Consuegra Romero gana el V Premio DKV Makma

V edición del Premio Nacional de Dibujo DKV MAKMA
Artista: Pilar Consuegra Romero (1982, Pozoblanco, Córdoba)
Proyecto: ‘LES AMOURS’

El proyecto de Pilar García de Consuegra Romero (nombre completo de la artista) es el escogido entre una excelente cantidad de propuestas que lo han puesto muy difícil al jurado.

En palabras de la artista, “LES AMOURS”, -que como indica la cabecera así se titula el proyecto seleccionado- “Parte de una investigación sobre la evolución del concepto de amor romántico y de sus efectos en la relación afectiva de las mujeres en la actualidad”, que para Consuegra Romero (nombre artístico) influye en la perdurabilidad de un sistema social que promueve la desigualdad entre diferentes sexos y que hoy está en crisis. Así, desde la práctica artística centrada en el dibujo, propone una comparativa entre el momento actual y otro tiempo de transformación, como lo fue el s. XVIII, con la entrada y afianzamiento de la subjetividad y la individualidad como motores del arte y de la vida, -manifiesta la artista-.

Uno de los dibujos presentados por Consuegra Romero en el proyecto ‘LES AMOURS’. Bolígrafo sobre papel, 2019.

“LES AMOURS” se formalizará entre los meses de diciembre del presente 2019, y febrero de 2020 en el MuVIM, mediante dibujos y una instalación en el Cubo exterior del citado Museo, instalación compuesta por una serie de dibujos de distintos tamaños, una pieza escultórica central y una pieza sonora.

Primera propuesta (sujeta a variaciones) de la instalación para El Cubo de El MuVIM aportada en el proyecto ‘LES AMOURS’ por Consuegra Romero.

Las fuentes visuales y teóricas del proyecto beben de diversos manantiales, comenzando por los cuentos infantiles tradicionales que “educan” a niños y niñas desde la infancia en la idea del amor. Relatos populares en los que para la artista se impone un modelo ideológico claramente definido que prepara a los niños y a las niñas para asumir un papel en el que el rol masculino es protagonista, emprendedor y activo, y el femenino es secundario.

Otro caudal del que bebe “LES AMOURS”  resultará familiar a cinéfilos: “Las amistades peligrosas” (Les Liaisons dangereuses, 1782), de Pierre Choderlos de Laclos, considerada una obra maestra de la literatura francesa del s. XVIII, y olvidada a lo largo de todo el s. XIX, antes de ser redescubierta a principios del s. XX y llevada a la gran pantalla por Stephen Frears (1988, con Glenn Close, John Malkovich, Michelle Pfeiffer y Keanu Reeves) y en la que se plantean contradicciones sociales en la afectividad que se vive fuera de las normas, y que Consuegra Romero lleva al análisis a través de cierta comparativa.

Este análisis del arte y las costumbres del siglo XVIII, es fruto de una investigación sobre las formas estéticas del Rococó en pintores como Boucher, Watteau, o Fragonard, aunque Consuegra Romero, tiene especial fascinación por la mirada melancólica de Jean-Antoine Watteau, con el que dialoga de una manera intuitiva por la teatralidad y poética del paisaje, de la que se sirve y siente inspirada desde hace tiempo.

Uno de los dibujos propuestos en el Proyecto ‘LES AMOURS’ por Consuegra Romero. Bolígrafo sobre papel, 2019.

De estos pintores del Rococó, absorbe la mirada de una sociedad decadente que se refugia en la sensualidad y en lo mundano, al tiempo que anticipa nuevas formas de relacionarse.

Así pues, el tarro del debate se abre para dejar expuestas dos cuestiones tan alejadas en tiempo y forma como convergentes: “Las relaciones peligrosas del Rococó” y “las relaciones en Redes Sociales”, el “Anarquismo relacional” y el “Poliamor”, con el que la ‘Modernidad Líquida’ de Bauman nos refleja.

Pilar Consuegra Romero entre trazos, en su estudio. Imagen cortesía de la artista.

No teniendo suficiente con esto, los dibujos –muchos de ellos trazados casi compulsivamente con un bolígrafo Bíc- abordan otros aspectos a comparar entre el s. XVIII y la actualidad, como lo son la diferencia de clases y privilegios existentes entre descontentos y poderosos del Antiguo Régimen o entre las grandes fortunas actuales, en contraste con la situación de los migrantes, aspecto este último, del que se ocupa y preocupa la obra de Consuegra Romero con intensidad.

Vicente Chambó

Fe de erratas

Makma ISSUE #02

Habla la leyenda de un personaje llamado Titivillus (o Tutivillus), un demonio que trabajaba en nombre de Satanás y cuya maldad provocaba primero errores en el trabajo de los escribas, y años más tarde en imprentas, autores y editores. Está claro que a este demonio no le gustaba que el pensamiento humano se pudiera custodiar sobre el papel, así que se dedicaba a robar palabras y letras con el fin de tergiversar significados, generar dudas, y crear confusión al lector, provocando a la vez trifulcas entre escritor, editor y transcriptor del texto. Cuanto más daño hiciera al mundo de las letras, más satisfactoria su malvada labor.

Titivillus, tatuaje. Imagen de archivo: Vicente Chambó

Destacan de él interpretaciones gráficas medievales muy características, identificándolo como un ser con zarpas de demonio en plena huída con un saco en la espalda repleto de “tipos” (letras) hurtadas de cualquier texto, o con un hatillo con libros en ristre dándose a la fuga.

