Plazo de admisión: hasta el 23 de noviembre de 2019
Bases XXV PREMIO DE PINTURA “CIUTAT D’ALGEMESÍ”
Se establece un premio de 6.000 euros que será indivisible y se podrá declarar desierto.
El jurado se reserva el derecho a sugerir la adquisición de más obras, en calidad de accesitos. A este efecto, regirá la valoración económica de la obra, que presentará el autor junto a la documentación que se le solicita más abajo.
Será condición indispensable que las obras presentadas sean únicas y originales y que no hayan sido premiadas con dotación económica en ningún otro concurso. El tema y la técnica serán totalmente libres y no se admitirán trabajos protegidos con vidrios o realizados con materiales cuyo transporte y manipulación presenten un riesgo para la integridad de la obra.
Cada autor podrá presentar un máximo de dos obras, las medidas de las cuales no serán inferiores a 100 cm ni superiores a 200 cm por cada lado. Las obras no deben ir firmadas.
La obra premiada pasará a ser propiedad exclusiva del Ayuntamiento de Algemesí, el cual, como propietario, podrá reproducirla siempre que lo considere necesario en cualquier tipo de apoyo o técnica (fotografía, litografía, grabado, etc.). Las obras se presentarán en el registro telemático que habilitará el Ayuntamiento a la página web: http://premipintura.algemesi.net. La resolución mínima será de 3 megapíxeles y el tamaño máximo del archivo de 5MB y en formato .jpg. Se indicarán los datos de la obra y del autor (del autor: nombre y apellidos, DNI, dirección y teléfono; de la obra: título, año, técnica y medidas). El plazo de admisión de las obras en formato digital será del 28 de octubre al 23 de noviembre de 2019 a las 13 horas. El jurado no conocerá el nombre de los autores de las obras hasta haber emitido su veredicto definitivo. Una vez analizadas las obras enviadas en este formato, el jurado realizará una primera selección de 30 obras y convocará a los seleccionados para que realicen el envío físico de las obras. Los concursantes seleccionados podrán entregar las obras personalmente, debidamente embaladas, o por agencia mediante portes pagados con embalaje de cartón o caja de madera a la dirección siguiente: Sala de Exposiciones Municipal Casino Lliberal C/ Muntanya, 24 46680 Algemesí Gestor: Álex Villar – exposicions@algemesi.net Los concursantes seleccionados aportarán un currículum, una fotocopia del DNI o pasaporte, que entregarán cuando registren las obras; y un sobre acotado con el nombre del autor, el título de la obra y su valoración económica. El jurado, la composición del cual se dará a conocer en su momento, realizará una selección de las obras finalistas entre las que se determinará la ganadora. Además, se elaborará un catálogo con todas ellas y se organizará una exposición. Por ello, los participantes cederán el derecho de reproducción de las obras para el catálogo que editará el Ayuntamiento y prestarán la obra seleccionada para la exposición, que tendrá lugar entre los meses de enero a marzo de 2020. Además, se comprometen a no recogerla hasta el final de la muestra. Los listados de seleccionados, el veredicto y la fecha del acto oficial de entrega de los premios se harán públicos en la web municipal del Ayuntamiento de Algemesí www.algemesi.es. Las obras presentadas y no seleccionadas podrán ser retiradas a partir de los 15 días posteriores a la publicación del veredicto del jurado. Lo podrá hacer el autor o una persona autorizada, personalmente, entregando el justificante de registro sellado en el momento de entrega de la obra. Transcurridos 30 días desde la publicación del veredicto, si no se recoge se entenderá que el autor renuncia a su propiedad y quedará al poder del Ayuntamiento. La entidad organizadora devolverá las obras seleccionadas para la exposición por el mismo sistema de embalaje en que las recibió. El Ayuntamiento velará por la conservación de las obras inscritas, pero no se responsabiliza de los desperfectos y las pérdidas que se ocasionen por transporte, robo, incendio, etc. mientras estén en su poder. El Ayuntamiento se reserva el derecho a realizar las modificaciones pertinentes en estas bases siempre que considere que puede contribuir a un mejor desarrollo y al éxito del certamen. La participación en este premio supone la aceptación íntegra de estas bases. Las decisiones tomadas por el comité de admisión y por el jurado serán inapelables.
Imagen de portada: «Museum Hall II (Purple)», 2017, de Pedro Peña Gil. Técnica mixta, serigrafía con tintas UVI y resina epoxi pigmentada sobre madera lacada, 180 x 180 cm, primer premio en la pasada edición
XXII Mostra art públic / universitat pública del 30 de septiembre al 31 de octubre de 2019 Campus de Burjassot
Organiza: Servei d’Informació d’Estudiants de la Universitat de València Colabora: Vicerrectorado de Cultura y Deportes de la UV Comisariada por Alba Braza
Artistas:
Salva Serrano Valentina Lapolla M.I.D.A.S. (Iván Albalate i David Trujillo) Raquel Planas Díaz de Ceiro Anja Krakowski Äther Studio (Audrey Lingstuyl i Michael Urrea)
Otro
año más el campus de Burjassot de la UV vuelve a ser un lugar de
experimentación y producción de arte contemporáneo. Desde su primera
edición, Mostra art públic / universitat pública, ha querido
mostrar cómo el espacio público puede generar nuevas capas de contenido a
la obras una vez estas establecen un diálogo con el contexto. Se suma
desde hace dos ediciones un nivel más de información en cada trabajo,
una vinculación con la ciencia que no sólo potencie discursos abordados
desde el campo de la crítica y teoría actual, sino que refuerce la
calidad y coherencia entre el proceso de producción e imagen final de la
obra.
Para
ello, la convocatoria invita a las artistas a producir mirando al
entorno en el que se situará cada obra, dando un paso más desde lo
físico y formal para abarcar las inquietudes y prácticas propias de las
ciencias. Además, se ha puesto en marcha en esta nueva edición un curso
dirigido a formar a un grupo de estudiantes reforzando una de las líneas
de trabajo del SEDI, formar al estudiantado en otras materias más allá
de las específicas de los estudios matriculados.
Salva Serrano, Herbes algorítmiques
En este edición se ubican dos obras en el espacio exterior, dos en el Museo de Historia Natural de la UV y otras dos en dependencias de la universidad, y se ofrece con ello un recorrido que abarca obras que van desde lo digital a lo natural.
