digo yo. ¿O sí? Es verdad que hubo algunos hombres… (Juan Antonio Ramírez, Calvo Serraller, Pepe Cobo…) pero sólo para que la cosa no pareciera demasiado discriminatoria. Así pues, las mujeres con presencia casi absoluta en el mundo del Arte, al menos respecto al poder real.

¿Y los artistas, qué pasa con los artistas, se seguirán preguntando las activistas más comprometidas con su sexo? Pues muy sencillo: los artistas que había eran los que colocaban ellas, los que ellas sugerían, los que ellas ¿imponían?; ellas, las que detentaban el poder: Juana de Aizpuru, Soledad Lorenzo, María Corral, Oliva Arauna, Cármen Jiménez, Rosa Martínez, Elba Benítez, Oliva María, Rosa Olivares, Elvira González, Elena Ochoa…

¿Y ahora, qué pasa? Pues que ahora tenemos, sin ir más lejos, ese festival del Arte tan igualitario y tan poco partidista que se llama Miradas de mujeres. Que, cómo no, es aprovechado para elevar la queja y el lamento en la opinión publicada a su máxima exponencia (impactos mediáticos): “exigimos más visibilidad”, “queremos la igualdad”. Cada año lo mismo: “exigimos más visibilidad”. Un festival que se amplía cada año y que cada vez cuenta con más participantes, que lógicamente nunca serán suficientes. ¿Sólo un festival, sólo él, el de Miradas de mujeres? Noooo, hay un sinfín de eventos que en nombre de la mujer discriminada se reparten durante todo el año por todo el territorio español, la mayor de las veces promocionados y patrocinados por administraciones públicas, institutos de la mujer, y demás entidades subvencionadas.

Sin ir más lejos en Valencia se inauguró la semana pasada una exposición “de” mujeres, una exposición que se ha denominado, supongo que nada inocentemente, ‘Las dueñas del arte’. Se trata de la selección de artistas llevada a cabo por 14 galeristas mujeres de la Comunidad Valenciana. Pero para saber el verdadero alcance y significado de la cifra (14) conviene saber antes que en la Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana hay 19 galerías de Arte. Así pues, el mundo del Arte, al menos aquí en Valencia, se encuentra en manos de mujeres. Y no tanto a nivel privado, sino también a nivel político-cultural, para bien o para mal, como saben todos los valencianos. Y no debemos olvidar que, por el motivo que sea, es la clase política -del signo que sea- la primera en promover, tanto de forma directa como indirecta, eventos culturales que tengan por protagonistas a las mujeres. Que lo hacen.

Obra de Diana Coca expuesta en La Nau de la Universitat de València.

Obra de Diana Coca mostrada en la exposición ‘Mujeres: territorios artísticos de resistencia en La Nau de la Universitat de València.

¿Entonces?

Para contestar a esta enigmática última pregunta podemos acudir a la entrevista que MAKMA les hiciera a tres mujeres activistas directamente comprometidas con el Arte y con la Mujer. En dicha entrevista no se pudo dejar más clara la queja que tiene como objeto la discriminación de las mujeres en el mundo del Arte. Resulta tan paradigmática que recomiendo su búsqueda y lectura. Da mucho de sí.

Dice la directora del Festival en la Comunidad Valenciana Irene Ballester: “Nuestra finalidad es llevar el arte hecho por mujeres a los grandes museos y galerías, pero también a las concejalías de Cultura e Igualdad de cualquier pueblo”. Queda claro entonces que sus objetivos, ya logrados (15 comunidades, más de 1.000 artistas, 308 espacios expositivos), han conseguido elevar la presencia de mujeres artistas en espacios tanto privados como públicos; no de mujeres artistas extraordinarias, ni de las mejores mujeres artistas, sino de mujeres artistas (“arte hecho por mujeres”). Y como decimos, no sólo a espacios privados, sino a espacios sufragados con dinero público.

