Naro Pinosa y la alquimia de las imágenes

“Planta 14”
Espacio IKB 191
Calle Arganzuela, 18, Madrid.
Hasta finales de abril de 2019

A veces incómoda, en ocasiones magnética, sin duda adictiva, así es la obra de Naro Pinosa. El artista ilicitano se ha granjeado una más que reconocida popularidad en las redes y, desde hace algún tiempo, viene transformando los paradigmas del arte, al menos del que se encuentra en el museo más pequeño y visitado hoy, la pantalla de nuestro smartphone. Con más de 33,8 mil seguidores, se posiciona en el podio de los artistas que, como él, abordan el fotomontaje digital. Creando interesantes collages para las redes, sus obras fluctúan entre las reminiscencias compositivas de Braque o Picasso y la sátira inherente a las piezas de Duchamp o George Groz, de las cuales son totalmente herederas. Rostros fracturados y metamorfoseados en poemas visuales que hacen de la obra de Naro Pinosa un caleidoscopio hipnótico en el que perderse.

Este laureado artista, que ya ha participado en eventos culturales como el Festival de Cine de Tribeca, cuenta con una copiosa producción artística presente tanto en publicaciones internacionales, como en los decorados de películas como “Kiki, el amor se hace” de Paco León.

Hoy, los fotomontajes de Naro se dan cita con los diseños que alberga el Espacio IKB 191 de Madrid. Por primera vez, y hasta finales de abril, podremos disfrutar en formato físico de las controvertidas relecturas del artista ilicitano que, junto con el mobiliario del siglo XX, genera magníficos diálogos entre obra y espacio.

Conjunción perfecta entre las obras de Naro Pinosa y el espacio expositivo. Imagen cortesía de IKB 191.

Conjunción perfecta entre las obras de Naro Pinosa y el espacio expositivo. Imagen cortesía de IKB 191.

Su retórica visual juega con la poesía de las imágenes para crear collages en los que el Pop Art se funde con Caravaggio o Bernini. Porno, sensualidad y arte al servicio del espectador, que a través de su obra digital vertida de manera diaria en Instagram, puede perderse en las imbricadas asociaciones del artista. Fundiendo imagen y sonido  en sus stories de Instagram, consigue crear una Gesamtkunstwerk o obra total de carácter efímero en la cual la ironía, el humor y la provocación se unen a las melodías de Pavarotti, Miguel Bosé o Mina.

Imbuido por un proceso alquímico, propio de la corriente reapropiacionista del arte actual, no hay retablo ni lienzo que se libre de la afilada mirada de Naro. Madonnas renacentistas y cristos barrocos son releídos bajo una óptica sadomasoquista, en la cual las filias del inconsciente semejan mirarse al espejo.

David Bowie como Jesucristo, obra de Naro Pinosa. Imagen cortesía de IKB 191.

David Bowie como Jesucristo, obra de Naro Pinosa. Imagen cortesía de IKB 191.

En el mundo onírico surgido de la mente de este compositor visual, confluyen el porno duro y el arte clásico. Al adentrarnos en las combinaciones de aquello a priori opuesto, descubrimos los rostros de artistas musicales, más que conocidos, conviviendo con las miradas de un Vladímir Putin sodomizado o un Francisco Franco homoerotizado. Algunos personajes pertenecientes a nuestra más remota infancia, como La bella durmiente o La Cenicienta, abandonan los mochos y las ruecas para apropiarse de los dildos, corsés y lubricantes que Naro Pinosa ha dispuesto de manera brillante junto a ellas.

Aurora metamorfoseada por Naro Pinosa para la exposición "Planta 14". Imagen cortesía de IKB 191.

Aurora metamorfoseada por Naro Pinosa para la exposición «Planta 14». Imagen cortesía de IKB 191.

No todo es sodomía, porno y parafilia en el fotomontaje de este artista emergente, entre sus composiciones podemos encontrar una retórica visual menos subversiva, más cercana a la poesía en la que las asociaciones formales entre las imágenes consiguen despertar los sentidos del espectador haciendo que visibilice sensaciones como la de suavidad o la humedad. Flores, frutas y animales configuran ricas metáforas visuales en las que se puede sentir el rocío caer sobre una rosa.

