Cazadores. David de las Heras.

Cazadores. David de las Heras
Pepita Lumier
C/ Segorbe,7. Valencia
Hasta 20 de mayo de 2018

El nuevo trabajo de David de las Heras irrumpe en la Galería Pepita Lumier usando sus paredes como escenario para contar una nueva historia. Un mensaje violento y radical que golpea las consciencias de todo aquel que decide adentrarse en el mitológico mundo que De las Heras propone con sus óleos. Tan jugoso se presenta este proyecto, que a través de la propia galería Pepita Lumier, fue presentado a la Draw Room 2018, obteniendo una crítica que muchos artistas desearían.

En palabras de su autor, ” ’Cazadores’ es una propuesta que indaga en las relaciones de poder, en cómo el ser humano se oculta tras una belleza impostada en busca de un trofeo, vacío, a causa del conflicto. Apolo el gran cazador, representa esa deidad, el poder ficticio, la necesidad del hombre de imponerse sobre todo, y a toda costa, con la violencia como herramienta para tal propósito. En contrapunto, Dafne, presa de esa violencia, y representante de lo terrenal, se convierte en el deseo de los egoístas. En la propuesta las piezas se comunican entre esos dos mundos, entre “disparos”, en ocasiones la belleza se construye como un artificio barroco, y que oculta la agresión, la violación de los instintos; pero en otras la belleza existe simplemente en la consecuencia del acto de crear.”

El resultado de este trabajo creativo, radica en una selección de óleos, pulidos y minuciosos debido a la gran calidad pictórica del artista y a su cuidada formación. La elección de la gama cromática, da pie a la creación de un ambiente enrarecido que invita a repetir como un mantra las palabras que dan la bienvenida a la exposición, y a retrotraerse al mito de Apolo y Dafne.

Imagen: Cortesía de Pepita Lumier. Cazadores IV

Imagen: Cortesía de Pepita Lumier. Cazadores IV

Los personajes que acompañan en todo momento al espectador, hacen acto de presencia en la gran mayoría de las obras, utilizando un pesudónimo. Dafne se imagina entre las hojas y flores, en los elementos terrenales, rescatando esa violencia que menciona su autor. En contra posición, Apolo actúa como ente casi imperceptible, oculto pero delimitado y presente como el propio poder.

Esta capacidad analítica y transmisora que emanan las pinturas, forman parte indestructiblemente de la experiencia que posee el artista en el campo expositivo. Ya que sus trabajos han formado parte de proyectos tanto a nivel nacional (Barcelona, San Sebastian, Bilbao, Vitoria y La Casa Encendida de Madrid) como internacional ( Alemania y Portugal), lo cual aporta un bagaje indiscutible.

En el proyecto ‘Cazadores’ David de las Heras, pone en alza su destreza pictórica, sin embargo, no desprecia ningún procedimiento expresivo, por lo que adquirió una especialización en el campo de la ilustración haciéndole valedor de diferentes reconocimientos como Premio al Mejor Álbum Ilustrado en los Premios CCEI 2107 por “El Secreto de Enola” y el Premio Junceda a la Mejor Portada del 2014 por “Kaliman en Jerico”. También destaca internacionalmente, por haber realizado la portada de “Instrumental”, autobiografía del pianista James Rodhes; entre numerosas ilustraciones de libros. Además, realizó portadas para revistas como Volata y carteles para proyectos cinematográficos como, es el caso del film “Mala Sangre” del director Leos Carax (Avalon), para el Festival de Cine “La Guarimba” (Italia) sin olvidar el cartel destinado al “BBK Live 2014” (Bilbao).

Imagen: Cortesía de Pepita Lumier. Detalle de la exposción de David de las Heras

Imagen: Cortesía de Pepita Lumier. Detalle de la exposción de David de las Heras

A pesar del ámbito de la pintura y la ilustración, actualmente trabaja desde Madrid para prensa, en el diario El Español y la revista francesa L’Obs para la que ha realizado retratos como el de Mario Vargas Llosa, Footwear News de New York, un retrato del empresario Bob Campbell; o el actor Idris Elba.

Pero los méritos no se demuestran con palabras, si no con hechos, y la obra de David de las Heras, cumple las expectativas. Cuenta con un genio artístico que aúna mente y obra y como reza Miguel Ángel Buonarroti ”Si dipinge col cervello e non le mani ”(se crea con el cerebro y no con la mano).

Victoria Herrera

Las indagaciones plásticas de Ernesto Valcárcel

‘Ab initio’, de Ernesto Valcárcel
Galería de Arte Artizar
San Agustín 63, La Laguna (Tenerife)
Hasta el 12 de mayo de 2018

A finales de 1973 se inauguró en la Sala Conca de La Laguna una exposición memorable. Su creador, Ernesto Valcárcel Manescau –nacido en Tenerife en 1951 y estudiante de arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Canarias– ya había dado a conocer sus primeros trabajos en varias colectivas y en una exposición individual, realizada el año anterior en la Casa de Colón de Las Palmas de Gran Canaria, bajo el título ‘STUVW’.

Sin embargo, entre esta y aquella un profundo y ambicioso cambio había tenido lugar en la obra de Valcárcel, que en unos pocos meses se había reconstruido sobre sus primeros balbuceos con un lenguaje de una plasticidad potente y turbadora. STUVW’ había sido, en criterio de su autor, un ejercicio de “síntesis y conclusiones del periodo abstracto comenzado en 1967”, una función recapituladora de sus prolegómenos autodidactas que parecía animada por la imperativa búsqueda de un principio, de una actitud propia y, en definitiva, de una identidad artística. Con ‘Materia, rito y alquimia’, la exposición de Conca, los primeros y contundentes pasos de un creador singular resonaron en el panorama plástico archipelágico de los 70.

Imagen de una de las obras perteneciente a la serie 'Materia, ritmo y alquimia', de Ernesto Valcárcel. Fotografía cortesía de Galería de Arte Artizar.

Imagen de una de las obras perteneciente a la serie ‘Materia, ritmo y alquimia’, de Ernesto Valcárcel. Fotografía cortesía de Galería de Arte Artizar.

‘Materia, rito y alquimia’ contenía los resultados de la transformación operada en la obra de Valcárcel en un año escaso de radical experimentación con volúmenes y relieves en los lienzos, y con los materiales que incorpora a su trabajo: telas cosidas, colas, asfalto…, y la animaban las consecuencias de sus reflexiones sobre la obra de arte y el acto expositivo como parte indisoluble de ella. Esta simbiosis de obra y actitud convirtía ‘Materia, rito y alquimia’ en una suerte de manifiesto estético, un posicionamiento no pasivo, sino beligerante ante el hecho artístico al postular la “exposición-acontecimiento”, que en palabras de su autor atraería a “un público desconcertado, a veces escandalizado, pero que inevitablemente participa ya con su desconcierto, con su indignación o con su burla”.

‘Materia, rito y alquimia’ estaba integrada por obras de tela encolada y alquitranada con las que el artista se proponía “crear un espectáculo definido por la presencia fuerte de objetos que, amontonados sin orden, llenen y ocupen totalmente un espacio transitable.” La voluntad instalativa que desde sus inicios ha animado el trabajo de Valcárcel se iba a materializar en una obra excesiva y provocadora: lienzos embarnecidos hasta requintar, con tensas adiposidades, vísceras o texturas, que colgará de las paredes; y, rodeándolos, numerosos “objetos” que parecían desgajados de los cuadros, vertidos en la exterioridad a la que estos aspiraban (secreciones escultóricas que figuran entre las más enigmáticas de la escultura contemporánea en las Islas), objetos con los que invade el “espacio transitable”, creando un ámbito de resonancias orgánicas, un envolvente seno que acogía y hasta cierto punto “digería” al espectador.