Por eso quizá no se entienda esa pertinaz manía del mundo del Arte hacia los estamentos políticos. De hecho en esta misma entrevista aflora lo que acaba siempre por aflorar cuando el mundo del Arte exige independencia en sus sensibles decisiones: su desprecio por ese intrusismo que supone toda acción gubernamental en las cosas de la Cultura. Y por eso dice Lucía Peiró a poco que se descuida, “la política y el arte deberían ir por separado”. Y es que, en efecto, se trata de algo que es absolutamente habitual en aquellos que, curiosamente, viven de las prebendas del papá Estado. Aceptan con naturalidad todo tipo de subvenciones y ayudas (de las Concejalías, las Casas de Cultura y Administraciones en general), pero después las quieren mandar a freír espárragos cuando se trata o de hacer lo que les dé la gana o de ganar dinero.

Pero aquí de lo que se trata es de saber si existe realmente discriminación maléfica y organizada o si se trata de algo mucho más sencillo. Es decir, la cuestión es: si aceptáramos, tal y como dicen algunas estadísticas que nos ofrecen las asociaciones más activistas, que las mujeres tienen menos presencia que el hombre en el mundo del arte, ¿será debido a una discriminación maléfica instigada por una sociedad machista o se debe a las leyes de mercado? Veamos lo que dice una de las entrevistadas, concretamente la galerista Teresa Lagarre, es decir, la que representa el mercado (el del dinero y no el de las ideologías): “Yo tengo muchos artistas de la Comunidad Valenciana, el 70% son de aquí, y aunque tal vez sean más hombres que mujeres los que exponen en mi galería, lo cierto es que yo siempre me he inclinado por el arte de las mujeres porque me siento identificada con sus propuestas”.

Pues bien, por fin queda claro el por qué teniendo más poder en la gestión -ese poder que se atribuye en exclusiva al maléfico hombre autoritario- después parecen no obtener la misma visibilidad. Una mujer galerista y su programa: se identifica con las propuestas de las mujeres (sic)… pero tal vez (sic) sean más hombres que mujeres los que exponen en su galería. Pero después se suma a la –rentable- queja.

Post Scriptum. Llego de Madrid con varias carteleras de actualidad cultural en mi cartera… y no hay sitio para la duda: Ellas crean. En efecto, en todas las carteleras, e incluso en algunas de las portadas de esas carteleras, aparece ese titular, Ellas crean. Titular que se corresponde con la XI Edición del Festival Ellas Crean, festival que, y ahora cito de la cartelera Madrid en vivo, “aporta un punto de visibilidad para las mujeres creadoras”. También se dice “Este año el Ayuntamiento de Madrid presenta un cartel alucinante, sugestivo y pleno de propuestas que harán las delicias de los asistentes” (y Ayuntamiento de Madrid va en negrita). Este festival, inmediatamente posterior a Miradas de mujeres (que se realizaba en 15 comunidades entre otras ésta) contaba con 46 intervenciones (música, danza, debates, exposiciones, presentaciones…) y con la colaboración de 18 museos.

Cristina Lucas.

Imagen del video de Cristina Lucas mostrado en la exposición ‘Mujeres: territorios artísticos de resistencia’ en La Nau de la Universitat de València.

Alberto Adsuara

ARCO y zombies

ARCO Madrid 2015
Del 25 de febrero al 1 de marzo de 2015

Hay quien cree que no ha pasado nada y por eso actúa como si nada hubiera pasado. Visitar ARCO hoy es una experiencia muy parecida a la que podía tenerse cuando se visitaba ARCO hace pongamos 25 años. Demasiado parecida. Es cierto que en su andadura la Feria ha pasado por momentos variopintos en cuanto a su oferta se refiere, pero en cualquier caso, y salvo alguna rara excepción, siempre ha predominado el aspecto comercial, que es por otra parte el que confiere sentido al evento.

Vista general de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid. Cortesía de ARCO 2015.

Vista general de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid. Cortesía de ARCO 2015.

Así pues, el ARCO de este año podría ser calificado de sobrio; sí, sobrio; hay quien diría elegante pero yo no llegaría a tanto. Y por sobrio entiendo una disposición de stands muy ordenada y racionalista y una selección de galerías cuya oferta podría calificarse de clásica; entendiendo por clásica esa producción que fundamentalmente se encuentra destinada a cubrir paredes y algún que otro hall exquisito.