Si pasar por el Espacio IKB 191 de Madrid ya es una visita obligatoria, seguir a este prolijo artista digital en las redes se torna algo totalmente necesario. Dejar entrar a Naro Pinosa en tu smartphone supone abandonarte al deleite de los poemas visuales surgidos de las cualidades retóricas inherentes a las imágenes para terminar por realizar un ejercicio de reformulación que nos permite mirar y repensar el arte.

Andrés Herraiz Llavador

Blancanieves metamorfoseada por Naro Pinosa para la exposición "Planta 14". Imagen cortesía de IKB 191

Blancanieves metamorfoseada por Naro Pinosa para la exposición «Planta 14». Imagen cortesía de IKB 191

 

Contra la desaparición del arte en secundaria

Second Round. Arte y lucha en los institutos valencianos
Sala Acadèmia
Centre Cultural La Nau
C / Universitat, 2. Valencia
Hasta el 16 de octubre de 2016

La Universitat de València acoge en la Sala Acadèmia del Centre Cultural La Nau la exposición ‘Second Round. Arte y lucha en los institutos valencianos’, un proyecto que reivindica los estudios de educación artística en la secundaria, con la implicación de 12 centros valencianos y la Universitat de València.

Comisariada por Ricard Huerta, profesor de la Universitat de València y coordinador de CREARI Grupo de Investigación en Pedagogías Culturales, la exposición exhibe 120 obras elaboradas por los 12 institutos de educación secundaria que han participado en el proyecto: IES Lluís Vives, IES Juan de Garay e IES Benlliure, de Valencia; IES Clot del Moro, de Sagunt; IES L’Estació, de Ontinyent; IES Laurona, de Llíria; IES Tirant lo Blanch, de Torrent; IES Número 1, de Requena; IES Josep de Ribera, de Xàtiva; IES Ausiàs March, de Manises; IES Sanchis Guarner, de Silla; e IES María Enríquez, de Gandia.

‘Second Round’ es un proyecto académico que arrancó el curso pasado con la colaboración de los vicerrectorados de Participación y Proyección Territorial, con la producción e itinerancia de una muestra compuesta por 21 paneles explicativos; de Políticas de Formación y Calidad Educativa, con la organización de ciclos de conferencias que reunieron a centenares de alumnos en los diferentes centros educativos; y de Cultura e Igualdad, que acoge la exposición ‘Second Round. Arte y lucha en los institutos valencianos’.

Second Round. Joan Llorca. Imagen cortesía de los organizadores.

Second Round. Imagen cortesía de los organizadores.

La muestra, que se podrá visitar hasta el próximo día 16 de octubre, aglutina todas las manifestaciones artísticas a través de 120 piezas realizadas por el alumnado de secundaria, exalumnos de los centros participantes y profesorado, entre ellas, dibujo, pintura, instalación, escultura, poesía visual y ‘performance’.

“Este es el resultado de un proyecto que parte con la idea de visibilizar los estudios de creación artística en la etapa secundaria, después de detectar que estos tienden a su desaparición. Lo que queremos con ‘Second Round’, desde la Universitat y con la implicación de los institutos valencianos, es apoyar la educación artística ante esta situación salvaje y extrema”, explica Ricard Huerta.

Y parece que la visibilización ha sido uno de los logros, pues han trabajado en el proyecto miles de personas entre estudiantes, exalumnos y profesorado; la muestra itinerante ha recorrido 12 institutos de una decena de municipios del territorio valenciano; e incluso ha promovido el nacimiento de la Asociación Valenciana de Profesorado de Dibujo (AVPD).

La exposición ‘Second Round’ que se puede visitar en La Nau se divide en dos partes tituladas ‘El cuerpo’ y ‘El alma’, que describen dos líneas de trabajo: una primera, que ofrece representaciones del cuerpo humano a través de dibujos y pinturas, y una segunda, que se hace cargo de geometrías y mapas que reflejan las esencias más conceptuales, respectivamente. Según señala el comisario, este relato se relaciona con la formación del profesorado de Dibujo procedente de las especialidades de Bellas Artes y de Arquitectura.

