Muere Joan Cardells, el artista «febril”

Posted on 8 julio, 2019 por Salva Torres

Joan Cardells, fundador junto a Jorge Ballester de Equipo Realidad, falleció el pasado sábado 6 de julio (2019) de forma «inesperada», según informaron fuentes cercanas a la familia. Con él se va un artista que, como recordó en la entrevista realizada con motivo de su exposición ‘Grafitos’, en la Galería Punto hace cinco años, trabajaba con enorme pasión. No sabía de las medias tintas, sino de volcarse por completo en una obra que ahora deja por razones ajenas a su voluntad. Una voluntad de hierro que su muerte funde, dejando un gran vacío en el mundo del arte. A continuación reproducimos tal cual, el artículo publicado en Makma con motivo de aquella muestra.

Joan Cardells. Imagen cortesía de la Galería Punto.

A Joan Cardells le obsesiona el dibujo. Y se nota. La serie de grafitos que expone en la galería Punto de Valencia refleja esa elocuencia de lo que inspira pasión. Tanta, que desborda su obra, lo cual se hace patente cuando el propio artista se arroja a la tentativa de explicar su trabajo. Entonces, al igual que le sucede con sus dibujos, Cardells va tirando del hilo de la memoria para tejer un discurso que no tiene desperdicio. “No se puede trabajar con 36,5, sino en estado febril”. Ese “relámpago en la frente” que le hace seguir el rastro de su obsesión, ese “estado furioso” que reclama como necesario para la creatividad, “aunque no se refleje luego en la obra”, es el que hace de Joan Cardells un artista en estado puro.

Obra de Joan Cardells. Imagen cortesía de Galería Punto

Todo aquello que venga a distraer el objeto de su pasión, queda en un segundo plano. No es que la bajada del IVA no le importe: “Me parece secundario, frente a lo principal que es la emoción, que algo por encima de todo te motive”. O que el IVAM le resbale: “La diferencia entre el IVAM actual y el anterior no la he estudiado, pero en todo caso es importante que el IVAM siga existiendo”. O que las promesas políticas le traigan sin cuidado: “Hubo mucho progre deseoso de atender a la cultura, que luego ha demostrado ser fingimiento”. Pero todo eso resulta secundario, cuando aparece la fiebre motivada por el dibujo. “Lo que va a pasar 10 centímetros después del lápiz, es lo que estimula”.

Obra de Joan Cardells. Imagen cortesía de Galería Punto.

Si hay algo que a Joan Cardells le enerva sobremanera es, precisamente, la incapacidad para salir de los compartimentos estancos a los que nos conduce la ideología. “Yo lo que pido es que se sea menos gregario”. Y apela a la soberanía, pero una soberanía “individual, que es la más costosa”. Soberanía que, en su caso, ha ido alcanzando por la vía del lento aprendizaje. Ninguna prisa de por medio. ¿Para qué correr cuando el lápiz te abre a cada paso las sendas del estímulo por las que Cardells transita? “Uno siempre busca el placer de pintar”. Eso y la revancha de la que habla, refiriéndose a los 14 grafitos y tres esculturas expuestos en la galería Punto, a modo de ajuste de cuentas con esa primera etapa de aprendizaje cuya impresión es de fracaso.

Obra de Joan Cardells. Imagen cortesía de Galería Punto.

“Me gusta fabricar imágenes con el menor instrumental posible”. Y, a la manera zen, Joan Cardells va construyendo una obra minimalista que se eleva y eleva de forma tan imperceptible como prodigiosa. “Con lápiz y papel puedes hacer todas las cosas del mundo”. Y en su mundo hay “querencia por el bodegón” y por la “evocación de los olores de los mercados, de las tiendas”. En el fondo, Cardells recuerda que la materia prima con la que trabaja es “la memoria”. Y su memoria le lleva a todos esos lugares que, como una simple ferretería, encandilaba sus jóvenes sentidos al contemplar ollas, pucheros y los más variados recipientes, que luego han ido formando parte indisoluble de su trabajo.

“Combino lo orgánico con lo industrial”. Olivas, odres, gallos, patos, es decir, “el clásico bodegón español”, que le ha servido como “reto de aprendizaje”. También hay algo en sus grafitos de “coreográfico”, por aquella “tendencia a bailar” que Cardells observa en los objetos de su pintura. “Y el gusto por el gris”, subraya. Esa “reducción al blanco y negro” tiene mucho que ver de nuevo con esa “vuelta al mundo del aprendizaje”. No es que haya renunciado al color, pero aquel color del Equipo Realidad, que formó con el recientemente fallecido Jorge Ballester, pertenece a una “época interesante”, que Cardells recuerda sin nostalgia, porque “la de ahora es apasionante”. Una pasión que guía su obra y las palabras que, a modo de revancha, dan cuenta de su largo y fructífero aprendizaje. La fiebre de venganza está, en el caso de Joan Cardells, plenamente justificada.

Joan Cardells. Imagen cortesía de Galería Punto.

Salva Torres

Fede Pouso: razones íntimas, ideas al desnudo

Posted on 26 junio, 2019 por MAKMA

‘La idea del desnudo’, de Fede Pouso
Hotel ME BY MELIÁ
Plaza Santa Ana 14, Madrid
Inauguración: jueves, 27 de Julio a las 20:00

ME by Meliá, la firma hotelera de Meliá Hotels International vinculada al arte contemporáneo, a la música y al diseño, acoge la exposición ‘La idea del desnudo’, del artista uruguayo Fede Pouso, cuya inauguración tendrá lugar el jueves 27 de junio a las 20:00.

En su última serie, ‘La idea del desnudo’, Pouso asienta el fundamento temático sobre sus recuerdos y experiencias vividas a lo largo de su carrera en el mundo de la moda e, igualmente, procurando perfilar un instante de intimidad, un trayecto en el que los colores representan un estado de ánimo y una energía que habita los cuerpos representados, que hablan de la felicidad y del acercamiento con uno mismo.

Imagen de la obra ‘Nude I’, de Fede Pouso. Fotografía cortesía del artista.

“Todo esto nace de una experiencia personal; todo lo que pinto, lo que pienso, lo que sale de mí tiene que ver con quién soy, sin filtros, conlo que construí, lo que he aprendido, todo lo que he vivido. Esto es un escalón más en mi constante búsqueda de saber quién soy, de saber qué tengo para dar, de cuál es mi servicio y qué propósito tengo en esta dimensión”, confiesa el artista, cuya incursión en el mundo de las artes plásticas surge de la mano de su madre, a la que ve pintar desde niño.