Pero, ¿qué tiene que ver todo esto con la realidad? Y es aquí donde no queda otro remedio que ponerse antipático.

ARCO siempre es el producto de su director y de su equipo. Y cada edición es el resultado de una decisión. Yo lo he visitado y conocido el mismo día de la inauguración, que como es sabido sólo se encuentra abierto a profesionales. Precisamente es en este punto donde se encuentra la clave de la tesis que quiero plantear, en eso que pueda colegirse del concepto “profesionales”.

Para empezar yo diría que hay un sector muy amplio y con muchos intereses dentro del mundo del comercio del arte que sigue creyendo que el arte es lo mismo de hace 30 años. O dicho de otra manera, que sigue sin percatarse de los radicales cambios que se han producido en la sociedad civilizada desde que apareció la primera verdadera promoción de nativos digitales; que además coincide en fecha con la determinante caída de Lehman Brothers.

Imagen de ambiente de la feria de Madrid. Cortesía de ARCO 2015.

Imagen de ambiente de la feria de Madrid. Cortesía de ARCO 2015.

Para que la feria obtenga un aspecto u otro, lo primero que hace cualquier comité es determinar la interpretación que del concepto Arte hace dicho comité (de hecho las variables que durante su existencia nos ha proporcionado la Feria de Arte se han debido a la diferente forma de interpretar ese concepto; y para eso está el director y el comité de selección, siempre tan controvertido). Pero para que la feria obtenga su sentido la organización debe asumir, en primera instancia, que lo expuesto debe ser vendible. Y entender el arte como un producto elitista (en sus diversos grados, pero elitista), o sea, debe seguir creyendo en el carácter sagrado del producto expuesto que resulta desproporcionadamente caro en comparación a otros productos cuya función se encuentra más clarificada.

Y es aquí donde ARCO me parece una feria absolutamente desfasada. Pero no desfasada por su contenido sino desfasada por su propia existencia en la medida en que nada tiene ya que ver lo allí expuesto y ofrecido con lo que vive toda esa avalancha de nativos digitales que desde 2007 se nos ha venido encima.

Y es que ese carácter lineal que nos inculcó un entendimiento hegeliano de la Historia hacia el despliegue del Espíritu Absoluto ha tocado a su fin. Y muerto el perro se acabó la rabia. Sin Historia no hay posibilidad de Arte. Y por eso la inauguración de ARCO parecía un congreso de gerontología. ARCO ha decidido (o por mera supervivencia, o por puro convencimiento, lo cual sería mucho peor) que el público al que se dirige no puede ser otro que aquel al que su edad no le permite cambiar de hábitos. Es decir, la organización de ARCO ha decidido dirigirse a los que no les queda otro remedio en la vida que creer que no han hecho el primo durante toda su vida. Comprando a precios muy altos lo que muy poca gente estaría dispuesta a comprarle a ellos a precios muy bajos.

Ésta y no otra ha sido la elección de los organizadores: la de atraer a gente que está más cerca de la muerte que de su nacimiento. Así, una feria que exhibe un producto obsoleto (aunque más o menos interesante o decorativo) para gente que está medio muerta.

O por decirlo de otra manera: ARCO se dirige a quien no sólo tiene una casa… sino varias. Sin embargo los jóvenes de hoy ni la tienen ni la quieren, y en sus prioridades no se encuentra la de hipotecar su vida por una casa, sobre todo cuando no saben dónde les va a tocar vivir ni por cuánto tiempo. Su casa es inestable, por lo que sus paredes sólo pueden ser virtuales.

Obra de Edgar Jimenez. Doble Cero Cero. Cortesía de ARCO 2015.

Obra de Edgar Jimenez. Doble Cero Cero. Cortesía de ARCO 2015.