Titivillus. Imagen cortesía www.h2g2.com

La primera referencia de sus fechorías está datada en 1285, concretamente en el Scrirptorium de Tractatus de Penitentia, de John Galensis (Juan de Gales), aunque con posterioridad, aparece en diferentes manuscritos con imágenes dignas de un Bestiario conforme a lo descrito. Tras el invento de Gutemberg, Titivillus traslada su campo de batalla a cualquier imprenta, importante o humilde, donde se le atribuyen todas las erratas detectables. Ya en el s. XX el autor e ilustrador Marc Drogin, señala en su manual Medieval Calligraphy: Its history and technique (1980, Allanheld, Osmun & Co. Publishers, Inc. y Abner Schram, Ltd.) lo siguiente:

 “Durante el último medio siglo, todas las ediciones del Oxford English Dictionary han incluido alguna referencia de página incorrecta con una primera mención a Titivillus a pie de página”.

Titivillus en plena huída. Imagen de archivo: Vicente Chambó.

Pero ni Cervantes, ni Lope, Quevedo o Góngora, se libraron tampoco de Titivillus en las respectivas ediciones de sus obras, sobre todo en las primeras, que son como es natural, las que más erratas contienen.

Ya más recientemente (2015), este legendario ser se convirtió en protagonista al dar nombre a la Revista Internacional sobre Libro Antiguo (prensas de la Universidad de Zaragoza) que no es otro que: Titivillus (ISSN-0915, 1 2015).

Montaje con MAKMA ISSUE #002 y revista Titivillus. Vicente Chambó 2019.

Así las cosas, aunque era impensable que la bestia hubiera desaparecido por completo, (se la creía más bien adormecida debido a la proliferación de lo digital) no podríamos habernos imaginado que Titivillus podría atacar a la revista MAKMA ISSUE #02. Pero lo hizo. Y se valió de la consecución de diversos hechos, como ocurre en los peores accidentes, aprovechando que estaba lanzada la fecha de la fiesta de aniversario MAKMA, con los invitados convocados, y todo en marcha para presentar la revista en papel, para cuya realización, maquetación e impresión, se disponía de un espacio de tiempo muy reducido.

Así Titivillus, debió perpetrar varios ataques sin ser descubierto. El primero con la intención de suprimir la firma de la fotógrafa con mayor presencia en el Palau de la Música (Valencia) en los últimos años, -un total de 25 según las palabras de la propia Eva Ripoll- para arrebatar su firma de la magnífica imagen de la página 81, y de la que MAKMA, da fe de errata en este artículo sobre el 250 aniversario de Bethoven a celebrar en el indicado Palau de La Música de Valencia en 2020.

Leila Josefowicz y Ramón Tebar. Palau de la Música, Valencia. Fotografía de Eva Ripoll cuyo pie de foto no aparece en ISSUE #02 MAKMA, Página 81

El trabajo de Eva Ripoll en fotografía es conocido y reconocido, pero no el de escultura, (Art i Natura, Dones Creadores. Casa de la Cultura, Alzira, Valencia). MAKMA, sigue buscando el momento de la cadena en el que se coló Titivillus para arrancar la firma de Eva Ripoll del pie de foto, precisamente, golpeando donde más duele a MAKMA, que es justo en el merecido reconocimiento a la propiedad intelectual y el respeto a los derechos de autor.

Pep Carreres, Eva Ripoll, Gloria Tello e Ivan Balaguer en la Exposición Art i Natura Dones Creadores. Fotografía Sales Prats

No conforme con esto, Titivillus comete otro ataque con saña en la página 43, (entrevista a Sara Joudí, realizada por Merche Medina, robando una “S” del titular que desapareció como por arte de magia). “Durante este tiempo hemos podido ganar la confianza de los coleccionistas” debería figurar en el texto de la entrevista a la gerente de la Galería Shiras (Valencia).

Titivillus devorando una ¨s¨. Página 43, Makma ISSUE #02. Fotografía: Vicente Chambó

En la página 94, último párrafo, 5ª línea, en lugar de ¨entre el anarquismo racional y el poliamor» debería leerse ¨entre el anarquismo relacional y el poliamor». Y en otro aspecto, es importante comentar que el papel escogido para imprimir el citado número MAKMA ISSUE #002 parece haber sufrido cambios en su morfología, al menos se ha detectado una menor capacidad de absorción, aunque mínima, y esto cambia sensiblemente algún matiz que puede ser imperceptible para la mayoría, pero nunca para un editor.

Sara Joudí, gerente de Galería Shiras. Fotografía de Archivo MAKMA.

Damos fe de estas erratas y errores, y solo nos queda el consuelo de que libros, revistas, sellos, y carteles míticos, se convirtieron en objeto de deseo por la presencia de este tipo de erratas, y cuanto más grandes mejor. Y precisamente por ser imperdonables los citados casos, en unos años ya se encargarán de darle valor al ejemplar de MAKMA ISSUE #002 coleccionistas de rarezas y casas de subastas. Ojalá el tiempo pueda resarcir a Eva Ripoll y Sara Joudí lo que el demonio de los errores les haya podido restar.

Con tantos siglos de leyenda, mencionar las fechorías de Titivillus y mantener viva la historia de sus andanzas nos ayudará a crecer con la humildad que exigen nuestros papeles.

Vicente Chambó

EL NEOPICTORIALISMO DE JOSÉ MANUEL BALLESTER

‘Bosques de luz’ de José Manuel Ballester
Fundación Bancaja
Plaza Tetuán 23, Valencia
Hasta el 23 de septiembre de 2018

Hasta la segunda decena del mes la aclamada fotografía pictórica del apremiado José Ballester se hace hueco en la Fundación Bancaja con ‘Bosques de luz’, una exposición comisariada por María de Corral y Lorena Martínez de Corral que plasma por medio de 21 obras la última década del artista madrileño a través del estudio del tiempo, la luz y el espacio; y como estos, en palabras de las mismas comisarias, “son testigos para justificar, registrar, matizar e interrogar la actualidad y el progreso”.