Fede Pouso, quien desde muy temprana edad trabaja como estilista y diseñador en el mundo de la moda, el teatro y el cine, revela en su nuevo trabajo pictórico que “estas mujeres representan para mí a esas amigas de la infancia que me aceptaron en sus grupos de mujeres sin dudar; esas mujeres que me integraron en su vida personal e íntima, que me protegieron ante la mirada de otros varones por no ser lo suficientemente masculino…”, revela su autor en su nuevo trabajo pictórico.

‘La idea del desnudo’, de Fede Pouso. Fotografía cortesía del artista.

MAKMA

El entrelazamiento formal de Leo García en Vangar

Posted on 3 junio, 2019 por MAKMA

‘Symploké’, de Leo García.
Galería Vangar
Císcar 57, València
Del 7 de junio al 20 de julio de 2019
Inauguración: viernes 7 de junio a las 20:00

La Galería Vangar acoge la exposición ‘Symploké’, del artista Leo García, cuya inauguración tendrá lugar el próximo viernes 7 de junio, a las 20:00, y que podrá visitarse hasta el 20 de julio de 2019.

Symploké es un término que se usaba de forma común en la antigua Grecia y que significa entretejimiento o entrelazamiento, no solo aplicado al tejer, sino también como sinónimo de composición. La elección de este término responde a una triple intención: formal, filosófica y crítica. Por un lado, desde un punto de vista formal, sirve para decir que la obra de Leo García muestra un entretejimiento entre dos formas de trabajar la pintura que, a priori, no tendrían mucho que ver. El constructivismo y el expresionismo, la geometría y la textura, la estructura numérica y el gesto espontáneo.

Imagen de una de las obras de Leo García que forman parte de ‘Symploké’. Fotografía cortesía de la Galería Vangar.

Aunque symploké fue simplemente una palabra de uso común en su momento, hace unos 40 años, Gustavo Bueno, padre del materialismo filosófico, la reinterpretó dotándola de un sentido técnico filosófico. Este nuevo sentido es que el universo no se muestra al hombre como un todo unificado, sino que se articula precisamente en symploké, con un entrelazamiento entre campos diversos con elementos que están conectados y elementos que no lo están. Una razón crítica que el artista trata de resaltar al hacer evidente una contradicción.

De este modo, Leo García (Murcia, 1983) experimenta dentro del campo pictórico, con elementos propios de la pintura, como son la geometría o la textura, con colores sugerentes, con composiciones poco recargadas, con las que ejercita esta especie de geometría de las ideas, jugando a conectar en symploké elementos diversos que no deberían estar conectados, como son la pintura gestual y la pintura geométrica.

De su obra se desprende que el autor se encuentra muy cómodo en los grandes formatos y que, formalmente, podría posicionarse en un punto intermedio entre el constructivismo ruso y el expresionismo norteamericano: entre la geometría y la textura, entre lo meticuloso y lo espontáneo. Desde un punto de vista menos formal y más filosófico, se adscribe a la escuela denominada materialismo filosófico. Un pensamiento sistémico que propone un sistema de pensamiento, una sistematización filosófica y una geometría de las ideas.

Artista interdisciplinar y licenciado en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València, durante su carrera ha obtenido, entre otros, el Primer Premio XI de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos, en València, el Primer Premio del Certamen Dibujo, de la Universidad Autónoma de Madrid, ha sido Premio Adquisición en Ibercaja Pintura Joven durante varios años, y también Mención de Honor en premios como el Premio Nacional de Pintura de Torrevieja, el Certamen de Pintura de Moncófar, o el Premio Nacional de Pintura Villa de Fuente Álamo, en Murcia.

Su obra se encuentra en fondos como la colección del Ateneo Mercantil y de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos (València), el Museo Camón Aznar (Zaragoza) y el Centro Europeo de Empresas e Innovación (Murcia), entre otros. Ha expuesto en espacios como el Centre del Carme Cultura Contemporània y el Museo de La Ciudad (València), el Museo Wolf Vostell (Malpartida), el Museo del Almudí, (Murcia), el Museo Diocesano (Barcelona), la Fundación Fran Daurel (Barcelona) y la Galería Club Antares (Sevilla), entre otros espacios.

Imagen de tres de las obras de Leo García que forman parte de la exposición. Fotografía cortesía de la Galería Vangar.

MAKMA

Un diálogo artístico entre YunShin y Puri Herrero

Posted on 15 abril, 2019 por MAKMA

‘Diálogos artísticos de las artistas Kim YunShin y Mari Puri Herrero’
Galería Han-ul
Centro Cultural Coreano
Paseo de la Castellana 15, Madrid
Del 24 de abril al 24 de junio de 2019
Inauguración: miércoles 24 de abril a las 19:30

El Centro Cultural Coreano (Paseo de la Castellana 15, Madrid), en colaboración con la Galería Álvaro Alcázar, inaugura el 24 de abril a las 19:30 la exposición de escultura y pintura ‘Diálogos artísticos de las artistas Kim YunShin y Mari Puri Herrero’.La muestra se podrá disfrutar en la Galería Han-ul del Centro hasta el 24 de junio de 2019.

‘Papeles de un diario’ es el título de las obras de Mari Puri Herrero, mientras que Kim Yun Shin presenta sus pinturas y esculturas bajo el título ‘Alma sonora’. Ambas artistas comparten disciplinas y generaciones, con obras con puntos en común, donde convergen la naturaleza y la sencillez de la vida y donde recurren a materiales como la madera o el papel para expresar de modo más profundo sus pensamientos.

Kim YunShin (Corea del Sur, 1935) pertenece a la primera generación de escultoras coreanas. Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Hongik, en Seúl, más tarde se traslada a Francia para estudiar en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París. En 1984 recala en Argentina, donde reside en la actualidad. Hace algunos años, en 2007, llevó a cabo su primera exposición individual en el Museo de Arte Hanwon de Seúl. Desde entonces ha celebrado exposiciones individuales y colectivas, tanto en Corea como en Argentina, y ha inaugurado un museo con su propio nombre en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

La obra de Yun Shin se remonta a 1960, cuando comienza una intensiva búsqueda por el arte abstracto. En la década de los 70 y en adelante prosigue su investigación, centrándose en materiales de escultura: madera, mármol, ónix, alabastro, y piedras semipreciosas. Además, desarrolla su obra con pinturas con formato de collage y grabados.

Representando la filosofía oriental hacia la vida, fuerza y espiritualidad milenaria, dichas formas y pensamiento han sido sus temáticas durante más de veinte años. Kim Yunshin es una artista de profundas convicciones y no fácil de tentar por modas o movimientos artísticos y estéticos efímeros.

