“El género es una herramienta muy fuerte de consumo”

CROCHT, de Catalina Carrasco
La Mutant
C / Joan Vedaguer, 16-24. Valencia
Viernes 15 de junio de 2018

Con motivo de la puesta en escena de ‘CROCHT’ llevada a cabo el pasado viernes 15 de junio en La Mutant, y de los talleres de cuerpo, movimiento y género, realizados los días precedentes, entrevistamos a la responsable de la dirección del proyecto, Catalina Carrasco.

En la página web de su compañía, Baal Dansa, Catalina Carrasco aparece definida como bailarina, coreógrafa y performer. Tres disciplinas que no se podrían separar, según ella, ya que transitan de un lugar a otro.

El espectáculo de danza que vais a llevar a cabo tiene como título ‘CROCHT’, ¿a qué es debido?

‘CROCHT’ es una palabra anglosajona no muy conocida, significa entrepierna. Me gustó la sonoridad y su significado, una palabra sin género que lanza la cuestión de: ¿Qué es lo que nos diferencia, lo que tenemos entre las piernas?

¿Tenéis un target específico de público?

No, para nada, al contrario. Contra más diverso, mejor. Durante la creación de este proyecto se ha tenido en cuenta poder llegar a todo tipo de público, que no fuera una pieza demasiado conceptual para que también pudiéramos conectar con personas no cercanas a las artes vivas.

¿Qué tipo de reflexión pretendéis hacer sobre la identidad de género?

La reflexión sobre el concepto de género se ha dirigido, esta vez, hacia la problemática que existe con las personas que no se sienten identificadas con la dicotomía entre lo masculino y lo femenino. Por ejemplo, ya no las personas transexuales sino también las mujeres que no se definen con esta cosificación que hay de cómo debemos ser y de cómo deben ser nuestros cuerpos. Al igual que, hoy en día, muchos hombres ya son conscientes de que tampoco se identifican con esa figura y con esa masculinidad.

Por un lado, se pretende poner sobre la mesa la reflexión de por qué el género es así. Es decir, a causa de la construcción social y del estado neoliberal que nos dice qué y cómo debemos ser constantemente, hay un sistema que nos manipula en todos los ámbitos y, en este ámbito, el género es una herramienta muy fuerte de consumo.

Por otro, mostramos tanto la violencia de género como la violencia sexual que existe por culpa del estado heteropatriarcal y de la Iglesia. Este tipo de poder incluso le ha dado al hombre una fuerza más allá de la física para el maltrato, para sentirse siempre superior y con el derecho de poder insultar y violar ya no solo a las mujeres, sino también a aquellas personas que no entren dentro del estereotipo marcado por la sociedad.

Catalina Carrasco en un momento de la entrevista. Fotografía, Cristina Tro.

Catalina Carrasco en un momento de la entrevista. Fotografía: Cristina Tro

Como directora del proyecto, ¿hasta qué punto piensas que el cuerpo es el responsable de reflejar nuestra propia identidad?

El cuerpo lo es todo. El cuerpo unido a todo, a nuestra razón, a nuestro pensamiento, a los órganos y a todo el funcionamiento de este contenedor que es el cuerpo. Todo esto desde el pensamiento no basta ya que tiene que pasar al cuerpo, el responsable de realizar la acción.

En trabajos como éste que vienen desde la teoría, son de ayuda libros que me parecen muy interesantes. En este caso, he tomado como referencia principal el libro ‘Transfeminismos’ de Miriam Solá y Elena-Urko, ‘El género en disputa’ de Judith Butler y las obras de Paul B. Preciado.

El inicio del proyecto viene desde la teoría pero, posteriormente, todo esto es llevado a un trabajo corporal mediante herramientas de las artes vivas para realizar la práctica en escenarios y, de este modo, generar un espacio de conversación con los cuerpos.

¿Tenéis en mente futuros proyectos inmediatos?

Ahora mismo empieza la elaboración, desde el pensamiento, de otro proyecto que sigue hablando del género desde una visión mercantil, del cuerpo como objeto y como mercancía. Será algo más íntimo. Ahora necesito volver a una investigación más individualista, al contrario de ‘CROCHT’. Siento la necesidad de buscar dentro de mi “contenedor” para volver a generar este mismo discurso pero, esta vez, de un modo más profundo.

 ¿Has sufrido algún tipo de discriminación en el mundo de la danza por el hecho de ser mujer?

El mundo de la danza es muy sutil, ya que se supone que está más ocupado por mujeres. En cambio, los grandes coreógrafos son hombres, los grandes directores de grandes compañías son hombres, así como los directores de grandes festivales. Ahora es cuando empiezan a aparecer las primeras mujeres pioneras en estos ámbitos. A destacar se encontraría Àngels Margarit como directora del “Mercat de les flors” (Barcelona) u Olga Álvarez, coordinadora artística en La Mutant (València).

Es interesante, cómo ‘CROCHT’ ha estado en bastantes ciudades importantes de países como Italia, Alemania, o México, pero siempre ha sido contratado por mujeres o por hombres homosexuales. Ha habido alguna excepción como es el caso del ‘Circo Murcia’ pero, en definitiva, si no ha ido dirigido a una mujer o a un hombre homosexual concienciado con el tema, no nos han hecho mucho caso.