Fotografía del artista José Manuel Ballester, las comisarias María de Corral y Lorena Martínez de Corral, y el Presidente de la Fundación Bancaja Rafael Alcón. Imagen cedida por la revista 'Valencia City'.

Fotografía del artista José Manuel Ballester, las comisarias María de Corral y Lorena Martínez de Corral, y el Presidente de la Fundación Bancaja Rafael Alcón. Imagen cedida por la revista ‘Valencia City’.

‘Bosques de luz’ se dispone a través de temas tan utilizados y demandados como son el paisaje y los museos, además de una singular sección llamada “Los espacios ocultos”, donde presenta una relectura, libre de personajes, de la obra maestra renacentista ‘La Anunciación’ de Fray Angelico. Tal como señala María de Corral, “Ballester toma el espacio del Renacimiento para enseñarlo junto con el espacio actual” y, de esta forma, el artista despoja a la pieza de su historia y la vuelve a imprimir sobre lienzo para darle a la espacialidad un nuevo carácter teórico.

'Lugares para una Anunciación' de José Manuel Ballester. Imagen cortesía de la revista 'Economía 3'.

‘Lugares para una Anunciación’ de José Manuel Ballester. Imagen cortesía de la revista ‘Economía 3’.

Las obras paisajísticas destacan por temas urbanísticos, así como por la naturaleza y lo industrial, que se combinan entre sí capturando la geografía desde el corazón edificado de Asia, la gran China, hasta el salvaje e inhóspito pulmón amazónico brasileño, pasando por la progresiva industrialización que separa ambos planos, donde el propio artista destaca la mirada dual, pasada y futura, desde la que poder contemplarlas. De esta forma Ballester plasma la relación encontrada entre lo natural y lo artificial, al igual que entre la fotografía y la pintura, para presentarnos el choque de la experiencia urbana que confronta al individuo junto con la globalización.

De igual modo, los museos, presentados por medio de una serie de complejas fotografías, sitúan el espacio y la luz como los grandes protagonistas de estas, invitándonos a vaciar nuestros museos reales y memorísticos para plantear nuevos enfoques que sean capaces de abordar nuestro pasado y futuro. Además, Ballester incide sobre la idea de que ningún espacio es capaz de contener la auténtica esencia de la cultura, pues solo simbolizan una selección fragmentada y descontextualizada de esta que necesariamente ha de ser revisada para el desarrollo de nuevos planteamientos acordes con el tipo de sociedad y tecnologías actuales.

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Museo Arqueológico Nacional 18. Fotografía realizada por el propio artista.

Al igual que en el anterior apartado, la totalidad de la exposición queda singularizada por los grandes formatos y la carente presencia humana. Pues el artista, al parecer, siente una gran predilección por esos lugares abandonados, ocultos o derruidos donde la presencia directa se hace a un lado para destacar esa progresiva y desapercibida belleza camuflada de devenir y marginalidad. Todo gracias a un laborioso proceso que abarca desde el previo y minucioso estudio de documentación, composición y captura de la imagen, hasta la modificación e impresión digital directa que refuerza las texturas y colores por medio de novedosos soportes como son las cajas de luz, el metacrilato o el dibond.

Vista en altura desde la Ópera de Garnier. Obra llamada 'París desde Garnier'. Fotografía capturada por José Manuel Ballester.

Vista en altura desde la Ópera de Garnier. Obra llamada ‘París desde Garnier’. Fotografía capturada por José Manuel Ballester.

Los recursos visuales empleados por el artista en esta muestra cambian la posición del espectador frente al mundo exterior y frente a su propia memoria, lo confrontan metafóricamente frente a una realidad embellecida pero desolada, como espejo del recuerdo pasado y el momento venidero.

De la misma forma, el artista resume su obra en un intento de recoger todo lo que le ofrece la tecnología. Esta puesta en escena no trata solo de mostrarnos una estética directa, sino una representación de un nuevo arte que combina tradición y vanguardia por medio de fotografía digital y pintura. Tal como señala el propio Ballester: “Cuando comencé a estudiar el mundo de la fotografía digital descubrí el alejamiento que suponía la fotografía analógica respecto de la pintura. Con el nacimiento de la fotografía digital y sus posibilidades de manipulación, se producía un reencuentro con la forma de entender el proceso creativo muy afín a los procedimientos plásticos hasta ahora conocidos. Esta gran afinidad es la que ha creado un movimiento muy fuerte que me gusta nombrar «período neopictorialista»».

Imagen de.José Manuel Ballester, Premio Nacional en Fotografía, en la inauguración 'Bosques de luz'  en la Fundación Bancaja. Imagen de Irene Marsi.

Imagen de.José Manuel Ballester, Premio Nacional en Fotografía, en la inauguración ‘Bosques de luz’ en la Fundación Bancaja. Imagen de Irene Marsi.

Cristian Torada

FRESCURA PLÁSTICA EN ‘SUMMER ART TIME’

‘Summer Art Time’, de Javier Corral, Toya García, Eusebio López y Vicente Pla
Galería 9
Ciscar 7, Valencia
Hasta el 31 de julio de 2018

Para todos aquellos escépticos a la contemporaneidad artística, Galería 9 nos ofrece una fresca respuesta a través de su anual exposición colectiva ‘Summer Art Time’. Esta vez con la presentación de cuatro artistas: Javier Corral, Toya García, Eusebio López y Vicente Pla. Fotografía, digitalización, abstracción y figuración se unen para mostrarnos un nuevo saber que se sitúa en el paredón de la crítica y la opinión pública.

