Nueve galerías valencianas en ArteSantander

XXIII Feria ArteSantander
Palacio de Exposiciones y Congresos de Santander
Real Racing Club, 3. Santander
Del 26 al 30 de julio

ArteSantander 2014, edición que concluyó el pasado miércoles 30 de julio, mantuvo el formato que viene desarrollando durante las tres últimas ediciones, y que ha permitido no sólo mantenerse en estos tiempos tan complicados, si no que ha supuesto su consolidación como una feria con un perfil diferenciador.

Nelo Vinuesa con Espai Tactel en la feria ArteSantander.

Nelo Vinuesa con Espai Tactel en la feria ArteSantander.

Tal y como acordaron los responsables institucionales a propuesta del director de la feria, Juan González de Riancho, se trataba de mantener el concepto de feria de ‘Solo projects’, con 42 galerías participantes, pretendiendo por una parte contribuir a poner en valor el arte contemporáneo y, por otra, aprovechar la inercia que ha generado el curso organizado por la Asociación de Coleccionistas 9915 y el Instituto de Arte Contemporáneo, incluido en el del Programa 2014 de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP), que sobre coleccionismo de Arte Contemporáneo y mecenazgo, tuvo lugar en Santander, entre los días 28 y 30 de Julio.

Obra de Chema López. PazYComedias. Feria ArteSantander 2014.

Obra de Chema López. Galería Rosa Santos. Feria ArteSantander 2014.

Cabe recordar que en la pasada edición de la feria, se modificaron las fechas, para coincidir con este curso, y que la Asociación 9915 realizó su Junta Directiva en Santander, en esas mismas fechas. Dos datos que hablan por sí solos de la relación establecida, y que este verano se reforzó al máximo, para lograr que Santander fuera durante unos días la referencia en el sector del arte.

Galerías de Berlín, Oporto, Amberes y Trento aportaron el carácter internacional de una feria que contó con hasta nueve espacios de la Comunidad Valenciana: Área 72 / Punto, con el artista Ángel Massip; Cánem, con Irina Novarese; Coll Blanc,  con Dori & Grey; Espai Tactel, con Nelo Vinuesa; Espai Visor, con Hamish Fulton; Kir Royal, con Fernando Bayona; PazYComedias, con Ana Esteve Llorens; Rosa Santos, con Chema López, y Set Espai d’Art, con Rubén Tortosa.

PazYComedias con Ana Esteve en la feria ArteSantander 2014.

PazYComedias con Ana Esteve en la feria ArteSantander 2014.

De la propia Cantabria, participaron las galerías Espiral, con el artista Joaquín Cano; Estela Docal, con Nacho Zubelzu; Juan Silió, con Juan López; Nuble, con Ángela Cuadra, y Siboney, con Gorka Mohamed. Moisés Pérez Albéniz y La New Gallery, ambas madrileñas, contaron con obras de Santiago Giralda y Santiago Talavera, respectivamente. De las 42 restantes, cabe destacar la presencia de Addaya Centro de Arte Contemporáneo (Mallorca), con Jorge Fuembuena; AJG y Alarcón Criado, de Sevilla, con María García-Ibáñez y Mira Bernabeu, mientras que la bilbaína Espacio Marzana, se presentó con Abigail Lazkoz.

Obra de Rubén Tortosa. Set Espai d'Art en la feria ArteSantander.

Obra de Rubén Tortosa. Set Espai d’Art en la feria ArteSantander.

Santiago Talavera en La New Gallery

Santiago Talavera. Conmigo llevo todas las cosas

La New Gallery
C/ Carranza, 6. Madrid
Inauguración: 10 de septiembre de 2013, 20 h.

Santiago Talavera. Puedan tantas cimas no ser contadas. Acuarela, grafito, lápices de color y collage sobre papel. 180 x 152 cm. 2013. Imagen cortesía de La New Gallery

Santiago Talavera. Puedan tantas cimas no ser contadas. Acuarela, grafito, lápices de color y collage sobre papel. 180 x 152 cm. 2013. Imagen cortesía de La New Gallery

Algo se esconde ahí

En una catarsis de generosidad, Santiago Talavera traslada su estudio al espacio galerístico en esta muestra titulada Omnia mea mecum porto (Conmigo llevo todas las cosas), frase atribuida a Cicerón. El espectador se introduce así, literalmente, en la obra y observa el trabajo en el ámbito natural en el que ha sido creada. El artista se rebela contra la dictadura del aséptico cubo blanco de la galería y genera una nueva experiencia en el visitante haciéndole partícipe del proceso lento y progresivo del trabajo. El taller, ese lugar de creación íntimo, se nos presenta cubierto de revistas, recortes, libros o pinturas como material con el que compone sus obras. Un espacio de prueba y error, un laboratorio para experimentar que ahora pone a nuestro alcance y en el que comprobamos la obsesión por la acumulación y su capacidad para generar unas escenas dentro de otras, en una nueva lectura del método paranoico crítico y en un afán por reelaborar la bidimensionalidad de la imagen en un espacio tridimensional porque ahora estamos, no lo olvidemos, en un estudio.