En el jardín exterior del Centro de Investigación se sitúa Herbes algorítmiques,
de Salva Serrano. Se trata de una instalación que busca homenajear la
larga tradición científica y artística de inspiración en las plantas, a
partir de la construcción de un jardín artificial formado por siete
especies vegetales generadas computacionalmente mediante el empleo de
algoritmos recursivos (L-Systems) y la aplicación de proporciones
geométricas (Regla de Leonardo). El proyecto explora la arborescencia
como lugar de encuentro entre arte y ciencia, desdibujando la frontera
entre estos dos campos y cuestionando las caducas dicotomías
natural/artificial, orgánico/digital y naturaleza/cultura. El nombre de
la obra hace referencia a la Cátedra de Herbes de la Universitat de
València, vinculada a la fundación del Jardí Botànic y una de las más
antiguas de la institución.
Äther Studio, Oscuridad visible
También en la zona exterior del campus, Äther Studio propone Oscuridad visible,
una instalación compuesta por una impresión en PVC y vinilo recortado.
La obra parte de la idea de que el tratamiento mediático de la
contribución de las mujeres en diversos campos científicos ha estado
históricamente marcado por dos aproximaciones, la invisibilización y el
sensacionalismo. Los méritos científicos de mujeres como Mileva Marić o
Katharine Burr Blodgett son directamente ocultados u olvidados, mientras
que la difusión de los de mujeres como Jane Goodall viene acompañada de
adjetivos como “joven”, “bella”, “hermosa”, “rubia”, “cuello de
cisne”… Ambas aproximaciones peligrosamente oscurecedoras.
Oscuridad visible
propone explorar la invisibilización u ocultación de las científicas a
lo largo de la historia poniendo en evidencia su contribución en el
campo del procesamiento de imágenes astronómicas. Para ello las artistas
han seleccionado una imagen capturada y procesada por el Observatorio
Astronómico de la Universitat de València, la cual posteriormente se ha
intervenido mediante procesadores de texto sustrayendo las letras de los
nombres de las científicas que forman parte del Departamento de
Astronomía y Astrofísica. Finalmente han obtenido una nueva imagen
defectuosa —con efecto glitch—. La obra ha sido producida con la
colaboración y el asesoramiento del personal del Departamento de
Astronomía y Astrofísica, del Observatorio Astronómico y del Laboratorio
de Procesado de Imágenes LPL de la Universitat de València.
Valentina Lapolla, YPJ – Jineology
Dentro del Museo de Historia Natural se sitúa YPJ – Jineology de Valentina Lapolla, en la sala del Meteorito y Ety/ento –mology de Raquel Planas Díaz de Cerio, en un antiguo armario de madera que formaba parte del mobiliario original de la antigua facultad de químicas y que hoy forma parte del Museu de la Universitat de València de Historia Natural.
YPJ – Jineology
es una una instalación lumínica que pone en cuestión el modo de narrar
de las ciencias sociales occidentales a través de un caso real creado en
el contexto de la Universidad de Rojava, Siria, denominado Jineología.
La Jineología es una “ciencia de las mujeres y la vida libre», una forma
de pensamiento que parte de de las mujeres combatientes del norte de
Siria. La palabra se originó a partir de los términos kurdos Jin
(mujeres), Jian (vida) y logos, palabra de origen griego que significa
conocimiento. Dicha disciplina considera a las mujeres como el primer
sujeto colonizado, un punto de partida con el que hacen una relectura
del mundo que señala cómo la ciencia y el conocimiento, junto con las
estructuras políticas, económicas y sociales, están sesgados por la
estructura de poder de dominación sobre las mujeres subyacentes.
Analizar la Jineología (en el sentido foucaultiano) de las relaciones de
poder entre hombres y mujeres, y en continuidad con los esfuerzos, la
lucha y los logros del feminismo occidental, significa dar un paso más
al afirmar la necesidad de construir una alternativa a través de la
práctica, y no simplemente haciendo demandas.
Situar la obra en la sala del Meteorito del museo, lugar donde se reúnen
conceptos como son inicio del mundo, museo y universidad, enfatiza la
invitación a reflexionar sobre colonialismos y otros feminismos a través
del software desarrollado específicamente que pone luz a la
instalación.
Raquel Planas Díaz de Cerio, Ety/ento –mology
Ety/ento
–mology es un ejercicio visual que traslada metodológicos del campo
científico a la práctica artística. Así, el planteamiento de la obra
parte de un acercamiento a la entomología y a la taxonomía para
aplicarlo al lenguaje de la palabra escrita. Dicha traslación se
formaliza en cinco cajas de coleccionista en las que se acumulan
conceptos codificados y archivados que buscan evidenciar que estamos
ante un discurso sujeto a una sociedad y a una historia concreta.
Actualmente
nombramos, definimos y clasificamos para intentar conocer y comprender
el mundo a nuestro alrededor, un mundo que se ha diseccionado y
parcelado en palabras para intentar abarcarlo. El lenguaje, entendido
como discurso, se desarrolla dentro de las reglas culturales de la
sociedad asimilando sus valores y juicios. Este mismo lenguaje nos
proporciona el sistema de categorías con el que interpretamos la
realidad, formando nuestra identidad individual y colectiva. Por esto,
esta suerte de palimpsestos prueba a buscar estrategias de narración
visual para situar al saber y al discurso como objeto de interrogación.
(Producida con la colaboración y el asesoramiento del personal del Museo
[UV] Historia Natural de la Universitat de València.)
Dentro
de las dependencias de la universidad, se encuentra Artefacto (beyound
us), de Anja Krakowski y My Identity Disclosed Art Space, de M.I.D.A.S.
(Iván Albalate y David Trujillo).
Artefacto
(beyound us) es una pieza escultórica reticular basada en los elementos
estructurales de las ramificaciones radiculares del micelio. El
proyecto se inspira en la La Teoría del Actor-Red (ANT), cuya
importancia radica en que trata lo tecnológico en la explicación del
mundo, de un modo equivalente a la manera en que se trata lo social, es
decir considerando el conocimiento como una construcción en red en la
que intervienen múltiples agentes y donde no se distingue entre humano y
no-humano. La artista, en lugar de domesticar o de someter la fuerza
orgánica, cede el protagonismo a los procesos y los tiempos de la
naturaleza.
Anja Krakowski, Artefacto (beyound us)
Se confronta una estructura geométrica estable con un procedimiento orgánico inestable: construyendo a partir del micelio se permite que el propio “agente” esté siendo representado, a la vez que interviene de un modo activo en su propia representación -más allá del control de la propia artista.
Artefacto (beyound us)
podría funcionar como una metáfora que propone la superación de la
noción de progreso como la línea temporal que define nuestra
contemporaneidad y que en su lugar pone la atención en otras
temporalidades coexistentes. Señalando a las “otras agencias” que
intervienen en el proceso creativo, abogaríamos por el reconocimiento de
lo que Donna Haraway llama otredades significantes que son todas las
agencias con todas sus formas de vida y sus diferentes temporalidades
que en su coexistencia configuran el mundo tal y como es.