Dominando el tan desprestigiado y arriesgado arte de la fotografía y del diseño digital, Javier Corral presenta parte de su singular proyecto, ‘Residencial Hacinar’, por medio de ’46 Parabólicas’ y ‘Cemento y oro’. Sendas obras, realizadas a partir del estudio de la simetría geométrica y la pulcritud minimalista, pretenden mostrar al espectador una nueva y embellecida realidad desapercibida por todos a causa de la desenfrenada monotonía diaria. Corral, a través del encuadre, descontextualiza la realidad presente, limpiándola de forma gráfica, para presentarla como objeto de reflexión sobre el coetáneo momento. Tal como señala el artista, “mi obra surge de la realidad y a ella vuelve convertida en obra tangible para cerrar un círculo; un proceso de pared a pared, tras el viaje digital de pantalla en pantalla de cada fotografía”

Obra de la exposición ‘Cleantecture, de Javier Corral. Fotografía cortesía del artista.

Por otro lado, Toya García nos enseña su marcada figuración por medio de un extracto de su proyecto ‘Sinergias’. En él busca la interconexión entre distintas realidades. Toya dispone el lienzo como un nuevo universo, libre y vasto, donde crear sin límite alguno una narración abierta a múltiples interpretaciones, a acontecimientos simultáneos, que discurren al unísono entre sí reflejando una realidad multiforme y un tanto variopinta. Para ello establece una obra collage mediante formas finitas entre las que se encuentran siluetas humanas, animales, vegetales y mobiliario urbano, además de signos y símbolos geométricos, entre otros. De esta forma la artista realiza su obra a modo de puzle gráfico donde confluyen las distintas energías que nos rodean e invita a crear multitud de realidades por medio de ellas.

Fotografía del taller de Toya García. Imagen cedida por la artista.

Imagen del taller de Toya García. Fotografía cortesía de la artista.

De forma inversa, la controvertida abstracción lírica se deja influir levemente por la figuración de la mano del creador plástico Eusebio López. Manchas y líneas de colores se disponen hábilmente sobre un estudiado fondo que inmortaliza la armónica irradiación cromática deseada. Eusebio pretende sumergirnos en un lenguaje de expresividad que sitúe al espectador entre el etéreo mundo del artista y la realidad reconocible. Todo ello a través de la versatilidad de técnicas mixtas y experimentación cromática que generalmente aluden a sus grandes referentes pictóricos, como son Velázquez y Zurbarán –por medio de la gama de granates, ocres y negros– o al propio Miró, quien marca un saber hacer en su obra.

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Pieza de gran formato de Eusebio López. Imagen cortesía de Galería 9.

Al igual que Corral –y “cerrando el círculo”–, se nos presenta el discurso astral de Vicente Pla, un joven fotógrafo (cirujano de profesión) que parece mantener el pulso en ambas disciplinas. Su obra pretende capturar, a través del reflejo y la sombra, el encuadre y la composición, la idea platónica de lo inmanente y lo trascendente. Es decir, todo aquello que se encuentra entre la forma y la idea en un instante concreto que advierte sobre el resultado del devenir, pues sitúa al yo como consecuencia de un pasado, causa de un presente y el desenlace de un futuro tangible.

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Reflejo, extracto del proyecto ‘Transastral’ de Vicente Pla. Ilustración cortesía de Paula Pastor.

Bien es sabido que la contemporaneidad artística ha tenido que luchar desde su nacimiento por su propia legitimación social a causa de la fanfarronería de muchos y la creatividad de pocos. Sin embargo, el buen arte es aquel que no necesita de elogios, únicamente de formación, técnica y pericia suficientemente sólidas como para atraer al público, mostrándoles una visión diferente de sí mismos. Por lo que ‘Summer Art Time’ no es sino una representación de esto mismo, un colectivo de obras que esconden en su interior una belleza tanto en estudio como en forma.

Cristian Torada

Beca Fragments

Convocante: Unió de Periodistes Valencians
Dotación: 6.000€, y 7.000€ para producción
Modo de presentación: a través de e-mail
Plazo de admisión: hasta el 4 de noviembre

FRAGMENTS FA UN SALT QUALITATIU I ES CONVERTEIX EN UN PROJECTE CULTURAL INTEGRAL COMPOST PEL PROJECTE EXPOSITIU, LA COL·LECCIÓ FRAGMENTS I ACTIVITATS PER FOMENTAR EL PERIODISME GRÀFIC.
El projecte cultural de periodisme gràfic de la Unió de Periodistes Valencians, Fragments, ha convocat per primera vegada una beca de producció per elaborar la Col·lecció Fragments, un projecte editorial dedicat a l’assaig visual i orientat a investigar sobre la història contemporània de la Comunitat Valenciana.
Els candidats hauran de presentar, entre el dia 12 de setembre i el 4 de novembre, la producció del projecte que ha d’explicar, a través del llenguatge visual, les opinions i punts de vista del creador sobre un tema de lliure elecció relacionat amb la Comunitat. Podran usar-se els mitjans tècnics contemporanis com la fotografia, vídeo, multimèdia, suports digitals, intervencions o accions.
L’aspirant ha de ser capaç de dissenyar l’estratègia per a la producció de l’assaig i de coordinar als professionals necessaris per a dur-la a terme, sempre amb l’assessorament de la Unió de Periodistes Valencians. La decisió del jurat es farà pública el 18 de novembre, data en la qual començarà la fase de producció que durarà fins a la presentació de l’assaig final, el 18 de novembre de 2017.
L’autor disposa, per tant, d’un any per realitzar i produir l’assaig visual, amb una dotació econòmica en metàl·lic de 6.000 euros i amb un pressupost per a producció màxim de 7.000 euros. Els interessats han de presentar la seua proposta al correu electrònic beca@fragments.com i les bases completes es poden consultar a la web www.projectefragments.com.

