Lo bello y lo triste de Máscara Humana

(Sin título) Máscara Humana, de Pierre Huyghe
(Untitled) Human Mask: Película en color, con sonido estéreo, 19 min.
Museo Guggenheim
Abandoibarra Etorbidea, 2. Bilbao
Hasta el 16 de junio de 2017

‘(Sin título) Máscara Humana’, la obra cinematográfica del creador interdisciplinar Pierre Huyghe, toma como referencia un breve video doméstico de youtube titulado ‘Fuku-chan monkey in wig mask, works restaurant!’ En él se muestra cómo un macaco disfrazado con una máscara blanca, semejante a las del teatro Noh, con peluca y con un vestido de niña, sirve las mesas para deleite y regocijo de los clientes del restaurante Kayabuky al norte de Tokyo. El restaurante, una tradicional casa de sake, emplea a dos monos, Yat-chan y Fuku-chan, como camareros, en concreto el macaco del vídeo es Fuku-chan. (https://www.youtube.com/watch?v=JzZz9geEBjo)

Pierre Huyghe, como ha declarado en varias entrevistas, quedó fascinado, tras ver el video, por el espíritu, la rareza y la ambigüedad de cómo los humanos y los animales se relacionaban. Gran parte de la obra de Huyghe está atravesada por una perspectiva biológica, antropológica y entomológica. De tal modo que sus representaciones artísticas, desde las instalaciones hasta sus exposiciones, se conforman como biotopos donde observar la estructura, el funcionamiento, la distribución y la relaciones entre los seres vivos que los habitan.

Fotograma de '(Sin título) Máscara Humana', de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

Fotograma de ‘(Sin título) Máscara Humana’, de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

En estos espacios, humanos, animales, plantas, etc… se presentan, se desplazan, como imágenes oníricas, a veces siniestras, con máscaras que aluden a la metamorfosis y al antropomorfismo. Sólo traer a colación algunas de sus obras, como son las películas: ‘Streamside day follies’ (2003) y ‘The host and the cloud’ (2010), donde humanos y animales están caracterizados por máscaras, y ‘A way in untitled’ (2012), donde una de las esculturas del jardín (Untitled. Liegender Frauenakt) es un cuerpo de mujer desnudo con una cabeza cubierta de avispas y hormigas, y un galgo, llamado Human, que deambula con una pata pintada de rosa. Un galgo que, al igual que en el video, deambuló, como si fuese un visitante más, por el Centro Pompidou en la  retrospectiva dedicada al artista en el  2013.

La fuerza de la obra de Pierre Huyghe, como sugiere Jean Baudrillard, surge de “haber comprendido …(que) las imágenes se han convertido en máscaras de una forma de ventrílocuo universal”. La máscara, como imagen o como reflejo del “otro” -animal o humano, real o ficticio-, es el artificio a través del cual este artista francés lleva cuestionando y reflexionando acerca de las ceremonias y rituales sociales, la repetición y la alienación de los modos de trabajo, los ciclos de la naturaleza, la complejidad de la inteligencia y comunicación no humana, tal y como declaran con unanimidad los críticos y comisarios de sus exposiciones.

Fotograma de '(Sin título) Máscara Humana', de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

Fotograma de ‘(Sin título) Máscara Humana’, de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

Esencia poética

‘(Sin título) Máscara humana’ no sólo tiene como referente de inspiración el video casero de youtube ‘Fuku-chan monkey in wig mask, works restaurant!’, tal y como ya hemos apuntado, sino que además establece relaciones intertextuales con él. La obra de Huyghe alude de manera explícita e implícita a elementos narrativos del texto de youtube: las acciones mostradas, el protagonista y su caracterización -el macaco Fuku-chan-, así como el espacio donde se ubica. Ahora bien, la película de Huyghe se eleva, a modo de asunción, por encima de esas reminiscencias narrativas.

La película ‘(Sin título) Máscara humana’ exhala una esencia poética que la hace digna de estar en la sala de un museo. Una esencia poética que proviene “no de la cosa presentada, sino de su representación”, tal y como el crítico cinematográfico André Bazin se preguntaba en su libro ‘¿Qué es el cine?’ Una representación que surge de la plástica de la imagen y de la metáfora creada por el  montaje.