M.I.D.A.S, My Identity Disclosed Art Space
Finalmente, My Identity Disclosed Art Space
es una obra interactiva que tiene como objeto evaluar cuál es la
configuración psíquica del público mediante una experiencia que conecta
con cuestiones que constituyen nuestra propia identidad.
Formalmente la obra rescata la estética de las máquinas Arcade
popularizadas en los años ochenta reforzando el aspecto lúdico de la
interacción. Su estructura de jugabilidad se basa en una ecuación
matemática específica y una programación informática (lenguaje Python)
que permiten al usuario/público quedar expuesto a una carga de
información visual y auditiva de gran intensidad perdiendo como
consecuencia la capacidad de respuesta racional y accediendo su
inconsciente.
En ese lapso experiencial, cuya duración es de once minutos, se invita a
responder a diferentes cuestiones ubicadas en una pantalla y,
dependiendo de las respuestas elegidas, la ecuación matemática calcula
las posibilidades de respuesta generando un lógica dentro del caos. El
resultado obtenido ubica a dicho sujeto interactivo en un rango
particular que puede ser traducido en términos peirceanos, ubicándose su
estructura psíquica en un cuadrante del diagrama de Peirce.
Para
ello se parte del concepto de paradoja condicional, es decir, aquella
paradoja que funciona si se hacen ciertas suposiciones, la más conocida
es la de El huevo o la gallina: El antiguo dilema sobre qué fue primero,
¿el huevo o la gallina? Que en Arcade se transforma en ¿qué es antes,
la estructura psíquica o las tomas de decisiones?
Así,
la obra integra cuatro cuestiones fundamentales en la relación arte y
ciencia: el arte como interfaz para una comprensión del mundo más
objetiva, la ciencia, y en concreto la matemática, como reguladora de
eventos a priori caóticos, el entretenimiento como medio para el avance
en el conocimiento humano y el autoconocimiento y el terreno académico
como contexto transgresor de sus propios límites heredados.
Las obras podrán verse hasta el próximo 30 de octubre y se recogerá en una publicación que será presentada próximamente.
Convocante: Ajuntament de Mislata. Regidoria de Cultura.
Dotación: 13.250 euros
Mode de presentación: online
Plazo de admisión: hasta el 27 de octubre de 2019
La Biennal de Mislata incluye ciertos cambios en la convocatoria de Premios Adquisición Mislata 2019 – Compromiso social en las artes. Si bien se sigue manteniendo tanto la misma cantidad de obras seleccionadas, premios e importes (diez obras, un 1º premio de 7.000€ y un 2º de 6.000€ y 250€ para las ocho obras finalistas); como las características de las obras, técnica y formato libre siempre que sean ancladas a la pared y con una dimensión mayor de 60 cm en al menos uno de sus lados. Se incluyen dos nuevos aspectos diferenciadores, el primero referente a la temática y el segundo a la metodología a seguir para la selección de las obras.
Tal y como se especifica en las bases en el punto 7.1 en relación con
el tema, se tendrá “especial atención por aquellas obras presentadas
que demuestren un compromiso social asociado a la memoria. Se entiende
memoria como un concepto amplio en el que queda contemplada tanto la
idea de memoria personal como colectiva, así como la memoria histórica,
el archivo, la amnesia y también aquellas interpretaciones de la memoria
desde una perspectiva de género”.
Igualmente, se dedica el punto número 11 a explicar el funcionamiento
de la selección de las diez obras que conformarán la exposición y de
cómo se procederá a la selección de qué dos de estas son las ganadoras.
Se diferencian dos fases de trabajo dirigidas por la comisaria de la
BMMN, Alba Braza, la primera centrada en un jurado profesional que se
hará público en breve y la segunda que abre paso a la participación
ciudadana con un proyecto basado en la educación y la mediación
artística.
“11.3. La Comisión de Evaluación o Jurado estará compuesto por: tres
invitadas externas expertas en el ámbito del arte contemporáneo (…).
11.4.
Para emitir su veredicto y considerando que la puntuación máxima a
otorgar a cada obra será de 10 puntos, se establece el siguiente baremo para la
selección de las propuestas finalistas por parte de dicha comisión de
evaluación profesional:
● Currículum Vitae del o de la solicitante (Anexo I). Máximo: 1 puntos. ● Calidad artística de la obra y claridad de su explicación en el dossier presentado (Anexo II). Máximo: 6 puntos. ● Adecuación de la propuesta a la convocatoria (Anexo II). Máximo: 3 puntos.
11.5. La Comisión de Evaluación Profesional estará facultada para resolver cualquier cuestión no prevista en estas bases. Su decisión será inapelable.
11.6. La Comisión de Evaluación Profesional o Jurado de personas
expertas actuará como órgano colegiado a los efectos de elaborar los
informes finales de valoración correspondientes debidamente motivados,
así como el acta de propuesta de selección de las 10 obras seleccionadas
que incluirá, a su vez, cuáles de entre ellas son las 4 finalistas (…)
11.7. El acta de propuesta de selección con los correspondientes
trabajos finalistas será notificada a las y los artistas interesados de
forma individualizada, a fin de que puedan remitir las obras que
formaran parte de la exposición de los Premios Adquisición Mislata 2019-
Compromiso social en las artes visuales, de acuerdo con lo estipulado
en estas bases. También se difundirá mediante la publicación en el
Tablón de Anuncios y página web del Ayuntamiento: www.mislata.es.
11.8.
Por otra parte, se constituirá, ex
profeso y para la presente edición, una Delegación
Ciudadana de la Biennal de Mislata Miquel Navarro. Su nombramiento se hará
público en la página web del Ayuntamiento de Mislata (www. Mislata.es). Dicha
delegación deberá estar formada por un representante de la Concejalía de
Cultura del Ayuntamiento de Mislata, que tendrá voz pero no voto y un máximo de
15 personas residentes en Mislata cuya formación profesional no esté
relacionada con la gestión o la creación de artes visuales tanto a nivel
profesional como amateur y que no
mantengan vinculación alguna con asociaciones, escuelas de formación en materia
de artes plásticas o colectivos de estas mismas características de todo el
territorio español. Su composición deberá ser representativa de diversos
segmentos de edad de la ciudadanía del municipio y a título indicativo estará
integrada por:
5
componentes cuya edad esté comprendida entre los 17 y 35 años.
5
componentes cuya edad esté comprendida entre los 36 y los 64 años.
5
componentes cuya edad esté comprendida desde los 65 años en adelante.
Desde
la coordinación del certamen se velará por mantener la paridad en la
configuración de dicha Delegación Ciudadana.
11.8.1
Las personas propuestas para formar parte de la Delegación Ciudadanade la
Biennal de Mislata Miquel Navarro deberán asistir a tres sesiones/taller de
formación y reflexión para adquirir las competencias correspondientes.