‘Second Round’ se convierte así “en referente de una temática poco tratada hasta ahora: la actividad artística en los centros de secundaria valencianos, y sirve para reflexionar sobre aquello que queremos realmente para el futuro de la educación artística”, apunta Huerta, quien apuesta por la investigación como clave de futuro. En este sentido, anuncia que, a partir de ahora, el proyecto ‘Second Round’ se centrará, con el apoyo de la Universitat de València, en el impulso de la investigación académica a través de una red en línea con la que se creará un espacio común de debate entre las personas, instituciones, organizaciones y agentes afectados e implicados en la enseñanza de la creación artística.

Second Round. Imagen cortesía de los organizadores.

Second Round. Imagen cortesía de los organizadores.

Así, ‘Second Round. Arte y lucha en los institutos valencianos’ se configura como un proyecto de investigación académica y de innovación educativa, impulsado por el Instituto de Creatividad e Innovaciones Educativas de la Universitat de València, que ha empezado ya a generar investigaciones (tesis doctorales, TFM del Máster de Profesorado de Secundaria o artículos en revistas especializadas) sobre la temática del impacto de las actividades artísticas en los centros de secundaria valencianos en las últimas décadas. Y, en la actualidad, ya ha comenzado a prepararse una web con las incorporaciones más remarcables del proyecto de innovación educativa.

Coloquios Second Round en La Nau

En la exposición de La Nau, además, se proyectará un vídeo recopilatorio de lo que ha sido la actividad artística y su repercusión educativa en los institutos, un audiovisual dirigido por Emilio Martí que se presentará oficialmente y en abierto, con el título ‘Second Round Movie – Líneas’, el 14 de octubre, a las 19.50 horas, en el marco del ciclo académico ‘Col·loquis Second Round a La Nau’, que tendrá lugar en la Sala Gonzalo Montiel los próximos días 13 y 14.

 

Razón visual de Eddie (J.Bermúdez)

‘re/poet.s’, exposición de collage visuales de Eddie (J.Bermúdez)
Ca la Mar
Justo Vilar 19, Valencia
Del jueves 11 de frebrero al 10 de marzo de 2016

‘collage’
(voz fr.) m. colage.
“Se designa con el término de collage a la técnica pictórica que se basa en pegar, ya sea sobre un lienzo o una tabla, fragmentos de diversos materiales, los cuales tendrán la finalidad de comunicar un mensaje artístico.”

En el principio fue el Libro.

'TODESFUGE GISÈLE', de Eddie (J.Bermúdez). Imagen cortesía del artista.

‘TODESFUGE GISÈLE’, de Eddie (J.Bermúdez). Imagen cortesía del artista.

De ahí parte la obra de Eddie (J.Bermúdez): desde las partes rasgadas de libros antiguos, reunidas sobre la madera para prender en un nuevo significado.

Ésta es la base, el principio, el océano donde se dispondrán las primeras voces del primitivo homo sappiens. Sonidos guturales ancestrales, cabalísticos sentidos amputados al viento para pacer en la tabla mo(n)strándonos nuevos significados.

Construcciones sonoras en las que sólo el valor estético de la letra, las sílabas, las onomatopeyas son tomadas en cuenta sobre lo horizontal, esto es, el lienzo-base impregnado de la huella de la imprenta. Sonoras porque el poeta rumano Isidore Isou, creador del Letrismo, y Raoul Haussmann (quién patentó en 1935 la máquina Optofón para realizar poemas optofonéticos ya que convertía las imágenes en sonidos) las hubiesen interpretado tanto desde lo estético como desde lo áspero, tanto desde el ojo como desde la garganta, tanto desde la quietud como desde la desgarradura.

'EL PESANERVIOS II', de Eddie (J.Bermúdez). Imagen cortesía del artista.

‘EL PESANERVIOS II’, de Eddie (J.Bermúdez). Imagen cortesía del artista.

La obra de Eddie (J.Bermúdez) no excluye su otra sombra textual, es por ello que donde hubo letra habrá significado, donde hubo/hay letra hay/habrá una nueva representación pictórico con valor estético. Desde las hojas marchitas de ediciones desechadas se reconstruye un nuevo gólem, unas veces acercándose a lo casi figurativo, otras no pudiendo emerger de la necesidad de ser sólo letra/palabra/razón/motivo/balbuceo/expresión del más auténtico aullido desde el arte.