Els interessats han de presentar la seua proposta al correu electrònic beca@projectefragments.com o emplenar el formulari que trobaran a la web www.projectefragments.com. on també es poden consultar les bases completes de la beca.

Podeu seguir tota l’evolució del projecte a les xarxes socials creades per a la seua difusió. Us animem a compartir aquesta informació per a donar a conéixer aquesta primera edició de la beca a un gran nombre d’interessats.

Twitter @proj_fragments
Facebook @projectefragments
Instagram @projectefragments
Youtube projecte fragments

La Unió de Periodistes Valencians, amb el compromís i patrocini de DKV Seguros i la col·laboració del MuVIM i de l’Àrea de Cultura de la Diputació de València, confien en Fragments per revalorar i dinamitzar el periodisme gràfic a la Comunitat Valenciana. Aquesta nova visió de Fragments pretén elevar els estàndards de qualitat del periodisme gràfic, facilitar a la ciutadania l’adopció d’una posició crítica enfront dels llenguatges visuals i intensificar la relació entre la societat civil i la comunitat periodística.
Institucions participants
Organitza: Unió de Periodistes Valencians
Patrocina: DKV Seguros
Col·labora: MuVIM (Àrea de Cultural de la Diputació de València)
i Centre del Carme (Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana)

Informació d’interés:
Beca de producció

·12 de setembre: s’obri termini de presentació
·4 de novembre: finalitza termini de presentació
·18 de novembre: decissió del jurat

Projecte cultural en el Centre del Carme

·Període expositiu: 19 de novembre a 29 de gener
·Espai Expositiu: Sala d’Exposicions Temporals (Centre del Carme)·Esdeveniment inaugural: 18 de novembre (horari per determinar)

Programa d’activitats

·Del 18 de novembre fins al 18 de decembre

Bases completas y más información

XVII PREMIO DE PINTURA UNIVERSIDAD DE MURCIA

Convocante: Universidad de Murcia, área de cultura
Dotación: 5.000 euros
Modo de presentación: envío de la obra
Plazo de admisión: del 1 al de febrero de 2017

XVII PREMIO DE PINTURA UNIVERSIDAD DE MURCIA
Queda convocado de acuerdo con las siguientes bases:
1. Participantes:
Podrá participar cualquier persona de forma individual o en grupo.
2. Requisitos de los trabajos:
No se admitirá más de una obra por persona o grupo, ni aquella que hubiera
obtenido galardón en otro certamen o concurso. El tema, técnica y tendencia artística serán
libres.
Las obras no podrán exceder de 200 cm. por cualquiera de sus lados mayores, ni
estar por debajo de 70 cm. por cualquiera de sus lados menores. Si alguna obra se
compusiera de partes diferentes (dípticos, trípticos, etc.) se computarán como dimensiones
máximas el conjunto de todas ellas.
No se admitirán obras protegidas con cristal.
3. Inscripción y documentación:
La obra se entregará sin firmar, debidamente etiquetada por su reverso, haciendo
constar en dicha etiqueta exclusivamente el título de la misma y la leyenda «XVII PREMIO
DE PINTURA UNIVERSIDAD DE MURCIA».
Se adjuntará un sobre cerrado con:
– El boletín de inscripción.
– Una fotocopia del D.N.I.
– Una fotografía en color de la obra presentada al concurso, en cuyo reverso ha de figurar el
título de la obra y el lema citado anteriormente.
– La autorización sobre derechos de autor cumplimentada y firmada.
La oficina receptora podrá rechazar cualquier obra que no se ajuste estrictamente a
lo establecido en las bases y expedirá los correspondientes justificantes de participación a
los artistas aceptados al concurso que servirán posteriormente para retirar las obras en
caso de no ser ganadores.
Cualquier gasto que ocasione el envío o retirada de las obras correrá por cuenta del
autor.
Las obras se presentarán personalmente o se enviarán a la siguiente dirección:
Aula de Artes Plásticas y Visuales. Servicio Cultura
Museo de la Universidad. C/. Cartagena, s/n.
(Antiguo Cuartel de Artillería, Pabellón nº 4) 30002 MURCIA
Más información en los teléfonos: 868 888 213/12 y 14 y 868 883 373 www.um.es/cultura –
cultura@um.es
4. Plazo:

El plazo para presentar las obras será del 1 hasta el 10 de febrero de 2017 en
horario de 9:00 a 14:00 h.
5. Jurado y Selección de obras:
El jurado estará compuesto por personalidades de reconocido prestigio en el ámbito
del arte y de la cultura.
El jurado llevará a cabo la selección de aquellas obras que por su calidad se
considere merecedora de figurar en la exposición del XVII Premio de Pintura Universidad
de Murcia, que se realizará en un espacio habilitado para ello que será oportunamente
publicitado. Para la promoción de la exposición se editará un catálogo digital de las obras
seleccionadas.
6. Premios:
Se establece un único premio dotado con 5.000 euros (CINCO MIL) y un diploma
para la obra ganadora, y dos menciones honoríficas reconocidas con un diploma. El premio
podrá ser declarado desierto y estará sujeto a las retenciones fiscales y disposiciones
vigentes que deban aplicarse.
7. Fallo:
El fallo del jurado será inapelable y se establecerá como mínimo la mayoría simple.
La entrega de los premios se realizará en la inauguración de la exposición de las obras
premiadas y seleccionadas. La obra ganadora quedará en propiedad de la Universidad de
Murcia para ser incorporada al fondo de arte de esta entidad.
8. Devolución de obras:
Las obras no premiadas deberán retirarse en el lugar que la Universidad (Servicio
Cultura) comunicará a los participantes, dentro de un plazo máximo de un mes natural
desde el día siguiente de la emisión el fallo del concurso; previa presentación del resguardo
acreditativo. Si la obra no se retira, se entenderá que el artista renuncia al derecho de
devolución. En este caso la Universidad de Murcia la incorporará a su patrimonio si así lo
estimase. Los gastos derivados de la devolución correrán a cargo de la persona interesada.
La Universidad no se hace responsable de los desperfectos que puedan sufrir las
obras desde su entrega hasta su devolución, si bien se extremará el cuidado en su
manipulación y conservación.
9. Política sobre Derechos de autor:
La concurrencia a la presente convocatoria comporta la condición de prestar
expresa autorización del autor, a favor de la Universidad de Murcia, para que ésta, por sí o
por medio de otros, efectúe las acciones de explotación de la obra que sean
proporcionadas a los fines de la acción y que supongan, en particular, reproducción,
distribución, comunicación pública u otra modalidad adecuada de explotación de la obra
mediante su inserción, en el caso de ser seleccionada para ello, en la Exposición Premio de
Pintura Universidad de Murcia, y por medio de su inclusión en el catálogo de la exposición
que pudiera editarse con fines promocionales, cualquiera que sea la forma escogida para
su distribución.
La eventual extensión de las acciones de explotación a otras modalidades distintas
de las señaladas requerirá la previa y expresa autorización del autor o autora.
En atención a los objetivos de promoción cultural de la actividad y a su finalidad no
lucrativa, la autorización se ha de conferir sin devengo de cargo o contraprestación. A tal
fin, el autor habrá de realizar, en su caso, las acciones precisas ante terceros con quienes
pudiera haber concertado la cesión total o parcial de sus derechos sobre la obra, con la
finalidad de excluir a ésta del ámbito de la cesión y recuperar la plena disponibilidad de los
derechos de explotación sobre la misma.
En ausencia de la expresa autorización en las condiciones referidas, la obra no será
admitida a concurso.
10. Base final:
La participación en este premio implica la plena aceptación de las presentes bases y
cualquier cuestión o duda que pueda surgir de su interpretación será resuelta según los
criterios del Vicerrectorado de Comunicación y Cultura de la Universidad de Murcia.

Más información y bases completas

XIX Premio de Pintura Fundación Mainel

Convocante: Fundación Mainel
Dotación: 3.000 euros y 10 menciones de honor
Modo de presentación: envió de la obra
Plazo de admisión: hasta el 3 de junio de 2016

La Fundación Mainel convoca la XIX edición de su Premio Nacional de Pintura para jóvenes artistas. Este Premio constituye una de la actividades con más reconocimiento de la Fundación, principalmente por su prestigioso jurado y por llevar ya 19 años en funcionamiento.

Las obras podrán presentarse en la sede de Valencia de la Fundación (Porta de la Mar 6, 8) desde el lunes 30 de mayo hasta el viernes 3 de junio. La dotación para el ganador será de 3.000 euros y también se concederán 10 menciones de honor. Las 11 obras participarán en una exposición y se recogerán en el catálogo del Premio. Además, gracias a la colaboración con Galeria9, los galardonados serán invitados a participar en una exposición colectiva de carácter comercial, que tendrá lugar en otoño de 2016.

Pueden participar todos aquellos artistas nacidos después del 31 de diciembre de 1980, cualquiera que sea su nacionalidad. Cada participante podrá presentar sólo una obra, de dimensiones no superiores a 150 x150 cm., que irá firmada. El tema será de libre elección, así como los soportes y materiales empleados. La obra podrá entregarse con o sin marco, pero sin cristal.

El jurado de esta edición estará compuesto por Román de la Calle, Catedrático de Estética y Teoría del Arte, Universitat de València; Manuel Martínez Torán, profesor de Diseño de la Universidad Politécnica de Valencia; Amparo Puig, codirectora de Galería9; Horacio Silva, artista plástico; Alicia Ventura, coordinadora de ARTERIA DKV y directora del programa cuidArt, y Jorge Sebastián, profesor de Historia del Arte, Universitat de València, que actuará como secretario.

El fallo –que será inapelable– se hará público el viernes 10 de junio en esta página web.