11.8.2 Las sesiones/taller de
formación estarán a cargo de la comisaria de la bienal, quien velará por el
consenso y la adecuación de los premios a los objetivos marcados en las bases
de la convocatoria.
11.8.3 Las personas que conformen la Delegación Ciudadana de la Biennal de Mislata Miquel Navarro no
recibirán remuneración económica ni deberán abonar ningún importe por
su formación. Para formar parte de ella será requisito no ser familiar
de ninguno de las y los artistas seleccionados.
11.9. Será competencia de la Delegación Ciudadana de la Biennal de
Mislata Miquel Navarro, 2019 extender una segunda acta en la que se
proponga al órgano competente cuáles de entre las cuatro obras
finalistas propuestas por el Jurado de Personas Expertas. son
merecedoras del Primer y el Segundo Premio. En la sesión de deliberación
actuará como instructor del procedimiento el técnico de cultura del
Ayuntamiento de Mislata.”
El plazo para la recepción de proyectos cerrará el próximo 27 de octubre. No dudéis en consultar aquella información necesaria (biennal@mislata.es), os mantendremos al día mediante las redes sociales.
Joan Cardells, fundador junto a Jorge Ballester de Equipo Realidad, falleció el pasado sábado 6 de julio (2019) de forma «inesperada», según informaron fuentes cercanas a la familia. Con él se va un artista que, como recordó en la entrevista realizada con motivo de su exposición ‘Grafitos’, en la Galería Punto hace cinco años, trabajaba con enorme pasión. No sabía de las medias tintas, sino de volcarse por completo en una obra que ahora deja por razones ajenas a su voluntad. Una voluntad de hierro que su muerte funde, dejando un gran vacío en el mundo del arte. A continuación reproducimos tal cual, el artículo publicado en Makma con motivo de aquella muestra.
Joan Cardells. Imagen cortesía de la Galería Punto.
A Joan Cardells le obsesiona el dibujo. Y se nota. La serie de grafitos que expone en la galería Punto de Valencia refleja esa elocuencia de lo que inspira pasión. Tanta, que desborda su obra, lo cual se hace patente cuando el propio artista se arroja a la tentativa de explicar su trabajo. Entonces, al igual que le sucede con sus dibujos, Cardells va tirando del hilo de la memoria para tejer un discurso que no tiene desperdicio. “No se puede trabajar con 36,5, sino en estado febril”. Ese “relámpago en la frente” que le hace seguir el rastro de su obsesión, ese “estado furioso” que reclama como necesario para la creatividad, “aunque no se refleje luego en la obra”, es el que hace de Joan Cardells un artista en estado puro.
Obra de Joan Cardells. Imagen cortesía de Galería Punto
Todo aquello que venga a distraer el objeto de su pasión, queda en un segundo plano. No es que la bajada del IVA no le importe: “Me parece secundario, frente a lo principal que es la emoción, que algo por encima de todo te motive”. O que el IVAM le resbale: “La diferencia entre el IVAM actual y el anterior no la he estudiado, pero en todo caso es importante que el IVAM siga existiendo”. O que las promesas políticas le traigan sin cuidado: “Hubo mucho progre deseoso de atender a la cultura, que luego ha demostrado ser fingimiento”. Pero todo eso resulta secundario, cuando aparece la fiebre motivada por el dibujo. “Lo que va a pasar 10 centímetros después del lápiz, es lo que estimula”.
Obra de Joan Cardells. Imagen cortesía de Galería Punto.
Si hay algo que a Joan Cardells le enerva sobremanera es, precisamente, la incapacidad para salir de los compartimentos estancos a los que nos conduce la ideología. “Yo lo que pido es que se sea menos gregario”. Y apela a la soberanía, pero una soberanía “individual, que es la más costosa”. Soberanía que, en su caso, ha ido alcanzando por la vía del lento aprendizaje. Ninguna prisa de por medio. ¿Para qué correr cuando el lápiz te abre a cada paso las sendas del estímulo por las que Cardells transita? “Uno siempre busca el placer de pintar”. Eso y la revancha de la que habla, refiriéndose a los 14 grafitos y tres esculturas expuestos en la galería Punto, a modo de ajuste de cuentas con esa primera etapa de aprendizaje cuya impresión es de fracaso.
Obra de Joan Cardells. Imagen cortesía de Galería Punto.
“Me gusta fabricar imágenes con el menor instrumental posible”. Y, a la manera zen, Joan Cardells va construyendo una obra minimalista que se eleva y eleva de forma tan imperceptible como prodigiosa. “Con lápiz y papel puedes hacer todas las cosas del mundo”. Y en su mundo hay “querencia por el bodegón” y por la “evocación de los olores de los mercados, de las tiendas”. En el fondo, Cardells recuerda que la materia prima con la que trabaja es “la memoria”. Y su memoria le lleva a todos esos lugares que, como una simple ferretería, encandilaba sus jóvenes sentidos al contemplar ollas, pucheros y los más variados recipientes, que luego han ido formando parte indisoluble de su trabajo.
“Combino lo orgánico con lo industrial”. Olivas, odres, gallos, patos, es decir, “el clásico bodegón español”, que le ha servido como “reto de aprendizaje”. También hay algo en sus grafitos de “coreográfico”, por aquella “tendencia a bailar” que Cardells observa en los objetos de su pintura. “Y el gusto por el gris”, subraya. Esa “reducción al blanco y negro” tiene mucho que ver de nuevo con esa “vuelta al mundo del aprendizaje”. No es que haya renunciado al color, pero aquel color del Equipo Realidad, que formó con el recientemente fallecido Jorge Ballester, pertenece a una “época interesante”, que Cardells recuerda sin nostalgia, porque “la de ahora es apasionante”. Una pasión que guía su obra y las palabras que, a modo de revancha, dan cuenta de su largo y fructífero aprendizaje. La fiebre de venganza está, en el caso de Joan Cardells, plenamente justificada.
‘La idea del desnudo’, de Fede Pouso Hotel ME BY MELIÁ Plaza Santa Ana 14, Madrid Inauguración: jueves, 27 de Julio a las 20:00
ME
by Meliá, la firma hotelera de Meliá Hotels International vinculada
al arte contemporáneo, a la música y al diseño, acoge la
exposición ‘La idea del desnudo’, del artista uruguayo Fede Pouso,
cuya inauguración tendrá lugar el jueves 27 de junio a las 20:00.
En
su última serie, ‘La idea del desnudo’, Pouso asienta el fundamento
temático sobre sus recuerdos y experiencias vividas a lo largo de su
carrera en el mundo de la moda e, igualmente, procurando perfilar un
instante de intimidad, un trayecto en el que los colores representan
un estado de ánimo y una energía que habita los cuerpos
representados, que hablan de la felicidad y del acercamiento con uno
mismo.