Ha formado parte de colectivos de mail-art y poesía visual en las ciudades de Barcelona y Tarragona, como el Taller del Sol (dirigido por César Reglero). Su obra ha sido expuesta por estas ciudades, así como en su localidad actual, Valencia, donde combina la coordinación de distintas jams poéticas, festivales de literatura, así como ciclos críticos de poesía (Poétikas Al Margen) mientras explora nuevas experimentaciones dentro del campo de lo visual versus textual.

Sus poemas visuales han sido antologados (‘POESÍA VISUAL ESPAÑOLA [ANTOLOGÍA INCOMPLETA]’, Ed. Calambur, 2007). en distintas publicaciones sobre poesía visiva, y utilizados como ejemplo en diferentes ponencias sobre el tema para universidades europeas, e instituciones gubernamentales, como el Instituto Cervantes.

Recientemente una obra de la serie de OPTOFONÉTIKAS ha sido seleccionada, junto con once poetas visuales en los XXIV Premios Otoño Villa de Chiva.

'OPTOFONETIKA SIN TÍTULO 32', de Eddie (J.Bermúdez). Imagen cortesía del artista.

‘OPTOFONETIKA SIN TÍTULO 32’, de Eddie (J.Bermúdez). Imagen cortesía del artista.

 

Los Silencios Frágiles de Bartolomé Ferrando

Bartolomé Ferrando, Silencios Frágiles
Galería Freijo
C/General Castaños 7, nº1 izq. Madrid
Inauguración: 4 de febrero, 19 h.
Hasta el 19 de marzo de 2016

Bartolomé Ferrando hace protagonista la palabra escrita y hablada en su exposición, rindiendo con ello un homenaje a Eugen Gomrringer –padre de la poesía concreta, y autor de dicho término–. Así pues, éste se convierte en el eje principal de su piezas plásticas y del accionismo.

Esta exposición individual, consigue rendir tributo al poeta mediante un site specific ejecutado con cristales rotos. Recorremos su obra, mostrando maquetas originales de TEXTO POÉTICO, además de sus poemas-objetos desde los años 80 hasta la actualidad.

Fotografía cortesía de la FREIJO GALLERY

Bartolomé Ferrando. Cortesía de Freijo Gallery.

Este valenciano, actualmente coordinador de la revista de poesía experimental Texto poético y profesor titular de performance y arte intermedia en la Facultat de Bellas Artes de Valencia, se mantiene activo en el panorama artístico mediante diversas exposiciones como ésta.

Destaca su actividad en diversos Festivales celebrados en Europa, Canadá,México, EEUU, Japón, Corea, Vietnam, Singapur, Israel, R. Dominicana, Argentina, Venezuela y Chile. Su poesía visual y concreta planteadas a lo largo de ciudades españolas, italianas y francesas destacan, así como su participación en grupos como Flatus Vocis Trío, Taller de Música Mundana y Rojo, SIC y 3 i no res, dedicados al desarrollo de prácticas creativas situadas a medio camino entre la música, la poesía y el arte de acción.

Además de Texto Poético publica el ensayo Hacia una poesía del hacer y el libro teórico La mirada móvil, diversas grabaciones en MC, LP y CD y varios vídeos de performance.

Cortesía de la GALERÍA FEIJO.

Bartolomé Ferrando. Cortesía de Freijo Gallery.

Saltos mortales, volteretas, humor y…Split

Split, de Colectivo Circo 9.8
Sala Ultramar
C / Alzira, 9. Valencia
Sábado 26 y domingo 27 de diciembre, 2015, a las 18.00h

Risas, dos gemelos que no se parecen en nada pero se empeñan en ser idénticos, saltos mortales, volteretas, demostraciones de fuerza, más risas… Split continúa una semana más con dos únicas funciones los días 26 y 27, a las 18 horas. Para la sala Ultramar: “El circo es una tradición en estas fechas y hay circos de muchos tipos, el que ofrece Colectivo circo 9.8 está hecho para ser visto de cerca y con la boca abierta”.

En este sentido, la Sala Ultramar ha iniciado ya una campaña de precios populares para poder acercar a nuevos públicos que abarcará el ciclo Petit Ultramar. “Todas las entradas para el ciclo tienen un precio único de 7 euros frente a los 10 que cobramos habitualmente, la idea es que las familias puedan venir al completo y disfrutar de una actividad que está pensada para ellos.”