Imagen de una de las obras perteneciente a la serie 'Los espacios inaccesibles', de Ernesto Valcárcel. Fotografía cortesía de Galería de Arte Artizar.

Imagen de una de las obras perteneciente a la serie ‘Los espacios inaccesibles’, de Ernesto Valcárcel. Fotografía cortesía de Galería de Arte Artizar.

Con ‘Materia, rito y alquimia’ se abre el ciclo fundacional de la obra de Ernesto Valcárcel. Dicho ciclo, al que ahora se homenajea y revisita en la exposición ‘Ab initio’, que en colaboración con el artista ha organizado y presenta Galería Artizar, tendrá su desarrollo y evolución durante la década de los 70 del pasado siglo y estará jalonado por otras dos muestras igualmente relevantes: ‘Los espacios inaccesibles’ (1974, Sala Conca II, Las Palmas de Gran Canaria) y ‘Secuencias de un ámbito onírico’ (1978, Galería Balos, Las Palmas de Gran Canaria y Sala Conca, La Laguna).

A través de ellas, Valcárcel irá desplegando la mayor parte de los rasgos que harán cautivadoras sus indagaciones plásticas durante las décadas siguientes hasta hoy mismo, cuando su fascinante experiencia alcanza el medio siglo y acumula una obra imprescindible y única que enriquece, como en verdad muy pocas lo hacen, la historia del arte contemporáneo en Canarias.

Imagen de una parte de las obras que conforman la exposición 'Ab initio', del artista tinerfeño Ernesto Valcárcel. Fotografía cortesía de Galería de Arte Artizar.

Imagen de una parte de las obras que conforman la exposición ‘Ab initio’, del artista tinerfeño Ernesto Valcárcel. Fotografía cortesía de Galería de Arte Artizar.

Carlos E. Pinto

 

 

PREMIO DE DIBUJO DKV SEGUROS / MAKMA

Convocante: DKV SEGUROS / MAKMA
Dotación: 5.000 euros
Modo de presentación: vía e-mail
Plazo de admisión: hasta el 15 de junio de 2018

BASES PREMIO DE DIBUJO DKV SEGUROS / MAKMA
BECA DE PRODUCCIÓN Y EXHIBICIÓN DE DIBUJO INÉDITO

DESCRIPCIÓN

DKV Seguros y MAKMA convocan la IV edición del Premio de Dibujo DKV Seguros – MAKMA con el objetivo de premiar la producción de un proyecto expositivo inédito inspirado en un relato para todos los públicos, utilizando el dibujo contemporáneo como técnica básica.

ESPÍRITU DE LA CONVOCATORIA

El objetivo principal del Premio de Dibujo DKV Seguros – MAKMA es fomentar la producción y difusión del trabajo de artistas noveles a través de una convocatoria anual abierta a la participación de cualquier ciudadano de nacionalidad española que cumpla los requisitos especificados en el apartado condiciones de participación.

Los participantes deben presentar una propuesta de proyecto expositivo que acredite su capacidad para llevar a cabo una exposición monográfica en el espacio expositivo del Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad, MuVIM, en la ciudad de Valencia (véase documento adjunto).

El jurado seleccionará un proyecto ganador que será premiado con una dotación económica de 5.000 € netos y la realización de una exposición según la propia propuesta presentada por el autor de dicho proyecto.

Este proyecto tiene entre sus objetivos servir de experiencia cultural incluso a público en familia, generando anualmente un contenido específico que facilite una aproximación didáctica al arte a personas de cualquier edad.

Los participantes presentarán contenidos inspirados en el universo del relato para todas las edades. Esta condición no obliga a la literalidad ni debe suponer cortapisa para el desarrollo creativo del proyecto.

El objetivo de la convocatoria, es fomentar el dibujo contemporáneo y dar a conocer al autor del mejor proyecto reconocido por el jurado dentro de la citada temática.

Los contenidos pueden ser realizados con cualquier tipo de técnica y presentados en cualquier tipo de soporte siempre que su creación comprenda el empleo del dibujo en cualquiera de sus variantes.

FUNCIONAMIENTO DE LA CONVOCATORIA.

Presentación de propuestas. (01 / 03 / 2018 – 15 / 06 / 2018)
Las propuestas expositivas deben presentarse, de acuerdo a lo estipulado en el apartado “Condiciones para la participación”, entre las 8:00 h del 10 de abril de 2017 y las 24:00 h del 15 de junio de 2018.

Comunicación al ganador.
Un jurado formado por expertos elegido por las entidades organizadoras, seleccionará la propuesta premiada. El fallo será notificado individualmente a los ganadores así como a los medios de comunicación antes del día 30 de junio de 2018.

Producción de la exposición. (01/ 07 / 2018 – 26 / 11 / 2018)
Desde el conocimiento del fallo del jurado, el premiado dispone de veintiuna semanas para producir el proyecto expositivo propuesto. Durante todo este proceso, el premiado será asesorado y guiado por los profesionales de las entidades organizadoras.
Para la producción de su obra, el premiado dispondrá de la dotación económica de los 5.000 € netos del premio con los que cubrirá sus honorarios y los gastos de producción. Asimismo, dispondrá de un equipo para el montaje de las obras y la instalación de los diferentes elementos de la exposición. Para concretar los términos de la concesión de la dotación económica por parte de DKV Seguros a favor del ganador así como de la cesión de las obras a favor de DKV Seguros, DKV Seguros y el ganador suscribirán con carácter previo acuerdo específico a tal fin.
El día 26 de noviembre de 2018 el galardonado debe tener la obra lista para la realización de la exposición.
El premiado será el responsable del proceso de producción, y deberá aportar un proyecto completo de exposición, contando para el montaje, con la dirección, coordinación y organización de una persona acreditada por parte de los organizadores.

Exposición. (29 de noviembre de 2018 al 28 de enero de 2019)
La organización hará pública la fecha concreta de inauguración de la exposición el día 29 de junio, junto con el fallo del jurado.

CONDICIONES PARA LA PARTICIPACIÓN

La organización solo tomará en consideración aquellas propuestas que cumplan estrictamente con todas y cada una de las condiciones siguientes:

• La convocatoria está abierta exclusivamente a la participación de artistas nacidos a partir del 1 de enero de 1978 y de nacionalidad española. En caso de colectivos, todos los miembros del mismo deberán cumplir los requisitos.
• El proyecto debe:
o ser original, inédito, específico y adaptado al espacio. No se admitirán en esta convocatoria aquellos trabajos que hayan sido editados, expuesto, publicados o premiados anteriormente, por tratarse de una producción específica.
o Circunscribirse a la temática establecida en estas bases.
o Emplear técnicas artísticas vinculadas al dibujo.
• El autor del proyecto ganador:
o cederá una selección de las obras de entre las presentadas en la exposición a la Colección DKV, sin que ello suponga una contraprestación económica adicional a la dotación del premio indicada en el apartado “Producción de la exposición”. La selección de las obras se realizará por parte del Comité asesor de la Colección DKV, de acuerdo a las características de la obra y valorando las sugerencias del propio autor. El autor se compromete para ello a que las obras incluidas en la exposición no se comercializarán con anterioridad a la selección del comité. Para concretar los términos de esta cesión, DKV Seguros y el Autor suscribirán acuerdo de compra venta de obra inédita.
o Cederá a MAKMA y DKV Seguros los derechos de comunicación pública de las obras del proyecto con fines promocionales, para la incorporación a la web, fines didácticos y de investigación.
• Difusión:
o El autor se compromete a colaborar en la máxima difusión del proyecto en sus redes sociales. Asimismo, mencionará el premio recibido y citará con enlace en la red social que corresponda a las dos instituciones patrocinadoras (DKV Seguros y MAKMA) en cualquier publicación relacionada con el proyecto o con cualquiera de las obras producidas en el marco de este, durante un plazo mínimo de dos años desde la concesión del premio.