Imagen de la obra ‘Nude I’, de Fede Pouso. Fotografía cortesía del artista.
“Todo
esto nace de una experiencia personal; todo lo que pinto, lo que
pienso, lo que sale de mí tiene que ver con quién soy, sin filtros,
conlo que construí, lo que he aprendido, todo lo que he vivido. Esto
es un escalón más en mi constante búsqueda de saber quién soy, de
saber qué tengo para dar, de cuál es mi servicio y qué propósito
tengo en esta dimensión”, confiesa el artista, cuya incursión en
el mundo de las artes plásticas surge de la mano de su madre, a la
que ve pintar desde niño.
Fede
Pouso, quien desde muy temprana edad trabaja como estilista y
diseñador en el mundo de la moda, el teatro y el cine, revela en su
nuevo trabajo pictórico que “estas mujeres representan para mí a
esas amigas de la infancia que me aceptaron en sus grupos de mujeres
sin dudar; esas mujeres que me integraron en su vida personal e
íntima, que me protegieron ante la mirada de otros varones por no
ser lo suficientemente masculino…”, revela su autor en su nuevo
trabajo pictórico.
‘La idea del desnudo’, de Fede Pouso. Fotografía cortesía del artista.
‘Symploké’, de Leo García. Galería Vangar Císcar 57, València Del 7 de junio al 20 de julio de 2019 Inauguración: viernes 7 de junio a las 20:00
La Galería Vangar acoge la exposición ‘Symploké’, del artista Leo García, cuya inauguración tendrá lugar el próximo viernes 7 de junio, a las 20:00, y que podrá visitarse hasta el 20 de julio de 2019.
Symploké es un término que se usaba de forma común en la antigua Grecia y que significa entretejimiento o entrelazamiento, no solo aplicado al tejer, sino también como sinónimo de composición. La elección de este término responde a una triple intención: formal, filosófica y crítica. Por un lado, desde un punto de vista formal, sirve para decir que la obra de Leo García muestra un entretejimiento entre dos formas de trabajar la pintura que, a priori, no tendrían mucho que ver. El constructivismo y el expresionismo, la geometría y la textura, la estructura numérica y el gesto espontáneo.
Imagen de una de las obras de Leo García que forman parte de ‘Symploké’. Fotografía cortesía de la Galería Vangar.
Aunque symploké fue simplemente una palabra de uso común en su momento, hace unos 40 años, Gustavo Bueno, padre del materialismo filosófico, la reinterpretó dotándola de un sentido técnico filosófico. Este nuevo sentido es que el universo no se muestra al hombre como un todo unificado, sino que se articula precisamente en symploké, con un entrelazamiento entre campos diversos con elementos que están conectados y elementos que no lo están. Una razón crítica que el artista trata de resaltar al hacer evidente una contradicción.
De este modo, Leo García (Murcia, 1983) experimenta dentro del campo pictórico, con elementos propios de la pintura, como son la geometría o la textura, con colores sugerentes, con composiciones poco recargadas, con las que ejercita esta especie de geometría de las ideas, jugando a conectar en symploké elementos diversos que no deberían estar conectados, como son la pintura gestual y la pintura geométrica.
De su obra se desprende que el autor se encuentra muy cómodo en los grandes formatos y que, formalmente, podría posicionarse en un punto intermedio entre el constructivismo ruso y el expresionismo norteamericano: entre la geometría y la textura, entre lo meticuloso y lo espontáneo. Desde un punto de vista menos formal y más filosófico, se adscribe a la escuela denominada materialismo filosófico. Un pensamiento sistémico que propone un sistema de pensamiento, una sistematización filosófica y una geometría de las ideas.
Artista interdisciplinar y licenciado en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València, durante su carrera ha obtenido, entre otros, el Primer Premio XI de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos, en València, el Primer Premio del Certamen Dibujo, de la Universidad Autónoma de Madrid, ha sido Premio Adquisición en Ibercaja Pintura Joven durante varios años, y también Mención de Honor en premios como el Premio Nacional de Pintura de Torrevieja, el Certamen de Pintura de Moncófar, o el Premio Nacional de Pintura Villa de Fuente Álamo, en Murcia.
Su obra se encuentra en fondos como la colección del Ateneo Mercantil y de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos (València), el Museo Camón Aznar (Zaragoza) y el Centro Europeo de Empresas e Innovación (Murcia), entre otros. Ha expuesto en espacios como el Centre del Carme Cultura Contemporània y el Museo de La Ciudad (València), el Museo Wolf Vostell (Malpartida), el Museo del Almudí, (Murcia), el Museo Diocesano (Barcelona), la Fundación Fran Daurel (Barcelona) y la Galería Club Antares (Sevilla), entre otros espacios.
Imagen de tres de las obras de Leo García que forman parte de la exposición. Fotografía cortesía de la Galería Vangar.
‘Diálogos artísticos de las artistas Kim YunShin y Mari Puri Herrero’
Galería Han-ul
Centro Cultural Coreano
Paseo de la Castellana 15, Madrid
Del 24 de abril al 24 de junio de 2019
Inauguración: miércoles 24 de abril a las 19:30
El Centro Cultural Coreano (Paseo de la Castellana 15, Madrid), en colaboración con la Galería Álvaro Alcázar, inaugura el 24 de abril a las 19:30 la exposición de escultura y pintura ‘Diálogos artísticos de las artistas Kim YunShin y Mari Puri Herrero’.La muestra se podrá disfrutar en la Galería Han-ul del Centro hasta el 24 de junio de 2019.
‘Papeles de un diario’ es el título de las obras de Mari Puri Herrero, mientras que Kim Yun Shin presenta sus pinturas y esculturas bajo el título ‘Alma sonora’. Ambas artistas comparten disciplinas y generaciones, con obras con puntos en común, donde convergen la naturaleza y la sencillez de la vida y donde recurren a materiales como la madera o el papel para expresar de modo más profundo sus pensamientos.
Kim YunShin (Corea del Sur, 1935) pertenece a la primera generación de escultoras coreanas. Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Hongik, en Seúl, más tarde se traslada a Francia para estudiar en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París. En 1984 recala en Argentina, donde reside en la actualidad. Hace algunos años, en 2007, llevó a cabo su primera exposición individual en el Museo de Arte Hanwon de Seúl. Desde entonces ha celebrado exposiciones individuales y colectivas, tanto en Corea como en Argentina, y ha inaugurado un museo con su propio nombre en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
La obra de Yun Shin se remonta a 1960, cuando comienza una intensiva búsqueda por el arte abstracto. En la década de los 70 y en adelante prosigue su investigación, centrándose en materiales de escultura: madera, mármol, ónix, alabastro, y piedras semipreciosas. Además, desarrolla su obra con pinturas con formato de collage y grabados.