Split. Imagen cortesía de Sala Ultramar.

Split. Imagen cortesía de Sala Ultramar.

Split, que ya ha cosechado éxitos en otros festivales y ediciones, se presenta renovada con nuevas caras y cambio de nombre. Las entradas ya están a la venta y pueden conseguirse a través de la página web de la sala, en el apartado reservas (www.salaultramar.com/reservas) y en los canales de venta de www.atrapalo.com

En Split, Jordi y Silvia son dos hermanos gemelos de una familia atípica; de apariencia muy distintos, pero totalmente iguales. Nadie diría que son gemelos, pero ellos se empeñan en demostrar todo lo contrario…Y claro, ¿Quién se atreve a negárselo? Ni sus padres lo intentan. Es más, ¡les animan! Jordi y Silvia, Silvia y Jordi, los gemelos perfectos. ¿Notáis alguna diferencia?

Volcán azul. Imagen cortesía de Sala Ultramar.

Volcán azul. Imagen cortesía de Sala Ultramar.

Volcán azul, que estará en Ultramar los días 2 y 3 de enero (12.00h), es un espectáculo para la primera infancia (0-4años), una pieza de teatro próximo, sin texto, donde el sonido, el gesto, los objetos y la poesía visual, viajan juntos para descubrir la mirada del niño.

Volcán despierta del sueño y recorre el mundo. Un viaje fantástico donde la magia de las pequeñas cosas, la epopeya de la vida, se transforma en poema escénico.

La mirada del niño. Las primeras sílabas, fonemas. Mover un dedo. Mantener el equilibrio. Aprender a andar.  Abrir los ojos para el encuentro.

Escena de 'Split'. Imagen cortesía de Sala Ultramar.

Escena de ‘Split’. Imagen cortesía de Sala Ultramar.

Isidro Ferrer y su poesía de lo banal

Naturaleza nómada, de Isidro Ferrer
Set Espai d’Art
Plaza Miracle del Mocadoret, 4. Valencia
Hasta el 12 de junio

‘Naturaleza Nómada’ es la primera exposición individual en Set Espai d’Art de Isidro Ferrer (Madrid, 1963). Ilustrador y diseñador por devoción, actúa con la realidad de manera parecida a la máquina de hacer versos que imaginó el machadiano Juan de Mairena: por un lado entra el mundo, por otro sale la poesía. Se puede pensar que allí dentro se alberga uno de los grandes estómagos del planeta.

Obra de Isidro Ferrer. Imagen cortesía de Set Espai d'Art.

Obra de su serie Cuaderno de Vacaciones, de Isidro Ferrer. Cortesía de Set Espai d’Art.

Isidro es un creador de poesía visual, en sus trabajos las imágenes juegan con distintos sentidos, plantea una mirada sorprendida hacia lo cotidiano para descubrirnos fragmentos de la realidad muy familiares y reconocibles para todos, al tiempo que intensamente extraños.
‘Naturaleza nómada’ es un juego, que partiendo de formas azarosas recuperadas de piezas creadas con un fin utilitario o decorativo, pero en cualquier caso inservibles, pretende a partir de la manipulación mínima antropomorfizar lo abstracto y dotar de carácter humano a lo banal.

Obra de Isidro Ferrer. Cortesía de Set Espai d'Art.

Obra de Isidro Ferrer. Cortesía de Set Espai d’Art.

Junto a ‘Naturaleza nómada’ presentamos ‘Funny farm’ creada para Luzifer y que es una colección que nace del mismo juego de traslación de la forma abstracta a la concreta intentando usar el mínimo número de elementos posibles para que aparezca lo sugerido.
Isidro Ferrer es premio Nacional de Diseño (2002), Premio Nacional de ilustración (2006), y desde el año 2000 es miembro de la Alianza Gráfica Internacional (AGI).

Naturaleza nómada, de Isidro Ferrer. Imagen cortesía de Set Espai d'Art.

Naturaleza nómada, de Isidro Ferrer. Imagen cortesía de Set Espai d’Art.

Deontologismos poéticos: David Trashumante

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Aproximarse a la figura de David Trashumante -heterónimo de David Moreno Hernández- (Logroño, 1978) supone merodear la figura de un vate multidisciplinar y pro-activamente escénico, cuyos vestigios se emparentan inexcusablemente con cada extremidad/eslabón y exudación geográfico-letrada del microcosmos poético durante las dos últimas décadas.