CRITERIOS DE VALORACIÓN

Los proyectos serán valorados por un jurado formado por personas relevantes del mundo del arte y la comunicación en función de los siguientes criterios:

- Calidad artística de los proyectos presentados.
- La viabilidad técnica de la propuesta en cuanto a su ejecución en función de los plazos y el presupuesto.
- La originalidad en la aproximación del proyecto a la temática propuesta: “un relato para todas la edades”
- Se valorará el grado de innovación del proyecto en cuanto a la adaptación a posibles actividades relacionadas. Especialmente si son didácticas.
- La capacidad para combinar las técnicas tradicionales de dibujo con técnicas contemporáneas.

JURADO

La valoración y selección de las propuestas presentadas corresponde a un Jurado compuesto por expertos en la materia y elegido por DKV Seguros y MAKMA. La composición del jurado de esta edición es la que sigue:

- Alicia Ventura, comisaria de exposiciones y asesora del Proyecto ARTERIA DKV.
- Vicente Chambó, editor, crítico y comisario de exposiciones, fundador y director de El Caballero de la Blanca Luna, consejero y cofundador de MAKMA.
- Inmaculada Corcho, directora del Museo ABC de dibujo e ilustración.
- Oscar Alonso Molina, comisario y crítico de arte.
- Juan Bautista Peiró, asesor de la colección DKV.
- Antonio Alcaraz, Director del Departamento de Dibujo de la FFBBAA San Carlos. (UPV)
- Rafael Company. Director del MUvIM

Las decisiones del jurado son inapelables. Teniendo en cuenta la calidad de las obras presentadas, el jurado podrá declarar el premio desierto.

EXONERACIÓN DE RESPONSABILIDAD

DKV Seguros y MAKMA quedan exentos de toda responsabilidad que pudiera derivarse de los posibles errores existentes en los datos facilitados por los premiados, inexactitudes de los mismos o imposibilidad de identificación. Igualmente quedarán exentos de responsabilidad en caso de error en la entrega de cualquier premio siempre que éste se deba a causas fuera de su control o a la falta de diligencia del ganador.

Asimismo, los organizadores quedan exonerados de cualquier responsabilidad legal derivada del contenido de la obra presentada, haciéndose responsable el autor de la observación del marco legal relativo a los contenidos artísticos.

ACEPTACIÓN DE LAS BASES

La simple participación en este proyecto supone la aceptación de estas bases en su totalidad. DKV Seguros y MAKMA se reservan el derecho de interpretar, modificar las condiciones del presente concurso en cualquier momento, e incluso de anularlo o dejarlo sin efecto, siempre que concurra causa justificada para ello. En todo caso, se comprometen a comunicar por esta misma vía las bases modificadas, o en su caso, la anulación del concurso en su conjunto, de forma que todos los participantes tengan acceso a dicha información.

PROTECCIÓN DE DATOS

Se informa al solicitante que los datos personales recogidos serán incorporados a las bases de datos de MAKMA, responsable del fichero, con domicilio en Calle En Borràs, 16 bajo, Valencia, y serán tratados con la finalidad de atender y gestionar la solicitud de participación formulada. Los datos recabados han de cumplimentarse obligatoriamente, pues de otro modo no podría ser atendida la solicitud.

En cualquier momento, el participante podrá ejercer sus derechos de acceso, rectificación, cancelación u oposición dirigiéndose a la dirección de correo electrónico convocatorias@makma.net y concretando su solicitud.

El participante garantiza la autenticidad de todos aquellos datos que comunique, y se compromete a mantener actualizados los mismos durante el período de duración de la convocatoria, siendo responsable de todos los daños y perjuicios ocasionados por la aportación de datos incompletos, inexactos o falsos.

PRESENTACIÓN DE PROPUESTAS

Los candidatos deberán presentar sus propuestas de proyecto expositivo presentando un dossier (memoria) que incluya la siguiente información:
- Nombre, fotocopia DNI por ambas caras y datos de contacto (dirección completa, e-mail, teléfono).
- Título del proyecto.
- Currículum del artista (máximo 300 palabras).
- Dossier con la propuesta de proyecto expositivo debidamente desarrollado incluyendo al menos:
o Título del proyecto
o Memoria escrita y descripción del proyecto.
o Justificación de su aproximación a la temática propuesta.
o Documentación visual de las obras propuestas en PDF.
o Propuesta de adaptación al espacio expositivo

- El envío de todo ello se realizará obligatoriamente por correo electrónico a la dirección convocatorias@makma.net. En el asunto debe indicarse el nombre de la convocatoria y del participante. Toda la información deberá presentarse obligatoriamente en un único PDF. Las imágenes de las obras pueden enviarse además en JPEG para una correcta valoración.

A continuación se ofrecen algunos consejos para la presentación de propuestas:
a) Los participantes no están obligados a presentar el total de la obras a exponer. Es suficiente con aportar un número suficiente de piezas que permitan al jurado valorar la calidad del contenido y el significado del mismo. Es fundamental que las imágenes sean de gran calidad para poderse evaluar. La convocatoria prevé un plazo de producción para que el premiado desarrolle el cuerpo expositivo.
b) El formato de la memoria es libre, pero debe atender a los criterios establecidos más arriba.
c) Siendo las técnicas de dibujo las protagonistas del proceso creativo, se valorará el uso libre del conjunto de la sala y el empleo de todo tipo de técnicas para la reproducción-exhibición de las obras.

INFORMACIÓN Y CONSULTAS

Para cualquier información adicional o consultas sobre la convocatoria se puede contactar con: convocatorias@makma.net o dejando mensaje en los números 963916678 – 670421982

Los resultados de esta convocatoria de carácter abierto serán anunciados en www.makma.net y mediante comunicado a los medios de comunicación y redes sociales.

La participación de esta convocatoria implica la aceptación de las presentes bases.

BASES_PREMIO_DIBUJO_DKV-MAKMA_2018

Es presenta el catàleg del XX Mostra art públic / universitat pública

Presentació del catàleg de la XX Mostra art públic / universitat pública
Dimecres 18 d’abril a les 19:00.
Sala Seminari del Centre Cultural La Nau, València

invitación evento

L’artista visual Daniel G. Andújar, participarà en la presentació del catàleg de la XX Mostra art públic / universitat pública. Aquest acte tindrà lloc a la Sala Seminari del Centre Cultural La Nau, el dimecres 18 d’abril a les 19:00.