Representando la filosofía oriental hacia la vida, fuerza y espiritualidad milenaria, dichas formas y pensamiento han sido sus temáticas durante más de veinte años. Kim Yunshin es una artista de profundas convicciones y no fácil de tentar por modas o movimientos artísticos y estéticos efímeros.
En el año 1995, el exdirector del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el profesor Roberto del Villano, dijo: “su obra, una ofrenda; su taller, un templo; su trabajo, una oración”. Estas palabras hacen referencia a sus esculturas, en las que hizo uso del jaspe o cuarzo rosa, sodalita, calcita, ágata o cuarzo azul, las cuales revelan en su interior ese silencio absoluto que la piedra encierra y que Yun Shin Kim delega a través de una materia abstractamente moldeada. Por eso en sus obras la frescura se mantiene como en una piedra virgen y la densidad de los espacios, el recato de los volúmenes y la simple complejidad estructural son una sola unidad que armoniza con el todo y ocupa su sitial sin rupturas ni desplazamientos, donde naturalmente instala su presencia.
Detalle de una de las obras de la artista Mari Puri Herrero. Fotografía cortesía del Centro Cultural Coreano de Madrid.
Sin corromper la naturalidad del material crea sus obras, destacando especialmente la sencillez en sus diseños, con piezas muy bien articuladas y que dan un mensaje de fortaleza impregnadas de las experiencias y espiritualidad de la artista.
Mari Puri Herrero (Bilbao, 1942), por su parte, es una renombrada pintora y grabadora española que se mantiene en activo tras más de cuatro décadas. Su pintura recoge imágenes del mundo que le rodea, mundo en el que conviven disparidad de visiones. Cosas cotidianas, más o menos comprensibles, que vemos, imaginamos o soñamos; y casi siempre con una fuerte presencia de la naturaleza.
Habitualmente existe un recorrido previo por obra en papel: tintas, grafitos, collages… y aguafuertes, técnica esta última a la que dedica parte de su actividad. En ocasiones también procede con obra escultórica, pues considera que cada material expresa con mayor precisión determinadas ideas.
Mari Puri Herrero trabaja alternando sus estancias en el centro de Madrid y en el campo de Menagaray (Álava), donde el papel siempre le rodea. Para ella trazar sobre un papel es espontáneo, rápido e insistente; igual que el pensamiento, que frecuentemente se adelanta al desarrollo de las ideas. Cautivada por el papel Hanji o papel tradicional coreano, lo incorpora en muchos de sus trabajos.
El papel permite seguir una idea con fluidez, absorbe bien el trazo, que desde el momento en que apoyas la punta del pincel o pluma con tinta en el papel, esta queda absorbida instantáneamente, fundiéndose con él. Esto es lo que busca la artista y lo que encuentra en los papeles orientales.
De este modo, Mari Puri Herrero ha procurado presentar una breve selección de papeles, en los que se puede apreciar cómo, de manera natural, se recorren a veces con líneas, como si de escritura se tratase, temas vistos o entrevistos; otras veces, las manchas y el color que llevan a la naturaleza, para ella siempre tan cercana.
“Son amplios los recorridos que te permite una hoja de papel”.
Detalle de una de las obras de la artista coreana Kim YunShin. Fotografía cortesía del Centro Cultural Coreano de Madrid.
‘Dentro de un agua extraña, mi sombra’, de Shirin Salehi
Galería Ana Serratosa
Pascual y Genís 19, València
Del 2 de abril al 28 de junio de 2019
Inauguración: martes 2 de abril de 2019 a las 20:00
La Galería Ana Serratosa acoge la exposición ‘Dentro de un agua extraña, mi sombra’, de la artista iraní Shirin Salehi (Teherán, 1982), que podrá visitarse hasta el 28 de junio de 2019, cuya inauguración tendrá lugar hoy martes, 2 de abril, a las 20:00.
La muestra, comisariada por la historiadora del arte Ana Martínez de Aguilar, reúne, bajo el título ‘Dentro de un agua extraña, mi sombra’, obras pertenecientes a las diferentes etapas de la trayectoria artística de la autora. Grabados, esculturas e instalaciones que encuentran un universo en común dentro del género de la poesía.
Imagen de una de las obras de Shirin Salehi. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.
La obra de Salehi, caracterizada por la monocromía y la experimentación con los materiales, utiliza el papel como protagonista, entendido como el lugar donde todo sucede. En ella, el soporte se transforma y se convierte en el camino a seguir, simbolizando fisuras, rasgaduras o incisiones, con las que la autora nos habla de experiencias y tiempos pasados, pero siempre intentando proclamar la belleza y la lírica como antídotos hacia el futuro.
Martínez de Aguilar describe la muestra como “una invitación a mirar muy de cerca, a sumergirse en el silencio a través de la palabra. Una aproximación sutil y silenciosa hacia el permanente interés del ser humano por dejar su huella en la historia a través del lenguaje escrito, de la grafía.”
Shirin Salehi reside y trabaja en España desde 1999. Artista visual, investigadora y docente, ha recibido premios de residencia artística por la Casa de Velázquez (Académie de France à Madrid), Il Bisonte Fondazione (Florencia) y la Fundação Bienal de Cerveira (Portugal) y de formación por la Fundació Pilar i Joan Miró (Mallorca) y por el Centro Internacional de la Estampa Contemporánea (La Coruña).
Imagen de una de la obra ‘Y otro álamo cayó (II)’, de Shirin Salehi. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.
Su trabajo ha recibido, entre otros reconocimientos, el primer premio al libro de artista de la Fundación Ankaria (Madrid, 2015), el premio especial Combat Prize (Livorno, Italia, 2015), premio Fundación Pilar Banús en los XXII Premios Nacionales de Grabado del Museo del Grabado Contemporáneo Español (Marbella, 2014), Premio Acqui Giovani en la XI Bienal Internacional de grabado Premio Acqui (Acquiterme, Italia, 2013) y recientemente el segundo premio en el Premio Internacional de Arte Gráfico Carmen Arozena (Madrid, 2017).
Ha participado en exposiciones en galerías, ferias e instituciones públicas y privadas en Europa desde 2009. Máster en Investigación en Arte y Creación por la facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense, a su término publicó (velado): ‘Manifiesto de una artista en tiempos de ruido’ (2016).
Detalle de la obra ‘Poemas de soledad en Columbia University’, de Shirin Salehi. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.