"Bajo Presiones" (2014). Poema visual. Imagen cortesía de David Trashumante.

«Bajo Presiones» (2014). Poema visual. Imagen cortesía de David Trashumante.

Gestor de plaquetas y fanzines, creador de poesía visual, colaborador en revistas literarias, cortometrajista, coordinador de eventos culturales, ganador de los últimos Slam poetry Madrid y SLAM VLC, así como finalista del IV Poetry Slam Nacional celebrado en Mallorca, el presente curso literario viene a consolidar su volcánica e incesante actividad de lustros a través de dos publicaciones que le sitúan en el horizonte de los ineludibles: “Tacto de texto” (Ediciones del 4 de agosto, 2014) y “El amor de los peces” (Unaria Ediciones, 2014).

En estos instantes coordina el área de poesía de “INTRAMURS. Festival per l’art a València”, bajo la dirección artística de Salvia Ferrer, que tendrá lugar del 7 al 16 de noviembre en el epicentro histórico de la ciudad, alojado entre murallas extintas, con el objetivo de promocionar el arte contemporáneo fraguado en las entrañas de su perímetro.

Cartel de la I Edición de INTRAMURS. Festival per 'lart a València.

Cartel de la I Edición de INTRAMURS. Festival per ‘lart a València.

¿Cuál es el concepto y objetivos que peculiarizan a INTRAMURS?

Intramurs intenta visibilizar el tejido social y cultural de una zona de la ciudad profundamente gentrificada: Ciutat Vella. Sobre todo quiere demostrar que todavía quedan vecinos y vecinas que hacen ciudad entre la marabunta de turistas.

Con esa energía nace INTRAMURS, energía por otra parte apoyada muy lateralmente por las instituciones gubernamentales. Podemos decir que es un festival autogestionado donde el aporte desinteresado de artistas y gestores culturales y los micropatrocinios de los bares, restaurantes y comercios de la zona, lo posibilitan. En este sentido, y a título personal, quiero evidenciar el calamitoso estado de las políticas culturales de la ciudad y la falta de visión de todos los agentes que la conforman, cegados en los grandes eventos y en lo mediático. La realidad es que Intramurs demuestra que con un poco de empeño podrían tener una ciudad llena de arte y cultura y fomentar un turismo de más calidad que el que nos visita, basado en el alcohol y la noche.

Lo más particular de INTRAMURS, por no desviarme de tu pregunta, es su vocación para  la acción, las actuaciones en directo, poesía, música, performance, intervenciones… van a ser lo predominante y, en su mayoría, en la calle. Queremos una ciudad para la gente y no sólo para los gerentes de lo público y sus intereses asociados. Una Ciudad Vella espontánea y viva, como fue antaño.

Imagen de portada de "Tacto de Texto". Imagen cortesía de David Trashumante.

Portada de «Tacto de Texto». Imagen cortesía de David Trashumante.

Acercándonos con inmediatez a tus más reciente publicación, ¿qué elementos trascienden a la aliteración oclusiva del título «Tacto de Texto»?

Para mi la poesía es comunicación. Una vía entre el/la que lee, ve, toca, oye y el/la poeta que emite. Necesarios ambos a partes iguales para que el acto de la poesía tenga sentido pleno. Por ello, este poemario, tan coquetamente editado por Ediciones del 4 de Agosto, intenta jugar con el lector/a a través de la poesía discursiva, concreta, visual, interactiva y video-poética, siguiendo la estela de maestros como Joan Brossa y su “Tentetieso” o compañeros como Peru Saizprez.

Pero, ante todo, es una llamada al encuentro y a la reivindicación y la denuncia social con planteamientos lúdico-críticos. Un intento de tocamientos, textualmente hablando.

Portada de "El amor de los peces". Imagen cortesía de David Trashumante.

Portada de «El amor de los peces». Imagen cortesía de David Trashumante.

Retomando tu publicación precedente, «El amor de los peces» -prácticamente agotada su primera edición-, ¿cómo surge esa idea prosopopéyica de vincular la naturaleza acuática con el amor?