La presentació del catàleg de la XX Mostra art públic / universitat pública acollirà un conversa sobre les connexions entre l’art i la ciència on intervindran l’artista Daniel G. Andújar, la comissària de la Mostra Alba Braza, juntament amb Cristian Gil, Ainhoa Salas i Laura Palau, tres dels artistes que van exposar la seua obra a la passada edició de la Mostra art públic / universitat pública.

El catàleg, dissenyat per l’Estudi Dídac Ballester, recull les intervencions de la passada Mostra que van estar en el campus de Burjassot-Paterna el passat mes d’octubre. Les cinc obres exposades van ser Frustración, d’Anaisa Franco; Cau de coneixement, de Cristian Gil Gil; For the birds, d’Ernesto Casero; Flexivídeo, d’Ainhoa Salas i Guillermo Lechón i Cámara oscura, de Laura Palau.

La Mostra art públic / universitat pública està organitzada pel Servei d’Informació i Dinamització (Sedi) de la Universitat de València, amb la col•laboració del vicerectorat de Cultura. La convocatòria d’enguany, que estarà oberta fins el 17 de maig, està dirigida a artistes visuals, sense límit d’edat, interessats en crear una obra site specific per al campus de Burjassot-Paterna en la que es palese una de les múltiples possibilitats del binomi art i ciència. La dotació que rebrà cada artista escollit serà de 2.000 euro.

Imatge de portada: Anaisa Franco. Frustración, de la sèrie Pscicosomático, 2012

Louisa Holecz o la inevitabilidad de la muerte

‘Out of Body’, de Louisa Holecz
Galería Librería La Casa Amarilla
Paseo de Sagasta 72, local 3, Zaragoza
Del 17 de abril al 2 de junio de 2018
Inauguración: martes 17 de abril a las 20:00

La secuencia de pinturas y esculturas que Louisa Holecz (Londres, 1971. Reside en Zaragoza desde el año 2000) expone en La Casa Amarilla, con el título de ‘Out of Body’, evidencia, en su fidelidad a determinados temas, la que considera es una de las funciones del arte, sino la principal: hacernos conscientes de la inevitabilidad de la muerte.

Louisa Holecz pinta cuerpos que escapan, escenarios de tránsito e intermedios, intentando hacer visible lo que excede  toda visibilidad. Por eso sus imágenes son turbadoras e inquietantes. El arte es presagio y su enigma no ha de ser descifrado.

Imagen de la obra 'Interval –for Jacqueline du Pré–', de Louisa Holecz, presente en la exposición 'Out of body'. Fotografía cortesía de La Casa Amarilla.

Imagen de la obra ‘Interval –for Jacqueline du Pré–’, de Louisa Holecz, presente en la exposición ‘Out of body’. Fotografía cortesía de La Casa Amarilla.

“Una venda sobre los ojos, una venda muy ceñida, cosida sobre el ojo, cayendo inexorable como postigo de hierro desplomándose sobre ventana.
Pero es con su venda con lo que ve.
Es con todo su cosido con lo que descose, con lo que vuelve a coser, con su carencia con lo que posee, con lo que toma”.
(Henry Michaux, ‘La vida en pliegues’)

Cuando el compositor Edward Elgar salió de la anestesia tras ser operado en 1918, pidió lápiz y papel. Lo que escribió fue el primer tema del ‘Concierto para violonchelo en mi menor Op. 85′, que terminó durante el periodo de recuperación en Brinkwells, una casa apartada cerca de Fittleworth, en Sussex. El concierto inauguró la temporada 1919-1920 de la Orquesta Sinfónica de Londres, el 27 de octubre de 1919, sin éxito. Nadie comprendió el tono contemplativo y elegiaco de su nueva música. Hasta que la violonchelista Jacqueline du Pré la interpretó con la Orquesta Sinfónica de Londres bajo la dirección de John Barbirolli, en 1965.

Ahora, Louisa Holecz pinta el escenario vacío de la orquesta para Du Pré, arrancada de la música por la enfermedad que le fue diagnosticada en 1973, cuando tenía 28 años. ‘Interval’ titula Holecz su cuadro, en alusión al intermedio durante el que Du Pré hubo de reconstruirse. Una tarea complicada de explicar, según confesó al realizador Christopher Nupen, “porque después de haber estado tanto tiempo haciendo algo que me gustaba, es difícil reconstruir algo que me parezca que valga la pena. Así que ese ha sido mi trabajo; la reconstrucción”. Solo quedaba esperar la muerte, que llegó en 1987.

Lo que nos crea problemas no es la muerte, sino el saber de la muerte, afirmó Norbert Elias. Louisa Holecz la pinta. Pero, cómo pintar un cuerpo que escapa y que lo hace de tantas maneras, se preguntó Gilles Deleuze: mientras dormimos, durante el vómito y el grito; o tras una operación, de la que una persona sale como si hubiera tocado el límite de la vida. Un límite al que, quizás, Elgar quiso poner música; el mismo que Louisa Holecz aspira a pintar. Pero insistimos con Deleuze, cómo hacerlo, cómo hacer visible lo que excede toda visibilidad, que eso es el impulso, el esfuerzo a través del cual el cuerpo tiende a escaparse. Según la definición de Julia Kristeva, lo abyecto es expulsar, es aquello de lo que debo deshacerme a fin de ser un yo, y lo que ese yo primordial expulsa, considera Hal Foster, es una sustancia fantasmal tan extraordinariamente próxima al sujeto que motiva su pánico; no en vano el sujeto de abyección es el cadáver.

Imagen de la obra 'Torre clandestina', de Louisa Holecz, presente en la exposición 'Out of body'. Fotografía cortesía de La Casa Amarilla.

Imagen de la obra ‘Torre clandestina’, de Louisa Holecz, presente en la exposición ‘Out of body’. Fotografía cortesía de La Casa Amarilla.

Entre las direcciones que ha tomado el arte de lo abyecto, Foster señala dos: la primera consiste en identificarse con lo abyecto, sondar la herida del trauma, tocar la obscena mirada-objeto de lo real; y la segunda, representar la condición de la abyección para aprehenderla en el acto. Louisa Holecz elige ambas direcciones. Con la pintura decide sondar la herida, mostrándola a la mirada de quienes se sitúan ante ella, y no duda en representar la acción misma de la abyección.

Louisa Holecz pinta imágenes que desfiguran la figuración, turbadoras e inquietantes; imágenes reales que lanza a la invención; imágenes que dialogan con la muerte; imágenes de pesadilla que ponen rostro al miedo, experimentándolo; imágenes, en definitiva, que siguen el consejo de Sacher- Masoch: “Hay que pasar de la figura viva al problema”. Sobra la narración, no hay narración en las imágenes pintadas de Louisa Holecz. El arte es presagio y su enigma no ha de ser descifrado, porque si algo hemos aprendido es que la función del arte no es la de distraernos del sufrimiento, aliviarnos y ofrecernos consuelo. Lo anunció Apollinaire en 1917, un año antes de que Elgar compusiera su nueva música elegiaca que Du Pré entendió como nadie podía hacerlo. Solo ella sería capaz.