En el año 1995, el exdirector del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el profesor Roberto del Villano, dijo: “su obra, una ofrenda; su taller, un templo; su trabajo, una oración”. Estas palabras hacen referencia a sus esculturas, en las que hizo uso del jaspe o cuarzo rosa, sodalita, calcita, ágata o cuarzo azul, las cuales revelan en su interior ese silencio absoluto que la piedra encierra y que Yun Shin Kim delega a través de una materia abstractamente moldeada. Por eso en sus obras la frescura se mantiene como en una piedra virgen y la densidad de los espacios, el recato de los volúmenes y la simple complejidad estructural son una sola unidad que armoniza con el todo y ocupa su sitial sin rupturas ni desplazamientos, donde naturalmente instala su presencia.

Detalle de una de las obras de la artista Mari Puri Herrero. Fotografía cortesía del Centro Cultural Coreano de Madrid.

Sin corromper la naturalidad del material crea sus obras, destacando especialmente la sencillez en sus diseños, con piezas muy bien articuladas y que dan un mensaje de fortaleza impregnadas de las experiencias y espiritualidad de la artista.

Mari Puri Herrero (Bilbao, 1942), por su parte, es una renombrada pintora y grabadora española que se mantiene en activo tras más de cuatro décadas. Su pintura recoge imágenes del mundo que le rodea, mundo en el que conviven disparidad de visiones. Cosas cotidianas, más o menos comprensibles, que vemos, imaginamos o soñamos; y casi siempre con una fuerte presencia de la naturaleza.

Habitualmente existe un recorrido previo por obra en papel: tintas, grafitos, collages… y aguafuertes, técnica esta última a la que dedica parte de su actividad. En ocasiones también procede con obra escultórica, pues considera que cada material expresa con mayor precisión determinadas ideas.

Mari Puri Herrero trabaja alternando sus estancias en el centro de Madrid y en el campo de Menagaray (Álava), donde el papel siempre le rodea. Para ella trazar sobre un papel es espontáneo, rápido e insistente; igual que el pensamiento, que frecuentemente se adelanta al desarrollo de las ideas. Cautivada por el papel Hanji o papel tradicional coreano, lo incorpora en muchos de sus trabajos.

El papel permite seguir una idea con fluidez, absorbe bien el trazo, que desde el momento en que apoyas la punta del pincel o pluma con tinta en el papel, esta queda absorbida instantáneamente, fundiéndose con él. Esto es lo que busca la artista y lo que encuentra en los papeles orientales.

De este modo, Mari Puri Herrero ha procurado presentar una breve selección de papeles, en los que se puede apreciar cómo, de manera natural, se recorren a veces con líneas, como si de escritura se tratase, temas vistos o entrevistos; otras veces, las manchas y el color que llevan a la naturaleza, para ella siempre tan cercana.

“Son amplios los recorridos que te permite una hoja de papel”.

Detalle de una de las obras de la artista coreana Kim YunShin. Fotografía cortesía del Centro Cultural Coreano de Madrid.

La memoria lírica de Shirin Salehi en Ana Serratosa

Posted on 2 abril, 2019 por MAKMA

‘Dentro de un agua extraña, mi sombra’, de Shirin Salehi
Galería Ana Serratosa
Pascual y Genís 19, València
Del 2 de abril al 28 de junio de 2019
Inauguración: martes 2 de abril de 2019 a las 20:00

La Galería Ana Serratosa acoge la exposición ‘Dentro de un agua extraña, mi sombra’, de la artista iraní Shirin Salehi (Teherán, 1982), que podrá visitarse hasta el 28 de junio de 2019, cuya inauguración tendrá lugar hoy martes, 2 de abril, a las 20:00.

La muestra, comisariada por la historiadora del arte Ana Martínez de Aguilar, reúne, bajo el título ‘Dentro de un agua extraña, mi sombra’, obras pertenecientes a las diferentes etapas de la trayectoria artística de la autora. Grabados, esculturas e instalaciones que encuentran un universo en común dentro del género de la poesía.

Imagen de una de las obras de Shirin Salehi. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

La obra de Salehi, caracterizada por la monocromía y la experimentación con los materiales, utiliza el papel como protagonista, entendido como el lugar donde todo sucede. En ella, el soporte se transforma y se convierte en el camino a seguir, simbolizando fisuras, rasgaduras o incisiones, con las que la autora nos habla de experiencias y tiempos pasados, pero siempre intentando proclamar la belleza y la lírica como antídotos hacia el futuro.

Martínez de Aguilar describe la muestra como “una invitación a mirar muy de cerca, a sumergirse en el silencio a través de la palabra. Una aproximación sutil y silenciosa hacia el permanente interés del ser humano por dejar su huella en la historia a través del lenguaje escrito, de la grafía.”

Shirin Salehi reside y trabaja en España desde 1999. Artista visual, investigadora y docente, ha recibido premios de residencia artística por la Casa de Velázquez (Académie de France à Madrid), Il Bisonte Fondazione (Florencia) y la Fundação Bienal de Cerveira (Portugal) y de formación por la Fundació Pilar i Joan Miró (Mallorca) y por el Centro Internacional de la Estampa Contemporánea (La Coruña).

Imagen de una de la obra ‘Y otro álamo cayó (II)’, de Shirin Salehi. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

Su trabajo ha recibido, entre otros reconocimientos, el primer premio al libro de artista de la Fundación Ankaria (Madrid, 2015), el premio especial Combat Prize (Livorno, Italia, 2015), premio Fundación Pilar Banús en los XXII Premios Nacionales de Grabado del Museo del Grabado Contemporáneo Español (Marbella, 2014), Premio Acqui Giovani en la XI Bienal Internacional de grabado Premio Acqui (Acquiterme, Italia, 2013) y recientemente el segundo premio en el Premio Internacional de Arte Gráfico Carmen Arozena (Madrid, 2017).

Ha participado en exposiciones en galerías, ferias e instituciones públicas y privadas en Europa desde 2009. Máster en Investigación en Arte y Creación por la facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense, a su término publicó (velado): ‘Manifiesto de una artista en tiempos de ruido’ (2016).

Detalle de la obra ‘Poemas de soledad en Columbia University’, de Shirin Salehi. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

Premio Nacional de Pintura GESTORES 2019

Posted on 30 marzo, 2019 por MAKMA

Convocante: Colegio de Gestores Administrativos de Valencia
Dotación: 7.000 euros
Modo de presentación: online
Plazo de admisión: hasta el 19 de abril de 2019

Un año más, el Colegio de Gestores Administrativos de Valencia convoca la XI Edición de su Premio Pintura, una cita referente para la cultura de nuestra ciudad que tiene como objetivo reconocer el arte joven de la sociedad nacional. Un elenco de profesionales del sector formará el jurado de esta edición que, como no podía ser de otra forma, llega pisando fuerte y con muchas novedades. Juan Manuel Bonet, crítico de arte y escritor; Pedro Maisterra, de la galería Maisterravalbuena; Violeta Janeiro, comisaria de arte, Oliver Johnson, pintor y ganador de la última edición; Álvaro de los Ángeles, crítico de arte; Maite Ibáñez, crítica de arte y Jorge Seguí, miembro de la Junta de Gobierno del Colegio serán los componentes de dicho jurado.