‘Fuku-chan monkey in wig mask, works restaurant!’, el video de youtube, sólo presenta un suceso de la realidad, mientras que  ‘(Sin título) Máscara humana’ representa ese suceso ante la pantalla con vuelo estético. Un vuelo estético dibujado con el trazo, por una parte, de una cámara que se desliza sigilosamente tras los pasos abruptos y torpes del protagonista, Fuku-chan, y que se va deteniendo para no interferir en sus constantes y repetitivos movimientos, a la distancia prudente que cualquier biólogo mantendría ante la especie observada; por otra, de una iluminación acuosa y verdosa, con tonos claroscuros, que simula el escenario de un sucio acuario; y, por último, de un montaje visual y auditivo que evoca soledad, incertidumbre, melancolía,  miedo, desolación.

‘Lo bello y lo triste’, título de la novela del  escritor japonés y Premio Nobel de literatura Yasunari Kawabata, concentra de manera poética la esencia de la película de Pierre Huyghe. La belleza de las imágenes provoca un sentimiento siniestro al desvanecerse los límites entre lo humano y lo animal, entre lo real y lo ficticio, entre lo animado y lo inanimado. Todo se fusiona. La máscara, de teatro Noh, borra la animalidad de Fuku-chan. El espacio desolado del interior y el exterior del restaurante, a causa del terremoto de Fukushima, desvanece los límites de lo animado, de la realidad, para con-fundirse con lo inanimado, de la ficción.

'(Sin título) Máscara Humana', de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

‘(Sin título) Máscara Humana’, de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

Un sentimiento siniestro que, obviamente, connota cierta  melancolía.  Una tristeza que, al igual que la obra de Kawabata, perturba al hacer visible que la máscara humana no cubre la angustia de la vida. Un sentimiento que la obra de Pierre Huyghe concentra en el primer plano de los ojos de Fuku-chan que se atisban tras la máscara. La última imagen bella y triste de ‘(Sin título) Máscara Humana’.

Fotograma de '(Sin título) Máscara Humana', de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

Fotograma de ‘(Sin título) Máscara Humana’, de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

Begoña Siles

MUSAC presenta su nueva temporada expositiva

MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León
Avda. Reyes Leoneses, 24. León

– Self-Timer Stories [Historias del autodisparador]: 16 de mayo – 13 de septiembre, 2015
– Sector primario: 16 de mayo, 2015 – 10 de enero, 2016
– Visita guiada: artista, museo, espectador[Fondos de la Colección MUSAC]: 16 de mayo – 20 de septiembre, 2015

MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, presenta tres exposiciones colectivas. Self-Timer Stories [Historias del autodisparador]  explora el fenómeno del autorretrato fotográfico a partir de una selección de 80 obras de 34 artistas nacionales e internacionales, tomando como punto de partida la Colección Federal de Fotografía de Austria, en diálogo con obras de artistas nacionales e internacionales y obras de la Colección MUSAC. Sector primario es una muestra producida por MUSAC que  atiende a la relevancia del paisaje, la actividad agrícola y ganadera, la caza, la minería, etc. en la comunidad de Castilla y León, a través del trabajo de los artistas Paco Algaba, Alfonso Borragán, Álvaro Laiz, Asunción Molinos Gordo, Javier Riera, y Antje Schiffers. Visita guiada: artista, museo, espectador es una exposición realizada en exclusiva con fondos de la Colección MUSAC que analiza, reflexiona y cuestiona las narrativas, funciones y convenciones del sistema del arte.

Self-timer Stories

Esta exposición muestra una selección de obras de la Colección Federal de Fotografía de Austria –en depósito permanente en el Museum der Moderne Salzburgo—en diálogo con artistas internacionales y obras de la fotografía expandida.