Convocante: Colegio de Gestores Administrativos de Valencia
Dotación: 7.000 euros
Modo de presentación: online
Plazo de admisión: hasta el 19 de abril de 2019
Un año más, el Colegio de Gestores Administrativos de Valencia convoca la XI Edición de su Premio Pintura, una cita referente para la cultura de nuestra ciudad que tiene como objetivo reconocer el arte joven de la sociedad nacional. Un elenco de profesionales del sector formará el jurado de esta edición que, como no podía ser de otra forma, llega pisando fuerte y con muchas novedades. Juan Manuel Bonet, crítico de arte y escritor; Pedro Maisterra, de la galería Maisterravalbuena; Violeta Janeiro, comisaria de arte, Oliver Johnson, pintor y ganador de la última edición; Álvaro de los Ángeles, crítico de arte; Maite Ibáñez, crítica de arte y Jorge Seguí, miembro de la Junta de Gobierno del Colegio serán los componentes de dicho jurado.
Como novedad, este año, los artistas presentarán sus obras en formato digital y tendrán de plazo hasta el día 19 de abril de 2019. De entre todas las obras
recibidas, el jurado realizará una preselección de 40 aspirantes que obtendrán el derecho a presentar físicamente sus obras al Premio Nacional de Pintura Gestores 2019.
Tras esta primera preselección, se notificará a los 40 artistas elegidos que dispondrán del 29 de abril al 14 de mayo de 2019 para proceder al envío físico de sus obras. Una vez finalizado el plazo de presentación, el jurado determinará 20 obras entre las cuales se encontrará la obra finalista y la obra ganadora. La entrega del premio se realizará en la cena anual de colegiados, San Cayetano, el 31 de mayo de 2019.
Esta edición Se asigna como primer y único premio la cantidad de 7.000 €, pasando la obra premiada a ser propiedad del Colegio, quien se reserva los derechos de reproducción de la misma.
Tanto el ganador como el finalista tendrán la oportunidad de realizar sus publicaciones individuales a definir según el caso (catálogo, libro de artista, etc…) coordinadas por el estudio de diseño gráfico el bandolero Lacabra. Cada publicación constará de una edición limitada de 50 unidades cuya extensión individual tendrá un máximo de 96 páginas. Dichas ediciones irán recopiladas en un estuche conmemorativo junto a una memoria del Premio, quedando reservados 20 ejemplares de publicación para el ganador y 20 para el finalista.
Año tras año, entre todos hemos conseguido que este premio se convierta en un referente del arte joven nacional, gracias a los artistas, al alto nivel de participación, la creciente calidad de sus obras y también, gracias a la profesionalidad de los jurados que nos aportan seriedad y prestigio.
BASES
A partir de la edición de 2019, la presentación de obras se realizará inicialmente en formato digital. De entre todas las obras recibidas, un primer jurado realizará una preselección de 40 aspirantes que obtendrán el derecho a presentar físicamente sus obras al Premio Nacional de Pintura GESTORES 2019.
En esta edición el jurado estará compuesto por:
Juan Manuel Bonet, crítico de arte, ex director de museo, escritor
Pedro Maisterra, de la galería Maisterravalbuena
Violeta Janeiro, comisaria de arte
Álvaro de los Ángeles, crítico de arte
Oliver Johnson, pintor y ganador de la última edición
Maite Ibáñez, crítica de arte
Jorge Seguí, COGAV
Participantes
Podrán optar al premio todos los artistas españoles o extranjeros.
Cada artista podrá concursar únicamente con una obra, siendo tanto el tema como la técnica de libre elección.
La obra deberá ser inédita y de reciente creación y deberá ir convenientemente firmada.
Las medidas no serán superiores a 200 cm. por cualquiera de sus lados.
Premio
Se asigna como primer y único premio la cantidad de 7.000 €, no pudiendo ser dividido ni declarado desierto, pasando la obra premiada a ser propiedad del COGAV, quien se reserva los derechos de reproducción de la misma.
Ganador/a y finalista tendrán la oportunidad de realizar sendas publicaciones individuales a definir según el caso (catálogo, libro de artista, etc…) coordinadas por el estudio de diseño gráfico el bandolero Lacabra. Cada publicación constará de una edición limitada de 50 unidades, de dimensiones 14X18 cm, cuya extensión individual tendrá un máximo de 96 páginas. Dichas ediciones irán recopiladas en un estuche conmemorativo junto a una memoria del Premio de pintura, quedando reservados 20 ejemplares de publicación para el/la ganador/a y 20 para el/la finalista. El resto de la edición quedará reservada para
los miembros del jurado y el archivo del Colegio Oficial de Gestores Administrativos de Valencia (COGAV).
El premio económico concedido estará sujeto a la legislación vigente en materia de I.R.P.F.
– 11 de marzo-19 de abril. 1ª convocatoria.
Presentación digital de obras
A partir de la apertura del plazo de admisión, y hasta el 19 de abril de 2019 (inclusive), las obras candidatas deberán enviarse a través de la plataforma gratuita Wetransfer (www.wetransfer.com) en formato digital y con asunto “(nombre artista). Premio Nacional de Pintura Gestores 2019” a la siguiente dirección de correo: premiopintura@gestoresvalencia.org. Tras la recepción del envío y la revisión de la documentación, el COGAV remitirá un e-mail de confirmación de la obra admitida a concurso.
El formato de presentación de la obra constará de un único archivo .PDF de alta resolución (25cm lado máximo / 300 ppp resolución) que contendrá una imagen completa de la obra presentada y los siguientes datos:
· Título de la obra
· Medidas y año
· Técnica
· Datos personales:
Nombre y apellidos
Nombre artístico
DNI
Fecha de nacimiento
Dirección de residencia
Teléfono de contacto
e-mail
Junto al archivo .PDF de la obra podrá adjuntarse, además, una única carpeta con la documentación adicional que se considere necesaria (curriculum, publicaciones anteriores en formato .PDF, etc…) a efectos de consulta para los miembros del jurado que lo requieran.
– 29 de abril-14 de mayo. Preselección y
presentación de obras físicas
Tras la preselección de la primera convocatoria, se notificará a las/los 40 artistas elegidos que dispondrán del 29 de abril al 14 de mayo de 2019 (inclusives) para proceder al envío físico de sus obras. Finalizado el plazo de presentación de obras a concurso, será el jurado quien determine finalmente las 20 obras seleccionadas, incluyendo la obra finalista y la obra ganadora. De esta selección es propósito del COGAV realizar una exposición pública (a falta de concretar en estos momentos). En cualquier caso, llegado el momento se notificará dicha posibilidad que, de no realizarse, conllevará la retirada de la obra por el mismo procedimiento que el fijado para el resto de obras en el apartado 6 de estas bases
Las obras presentadas físicamente deberán estar enmarcadas con un listón y no se admitirán las que vayan presentadas con cristal.