‘Out of Body’ titula Louisa Holecz su exposición en La Casa Amarilla. La imagen pintada de su rostro con los ojos cubiertos como por un manto de nieve, que diría Kracauer, persevera en el aura de las primeras fotografías que desafían el tiempo en su propósito de perdurar, ajenas a la sentencia futura de Roland Barthes, para quien la fotografía es siempre una catástrofe. Salir de lo oscuro fue el deseo de los primeros fotógrafos y del eremita Filoteo el Sinaíta o Filoteo de Batos, que inventó, según cuenta Georges Didi-Huberman, el verbo “fotografiar” un mediodía, entre los siglos IX y XII, tras mirar el sol durante demasiado tiempo. Su obsesión era transformarse en una imagen. La experiencia así concebida, analiza Didi-Huberman, solo pretendía expulsar las imágenes, es decir, acceder por renunciación a la luz, sin forma ni figura, a la luz que nos ciega y ante la cual solemos velarnos la cara, una luz con la que ver equivaldría a no ver ya nada.

En el ensayo ‘La chambre claire’, escrito durante el duelo por la muerte de su madre, Barthes anota que la luz es una especie de cordón umbilical que une el cuerpo de la persona fotografiada con la mirada de quien la contempla. “Lanza tu cordón umbilical, para que pueda escalar de regreso”, escribió Kurt Cobain. Algo así pinta Louisa Holecz en ‘Still’, el cuadro que cierra la exposición. El del doble, principio biogenético que se corresponde con la reproducción, es uno de los mitos universales que nos invita a pensar con Edgar Morin que “el momento de la muerte es el de la duplicación imaginaria”. Al hombre que inventó el verbo “fotografiar”, dice Didi-Huberman, le hubiera gustado no cerrar nunca los ojos. Los cerró un instante, al nacer, y los mantendría bien abiertos ante el sol en su muerte. En el fondo, esperaba abandonar su cuerpo.

Imagen de la obra 'Máscara', de Louisa Holecz, presente en la exposición 'Out of Body'. Fotografía cortesía de La Casa Amarilla.

Imagen de la obra ‘Máscara’, de Louisa Holecz, presente en la exposición ‘Out of Body’. Fotografía cortesía de La Casa Amarilla.

Chus Tudelilla

 

Luis Adelantado lanza su vigésima y última CALL

Convocante: Galería Luis Adelantado Valencia
Dotación: exposición colectiva
Modo de presentación: envío de dossier
Plazo de admisión: hasta el 7 de mayo de 2018

CALL 2018
XX Convocatoria Internacional de Jóvenes Artistas
Descripción y características
Este programa está dirigido a jóvenes creadores nacionales e internacionales
(de entre 25 y 35 años de edad). Profesionales que se encuentran en
proceso de maduración de su discurso y que cuentan con capacidades,
habilidades y conocimientos que les permiten enfrentar sus proyectos con
claridad y consistencia.
Para la galería el propósito de esta convocatoria, es el de establecer un nexo
real con lo que está sucediendo en el contexto del arte más joven. Pretende a
su vez, proporcionar a los artistas la posibilidad de presentar sus propuestas
en un entorno profesional, permitiéndoles un acercamiento y una posible
continuidad de colaboración con la galería. La selección la llevará a cabo
Olga Adelantado, junto al equipo de la galería; Virginia Murcia e Isabel Puig.
Premio
La selección realizada entre todas las propuestas presentadas supondrá lo
siguiente:
– Los artistas elegidos formarán parte de una exposición colectiva que se
realizará en la galería desde el 6 de julio hasta el 13 de septiembre de
2018.
– Dentro de esta selección, la galería elegirá a un artista destacado, al que
brindará la posibilidad de elaborar un proyecto para el espacio Boiler Room
en la programación del siguiente año 2018-2019.
– La galería Luis Adelantado adquirirá una obra del proyecto realizado por
el artista para Boiler Room.
Fallo
El fallo final se podrá ver publicado en la sección de noticias página web de
la galería a mediados de mayo. Debido al elevado número de participantes,
solamente los seleccionados serán informados vía e-mail.
A su vez, el número de obras expuestas, podrá variar dependiendo de los
artistas seleccionados y de las características concretas de cada trabajo.
Luis Adelantado
Valencia
Documentación
– Los participantes deberán presentar un dossier formato A4 de obra
reciente y en su mayoría disponible o una memoria USB con dossier
para visualizar en pantalla con imágenes en formato JPG o PDF(10-15
imágenes). Si se considera necesario se podrán incluir vídeos o textos.
– Se deberá indicar la disponibilidad de las obras que se presentan.
– CV actualizado. (Impreso)
– Ficha de inscripción debidamente cumplimentada. (Impresa)
* Importante
• La memoria USB debe estar marcada con el nombre del artista.
• No se aceptará obra física, ni material adicional no solicitado.
• No se aceptará material enviado por correo electrónico.
• El material enviado será destruido y no se devolverá.
Recepción de propuestas
Último día de recepción: 7 de mayo de 2018
Enviar a la dirección:
CALL 2018
Luis Adelantado Valencia
Bonaire 6.
46003 VALENCIA. Spain
T: (+34) 963 510 179

Bases completas
Imagen de portada: ¿Cómo se conocieron?, de Florencia Caiazza. Boiler Room. Vista general

FERMAX Art Factory 2018

Convocante: FERMAX Spain
Dotación: 30.000 euros
Modo de presentación: online
Plazo de admisión: hasta el 30 de abril

En FERMAX somos conocidos por hacerle la vida fácil a la gente. Te abrimos la puerta de casa y nuestra marca es conocida en todo el mundo, pero lo que de verdad importa es que somos una parte relevante del paisaje urbano.
Básicamente les dimos una grúa, unos botes de pintura y les dejamos hacer. Fue lo mejor que hemos hecho nunca desde el departamento de Branding. Nos va el arte urbano porque somos arte urbano.
Por eso lanzamos el 2º Concurso Internacional de Arte Urbano de Fermax de nuevo. Vamos a dejar que algún artista afortunado nos cambie la cara (Avenida Tres Cruces 133, Valencia, España). Esta nueva cara tiene que dejar a clientes, proveedores empleados y transeúntes con la boca abierta. Pero sobre todo, tiene que reflejar los valores FERMAX: innovación, liderazgo, diseño.

Tenemos más de 60 años pero queremos que parezca 23. Si tienes alguna idea de cómo hacerlo, es el momento.

FASE 1 – Open Call
1 de Marzo al 30 de Abril
Suscríbete a nuestro YouTube.
Envíanos tu portfolio, demostrando tu capacidad y la de tu equipo para llevar a cabo un proyecto de estas características.
Elegiremos 10 para pasar a la siguiente fase siguiendo criterios de calidad, innovación y sintonía con los valores FERMAX.

FASE 2 – Finalistas
1 de Mayo al 15 de Junio
Los 10 artistas elegidos recibiréis 1000€ para desarrollar vuestra propuesta atendiendo a las particularidades de la misma. Descarga los planos aquí. Además, nos enviarás:
Planning de producción (días disponibles: del 25 de Julio al 31 de agosto).
Lista de materiales necesarios: financiados por FERMAX (recuerda que la pintura tiene que durar 5 años).
Requerimientos técnicos: ¿Qué necesitas? Esta lista tendrá que adecuarse técnicamente al espacio público y tener en cuenta aspectos básicos como la seguridad.
Vídeo de 1 minuto del proceso de creación de tu equipo, compartido en tus redes sociales y las de tu equipo, que podrá formar parte del canal de YouTube de FERMAX.