El amor, entendido desde los convencionalismos sociales, es rígido, tiende a encarnar esteriotipos, a mi entender, excesivamente simplistas. Tiende a exacerbar el amor de pareja y a extrañarse con cualquier otra clase de amor. Por tanto, congela algo que en realidad es el fluido, que rebosa por los vasos comunicantes que nos unen a todos los seres humanos.

Abolido el concepto cristiano de pecado original, en realidad, todos y todas hemos venido a aprender a amar sin complejos, puros. He ahí quizás un posible sentido de la vida (uno hermoso como mínimo). Un sentido que no siempre alcanzamos a ver, perdidos como estamos, ahogados en medio del agua, sin saber que en lo que nos estamos ahogando es en la propia esencia adaptable, por ende multiforme, abundante y cálida agua del amor.

Por eso me vino una imagen recurrente. Seres humanos como cardúmenes de peces, diminutos en una inmensidad que nos supera, que se cruzan, se enamoran y se olvidan incesantemente. Este distanciamiento simbólico del fluir amoroso me permitió proponer un pequeño inventario de amores, basados en mi propia experiencia y reconociendo de antemano que hay tantos tipos de amores como peces en el mar, que convierten al libro -tan amorosamente editado por Amelia Díaz Benlliure y su editorial Unaria- en un poemario de amor inclusivo. Un poemario meditativo de lo amoroso que me ha reportado muchas alegrías en los recitales con las personas, ya que hemos reído, llorado, nos hemos mecido juntos y juntas en el undivagar de sus versos. Vamos, que me he sentido como pez en el agua.

Poema visual "Instrucciones". Imagen cortesía de David Trashumante.

«Instrucciones» (2006). Poema visual. Imagen cortesía de David Trashumante.

Respecto de tu venidero poemario, ¿cuáles son, a grandes rasgos, los pilares de su contenido?

La muerte. Del Eros me he pasado al Tánatos. “A viva muerte”, que sale en la editorial canaria Baile del Sol en enero, ha sido un libro duro de escribir. Un intento por enfrentarme a mi miedo profundo a la muerte, sin solución de continuidad, claro. Un darme una y otra vez contra el gran muro. El libro enfoca la muerte desde la propia experiencia simulada de la expiración, física y emocional y, a través de diversos registros estilísticos, intento que cualquiera que lo lea pueda trasladarse a ese instante final.

También hay apartados donde expongo la muerte desde su concepción política, cultural y social. Hay espacio para la denuncia, el debate y también, cómo no, la ironía y el sarcasmo. Un poemario de muchas caras pero que todas terminan en el mismo punto. Un “libro espiral”, como lo ha calificado Dionisio Cañas.

Además nace muerto, porque todo libro, y más con los tiempos que manejamos en el mundo editorial, desde que entregas el manuscrito hasta que lo publican, al ser impreso muere para la experiencia del poeta. Y como tal difunto cuenta con sus exequias textuales. Contiene a modo de prólogo un Libro de Firmas dónde poetas cómo Raúl Zurita, Ángel Guinda, Antonio Orihuela, David Benedicte, Alberto García Teresa, Ana Pérez Cañamares, Pedro Verdejo y el propio Dionisio han escrito sus “condolencias”; un panegírico del gran poeta de la imposibilidad, Eddie (J. Bermúdez) y un epitafio del maestro Enrique Falcón.

Un libro repleto de dignos/as plañideros/as que espero tenga su nicho de mercado en todas las cementerio-librerías del país. Al menos, creo que el formato va a ser económico.

www.davidtrashumante.blogspot.com

www.rtve.es/alacarta/videos/la-aventura-del-saber/aventura-del-saber-boek-visual-davidtrashumante/2570818/

http://intramurs.org/es/inicio/

Jose Ramón Alarcón

 

 

 

 

 

 

Lucía Peiró clausura el Festival Miradas de Mujeres

Lucía Peiró: Habitación cerrada de mi memoria
Jardín Botánico
C / Quart , 80. Valencia
Pasillo principal del jardín exterior
Viernes, 28 de marzo de 2014
Comienzo de la maniobra a las 17:30 h.

El Jardín Botánico de la Universitat de València acoge el cierre del Festival Miradas de Mujeres en la ciudad, un festival que este año ha contado con una gran participación artística e institucional. Donde lo que se ha pretendido es dar visibilidad al papel y al trabajo de las mujeres en las artes visuales, desde todos los ámbitos y facetas.