Santiago Talavera. Turismo de interior. Grafito, acuarela, lápices de color y collage sobre papel. 180 x 152 cm. 2013. Imagen cortesía de La New Gallery

Santiago Talavera. Turismo de interior. Grafito, acuarela, lápices de color y collage sobre papel. 180 x 152 cm. 2013. Imagen cortesía de La New Gallery

La exposición se plantea como una extensión del lugar del que emana todo. Algo que ya rondaba desde hace años por la cabeza del artista porque su espacio de trabajo es, a su vez, una prolongación de sus propias obras -de pequeño y gran formato- donde las escenas surgen sin un planteamiento preconcebido. Extrañas y sugerentes composiciones de un virtuosismo y destreza técnica que se relacionan con los grandes maestros de la pintura. Cuadros en los que parece que algo está a punto de suceder o, por el contrario, ya ha ocurrido. De hecho hay algo de feroz bulimia por generar imágenes infinitas abarrotadas de objetos que evidencian la obsesión por el exceso y la acumulación. Paisajes realizados por capas, añadidos y repeticiones que asocian iconografías, aparentemente inconexas, a un barroco onírico y surgen con un minucioso detallismo bosquiano que, en realidad, esconden una paradójica meditación sobre la idea de paisaje contenido.

Santiago Talavera. Profecías de un desorden. Acuarela, grafito, lápices de color y collage sobre papel. 135 x 200 cm. 2013. Imagen cortesía de La New Gallery

Santiago Talavera. Profecías de un desorden. Acuarela, grafito, lápices de color y collage sobre papel. 135 x 200 cm. 2013. Imagen cortesía de La New Gallery

La pintura, el dibujo o el collage le sirven al artista para reconstruir el espacio e indagar las posibilidades de la ilusión óptica. La realidad es el punto de partida para la reconstrucción de su lenguaje donde la idea de tiempo como medida inalterable está presente en la mayoría de estas imágenes. Su obra es una construcción de metáforas visuales y poéticas sobre el presente a través de un paisaje que encierra un aparente caos. Escenas a punto de ebullición en las que se percibe un cambio inminente que culmina con esta muestra donde se descubren recovecos y detalles que pueden pasar inadvertidos.

El hecho de que Santiago Talavera desplace su estudio a la galería no es otra cosa que intentar despojarse de lo material, en un arranque de extrema sinceridad, para mostrar todo lo que forma parte no sólo de su proceso creativo sino también del entorno que lo acoge. Vaciar, ahora sí, su taller y comenzar a trabajar desde la nada. Contemplar el estudio como paisaje en sí mismo y hacernos cómplices de todo lo que lleva consigo.

Santiago Talavera. Todo lo que ves - El ingenio de la escalera. Grafito, acuarela, lápices de color y collage sobre papel. 135 x 250 cm. 2013. Imagen cortesía de La New Gallery

Santiago Talavera. Todo lo que ves – El ingenio de la escalera. Grafito, acuarela, lápices de color y collage sobre papel. 135 x 250 cm. 2013. Imagen cortesía de La New Gallery

Tania Pardo

Un fin del mundo que no llega

El décimo tramo
Anak&Monoperro
Elena Fernández Prada
Julia Mariscal
Ángel Masip
Txema Novelo
Álex Reynolds
Santiago Talavera

Lorena Muñoz-Alonso, comisaria

La New Gallery
C/ Carranza, 6. Madrid
Hasta el 27 de abril de 2013

Hace unos meses asistimos a un “fin del mundo” que nunca fue. ¿O sí? Quizá ese fin no es sino la sustitución progresiva de ciertos modelos económico-sociales y de los valores y las políticas que los sustentan. Tomando como punto de partida este final metafórico, los siete artistas participantes en esta exposición abordan los temas del apocalipsis y renacimiento –ejemplificados a través del símbolo del ave fénix–a través de trabajos en diversos medios (instalación, vídeo, dibujo y collage) que exploran la idea del fin como el comienzo de nueva etapa.