Alberto Adsuara

La selección de García-Alix en ARCO

Selección Ron Barceló Imperial de artistas emergentes por Alberto García-Alix
ARCO Madrid 2015
Del 24 de febrero al 1 de marzo de 2015

Alberto García-Alix ha realizado una selección de artistas emergentes participantes en ARCOMadrid 2015, cuyas obras integran la guía ‘Selección Ron Barceló Imperial de artistas emergentes por Alberto García-Alix’. Los artistas y obras  elegidos son: Xavier Arenós (Fragmentación dinámica del búnker de Antonov-Ovseenko –Galería Rosa Santos), Elena Bajo (Is Music the Essence of the World?–García Galería), Jose Diaz (Nec spe, nec metu -Galería The Goma), Santiago Giralda (Erebus –Moisés Pérez de Albéniz), Arturo Hernández (Sedimentary Color Wheel –José de la Fuente), Hisae Ikenaga (Tubular 1-Formato Comodo), Adrian Melis (Línea de Producción por excedente –ADN galería), Asier Mendizábal (Toma de Tierra, Vista de la instalación Installation View -Carreras Mugica), Carlos Motta (Seis actos: un experimento de justicia narrativa –Instituto de Visión) y Belén Rodríguez (Silkanplastic I –Josh Lilley). Todas sus obras estarán expuestas desde el 25 de febrero al 1 de marzo en ARCOmadrid.

Obra de Arturo Hernández, de la galería José de la Fuente. Imagen cortesía de Ron Barceló Imperial.

Obra de Arturo Hernández, de la galería José de la Fuente. Imagen cortesía de Selección Ron Barceló Imperial.

“Ha sido muy complicado llevar a cabo esta selección, existe mucho talento emergente en la actualidad y es necesario conocer la historia y el contexto que hay detrás de cada proyecto para poder entenderlo. Por ello, además de investigar cada artista y cada obra, me he dejado guiar por las sensaciones que me han transmitido cada una de ellas, utilizando la emotividad y la comprensión como criterios añadidos”, reconoce García-Alix.  Asimismo, afirma que la puesta en marcha de esta acción por parte de Ron Barceló Imperial “es positiva y muy necesaria”, ya que “supone un reconocimiento y un impulso para los creadores emergentes”.

Obra de , de la galería Carreras Múgica. Imagen cortesía de Selección Ron Barceló Imperial.

Obra de Asier Mendizabal, de la galería Carreras Múgica. Imagen cortesía de Selección Ron Barceló Imperial.

Las obras y biografías de los 10 artistas emergentes seleccionados por Alberto García-Alix quedarán plasmados en ‘Selección Ron Barceló Imperial de artistas emergentes por Alberto García-Alix’, una guía única que, acompañada de un mapa con la localización del stand de cada una de ellas, será distribuida por la organización de ARCOmadrid en los puntos de información y venta de entradas hasta el próximo 1 de marzo, ofreciéndose como un recorrido imprescindible para los asistentes a esta nueva cita con el arte.

Obra de Hisae Ikenaga, de la galería Comodo. Imagen cortesía de Selección ron Barceló Imperial.

Obra de Hisae Ikenaga, de la galería Formato Comodo. Imagen cortesía de Selección Ron Barceló Imperial.

Además de este proyecto, Ron Barceló Imperial refuerza su implicación con el arte en la 34ª edición de la feria de arte contemporáneo a través de la entrega del Premio Ron Barceló Imperial/ARCOmadrid, que en su segunda edición ha reconocido la exposición colectiva ‘The Apartment (Piloto’), de la Galería L21.

Obra de Xavier Arenós, de la galería Rosa Santos. Imagen cortesía de Selección Ron Barceló Imperial.

Obra de Xavier Arenós, de la galería Rosa Santos. Imagen cortesía de Selección Ron Barceló Imperial.

Obra de Adrian Melis, de ADN Galería. Imagen cortesía de Selección Ron Barceló Imperial.

Obra de Adrian Melis, de ADN Galería. Imagen cortesía de Selección Ron Barceló Imperial.