Como novedad, este año, los artistas presentarán sus obras en formato digital y tendrán de plazo hasta el día 19 de abril de 2019. De entre todas las obras
recibidas, el jurado realizará una preselección de 40 aspirantes que obtendrán el derecho a presentar físicamente sus obras al Premio Nacional de Pintura Gestores 2019.

Tras esta primera preselección, se notificará a los 40 artistas elegidos que dispondrán del 29 de abril al 14 de mayo de 2019 para proceder al envío físico de sus obras. Una vez finalizado el plazo de presentación, el jurado determinará 20 obras entre las cuales se encontrará la obra finalista y la obra ganadora. La entrega del premio se realizará en la cena anual de colegiados, San Cayetano, el 31 de mayo de 2019.
Esta edición Se asigna como primer y único premio la cantidad de 7.000 €, pasando la obra premiada a ser propiedad del Colegio, quien se reserva los derechos de reproducción de la misma.

Tanto el ganador como el finalista tendrán la oportunidad de realizar sus publicaciones individuales a definir según el caso (catálogo, libro de artista, etc…) coordinadas por el estudio de diseño gráfico el bandolero Lacabra. Cada publicación constará de una edición limitada de 50 unidades cuya extensión individual tendrá un máximo de 96 páginas. Dichas ediciones irán recopiladas en un estuche conmemorativo junto a una memoria del Premio, quedando reservados 20 ejemplares de publicación para el ganador y 20 para el finalista.

Año tras año, entre todos hemos conseguido que este premio se convierta en un referente del arte joven nacional, gracias a los artistas, al alto nivel de participación, la creciente calidad de sus obras y también, gracias a la profesionalidad de los jurados que nos aportan seriedad y prestigio.

BASES

A partir de la edición de 2019, la presentación de obras se realizará inicialmente en formato digital. De entre todas las obras recibidas, un primer jurado realizará una preselección de 40 aspirantes que obtendrán el derecho a presentar físicamente sus obras al Premio Nacional de Pintura GESTORES 2019.

En esta edición el jurado estará compuesto por:
Juan Manuel Bonet, crítico de arte, ex director de museo, escritor
Pedro Maisterra, de la galería Maisterravalbuena
Violeta Janeiro, comisaria de arte
Álvaro de los Ángeles, crítico de arte
Oliver Johnson, pintor y ganador de la última edición
Maite Ibáñez, crítica de arte
Jorge Seguí, COGAV

Participantes
Podrán optar al premio todos los artistas españoles o extranjeros.
Cada artista podrá concursar únicamente con una obra, siendo tanto el tema como la técnica de libre elección.
La obra deberá ser inédita y de reciente creación y deberá ir convenientemente firmada.
Las medidas no serán superiores a 200 cm. por cualquiera de sus lados.

Premio
Se asigna como primer y único premio la cantidad de 7.000 €, no pudiendo ser dividido ni declarado desierto, pasando la obra premiada a ser propiedad del COGAV, quien se reserva los derechos de reproducción de la misma.
Ganador/a y finalista tendrán la oportunidad de realizar sendas publicaciones individuales a definir según el caso (catálogo, libro de artista, etc…) coordinadas por el estudio de diseño gráfico el bandolero Lacabra. Cada publicación constará de una edición limitada de 50 unidades, de dimensiones 14X18 cm, cuya extensión individual tendrá un máximo de 96 páginas. Dichas ediciones irán recopiladas en un estuche conmemorativo junto a una memoria del Premio de pintura, quedando reservados 20 ejemplares de publicación para el/la ganador/a y 20 para el/la finalista. El resto de la edición quedará reservada para
los miembros del jurado y el archivo del Colegio Oficial de Gestores Administrativos de Valencia (COGAV).
El premio económico concedido estará sujeto a la legislación vigente en materia de I.R.P.F.

– 11 de marzo-19 de abril. 1ª convocatoria.
Presentación digital de obras
A partir de la apertura del plazo de admisión, y hasta el 19 de abril de 2019 (inclusive), las obras candidatas deberán enviarse a través de la plataforma gratuita Wetransfer (www.wetransfer.com) en formato digital y con asunto “(nombre artista). Premio Nacional de Pintura Gestores 2019” a la siguiente dirección de correo: premiopintura@gestoresvalencia.org. Tras la recepción del envío y la revisión de la documentación, el COGAV remitirá un e-mail de confirmación de la obra admitida a concurso.
El formato de presentación de la obra constará de un único archivo .PDF de alta resolución (25cm lado máximo / 300 ppp resolución) que contendrá una imagen completa de la obra presentada y los siguientes datos:
· Título de la obra
· Medidas y año
· Técnica
· Datos personales:
Nombre y apellidos
Nombre artístico
DNI
Fecha de nacimiento
Dirección de residencia
Teléfono de contacto
e-mail
Junto al archivo .PDF de la obra podrá adjuntarse, además, una única carpeta con la documentación adicional que se considere necesaria (curriculum, publicaciones anteriores en formato .PDF, etc…) a efectos de consulta para los miembros del jurado que lo requieran.

– 29 de abril-14 de mayo. Preselección y
presentación de obras físicas
Tras la preselección de la primera convocatoria, se notificará a las/los 40 artistas elegidos que dispondrán del 29 de abril al 14 de mayo de 2019 (inclusives) para proceder al envío físico de sus obras. Finalizado el plazo de presentación de obras a concurso, será el jurado quien determine finalmente las 20 obras seleccionadas, incluyendo la obra finalista y la obra ganadora. De esta selección es propósito del COGAV realizar una exposición pública (a falta de concretar en estos momentos). En cualquier caso, llegado el momento se notificará dicha posibilidad que, de no realizarse, conllevará la retirada de la obra por el mismo procedimiento que el fijado para el resto de obras en el apartado 6 de estas bases
Las obras presentadas físicamente deberán estar enmarcadas con un listón y no se admitirán las que vayan presentadas con cristal.
Las obras deberán ir acompañadas de su correspondiente ficha técnica, los datos de contacto del autor/a, fotocopia del D.N.I. o del Permiso de Residencia o documentación extranjera y la documentación adicional que se considere necesaria para el jurado (curriculum, catálogos, etc…).
Las obras deberán ser remitidas, bien personalmente o a través de agencia de transportes, de puerta a puerta al Colegio Oficial de Gestores Administrativos de Valencia, calle Poeta Quintana nº 1, Valencia 46003, de lunes a viernes, de 9 a 13 horas y de 16,30 a 18,30 horas, siendo el mismo por su cuenta y riesgo a portes pagados, en embalaje sólido y reutilizable para su posterior devolución.
Si estos no pudieran ser reutilizables por cualquier motivo, entendiendo por reutilizables caja de madera o similar, la organización pondrá a disposición plástico de burbujas a efecto de la devolución.