FASE 3 – WINNER
29 de Junio
Los 10 equipos finalistas asistirán al evento (“retrasmitido”) en el que se seleccionará al equipo ganador, que será elegido por nuestro Jurado.
Elegiremos al ganador siguiendo criterios de calidad, adecuación al espacio intervenido, capacidad del equipo, buzz generado en las redes sociales y sintonía con los valores FERMAX.
El ganador recibirá 20.000 Euros y el apoyo de FERMAX para llevar a cabo el proyecto.

Más información e inscripción

Bancho: “Partí del blanco sin conocer ningún color”

‘El camino interior’, de Esteban Castellano, Bancho
Museo del Ruso. Espacio de Arte Contemporáneo
Capitán Julio Poveda 21, Alarcón (Cuenca)
Hasta el 22 de abril de 2018

Esteban Castellano, Bancho (Valencia, 1965), vuelve a Alarcón. En realidad nunca se ha ido. La vinculación que siente con este pueblo castellanomanchego es férrea y viene de lejos. Fue aquí, cuenta el artista, donde hace tiempo comenzó a ver atisbos de luz después de atravesar un periodo personal negro, y fue aquí también donde iniciará un íntimo camino artístico salpicado de trascendencia y compromiso.

Esta charla tiene lugar en el Museo del Ruso, donde expone sus últimas obras bajo el título ‘El camino interior’, una instalación que él describe como “un homenaje a lo imperfecto, a lo puro, a lo políticamente incorrecto, a la amistad, a lo que nadie quiere, al sol y la luna, a la alquimia, a la materia prima y a la piedra filosofal, a los que se fueron pero siempre estarán con nosotros, a los que están con nosotros, a lo mágico, al planeta Tierra, a la vida y al Amor… principio y fin último de todas las cosas”.

Bancho. Makma

Vuelves con esta exposición individual a Alarcón, lugar de referencia en tu vida…

Sí, conocí Alarcón hace 23 años por mi gran amigo Raúl Poveda. Estaba pasando una etapa complicada, una crisis personal tras una ruptura sentimental, y Raúl me rescató, me animó a venir, me dijo: “Vente que te lo pasarás fenomenal, que son las fiestas”. Tras esta estancia nació una relación especial que sigo manteniendo, me alentó muchísimo anímicamente.

Tu primera exposición individual tiene lugar también en Alarcón, en la iglesia de Santo Domingo, un espacio imponente y mágico, restaurado hace unos años y que hoy, desgraciadamente, permanece cerrado.

Sí, fue en el año 2006, Raúl y don Luis (el recordado cura del pueblo) me animan a exponer mis obras en esta iglesia. Fue una gran experiencia de la que guardo muchísimos recuerdos bonitos. Espero que ese lugar tan especial vuelva a abrir sus puertas.

Luego volverás a este mismo espacio con otras exposiciones.

Sí, así es; hice otra individual al año siguiente y otra colectiva tiempo después junto a los artistas Julio Mayordomo, Luis Moscardó y Bernardo Tejeda. Nunca se ha roto mi vinculación artística y personal con Alarcón; tengo un espacio permanente en una sala del restaurante La Cabaña, he expuesto en dos colectivas en el Museo del Ruso… Vengo periódicamente, tengo mucha conexión con este pueblo, con las personas que viven aquí… y le estoy muy agradecido.

En tu obra, el color adquiere mucha importancia. Tus comienzos están teñidos de rojos intensos, incisivos azules y negros. Esta vez nos llevas a la claridad, al blanco absoluto. Me gusta mucho cómo narras esta transición, este viaje, en el texto de introducción de la exposición: “Partí del blanco sin conocer ningún color. Pasé por el rojo, el naranja, el amarillo, el verde, el azul, el violeta, el marrón y el negro y ahora vuelvo hacia atrás conociéndolos todos, limpiando la paleta de mi vida con el disolvente de mi corazón, en busca de aquel blanco inmaculado del cual… partí”.

Sí, el color para mí es una necesidad y tiendo mucho al monocromo. Dependiendo de la época necesito expresarme a través de un color u otro. En mi primera muestra predominaban negros y rojos, aunque ya había unos atisbos de azul. En esa época era muy fuerte la necesidad de expresarme, según mi punto de vista de una forma dramática, muy fuerte a nivel energético, con un lenguaje cargado en lo matérico.

Imagen general de la exposición 'El camino interior', de Bancho. Fotografía cortesía del Museo del Ruso de Alarcón.

Imagen general de la exposición ‘El camino interior’, de Bancho. Fotografía cortesía del Museo del Ruso de Alarcón.

El uso de materiales abandonados, infravalorados por la sociedad de consumo en la que vivimos, de objetos encontrados, es también parte sustancial de tu trabajo.

Disfruto mucho experimentando con distintos materiales y objetos. De siempre me ha encantado el objeto encontrado. A mi madre le gustaba mucho pintar y ya lo utilizaba, y yo me he criado con eso. Me interesa mucho porque rompe las dos dimensiones del cuadro, se convierte casi en escultura, el cuadro tiende a salir, recupera una tercera dimensión y deja de ser plano, intenta escapar del espacio bidimensional… Utilizo objetos que ya no tienen uso o que se han desechado para darles una nueva vida y un nuevo sentido, a poder ser mejor que el que tenían porque muchos son objetos muy bastos, muy burdos, como maderas, papeles, hierros… que me encuentro por ahí, latas de gasolina oxidadas, objetos que consigo en el Rastro.

En tu obra siempre subyace una llamada a lo trascendente, un eco que alienta  la elevación moral, espiritual, de quien la contempla.

La única premisa que pienso que debe tener un artista a la hora de crear es la sinceridad,  la pura expresión de lo que cada uno lleva dentro. Considerar el arte como fin y el artista como medio también será de gran ayuda a la hora de intentar materializar algo que pueda llegar a ser trascendente. El artista debe dejar que la fuerza interior aflore por encima de nuestra, hoy por hoy, tiranizante “razón”. Vivimos en un mundo dominado por la “lógica” en detrimento de la emoción y el sentimiento, que son el origen de toda verdadera expresión artística. En mi obra, hablo de la autosuperación y de la búsqueda de la “perfección”, aunque sé que la perfección no existe. Es clave para mí dejar claro que el artista tiene que ser un medio, el ego tiende a hacer creer a los artistas que son un fin en sí mismos y que son protagonistas de lo que hacen, el centro de todo, y yo creo que el artista tiene que ser un medio para crear su obra y un medio de expresión trascendente. Debes intentar conectar con tu propio inconsciente con el inconsciente colectivo, aunque esto pueda parecer pretencioso. El artista tiene que aspirar a ser un canal a través del cual se exprese la vida

Yo mismo flipé el otro día cuando tuve que explicar mi obra en la inauguración, no me había preparado nada y, solo después de explicarla, me di cuenta que todo tenía sentido. Yo nunca sé lo que estoy haciendo. Cuando pinto un cuadro, no hay una idea previa, me enfrento al vacío y ese vacío se va llenando de cosas que ni yo soy consciente de que las llevo dentro, al final aparecen realidades que ni me había planteado que existían dentro de mí, igual ni siquiera están dentro de mí, están en el subconsciente o el inconsciente colectivo. A veces me sorprendo a mí mismo hablando muy bien de mi propia obra, no es que no tenga pudor, es que en realidad no la considero mía del todo, la juzgo como si fuera un extraño, de hecho siempre firmo “Bancho o no?” ¿Soy yo o es algo dentro de mí?