Ángel Masip. Escaparatismo salvaje, 2013. Imagen por cortesía del artista

Ángel Masip. Escaparatismo salvaje, 2013. Imagen por cortesía del artista

El dispositivo curatorial que une a los trabajos participantes se articula en torno a los tres conceptos iniciales que inspiraron esta exposición: el apocalipsis, el ave fénix y la ciencia ficción. Se ha querido así crear un espacio-temporal circular en el que, como espectadores, asistimos un final y a un principio, una catarsis seguida de una resurrección, partiendo de la idea de que para construir algo nuevo hace falta destruir lo anteriormente establecido. En este sentido, “El decimo tramo” habla de un caos que se resuelve en renovación y por ello habla de un futuro desconocido como algo positivo. Los procesos de crisis, transformación y precariedad, que se hacen eco de los sucesos socio-económicos actuales, se tratan en estas piezas de manera evocadora y quizá algo esotéricamente, pero entendiendo esa incertidumbre como algo lleno de potencial.

La exposición toma su título de la pieza de Anak & Monoperro “El decimo tramo” (2013), que consiste en una bandera está elaborada a mano, con distintos símbolos cosidos o bordados. Esta bandera es para sus autores un posicionamiento en el mundo y está acompañada de varias reproducciones de armas que representan los centros en los que se basa este renacer continuo: el centro emocional, centro intelectual, el sexual, y el centro material. La simbología del título es clara: diez es un numero que refiere a un término, a un final. Anak & Monoperro llaman décimo tramo a la última fase antes del apocalipsis, que entienden aquí como el acceso a la verdad al librarse de la ilusión. El diez es también el número de cuerpos que la tradición kundalini dice que tenemos y que necesitamos conocer y trabajar para acceder a otro nivel de conciencia. Por último, el diez en el tarot es la rueda de la fortuna que también es el final de un ciclo y el comienzo de uno nuevo.

Para Elena Fernández Prada, el origen de su óleo “Infierno” (2013) proviene de su fascinación por las imágenes de sucesos que desbordan la posibilidad de control del ser humano: catástrofes, incendios o inundaciones que aúnan la destrucción y la belleza al mismo tiempo, lo que nos lleva inevitablemente a la idea romántica de lo sublime. Tras ver el documental Lessons of Darkness (1992) de Werner Herzog, en la que se muestran unas explotaciones petrolíferas en Kuwait como un territorio desolado y oscuro con columnas de fuego y humo saliendo de la tierra, Fernández Prada empezó a reflexionar sobre lo infernal y a investigar sus múltiples representaciones en la pintura flamenca. Su re-interpretación y re-configuración aúna muchas de estas icónicas imágenes de la historia de la pintura, poniendo el acento en los paisajes desolados y en las arquitecturas fantásticas y absurdas que evocan una realidad alterada.

Julia Mariscal presentará la serie De ajeno a ajeno (2013), en la que prosigue su investigación de las texturas y los pliegues de materiales. Estos nuevos collages ofrecen desconcertantes yuxtaposiciones entre cuerpo y materia, entre lo orgánico y lo inorgánico. La artista aquí también muestra su interés por las nuevas formas femeninas presentes en ciertos personajes femeninos de ciencia ficción como Blade Runner.

La instalación “Preteenage Jesus” (2012) de Txema Novelo vincula temas religiosos con la iconografía del rock & roll a través de misticismo y esoterismo practicado por figuras como William Burroughs y Brion Gysin. En esta pieza, Novelo utiliza los títulos de canciones de Lydia Lunch, The Pastels y The Stone Roses de diferentes maneras para hablar la resurrección, representada en un Cristo adolescente y rockero.

El mediometraje “Spinario” (2012) de Alex Reynolds, por su parte, trata una narrativa propia de la ciencia ficción de una manera opaca y sugerente. En el film asistimos a los últimos días Clara en un misterioso trabajo en el que ha de asumir las identidades de diferentes personas para solucionar sus conflictos. Pero Clara parece desear vivir sus propias experiencias, por lo que su vida en el centro de entrenamiento parece acercarse a su fin.

“En la vida de anterior” (2011) de Santiago Talavera presenta un viaje al abismo. Un recorrido por un paisaje distópico que parece el producto de alguna desconocida catástrofe y que, visual y conceptualmente, se configura como un interminable bucle sobre si mismo (mise en abyme). El espectador nunca descubre qué ha pasado o qué puede pasar, pero queda suspendido bajo unas desconcertantes imágenes que hablan del poder estético y la belleza inherentes al fin, al evento definitivo.

Por último, Ángel Masip presenta una nueva instalación que responde a los temas de la exposición jugando con luces y materiales de deshecho y reconfigurando así el espacio expositivo.

Ángel Masip. Escaparatismo salvaje, 2013. Imagen por cortesía del artista

Ángel Masip. Escaparatismo salvaje, 2013. Imagen por cortesía del artista