El Colegio de Gestores de Valencia, no responderá de las pérdidas, deterioros, robos o cualquier tipo de desperfecto que pudiera sufrir la obra remitida ni durante el traslado ni durante la estancia en sus locales.
Las obras no seleccionadas podrán ser retiradas por sus autores si fueron entregadas en mano en las oficinas de recepción o solicitar su remisión a portes debidos a su domicilio. Las que fueron entregadas a través de agencia serán devueltas por el mismo medio a portes debidos y con sus embalajes originales o si estos no pudieran ser reutilizables por cualquier motivo, protegidos por cualquier material habitual y bajo la responsabilidad del artista.

Jurado
El jurado estará constituido por Juan Manuel Bonet, Pedro Maisterra, Violeta Janeiro, Álvaro de los Ángeles, Oliver Johnson, Maite Ibáñez y Jorge Seguí.
El premio concedido se entregará oficialmente durante la cena que celebrará el Colegio Oficial de Gestores Administrativos de Valencia el 31 de Mayo de 2019. El fallo del jurado será totalmente inapelable.

Devolución de obras
La organización no se hace responsable de aquellas obras que no hallan sido retiradas a fecha de 30 de Junio del presente año, entendiéndose que a partir de esa fecha las mismas han sido abandonadas por el autor, pasando automáticamente a propiedad y libre disposición del Colegio de Gestores de Valencia.
El hecho de concursar supone la plena aceptación de estas bases.

Imagen de portada: Hound, 2008 (detalle), de Oliver Johnson (Londres, 1972), obra premiada en la pasada edición.

Descargar BASES aquí

Oralidad y vínculo en la obra de José Bedia

Posted on 25 marzo, 2019 por Omar-Pascual Castillo

‘José Bedia. Trazos de una canción’
Galería Artizar
San Agustín 63, La Laguna (Tenerife)
Del 29 de marzo al 4 de mayo de 2019
Inauguración: viernes 29 de marzo de 2019 a las 20:00

En voz muy bajita, casi como susurrándonos, el artista cubano-americano José Bedia (La Habana, 1959) se empeña –desde hace años– en rescatar la oralidad, dejar sus huellas urdiendo un mapa a través de su quehacer visual, fundamentado en el lenguaje pictórico y el dibujístico, un mapa simbólico sobre la trasmisión de saberes oralmente; una constante que ha sido y es, desde siempre, una de las premisas utópicas y metodológicas de su trabajo.

Bedia edifica su obra desde una operación de arqueología y restauración de sus estudios antropológicos sobre cómo sobreviven, hoy día, las culturas primalistas, en combinación con cómo también sobreviven al avance civilizatorio del progreso social, como maquinaria homogenizadora, las culturas populares. En ese sentido, el artista es un registrador, un anotador de marcas endémicas que tienden a desaparecer de los estratos que componen nuestras voraces culturas omnívoras. Estas culturas trasatlánticas atravesadas por la africanidad, la españolidad y lo aborigen, en una mezcolanza en perpetua mutación, en un movimiento infinito de autodefinición.

Imagen de la obra ‘En el tronco de un árbol una niña…’, de José Bedia. Fotografía cortesía de Galería Artizar.

Quizás por esa urgencia de quien no sabe a cuánto estamos de la inevitable desaparición de estos fragmentos culturales que están siendo solapados, ocultados, silenciados, en su última producción Bedia se esfuerza por ilustrarnos –en el sentido de quien enseña, muestra u ofrece una iniciación gnóstica– cómo se mantienen entre nosotros esas transmisiones orales, como el ronroneo de ciertas nanas (canciones de cuna, muchas ya universales que han trascendido su localismo), boleros, danzones, habaneras, cantes de ida y vuelta, canciones susurradas, cantadas como murmullos al oído del iniciado, del recién nacido, del niño ingenuo que todavía el hombre es, pues Occidente se infantiliza cada día en su narcisismo tardío, que aún resuenan entre nosotros.

En un universo de reclamos de egolatrías, Bedia se desliga y baja la velocidad de sus obras, las hace menos escandalosas, más íntimas, más directas, menos enigmáticas, como si primara en él una necesidad de hacerse entender, incluso haciéndose más descriptivo; apelando a una relación narrativa directa, ni siquiera cargada de su habitual sentido del humor, sino didácticamente análoga, clara… clarividente.

Imagen de la obra ‘País en premonición’, de José Bedia. Fotografía cortesía de Galería Artizar.

Puede que esta necesidad late en José Bedia porque está anclada en el conocimiento de que en esa relación de fe hay un vínculo, un nexo que debe salvarse, anotándolo, haciéndolo fabulación visual, cuaderno de anecdotario, crónica simbólica que indica una resistencia invicta aún. Una conexión hombre planta, planta animal, animal mujer, mujer luna, luna tierra, monte mar, mar tierra espíritu… y así. Una recíproca relación ecosistémica donde algo de ese saber ancestral podría indicarnos las reglas del juego de nuestra supervivencia como especie, como sociedad presente que se proyecta hacia el futuro desde el pasado. Un vínculo que es transversal y atemporal, poseedor de un saber que traspasa el tiempo. Un diálogo que Bedia comprende como el don en lo dado, en el intercambio, en la voz de los otros, en su palabra y su musicalidad, su sinfonía mínima.

Aún cuando esa música suene detrás, de fondo, como un murmullo, un cántico divino silencioso, en voz baja, sólo para entendidos e iniciados, estudiosos sabedores de esas lenguas otrora misteriosas, enigmáticas y ocultas ante los saberes actuales, idiomática que conoce perfectamente porque sabe que si él pregunta… sus deidades responden. Como dejó plasmado en aquella obra germinal de título: ‘Si yo te llamo tú me respondes’ (1985). Una graficación del sistema dialógico y vinculante que describe la relación del Iniciado y su Nganga.

A día de hoy, tal vez, todavía alguien de fe.

Imagen de la obra ‘Múltiples Perfiles de Un Felino’, de José Bedia. Fotografía cortesía de Galería Artizar.

Omar-Pascual Castillo

El octavo cielo de Silvia Mercé en Color Elefante

Posted on 13 marzo, 2019 por Marisa Giménez Soler

‘Algunas especies raras’, de Silvia Mercé
Galería Color Elefante
Sevilla 26, València
Hasta el 12 de abril de 2019

Buscar a través del arte su lugar en el mundo, descubrir y conquistar ese recodo íntimo en el que las ausencias se transforman en luz y ya no duelen tanto, cartografiar un mapa propio de emociones donde las coordenadas crucen en el mismo plano recuerdos y anhelos, espejismos y vivencias.