El leitmotif de esta exposición es la creación del autorretrato a través de un disparador automático. Esta práctica, popular tanto en la vida cotidiana como en el arte, mueve alternativamente con los avances técnicos y se manifiesta en los cables de liberación que aparecen en las composiciones, la liberación de control remoto digital, o la mano extendida. En el momento del “clic” de la cámara (que está reproducida de modo artificial en la fotografía digital) el “yo como autodisparador” se vuelve prevalente y así marca la relación del sujeto con el mundo, que ha sido siempre inseparablemente vinculado con los medios de comunicación.

Así, la exposición presenta el tema omnipresente de la auto-representación fotográfica a lo largo de varias generaciones en el contexto de una historia del arte-crítico de los medios y continúa hasta nuestros días como una historia de auto-temporizador fotografía como emancipador «clic»; un juego de mostrar y ocultar, de público y privado.

La exposición Self-Timer Stories cuenta con artistas fotográficos de la talla de VALIE EXPORT, Esther Ferrer, Sharon Hayes, Matthias Herrmann, Juan Hidalgo, AA Bronson & Matthias Herrmann, Birgit Jürgenssen, Barbara Kapusta, Roberta Lima, Anja Manfredi, Ana Mendieta, Lilo Nein, Cristina Núñez, Carlos Pazos, Carolee Schneemann, Peter Weibel, Martha Wilson, o Francesca Woodman.

Self-timer Stories. Valie Export

Retrato fotográfico de Valie Export. Imagen cortesía de MUSAC.

Sector Primario

Sector primario es una exposición colectiva que pretende atender a la importancia y presencia del paisaje, la actividad agrícola y ganadera, la caza, la minería, etc. en esta comunidad a través del trabajo de algunos artistas contemporáneos. Por una parte se «documenta» el cambio de paradigma económico que hace «inviables» algunas áreas del sector primario, pero por otra se pone en valor alguna de esas actividades porque tienen precisamente un valor innegable y primordial. Los sectores de la vida rural y la ganadería serán objeto de investigación y trabajo de Antje Schiffers; Asunción Molinos Gordo se centrará en la agricultura y la alimentación; la languideciente actividad minera que fue tan identitaria en León es tratada en el proyecto de Álvaro Laíz que lleva el ilustrativo título de Fósil; Alfonso Borragán trabajará con el agua, los ríos, los embalses y todo los aspectos lúdicos y míticos a ellos asociados; en la tierra se centra la producción de Paco Algaba; y Javier Riera explorará la presencia y la dimensión del paisaje, la naturaleza y los animales salvajes.

Borragán 2

Fotografía paisajista de Alfonso Borragán. Imagen cortesía de MUSAC.

Visita guiada: artista, museo, espectador [Fondos de la Colección MUSAC]

‘Visita guiada: artista, museo, espectador’ es una exposición colectiva de obras de la Colección MUSAC que analiza, reflexiona y cuestiona las narrativas, funciones y convenciones del sistema del arte. Mientras que la primera parte del título alude a esa inevitable paradoja que acompaña al museo desde su gestación —entre el (exceso de) didactismo y la necesidad de mediación— así como al rol del comisario-intermediador en ella; la segunda parte hace referencia a las complejas y ciertamente asimétricas relaciones entre el artista, el museo y el espectador.

Divida en tres bloques temáticos —artista, museo, espectador—, la exposición reúne entre otros obras de Pipilotti Rist, Antonio Abad, Matthew Barney, Pierre Huyghe, Cristina Lucas, Christian Jankowski, Ruth Gómez, Isaac Julien, Sandra Gamarra, Candida Höfer, Dora García, Zhang Huan, Cerith Wyn Evans, David Iturregui, Anne Collier & Matthew Higgs, Ana Laura Aláez, Daniele Buetti, Joan Morey, Juan López o Lina Bertucci. En este sentido, la obra ‘I married an artist’ de Anne Collier y Matthew Higgs bien podría funcionar como leitmotiv de las diferentes e interconectadas narrativas que ‘Visita guiada: artista, museo, espectador» desea abordar en un ejercicio no exento de ironía ni de auto-crítica.

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Impresión digital de Anne Collier y Matthew Higgs. Imagen cortesía de MUSAC.