De la mano de la artista Lucía Peiró, quién presentará una nueva performance Habitación cerrada de mi memoria, una maniobra de larga duración (comenzará sobre las 17:30 h y finalizará sobre las 19:00 h)
Como toda performance, contiene un efecto de sorpresa que permite la interactuación entre la artista y el espectador, aquí una pista de lo que pretende transmitir Lucía Peiró en esta maniobra en directo:

Llorar o no llorar, esa es la cuestión
Pensar o no pensar, esa es la cuestión
Llamar o no llamar, esa es la cuestión
Ceder o no ceder, esa es la cuestión
Decir o no decir, esa es la cuestión
Juzgar o no juzgar, esa es la cuestión
Recordar o no recordar, esa es la cuestión
Sentir o no sentir, esa es la cuestión

Lucía es una artista plástica interdisciplinaria, a la que le interesan las intervenciones del espacio, los objetos y su propio cuerpo. Licenciada en Bellas Artes en la Facultad de San Carlos (Universidad Politécnica de Valencia), su obra se centra en el arte interdisciplinario y de acción, la poesía visual, las intervenciones y las maniobras artísticas, además de la pintura. También su trabajo ha pasado por festivales, Centros de Arte y Museos en España, Francia, Canadá, EEUU, Alemania y Finlandia.

Fotografía de una performance llevada a cabo por Lucía Peiró en el Jardín Botánico (2013). Imagen cortesía de la artista.

Fotografía de una performance llevada a cabo por Lucía Peiró en el Jardín Botánico (2013). Imagen cortesía de la artista.

Poesía visual de Bartomeu Ferrando

Pensamientos sin piel
Bartomeu Ferrando

Galería Weber-Lutgen
C/Fray Diego de Cádiz, 9b, Sevilla
Hasta el 9 de octubre de 2013

El pasado martes 10 de septiembre se inauguró esta exposición de Bartomeu Ferrando, en la que el artista hizo dos performances de aproximadamente 5 minutos: ‘A Sevilla’ y ‘Poema fonético acompañado’, que fueron transmitidas en directo por internet mediante la plataforma Livestream, en la que todavía están disponibles los vídeos.

'Música afilada', 1996. Poema objeto. Obra de Bartomeu Ferrando para 'Pensamientos sin piel'. Imagen cortesía de Weber-Lutgen.

‘Música afilada’, 1996. Poema objeto. Obra de Bartomeu Ferrando para ‘Pensamientos sin piel’. Imagen cortesía de Weber-Lutgen.

Dorle Schimmer. «LA NINFA»

Galería Kessler- Battaglia

Pasaje Giner 2, (Plaza de la Reina)

Valencia

Hasta el 17 de febrero de 2013

La instalación La ninfa es una creación de Dorle Schimmer (Mannheim-Alemania, 1961), con la colaboración de Carlos Molina (artista visual y diseñador de luces) y Eugeni Gregori (investigador). Schimmer, está afincada en España desde 1985, desde donde dibuja, escribe y en general trabaja de forma conceptual. Su obra está relacionada con la poesía visual, y en su trabajo es habitual ver manuscritos realizados por ella misma  a modo de los cuadernos escritos en la infancia. En sus trabajos se aprecia una caligrafía dulce y cargada de nostalgia. Precisamente, en esta puesta en escena de objetos-expuestos, se percibe una fuerte relación entre recuerdos de la infancia y acontecimientos actuales. Con su intervención, la galería se convierte en espacio para meditar y dejarse llevar por el tiempo. El contenido está inspirado en un poema fragmentario de Friedrich Hölderlin (1770 -1843) poeta alemán que aborda la relación del exilio y del lenguaje. La propuesta está construida a partir de la recopilación de voces. Palabras de gente del pasado y gente del presente. Entrevistas con niños y entrevistas con gente mayor. Estos mismos entrevistados escriben palabra por palabra un fragmento del proyecto poético Mnemnosyne /La ninfa en pizarras de pequeñas dimensiones. A partir de este montaje, los visitantes de la galería, combinando estas palabras escritas en las pizarras, pueden hacer sus propias composiciones, escuchando las voces del tiempo.

Kessler-Battaglia (2)