 

MIM selección

Mostra Internacional de MIM de Sueca
Diversos espacios de la localidad de Sueca. Valencia
Del 17 al 21 de septiembre, 2014

Una caja llena de bombones de artístico chocolate artesanal rellenos de risa y buen humor. Bombones de distintas formas y tamaños que dejan muy buen sabor de boca y que la próxima semana se podrán paladear de nuevo en Sueca, capital internacional del teatro del gesto.  Será en la edición especial de carácter conmemorativo y antológico: 25 años de MIMs, 25 años de grandes recuerdos. Lo mejor de cinco lustros concentrado en cinco intensos días de teatro en sala y al aire libre.

Con carácter evocativo se han vuelto a programar algunos de los espectáculos que a lo largo de su existencia destacaron y dejaron huella en el festival. Montajes que forman parte de su memoria, algunos todavía en cartel y otros repuestos y ampliados para la ocasión. Espectáculos que han pasado por prestigiosos escenarios, como el Teatro del Liceo de Barcelona, el Teatro Nacional de Cataluña, el Fringe Festival de Nueva York (USA), el Théâtre Nouvelle Génération de Lyon, el Theatre Antoine de París, el Minetta Lane de Nueva Cork o el Festival Humorologie de Bélgica.

Marco Carolei en el MIM de Sueca 2014. Imagen cortesía de la organización.

Marco Carolei en el MIM de Sueca. Imagen cortesía de la organización.

El mítico clown americano Avner Eisenberg ‘The eccentric’ y el divertido ’666′ de Yllana son algunos de estos bombones selectos que se podrán degustar. La compañía madrileña Yllana presenta también su último trabajo, ‘The Gagfather’, un homenaje al cine negro que viaja a los bajos fondos para reflexionar con humor sobre el bien y el mal.

Los espectadores podrán disfrutar del imaginativo ‘Ras!’, de la compañía suecana Maduixa Teatre y adentrarse en el género operístico a través del humor y la música a cappella de la compañía catalana Cor de Teatre y su Operetta.

Destacan también en esta edición especial ‘Los Bailes de escolta de la Mare de Déu’, interpretados por Els Tornejants de Sueca, un espectáculo de danzas guerreras medievales teatralizadas. Presentadas en la 15ª edición, fueron recuperadas como parte de la tradición de Sueca.

Cor de Teatre con su 'Operetta' en el MIM de Sueca. Foto: Sylvie Yeteryan.

Cor de Teatre con su ‘Operetta’ en el MIM de Sueca. Foto: Sylvie Yeteryan.

Actuaciones callejeras

En la programación a la intemperie se incluye ‘La guillotina de Marat/Sade’ de la joven compañía valenciana La Fam, con una estética muy personal. Los catalanes  Comediants,  el italiano Marco Carolei, la francesa Claire y La Bella Tour, con su  espectáculo del mismo nombre son algunos de los participantes en este ciclo.

También la compañía madrileña Hurycan, que aterriza por primera vez en la Comunidad Valenciana con dos piezas de danza: ‘Te odiero’ y ‘Je te haime’. Y la compañía vasca Teatro Salitre regresa con ‘Rico, rico, rico’, que triunfó en la 5ª edición del festival.

Circo Gran Fele en el MIM de Sueca. Foto: Kai Försterling.

Circo Gran Fele en el MIM de Sueca. Foto: Kai Försterling.

Compañías valencianas

Además de la celebración conmemorativa, el MIM de Sueca servirá como siempre de plataforma de promoción de las compañías valencianas. Entre ellas  Lucas Locus y su ‘Habitación 801′, evolución de una pieza breve y ‘La mente de Vicente’, reflexión sobre la locura. También el Circo Grande Fele, Premio Nacional de Circo del Ministerio de Cultura, que estrenará su último montaje ‘La mòmia’.

Por otra parte, la  exposición ’25 años de MIMos, de caricias y de recuerdos’, en la Sala Municipal de Exposiciones Els Porxets de Sueca, reúne muchos de los recuerdos que han jalonado la historia del festival.

La Bella Tour en el MIM de Sueca 2014. Imagen cortesía de la organización.

La Bella Tour en el MIM de Sueca. Imagen cortesía de la organización.

Bel Carrasco