Enloquecer la brújula, esquivar el Norte, distraer los rumbos y lanzarse al mar. Y, entonces, cambiar de esencia, de piel, fundirse con las profundidades teñidas de leyendas e historias, plantar cara a las mareas, escuchar sin miedo el eco lejano de los cantos que en la antigüedad cautivaron a aquel héroe aqueo, superar límites y así… dejarse mecer, permanecer.

Solo desde ese lado, desde esas aguas, rocas, islas, orillas…, desde esa mirada, es posible imaginar visiones contemporáneas inyectadas de color, energía y talento como las que nos propone en esta exposición la artista Silvia Mercé –que puede visitarse en la galería Color Elefante hasta el 12 de abril de 2019–.

Sirenas, “sirenos”, seres mitológicos revolcados de modernidad; hábitats, fondos y paisajes marinos imbuidos de fuerza y sugerente transgresión. Peces, cetáceos… que se escapan de su ámbito, sumergiéndose en un fascinante caos de trazos, líneas y esbozos. El agua que seduce y atrapa, el cielo que empuja a la elevación, a la trascendencia. Lo desconocido, lo misterioso, siempre ha despertado la curiosidad de la artista. Su primera exposición, a mediados de los años noventa, que tuvo lugar en La Esfera Azul, se llamó ‘Mirando las estrellas’. Desde entonces, su inspiración ha transitado varias veces en busca de respuesta por el octavo cielo, desde donde, según la teoría medieval geocéntrica, estos astros irradian su luz. También las plantas que imagina Silvia Mercé trepan y se elevan hacia lo infinito. De savia bruta y hoja perenne, se agarran a la vida negando su rareza y fragilidad.

Imagen de la serie ‘Algunas especies raras. Géneros, familias, tribus y subespacios’, de Silvia Mercé. Fotografía cortesía de Color Elefante.

‘Algunas especies raras. Géneros, familias, tribus y subespacios’, serie representada en esta muestra, nos habla de la identidad inmutable, de la incapacidad manifiesta de la raza humana de mezclarse con los otros, de mimetizarse con la naturaleza, de empatizar.

Inquieta, impulsiva, errante, Mercé necesita experimentar, enredarse con nuevos retos, dar vueltas por el mundo, enriquecerse de sensaciones, alimentar su alma, para más tarde parar, tomar aliento y regresar a sus puntos de referencia a los que se aferra fuerte.

De sus viajes, de cómo vive y cómo siente, nacen obras que encapsulan recuerdos. Fotografías, collages, dibujos, pinturas… que ella luego mezcla y manipula digitalmente, deteniendo en el tiempo imágenes que son ya reminiscencias, momentos que fueron mágicos; frases repetidas, marcadas a modo de tatuaje que reflejan un estado de ánimo, un grito en la noche, un estallido de felicidad, una ráfaga de placer. Esquinas de la memoria que el color tiñe, intensificando para siempre instantes que no volverán, pero que reivindican su presencia en estos micromundos que componen la existencia.

La artista Silvia Mercé durante un instante de la inauguración de ‘Algunas especies raras’ en Color Elefante. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Marisa Giménez Soler

XXII Mostra art públic / universitat pública

Posted on 12 marzo, 2019 por MAKMA

Convocante: Universitat de València
Dotación: 12.000 euros
Modo de presentación: online
Plazo de admisión: hasta el 29 de abril de 2019

La Mostra art públic / universitat pública és una iniciativa que pretén dinamitzar els espais públics del campus de Burjassot i transformar l’entorn universitari en un lloc d’intervenció artística obert a la societat. Per això, l’organització selecciona una sèrie de projectes artístics de caràcter efímer que establisquen un diàleg entre art i ciència, com a exercici i repte de la cultura contemporània, i que interactuen amb l’espai universitari del Campus de Burjassot.

La Mostra és una iniciativa que organitza el Servei d’Informació i Dinamització de la Universitat de València (Sedi) amb la col·laboració del Vicerectorat de Cultura i Esport de la Universitat de València.

Participants

Persones majors d’edat de qualsevol nacionalitat o lloc de residència. Les propostes es poden presentar mitjançant una sol·licitud individual o col·lectiva. Cada participant o equip pot presentar només una sol·licitud i un projecte.

Requisits

S’hi poden presentar qualsevol mena de projectes artístics d’art públic que s’exposaran en el campus Burjassot de la Universitat de València durant un període de quatre setmanes, fixat entre els mesos de setembre, octubre i novembre.

Es tindran en compte les condicions següents:

La intervenció proposada en el projecte no pot comportar en cap cas una agressió o deteriorament dels edificis, les instal·lacions o el context arquitectònic i urbanístic del campus.
Les instal·lacions artístiques situades a l’exterior del campus s’han d’adequar a la seua ubicació a l’aire lliure i, per tant, els materials i les condicions del muntatge han de garantir la resistència als factors meteorològics al llarg de quatre setmanes.
Les imatges utilitzades per al desenvolupament dels projectes no poden estar subjectes a drets de propietat i, en tot cas, l’artista serà responsable de la utilització i l’obtenció dels drets d’ús d’aquestes imatges.

Sol·licituds

Les sol·licituds s’han de presentar mitjançant el formulari disponible en ENTREU, seu electrònica de la Universitat de València, o en qualsevol altre registre previst en l’article 38.4 de la Llei 30/1992 de Règim jurídic de les Administracions Públiques i del Procediment Administratiu Comú.

Si no sou membres de la Universitat de València, consulteu aquestes indicacions per a crear un usuari extern de la seu electrònica [Indicacions, pdf].

Criteris per a la valoració dels projectes (fins a 10 punts)

El jurat aplicarà en la valoració dels projectes els criteris següents:

La qualitat artística dels projectes (fins a 5 punts).
La relació dels projectes amb l’objecte de les bases (fins a 1,5 punts).
L’adaptació de les intervencions artístiques al campus i la seua capacitat de transformació, dinamització i adaptació a l’entorn (fins a 1,5 punts).
La incorporació de la perspectiva de gènere i/o dels criteris de sostenibilitat ambiental en la definició dels projectes (fins a 1 punt).
La vinculació a línies d’investigació en qualsevol estructura de recerca del campus de Burjassot (fins a 1 punt).

Termini de presentació

Del 27 de febrer al 25 d’abril de 2019, a les 14.00 hores.

Dotació econòmica

La dotació econòmica per a cadascun dels projectes premiats serà de 2.000 €. Aquesta dotació es farà efectiva de la següent manera: un 50% després de la resolució de la concessió, i l’altre 50%, una vegada acabada l’exposició (inclòs el desmuntatge de les instal·lacions i el lliurament d’un text explicatiu de l’obra destinat al catàleg).Les quantitats econòmiques indicades per a cada projecte estan sotmeses a les retencions i impostos corresponents que siguen aplicables en cada cas.