Sobre este tema, me interesa mucho (Carl Gustav) Jung, por ejemplo. He leído mucho sobre él, y yo mismo he pasado por episodios –calificados en su día por un psiquiatra del Clínico de Valencia– como místicos y paranormales. Estuve año y medio viviendo unas experiencias muy cañeras y a partir de esto asumo el deseo de hacerme artista. Nació la inquietud de expresarme, de dejarme todo… la seguridad, un buen trabajo fijo con el que me podía haber jubilado y tener una vida sin complicaciones. Decidí arriesgarlo todo para poder autorrealizarme y expresar lo que llevo dentro. Estoy convencido de que a mi madre se la comió su propia creatividad, su capacidad de hacer cosas y su energía, yo creo que un artista si no se expresa, revienta.

Fachada del siglo XVI, de estilo renacentista, del Museo del Ruso de Alarcón, en cuyo interior se disponen las obras que configuran la exposición 'El camino interior', de Bancho. Fotografía cortesía del Museo del Ruso de Alarcón.

Fachada del siglo XVI, de estilo renacentista, del Museo del Ruso de Alarcón, en cuyo interior se disponen las obras que configuran la exposición ‘El camino interior’, de Bancho. Fotografía cortesía del Museo del Ruso de Alarcón.

Es complicada la relación del creador frente a un mercantilismo al que no puede renunciar. ¿Cómo ves la escena artística de hoy y qué papel juegan los artistas?

Hoy, tal y como yo lo veo, el mundo del arte vive de la ilusión de los artistas y de su capacidad de creación. Para mí el mundo del arte ha caído en manos de un capitalismo atroz. El centro es el dinero que fagocita todo, se come todo. El dinero que es un medio se convierte en un fin, y el dinero como fin no es nada, porque el fin último debería ser el hombre que, sin embargo, se convierte en un medio de generar dinero, de conseguir dinero o de explotar para conseguir dinero. Con el arte pasa lo mismo, se ha convertido en mercantilismo y es un valor, que además es subjetivo, y que gente con mucha capacidad de influencia utiliza para inflacionar y especular. El problema es que la gran mayoría de artistas está sobreviviendo a duras penas, y en el otro lado hay una élite, algunos que viven como auténticos pachás.

El circuito del arte se está monopolizando, las pequeñas galerías tienden a desaparecer, está diluyéndose el circuito habitual, se está concentrando en manos de unos pocos (como pasa en el resto de empresas) y ahora mismo hay grandes emporios, grandes galerías, que lo manejan todo.

En pocos años, ha cambiado drásticamente la manera de relacionarnos en todos los ámbitos de la vida. ¿Qué papel crees que ocupan las redes sociales en el mundo del arte?

Si no estás en una red social estás muerto y esto supone un problema, porque es un terreno artificial. Creo que estamos mostrando una fachada que no es nada profunda, en las redes no somos nosotros de verdad, somos un “quiero gustar”, “quiero que me acepten”, “quiero que todo el mundo me valore”, ahí perdemos el sentido de nosotros mismos, nos estamos prostituyendo en aras de algo que no existe porque realmente es algo virtual que como medio está fenomenal pero que tampoco puede ser un fin. Yo creo que muchas de las “cagadas” del ser humano se producen al convertir los medios en fines y lo hacemos continuamente, lo que debería ser un medio de comunicación para que el planeta esté en contacto, para que se faciliten un montón las relaciones entre las personas, se ha acabado convirtiendo en un fin en sí mismo y la persona está a su servicio, subyugada, y se acaba prostituyendo para ser aceptada en esa falsa sociedad. A mí me da pena porque podría ser utilizado de forma maravillosa –a veces también se usa así–, pero el problema es ese, nuestro ego siempre acaba apoderándose de las cosas.

¿Qué referentes artísticos motivan o han influido de alguna manera en tu obra?

Me interesa mucho el racionalismo abstracto, me inspira la obra de Francis Bacon, Anselm Kiefer, Tapiès, Anish Kapoor, Jaume Plensa o De Chirico y toda la pintura metafísica, me gusta todo lo que es trascendente, lo que comunica con otros mundos. Creo que hay un exceso de realidad, la realidad es aburrida, es gris y cualquier persona que nos haga volar, alucinar, y nos transporte a otras dimensiones del pensamiento y del sentimiento me aporta, el arte tiene que ser emoción y ahora hay un exceso de racionalidad. La racionalidad es buena porque si no nos iríamos tirando por los barrancos, pero creo que necesitamos un toque de irrealidad. Me gusta mucho la gente que conecta con el hemisferio derecho y vuela. Los grandes artistas para mí han sabido crear nuevas maneras de ver las cosas, veían la vida de una forma que nadie contemplaba y han sabido expresar, comunicar y conectar con la gente –algunos no en su época sino en tiempos futuros–, han sido pioneros. Transformando la forma de ver las cosas se transforma todo, no hace falta cambiar lo que hay, sino tu forma de ver lo que hay.

El artista Bancho posa junto a las obras de su exposición 'El camino interior', en el Museo del Ruso de Alarcón. Fotografía cortesía del museo.

El artista Bancho posa junto a las obras de su exposición ‘El camino interior’, en el Museo del Ruso de Alarcón. Fotografía cortesía del museo.

Marisa Giménez Soler

 

XXVII BIENAL DE PINTURA “EUSEBIO SEMPERE” 2018

Convocante: Ayuntamiento de Onil
Dotación: 4.000 euros
Modo de presentación: envío de la obra
Plazo de admisión: hasta el 10 de septiembre de 2018