Bases

1// Pueden participar todos aquellos artistas nacidos después del 31.XII.1980, cualquiera que sea su nacionalidad.
2// Cada participante podrá presentar sólo una obra, que irá firmada, con dimensiones no superiores a 150×150 cm. y 20 kg. de peso máximo. El título de la obra, sus dimensiones y técnica deberán constar en el boletín de inscripción.
3// El tema será de libre elección, así como los soportes y materiales empleados. La obra podrá entregarse con o sin marco, pero sin cristal.
4// La recepción de obra se realizará en la sede de la Fundación Mainel (Plaza Porta de la Mar, 6, 2o, 8a, 46004 Valencia), del lunes 30 de mayo al viernes 3 de junio, de 10 a 13’30 h.
5// Junto con la obra se presentará un breve curriculum, el boletín de inscripción y resguardo debidamente rellenados, una fotocopia del DNI y una fotografía en color de la obra.
6// Se concederá un único premio de 3.000€, y 10 menciones honoríficas que aparecerán junto con la obra ganadora en el catálogo que se editará posteriormente. El premio estará sujeto a retención fiscal, de acuerdo con lo establecido por la ley. El ganador no podrá concursar en sucesivas ediciones.
7// Lo importante del Premio de Pintura Fundación Mainel no es su dotación económica. Pretendemos que lo sea su jurado, formado anualmente por personalidades del mundo del arte y especialistas en esta materia; la publicación de un catálogo y la exposición en la sede de la Fundación de las obras premiadas.
8// El jurado de esta edición estará compuesto por Román de la Calle, Catedrático de Estética y Teoría del Arte, Universitat de València; Manuel Martínez Torán, profesor de Diseño de la Universidad Politécnica de Valencia; Amparo Puig, codirectora de Galería9; Horacio Silva, artista plástico; Alicia Ventura, coordinadora de ARTERIA DKV y directora del programa cuidArt; Jorge Sebastián, profesor de Historia del Arte, Universitat de València, que actuará como secretario. El fallo – que será inapelable– se hará público el viernes 10 de junio en la página web de la Fundación Mainel.
9// La entrega del premio y las menciones de honor tendrá lugar el jueves 23 de junio a las 20 h., en acto público, en la sede de la Fundación Mainel. La no asistencia del artista ganador del premio supone la renuncia al mismo, quedando igualmente la obra premiada en propiedad de la Fundación Mainel.
10// La exposición de las obras galardonadas estará abierta en la propia Fundación del 24 de junio al 8 de julio, de lunes a viernes, de 10 a 14 horas y de 16.30 a 20 horas.
11// La obra premiada quedará en propiedad de la Fundación Mainel, que será titular no exclusivo de todos los derechos alienables sobre la misma; entre otros, los de reproducción, distribución y comunicación pública.
12// Las obras no premiadas deberán ser retiradas de la Fundación Mainel, del lunes 13 al viernes 17 de junio, dentro del mismo horario señalado para la entrega. Expirado ese periodo, la Fundación Mainel entenderá que el autor renuncia a su recogida, y dispondrá de las obras del modo que estime conveniente.
13// La participación en el premio implica el permiso de los autores a la Fundación Mainel para reproducir, por cualesquiera medios y con duración indefinida, las imágenes de las obras presentadas a concurso, facilitando así su publicación y difusión.
14// La institución organizadora no se responsabilizará de los posibles desperfectos, pérdidas, etc., siendo por cuenta del autor de la obra los daños que por cualquier causa pudiera sufrir la misma durante el tiempo que permanezca en la sede de la Fundación Mainel, así como los gastos de embalajes y envío, tanto de ida como de vuelta.
15// La participación en el XIX Premio de Pintura Fundación Mainel 2016 implica la plena aceptación de estas bases.
16// El boletín de inscripción y las bases se encuentran en www.mainel.org. Ante cualquier duda, contacte con la Fundación Mainel.
17// El artista ganador y los 10 seleccionados con mención de honor serán invitados a participar en una exposición colectiva, de carácter comercial, en Galería9 de Valencia, para el otoño de 2016.

Más información y bases completas
Imagen de portada: Vicent Ricós, galardonado en la pasada edición, durante la entrega del premio.

Historia natural, la colección infinita

Nuria Rodríguez, Historia natural, la colección infinita
Sala de la Muralla, Col·legi Major Rector Peset, Universitat de València
Plaza Horno de San Nicolás, 4. Valencia
Hasta el 20 de marzo de 2016

La figura del coleccionista viene de la mano de Nuria Rodríguez, la artista que se presenta como una recolectora de imágenes, objetos y demás curiosidades que ella transforma y recontextualiza buscando un diálogo constante que nos conduce a la práctica pictórica.

En la exposición encontraremos todo un muestrario, mediante el montaje de vitrinas y cajas, se reconstruye el ambiente del estudio a través de materiales de trabajos, páginas de álbumes -que han sido clasificados por fechas-, bocetos pintados y objetos encontrados. Todo ello, junto a audiovisuales que ayudan a dinamizar la finalidad de exhibir el proceso creativo de trabajo manteniendo en el espectador una continua curiosidad e interés frente a la cotidianidad de las cosas más triviales.

Dichos encuentros más casuales e improvisados, nos trae una pequeña reminiscencia hacia las láminas científicas de la Encyclopèdie de Diderot y d’Alembert,donde podíamos ver la mezcla entre imagen y texto con un juego de significados abiertos. Tal y como se ve en las obras La clave de los sueños Invierno 1573.

Para Nuria Rodríguez la pintura se consigue mediante diversas fases intuitivas, donde el color, la mancha o el efecto de la broca, da lugar a una fase más reflexiva donde surge verdaderamente el relato, es decir, la narración de diversos elementos contradictorios que interrogan a su vez al espectador asombrado.

Este mapamundi de lo imposible propone pues, una reflexión sobre nuestros modos de ver, y remenea nuestra concepción del mundo ortogónico, poniendo en cuestión el cómo guardamos y ordenamos las cosas para entender dicho mundo. El homenaje hacia una figura que nos ha servido de fuente de cocimiento hasta la actualidad, tratándose de Plinio el Viejo, con su Naturalis historia que trajo mecanismos que nos han ayudado a dar forma a nuestra arqueología de la memoria: diccionarios, enciclopedias, catálogos, inventarios, muestrarios, listados…

Tras sus últimas exposiciones individuales en las galerías Cuatro de Valencia (El desorden de las cosas [Pensar, mirar, pintar], abril-mayo de 2014) y Estampa de Madrid (Historia Natural [tomo XXIII], octubre-noviembre de 2015), Nuria Rodríguez redondea con ésta su proyecto pictórico, con la mezcla de objetos, libros, vídeos, imágenes que llevan a una catarsis total que no despega la mirada del espectador.