Comissariat

La comissària de la XXII Mostra art públic / universitat pública és Alba Braza.

Jurat

El jurat de está integrat per:

Alba Braza Boïls, comissària de la Mostra art públic/universitat pública.

M. Teresa Ibáñez Giménez, tècnica de gestió cultural de la Fundació General de la Universitat de València.

Josefa López Poquet, artista visual i professora del Departament de dibuix de la Universitat Politècnica de València.

Juan Guardiola Román, director del Centro de Arte y Naturaleza-CEDAN (Huesca).

Más información
Imagen de portada: Jorge Isla, proyecto LUV-A, 2018. Foto: Jorge Lorenzo

V PREMIO NACIONAL DE DIBUJO DKV SEGUROS / MAKMA

Posted on 2 marzo, 2019 por MAKMA

Convocante: DKV Seguros y MAKMA
Dotación: 5.000 euros
Modo de presentación: a través de e-mail
Plazo de admisión: hasta el 15 de junio de 2019

BASES PREMIO NACIONAL DE DIBUJO DKV SEGUROS / MAKMA
BECA DE PRODUCCIÓN Y EXHIBICIÓN DE DIBUJO INÉDITO

DESCRIPCIÓN

DKV Seguros y MAKMA convocan la V edición del Premio de Dibujo DKV Seguros – MAKMA con el objetivo de premiar la producción de un proyecto expositivo inédito inspirado en un relato para todos los públicos, utilizando el dibujo contemporáneo como técnica básica.

ESPÍRITU DE LA CONVOCATORIA

El objetivo principal del Premio de Dibujo DKV Seguros – MAKMA es fomentar la producción y difusión del trabajo de artistas noveles a través de una convocatoria anual abierta a la participación de cualquier ciudadano de nacionalidad española que cumpla los requisitos especificados en el apartado condiciones de participación.

Los participantes deben presentar una propuesta de proyecto expositivo que acredite su capacidad para llevar a cabo una exposición monográfica en el espacio expositivo del Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad, MuVIM, en la ciudad de Valencia, con 20 metros lineales aproximados y el Cubo (véase documento adjunto).

El jurado seleccionará un proyecto ganador que será premiado con una dotación económica de 5.000 € netos y la realización de una exposición según la propia propuesta presentada por el autor de dicho proyecto.

Este proyecto tiene entre sus objetivos servir de experiencia cultural incluso a público en familia, generando anualmente un contenido específico que facilite una aproximación didáctica al arte a personas de cualquier edad.

Los participantes presentarán contenidos inspirados en el universo del relato o del cuento para todas las edades. Esta condición no obliga a la literalidad ni debe suponer cortapisa para el desarrollo creativo del proyecto.

El objetivo de la convocatoria, es fomentar el dibujo contemporáneo y dar a conocer al autor del mejor proyecto reconocido por el jurado dentro de la citada temática.

Los contenidos pueden ser realizados con cualquier tipo de técnica y presentados en cualquier tipo de soporte siempre que su creación comprenda el empleo del dibujo en cualquiera de sus variantes.

FUNCIONAMIENTO DE LA CONVOCATORIA.

Presentación de propuestas. (05 / 02 / 2019 – 15 / 06 / 2019)
Las propuestas expositivas deben presentarse, de acuerdo a lo estipulado en el apartado “Condiciones para la participación”, entre las 8:00 h del 5 de febrero de 2019 y las 24:00 h del 15 de junio de 2019.

Comunicación al ganador.
Un jurado formado por expertos elegido por las entidades organizadoras, seleccionará la propuesta premiada. El fallo será notificado individualmente a los ganadores así como a los medios de comunicación antes del día 30 de junio de 2019.

Producción de la exposición. (01/ 07 / 2019 – 26 / 11 / 2019)
Desde el conocimiento del fallo del jurado, el premiado dispone de veintiuna semanas para producir el proyecto expositivo propuesto. Durante todo este proceso, el premiado será asesorado y guiado por los profesionales de las entidades organizadoras.
Para la producción de su obra, el premiado dispondrá de la dotación económica de los 5.000 € netos del premio con los que cubrirá sus honorarios y los gastos de producción. Asimismo, dispondrá de un equipo para el montaje de las obras y la instalación de los diferentes elementos de la exposición. Para concretar los términos de la concesión de la dotación económica por parte de DKV Seguros a favor del ganador así como de la cesión de las obras a favor de DKV Seguros, DKV Seguros y el ganador suscribirán con carácter previo acuerdo específico a tal fin.
El día 26 de noviembre de 2019 el galardonado debe tener la obra lista para la realización de la exposición.
El premiado será el responsable del proceso de producción, y deberá aportar un proyecto completo de exposición, contando para el montaje, con la dirección, coordinación y organización de una persona acreditada por parte de los organizadores.

Exposición.
La organización hará pública la fecha concreta de inauguración de la exposición el día 29 de junio, junto con el fallo del jurado.

CONDICIONES PARA LA PARTICIPACIÓN

La organización solo tomará en consideración aquellas propuestas que cumplan estrictamente con todas y cada una de las condiciones siguientes:

• La convocatoria está abierta exclusivamente a la participación de artistas nacidos a partir del 1 de enero de 1974 y de nacionalidad española. En caso de colectivos, todos los miembros del mismo deberán cumplir los requisitos.
• El proyecto debe:
o Ser original, inédito, específico y adaptado al espacio. No se admitirán en esta convocatoria aquellos trabajos que hayan sido editados, expuesto, publicados o premiados anteriormente, por tratarse de una producción específica.
o Circunscribirse a la temática establecida en estas bases.
o Emplear técnicas artísticas vinculadas al dibujo.
• El autor del proyecto ganador:
o cederá una selección de las obras de entre las presentadas en la exposición a la Colección DKV, sin que ello suponga una contraprestación económica adicional a la dotación del premio indicada en el apartado “Producción de la exposición”. La selección de las obras se realizará por parte del Comité asesor de la Colección DKV, de acuerdo a las características de la obra y valorando las sugerencias del propio autor. El autor se compromete para ello a que las obras incluidas en la exposición no se comercializarán con anterioridad a la selección del comité. Para concretar los términos de esta cesión, DKV Seguros y el Autor suscribirán acuerdo de compra venta de obra inédita.
o Cederá a MAKMA y DKV Seguros los derechos de comunicación pública de las obras del proyecto con fines promocionales, para la incorporación a la web, fines didácticos y de investigación.
• Difusión:
o El autor se compromete a colaborar dando la máxima difusión del proyecto en sus redes sociales. Asimismo, mencionará el premio recibido y citará con enlace en la red social que corresponda a las dos instituciones patrocinadoras (DKV Seguros y MAKMA) en cualquier publicación relacionada con el proyecto o con cualquiera de las obras producidas en el marco de este, durante un plazo mínimo de dos años desde la concesión del premio.