El Ayuntamiento de Onil, con la finalidad de promover y difundir los valores
creativos y estéticos en el mundo de las Artes Plásticas, convoca la XXVII
BIENAL DE PINTURA “EUSEBIO SEMPERE”.
PRIMERA
Podrán participar todos los artistas que lo deseen, que sean mayores de
edad y de cualquier nacionalidad.
SEGUNDA
El Ayuntamiento destinará la cantidad de 4.000 € a un único premio que
consistirá en la adquisición de la obra premiada, a la que le será practicada
la preceptiva retención sobre el I.R.P.F. El Certamen podrá ser declarado
desierto, si así lo decide el jurado.
TERCERA
Con las obras seleccionadas se realizará una exposición en la Pinacoteca
del Centro Cultural de Onil, que se inaugurará el 30 de septiembre de
2018. De todas las obras seleccionadas se confeccionará un catálogo.
CUARTA
Se declara libre tanto la temática como los procedimientos a emplear. No
obstante se establece la limitación de los soportes de la pintura que serán
como mínimo de 1m2 y como máximo de 2x2m2.
QUINTA
Las obras DEBEN ESTAR SIN FIRMAR.
SEXTA
Cada artista podrá concurrir al Certamen con un máximo de una obra, corriendo a su
cargo los gastos de envío y retorno de la misma. El Ayuntamiento no se hace responsable
de pérdidas o deterioros de las obras. No obstante el Ayuntamiento velará por una adecuada
conservación de todos los cuadros.
SÉPTIMA
El Jurado designado entenderá en todo lo referente a la admisión de las obras a este
Certamen, estando facultado para rechazar cualquiera de ellas si cree o estima que no
reúne las condiciones necesarias.
OCTAVA
El Jurado estará formado por personas expertas en el mundo de las Artes Plásticas y de
la Cultura, presididas por el Alcalde o persona en quien delegue, y tiene las máximas
facultades para interpretar las bases.
El Secretario del Jurado será el del Ayuntamiento o persona en quien delegue.
NOVENA
Las decisiones adoptadas por el Jurado, tanto en lo referente a la admisión de obras como
a su premio, serán inapelables.
DÉCIMA
Las obras deberán ser enviadas al Centro Cultural de Onil, Av. Constitución, nº 21, 03430
ONIL, de lunes a viernes de 9.00-14.00 h. (Excepto del 6 al 24 de agosto. En el que el
Centro Cultural permanecerá cerrado) La información sobre dicha convocatoria podrá
solicitarse en el Centro Cultural de Onil, teléfono 610926671 y 679170159 o al correo
electrónico bienal@ayto-onil.es
Toda obra deberá llevar en su parte posterior, un sobre cerrado donde estarán: el título
de la obra y los datos personales del autor: nombre, dirección, fotocopia del DNI, teléfono
donde se pueda localizar, e-mail, medida de la obra y técnica empleada en su confección.
Tanto los boletines como las obras enviadas deberán cumplimentarse correctamente, de
lo contrario las obras no serán admitidas.
Las obras deberán presentarse, como mínimo, protegidas por un listón y embaladas
suficientemente con los llamados utilizables; las no embaladas o con embalajes inadecuados
se admitirán con reserva.
UNDÉCIMA
Las obras deberán llegar a manos de la Organización hasta el 10 de septiembre de 2018.
Las no admitidas por el Jurado se remitirán a sus autores dentro de los treinta días
siguientes a la decisión del mismo, que se comunicará formalmente a los interesados.
Las admitidas y que figuren en la Exposición, que en su momento se realice, se remitirán
en los días siguientes a la Clausura de la Muestra.
En todo caso, las obras presentadas a mano, deberán ser retiradas por el mismo
procedimiento en los términos fijados anteriormente y previa presentación del recibo o
resguardo correspondiente.
DÉCIMOSEGUNDA
La obra premiada pasará a ser propiedad del Ayuntamiento de Onil, con todos los derechos
inherentes a esta condición.
Transcurrido tres meses, el Ayuntamiento dispondrá de las obras que no hayan sido retiradas.
DÉCIMOTERCERA
La simple participación en esta convocatoria supone la plena aceptación de estas bases
y la absoluta conformidad con las decisiones del Jurado, sin derecho a reclamación o
recurso alguno.
Lo que se publica para general conocimiento
Onil, 20 de febrero de 2018
Humi Guill Fuster

Imagen de portada: Pruf, 1971, de Eusebio Sempere (detalle)
Bases completas

Beca de producción a la creación videográfica DKV-Es Baluard 2018

Convocante:
Dotación:
Modo de presentación:
Plazo de admisión:

Beca de producción a la creación videográfica DKV-Es Baluard 2018

Es Baluard y DKV Seguros convocan la quinta edición de la beca de producción a la creación videográfica.

La beca está abierta a la presentación de proyectos de obras de videoarte, y está dotada con un importe de 5.000 euros (+IVA). Esta cifra incluye los gastos de producción de la obra, honorarios, así como otra serie de conceptos desglosados en las condiciones.

La obra resultante se expondrá en Es Baluard a partir de noviembre de 2018, y participará en una exposición colectiva en Ca n’Oliver, Mahón, Menorca, del 5 de octubre de 2018 al 6 de enero de 201 (inauguración el 4 de octubre de 2018). El museo asumirá los gastos derivados de las exposiciones. Para la asistencia a la inauguración y presentación se dotará al ganador de una cantidad de 250 euros (+ IVA) que se entregará sumándolo a la totalidad del premio.

Condiciones

La selección de los proyectos ganadores correrá a cargo de un jurado de expertos.
La convocatoria está abierta a artistas y colectivos de nacionalidad española nacidos a partir de 1978. En el caso de colectivos al menos uno de los miembros debe cumplir ambos requisitos.
Los proyectos serán específicos, originales e inéditos. No se admitirán aquellos trabajos que hayan sido editados o premiados anteriormente.
El autor de la obra ganadora cederá a Es Baluard y a DKV Seguros los derechos de comunicación pública de la misma con fines promocionales, para la incorporación a la web, con fines didácticos y de investigación.
Asimismo, el autor se hace responsable de cualquier apropiación, cita o colaboración incluida en el trabajo que no sea de su autoría propia.
Dos pruebas de autor de la obra ganadora podrán pasar a formar parte de las colecciones de ambas instituciones si la comisión de adquisiciones de las mismas lo aprueba y sin coste adicional a la cuantía de la beca.
En caso de que la obra resultante contenga audios con conversaciones la pieza deberá ir subtitulada al inglés (o al castellano si la pieza estuviera producida en inglés).
La beca será abonada al autor o autores del proyecto vencedor previa presentación de factura.
El artista se compromete a acudir a la presentación de la exposición con la obra producida. Los gastos de alojamiento y transporte serán cubiertos por el artista con una dotación de 250 euros (+ IVA) adicionales a los 5.000 euros (+IVA) de la beca de producción.
El autor se compromete a entregar la obra producida antes del 30 de agosto de 2018, para su valoración por parte de los respectivos comités y el estudio de sus necesidades expositivas.
Criterios de valoración

Los proyectos serán valorados por el jurado en función de los siguientes criterios:

El valor artístico y cultural de los proyectos presentados en coherencia con la línea abierta en la beca DKV Es Baluard
La viabilidad de realización en función de los plazos y el presupuesto.
La viabilidad técnica de la propuesta en cuanto a su ejecución.
Presentación

La solicitud deberá incluir la siguiente información, que se enviará por e-mail en un único pdf de máximo 10 Mb:

DNI y datos de contacto (dirección completa, mail y teléfono)
Fecha y lugar de nacimiento
Título del proyecto.
Cronograma del trabajo.
Justificación del proyecto (máximo 300 palabras).
Descripción del proyecto (máximo 500 palabras).
CV del artista o colectivo (máximo 300 palabras).
Dossier con el trabajo anterior del artista o colectivo con un máximo de 5 obras
Comité de valoración

Miembros del jurado:

Javier Hontoria (comisario y crítico de arte), Tania Pardo (Responsable de Exposiciones de La Casa Encendida), Nekane Aramburu (directora Es Baluard), Alicia Ventura (comisaria y asesora Colección DKV), Juan Bautista Peiró (asesor Colección DKV)

Plazos

El plazo para el envío de la documentación concluye el 15 de abril de 2018. La misma se deberá enviar a Es Baluard al correo electrónico: artistica02@esbaluard.org

Los resultados de los seleccionados de esta convocatoria y sus fases serán anunciados en la web del museo (www.esbaluard.org).

Proyecto seleccionado

Se solicitará a los artistas o colectivos autores de los proyectos seleccionados la firma de un acuerdo con Es Baluard-DKV que regule los términos, revisión de plazos de cumplimiento, pagos y derechos de comunicación de la obra.

Información y Consultas

Para cualquier información adicional pueden dirigirse a: artistica02@esbaluard.org
La participación en esta convocatoria implica la aceptación de las presentes bases.
Las decisiones del jurado son inapelables. Teniendo en cuenta la calidad de las obras presentadas, el jurado podrá declarar el premio desierto.

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