Esta artista, es además docente -profesora Titular en la Universitat Politècnica de València. Doctora en Bellas Artes- y titulada en Diseño Industrial por la Escuela Superior de Diseño de Valencia.

Su labor se centra en la práctica de la pintura que entiende como un proceso de ensamblaje entre imágenes preexistentes de cualquier naturaleza, recontextualizadas en situaciones inexistentes y escenarios plagado de ingredientes distintos con variados signficados. Ha realizado varias exposiciones individuales “Historia Natural [tomo XXIII]”, (2015),“El desorden de las cosas. [Pensar, mirar, pintar],” (2014), “Álbum, Atlas, cuadernos de notas,” (2010). Participa en la muestra itinerante “La presencia y la figura” , organizada por el Consorcio de Museos y en la muestra internacional “Trazos urbanos”. También ha expuesto sus proyectos en otras muestras colectivas e internacionales (España, Argentina, Francia, Brasil, Italia, EEUU, México y Taiwán).

Comisaria de la primera muestra interactiva “Pensar con las manos. Isidro Ferrer & Pep Carrió” en 2013 desarrollada por Unit experimental, equipo investigador multidisciplinar, especializado en Realidad aumentada aplicada a eventos culturales del que es directora. Esta exposición ha sido seleccionada por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte para realizar una itinerancia internacional por EEUU (Centro de Cultura Española de Miami, galería Artisphere en Washington y el Instituto Cervantes en Chicago). La muestra se presentó en el Museo ABC del Dibujo y la Ilustración en Madrid y en la Facultad de Bellas Artes de Valencia.

Autora del ensayo “Los textos de la mujer artista durante las primeras vanguardias (1900-1945)” en la editorial Institució Alfons el Magnànim que se centra en la recuperación de la memoria de la mujer artista a través de sus escritos.

Ejecución en efigie de Chema López

Ejecución en efigie de Chema López
Galería Paula Alonso
Hasta el 28 de marzo de 2015

«Oye, Havermeyer, ¿tengo moscas en los ojos?»,  pregunta Appleby. «¿Roscas?», se sorprende Havermeyer.  «No, moscas»,le corrige Appleby. «¿Moscas?», vuelve a parpadear Havermeyer. «Sí, en los ojos», insiste Appleby. «Debes de estar loco», le responde el otro. «No, no estoy loco. El que está loco es Yossarian. Sencillamente dime  si tengo o no moscas en los ojos. Vamos. No voy a  desmayarme del susto»,le ruega Appleby.

– Patricio Pron

Menino de Chema López

Menino de Chema López. Cortesía del artista.

La galería Paula Alonso presenta por primera vez una muestra individual del artista Chema López, bajo el título «Ejecución en efigie», y en ella, el artista se acerca a la violencia de la imagen, a la pulsión entre la representación y el significante –lo real-.

La obra reflexiona sobre la construcción de lo ideológico basado en el principio de reversibilidad entre el bien y el mal y su propia legitimación del poder.
López demuestra que no hay nada «despejado» en nuestra mirada, que mirar una imagen es ya, por sí mismo, participar en unas relaciones de poder específicas y en un régimenescópico determinado, así como una cita; o, mejor dicho, una actividad que se presta a la cita, que convoca (al modo de los «fantasmas» que presidían su última exhibición en Valencia, en 2014) presencias, una serie de ecos en los que el espectador puede indagar para asumir la actitud de alerta y de sospecha que están implícitas en la idea de una estética de la resistencia.

El límite de Chema López

El límite de Chema López. Cortesía del artista.

La poética del negro, como así lo llama Carlos Delgado Mayordomo en “Chema López y la estrategia del robo visible en toda su producción se asocia a la idea de lo obscuro y del miedo, es en Ejecución en efigie donde el mal como representación del poder toma forma a través de la hoguera, fuego que condena al hombre en ausencia su representación como sustituto.

En Ejecución en efigie se acerca a la dualidad (ambigüedad) del arte y no solo nos obliga a construir una narración paralela, sino que nos apela a quitarnos las moscas de los ojos.

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Doctor por la Universidad Politécnica de Valencia (premio extraordinario de tesis doctoral 2002) y Profesor Contratado del Departamento de Pintura de la Facultad de Bellas Artes. Habitual de la feria ARCO desde 1999, también ha participado en las feries internacionales de arte contemporáneo Art Basel (Suiza), Art Cologne (Alemania), Zona Maco (México) y Volta (Suiza). Desde 1991 ha realizado casi una treintena de exposiciones individuales, entre las que destacan Pensar mal (2001, Fundació Espais d’Art Contemporani, Girona), La triste mirada de Mr. Arkadín (Contemporánea Centro de Arte, Granada), Sobre héroes y tumbas (2010, galería Valle Ortí, Valencia).
Recientemente ha realizado en FRancia su primera exposición individual a nivel internacional Black Soul Choir (2012, Fundación ACMDCM, Perpignan). Tiene obra en el Museo de ARte Conemporánea de Vitoria ARTIUM y e el Centro Atlántico de Arte Moderno en las Palmas de Gran Canaria (CAAM), entre otras instituciones y fundaciones de prestigio.

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Autoretrato de Ada con extra de Chema Lopez. Cortesía del artista.