Espacio destinado a la exposición del Premio en las inmediaciones del MuVIM. Dicho cubo expositivo mira hacia afuera, a la manera de un aparador

CRITERIOS DE VALORACIÓN

Los proyectos serán valorados por un jurado formado por personas relevantes del mundo del arte y la comunicación en función de los siguientes criterios:

– Calidad artística de los proyectos presentados.
– La viabilidad técnica de la propuesta en cuanto a su ejecución en función de los plazos y el presupuesto.
– La originalidad en la aproximación del proyecto a la temática propuesta: “un relato para todas la edades”
– Se valorará el grado de innovación del proyecto en cuanto a la adaptación a posibles actividades relacionadas. Especialmente si son didácticas.
– La capacidad para combinar las técnicas tradicionales de dibujo con técnicas contemporáneas.

JURADO

La valoración y selección de las propuestas presentadas corresponde a un Jurado compuesto por expertos en la materia y elegido por DKV Seguros y MAKMA. La composición del jurado de esta edición es la que sigue:

– Alicia Ventura, comisaria de exposiciones y asesora del Proyecto ARTERIA DKV.
– Vicente Chambó, editor, comisario y crítico de arte, fundador y director de El Caballero de la Blanca Luna, consejero y cofundador de MAKMA.
– Inmaculada Corcho, directora del Museo ABC de dibujo e ilustración.
– Oscar Alonso Molina, comisario y crítico de arte.
– Juan Bautista Peiró, asesor de la colección DKV.
– Antonio Alcaraz, Director del Departamento de Dibujo de la FFBBAA San Carlos. (UPV)

Las decisiones del jurado son inapelables. Teniendo en cuenta la calidad de las obras presentadas, el jurado podrá declarar el premio desierto.

EXONERACIÓN DE RESPONSABILIDAD

DKV Seguros y MAKMA quedan exentos de toda responsabilidad que pudiera derivarse de los posibles errores existentes en los datos facilitados por los premiados, inexactitudes de los mismos o imposibilidad de identificación. Igualmente quedarán exentos de responsabilidad en caso de error en la entrega de cualquier premio siempre que éste se deba a causas fuera de su control o a la falta de diligencia del ganador.

Asimismo, los organizadores quedan exonerados de cualquier responsabilidad legal derivada del contenido de la obra presentada, haciéndose responsable el autor de la observación del marco legal relativo a los contenidos artísticos.

ACEPTACIÓN DE LAS BASES

La simple participación en este proyecto supone la aceptación de estas bases en su totalidad. DKV Seguros y MAKMA se reservan el derecho de interpretar, modificar las condiciones del presente concurso en cualquier momento, e incluso de anularlo o dejarlo sin efecto, siempre que concurra causa justificada para ello. En todo caso, se comprometen a comunicar por esta misma vía las bases modificadas, o en su caso, la anulación del concurso en su conjunto, de forma que todos los participantes tengan acceso a dicha información.

PROTECCIÓN DE DATOS

Se informa al solicitante que los datos personales recogidos serán incorporados a las bases de datos de MAKMA, responsable del tratamiento, con domicilio en Calle En Borràs, 16 bajo, Valencia, y serán tratados con la finalidad de atender la solicitud de participación formulada y gestionar el desarrollo de la V edición del Premio de Dibujo DKV Seguros – MAKMA, conforme los extremos indicados en las presentes bases. Los datos recabados han de cumplimentarse obligatoriamente, pues de otro modo no podría ser atendida la solicitud.

MAKMA se obliga, en relación a los datos de carácter personal a los que tuviera acceso conforme lo establecido en las presentes bases, al cumplimiento de lo dispuesto en el Reglamento Europeo (UE) 2016/679 y de la Ley Orgánica 3/2018, de 5 de diciembre, de Protección de Datos Personales y garantía de los derechos digitales y en la normativa vigente de aplicación en cada momento.

En cualquier momento, el participante podrá ejercer sus derechos de acceso, rectificación, supresión, limitación, oposición y portabilidad dirigiéndose a la dirección de correo electrónico convocatorias@makma.net y concretando su solicitud.
El participante garantiza la autenticidad de todos aquellos datos que comunique, y se compromete a mantener actualizados los mismos durante el período de duración de la convocatoria, siendo responsable de todos los daños y perjuicios ocasionados por la aportación de datos incompletos, inexactos o falsos.

PRESENTACIÓN DE PROPUESTAS

Los candidatos deberán presentar sus propuestas de proyecto expositivo presentando un dossier (memoria) que incluya la siguiente información:
– Nombre, fotocopia DNI por ambas caras y datos de contacto (dirección completa, e-mail, teléfono).
– Título del proyecto.
– Currículum del artista (máximo 300 palabras).
– Dossier con la propuesta de proyecto expositivo debidamente desarrollado incluyendo al menos:
o Título del proyecto
o Memoria escrita y descripción del proyecto.
o Justificación de su aproximación a la temática propuesta.
o Documentación visual de las obras propuestas en PDF.
o Propuesta de adaptación al espacio expositivo

– El envío de todo ello se realizará obligatoriamente por correo electrónico a la dirección convocatorias@makma.net. En el asunto debe indicarse el nombre de la convocatoria y del participante. Toda la información deberá presentarse obligatoriamente en un único PDF. Las imágenes de las obras pueden enviarse además en JPEG para una correcta valoración.

A continuación se ofrecen algunos consejos para la presentación de propuestas:
a) Los participantes no están obligados a presentar el total de la obras a exponer. Es suficiente con aportar un número suficiente de piezas que permitan al jurado valorar la calidad del contenido y el significado del mismo. Es fundamental que las imágenes sean de gran calidad para poderse evaluar. La convocatoria prevé un plazo de producción para que el premiado desarrolle el cuerpo expositivo.
b) El formato de la memoria es libre, pero debe atender a los criterios establecidos más arriba.
c) Siendo las técnicas de dibujo las protagonistas del proceso creativo, se valorará el uso libre del conjunto de la sala y el empleo de todo tipo de técnicas para la reproducción-exhibición de las obras.

INFORMACIÓN Y CONSULTAS

Para cualquier información adicional o consultas sobre la convocatoria se puede contactar con: convocatorias@makma.net o dejando mensaje en los números 963916678 – 670421982

Los resultados de esta convocatoria de carácter abierto serán anunciados en www.makma.net y mediante comunicado a los medios de comunicación y redes sociales.

La participación de esta convocatoria implica la aceptación de las presentes bases.

Imagen de portada: parte del trabajo creativo de Manu Blazquez, premiado en la pasada edición con el proyecto «D-759 in B minor» a propósito de la sinfonía D-759, también conocida como “inconclusa”, de Franz Schubert