Las obras deberán ir acompañadas de su correspondiente ficha técnica, los datos de contacto del autor/a, fotocopia del D.N.I. o del Permiso de Residencia o documentación extranjera y la documentación adicional que se considere necesaria para el jurado (curriculum, catálogos, etc…).
Las obras deberán ser remitidas, bien personalmente o a través de agencia de transportes, de puerta a puerta al Colegio Oficial de Gestores Administrativos de Valencia, calle Poeta Quintana nº 1, Valencia 46003, de lunes a viernes, de 9 a 13 horas y de 16,30 a 18,30 horas, siendo el mismo por su cuenta y riesgo a portes pagados, en embalaje sólido y reutilizable para su posterior devolución.
Si estos no pudieran ser reutilizables por cualquier motivo, entendiendo por reutilizables caja de madera o similar, la organización pondrá a disposición plástico de burbujas a efecto de la devolución.
El Colegio de Gestores de Valencia, no responderá de las pérdidas, deterioros, robos o cualquier tipo de desperfecto que pudiera sufrir la obra remitida ni durante el traslado ni durante la estancia en sus locales.
Las obras no seleccionadas podrán ser retiradas por sus autores si fueron entregadas en mano en las oficinas de recepción o solicitar su remisión a portes debidos a su domicilio. Las que fueron entregadas a través de agencia serán devueltas por el mismo medio a portes debidos y con sus embalajes originales o si estos no pudieran ser reutilizables por cualquier motivo, protegidos por cualquier material habitual y bajo la responsabilidad del artista.
Jurado
El jurado estará constituido por Juan Manuel Bonet, Pedro Maisterra, Violeta Janeiro, Álvaro de los Ángeles, Oliver Johnson, Maite Ibáñez y Jorge Seguí.
El premio concedido se entregará oficialmente durante la cena que celebrará el Colegio Oficial de Gestores Administrativos de Valencia el 31 de Mayo de 2019. El fallo del jurado será totalmente inapelable.
Devolución de obras
La organización no se hace responsable de aquellas obras que no hallan sido retiradas a fecha de 30 de Junio del presente año, entendiéndose que a partir de esa fecha las mismas han sido abandonadas por el autor, pasando automáticamente a propiedad y libre disposición del Colegio de Gestores de Valencia.
El hecho de concursar supone la plena aceptación de estas bases.
Imagen de portada: Hound, 2008 (detalle), de Oliver Johnson (Londres, 1972), obra premiada en la pasada edición.
‘José Bedia. Trazos de una canción’
Galería Artizar
San Agustín 63, La Laguna (Tenerife)
Del 29 de marzo al 4 de mayo de 2019
Inauguración: viernes 29 de marzo de 2019 a las 20:00
En voz muy bajita, casi como susurrándonos, el artista cubano-americano José Bedia (La Habana, 1959) se empeña –desde hace años– en rescatar la oralidad, dejar sus huellas urdiendo un mapa a través de su quehacer visual, fundamentado en el lenguaje pictórico y el dibujístico, un mapa simbólico sobre la trasmisión de saberes oralmente; una constante que ha sido y es, desde siempre, una de las premisas utópicas y metodológicas de su trabajo.
Bedia edifica su obra desde una operación de arqueología y restauración de sus estudios antropológicos sobre cómo sobreviven, hoy día, las culturas primalistas, en combinación con cómo también sobreviven al avance civilizatorio del progreso social, como maquinaria homogenizadora, las culturas populares. En ese sentido, el artista es un registrador, un anotador de marcas endémicas que tienden a desaparecer de los estratos que componen nuestras voraces culturas omnívoras. Estas culturas trasatlánticas atravesadas por la africanidad, la españolidad y lo aborigen, en una mezcolanza en perpetua mutación, en un movimiento infinito de autodefinición.
Imagen de la obra ‘En el tronco de un árbol una niña…’, de José Bedia. Fotografía cortesía de Galería Artizar.
Quizás por esa urgencia de quien no sabe a cuánto estamos de la inevitable desaparición de estos fragmentos culturales que están siendo solapados, ocultados, silenciados, en su última producción Bedia se esfuerza por ilustrarnos –en el sentido de quien enseña, muestra u ofrece una iniciación gnóstica– cómo se mantienen entre nosotros esas transmisiones orales, como el ronroneo de ciertas nanas (canciones de cuna, muchas ya universales que han trascendido su localismo), boleros, danzones, habaneras, cantes de ida y vuelta, canciones susurradas, cantadas como murmullos al oído del iniciado, del recién nacido, del niño ingenuo que todavía el hombre es, pues Occidente se infantiliza cada día en su narcisismo tardío, que aún resuenan entre nosotros.
En un universo de reclamos de egolatrías, Bedia se desliga y baja la velocidad de sus obras, las hace menos escandalosas, más íntimas, más directas, menos enigmáticas, como si primara en él una necesidad de hacerse entender, incluso haciéndose más descriptivo; apelando a una relación narrativa directa, ni siquiera cargada de su habitual sentido del humor, sino didácticamente análoga, clara… clarividente.
Imagen de la obra ‘País en premonición’, de José Bedia. Fotografía cortesía de Galería Artizar.
Puede que esta necesidad late en José Bedia porque está anclada en el conocimiento de que en esa relación de fe hay un vínculo, un nexo que debe salvarse, anotándolo, haciéndolo fabulación visual, cuaderno de anecdotario, crónica simbólica que indica una resistencia invicta aún. Una conexión hombre planta, planta animal, animal mujer, mujer luna, luna tierra, monte mar, mar tierra espíritu… y así. Una recíproca relación ecosistémica donde algo de ese saber ancestral podría indicarnos las reglas del juego de nuestra supervivencia como especie, como sociedad presente que se proyecta hacia el futuro desde el pasado. Un vínculo que es transversal y atemporal, poseedor de un saber que traspasa el tiempo. Un diálogo que Bedia comprende como el don en lo dado, en el intercambio, en la voz de los otros, en su palabra y su musicalidad, su sinfonía mínima.
Aún cuando esa música suene detrás, de fondo, como un murmullo, un cántico divino silencioso, en voz baja, sólo para entendidos e iniciados, estudiosos sabedores de esas lenguas otrora misteriosas, enigmáticas y ocultas ante los saberes actuales, idiomática que conoce perfectamente porque sabe que si él pregunta… sus deidades responden. Como dejó plasmado en aquella obra germinal de título: ‘Si yo te llamo tú me respondes’ (1985). Una graficación del sistema dialógico y vinculante que describe la relación del Iniciado y su Nganga.
A día de hoy, tal vez, todavía alguien de fe.
Imagen de la obra ‘Múltiples Perfiles de Un Felino’, de José Bedia. Fotografía cortesía de Galería Artizar.