Catalina Carrasco en el centro durante una sesión en La Mutant. Imagen, Laura Ojeda

Catalina Carrasco en el centro durante una sesión en La Mutant. Fotografía, Laura Ojeda

Y, para finalizar, ¿crees que la danza contemporánea es valorada correctamente?

No, todavía hay mucho desconocimiento. Hay una asignatura pendiente que se debe realizar para poder llegar a alcanzar un rango más amplio de público. Sería interesante llegar, por ejemplo, a la vecina de 50 años que aunque vea Telecinco, también puede ir a ver un espectáculo de danza contemporánea.

Hay que pensar en todo tipo de público, sin llegar a hacer nada comercial porque para eso ya existe el musical o la televisión. Sin embargo, el teatro tiene la capacidad de entrar en otro plano, en el plano no convencional.

El programador siempre tiende a tener miedo de que el público en cuestión no entienda su obra pero me reafirmo en que se está infravalorando a un público capaz de mucho más.

Cristina Tro Pacheco

Imagen de portada, Catalina Carrasco en un momento de la entrevista. Fotografía. Cristina Tro.

Imagen de portada, Catalina Carrasco en un momento de la entrevista. Fotografía: Cristina Tro.

Música en directo para el mejor cine mudo

Cine y Música (en vivo!)
Sala Russafa
C / Denia, 55. Valencia
MKM Special Set y proyección de Nosferatu (viernes 15, a las 20.30h)
Raisa + proyección de El acorazado Potenkim (22 de enero, 20.30h)
La Muñeca de Sal + Fausto (29 de enero, 2016, 20.30h)

Sala Russafa arranca esta semana el ciclo ‘Cine y Música (en vivo!)’ en el que se proyectarán grandes clásicos del cine mudo a los que pondrán banda sonora en directo destacados intérpretes de la escena independiente. Una propuesta que mezcla el vanguardismo de películas que han marcado tanto el rumbo de la historia del cine como el desarrollo de la estética, acompañadas de bandas que representan los caminos más iconoclastas de la nueva escena musical española.

El grupo MKM. Imagen cortesía de Sala Russafa.

El grupo MKM. Imagen cortesía de Sala Russafa.

La primera propuesta viene de la mano la banda valenciana de electrónica experimental MKM, que visitará el escenario de Sala Russafa acompañada por los invitados especiales Remi Carreres, músico de las bandas Glamour y Cosmité Cisne, y Avelino Saavedra, artista plástico, músico y performer.

Fotograma de Nosferatu, de Murnau. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Fotograma de Nosferatu, de Murnau. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Mediante el uso de sintetizadores e instrumentos compondrán una atmósfera onírica e inquietante, perfecta para ambientar la proyección cinematográfica de Nosferatu (15 enero), película muda de 1922 dirigida por Murnau y basada en la obra de Bram Stoker, Drácula. Con una estética tenebrosa y expresionista, el film encontrará un inusitado acompañamiento en el krautrock de MKM, con aura cósmica en loops que revitalizan el espíritu investigador, libre y melódico de los 70’.

El grupo Raisa. Imagen cortesía de Sala Russafa.

El grupo Raisa. Imagen cortesía de Sala Russafa.

La programación se completará en las dos semanas sucesivas. El 22 de enero será el turno de  la banda madrileña Raisa, amante de la psicodelia y el rock experimental de tintes industriales y oscuros.

Fotograma de El acorazado Potenkim. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Fotograma de El acorazado Potenkim. Imagen cortesía de Sala Russafa.

En la que será su primera actuación en Valencia, pondrán música en vivo a  El acorazado Potemkin,  film rodado en 1925 por S.M. Einsestein en homenaje al 20 aniversario de la revolución Bolchevique. Una sesión que ya tuvo la oportunidad de realizar con éxito en el Centro Cultural Conde Duque de Madrid.

La Muñeca de Sal. Imagen cortesía de Sala Russafa.

La Muñeca de Sal. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Y el cierre llegará el 29 de enero con la veterana banda valenciana La Muñeca de Sal, caracterizados por un sonido rock y shoegaze experimental. Serán los encargados de poner música en vivo a Fausto, otro inolvidable clásico de Murnau rodado en 1926 y que recoge con impactante estética expresionista una escalofriante bajada a los infiernos.

Fotograma de Fausto.

Fotograma de Fausto. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Michael Najjar. Encuentros artísticos en el espacio exterior

Michael Najjar. ¿Quién nos dio la esponja para borrar todo el horizonte?
Vídeos de la serie Espacio Exterior
Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma
Plaça Porta de Santa Catalina, 10. Palma de Mallorca.
Hasta el 30 de agosto de 2015

Este verano, Es Baluard trae al Aljub una muestra temática individual del artista internacional Michael Najjard a través de 3 vídeos de su serie Espacio Exterior, dedicada a los grandes avances realizados en el campo de los viajes y exploración espacial. Concretamente, la exposición exhibe varios episodios y situaciones del entrenamiento como astronauta al que el propio artista fue sometido para llevar a cabo su primer vuelo espacial, parte fundamental en esta serie.

Michael Najjar nace en 1966 en Landau (Alemania) y actualmente vive y trabaja en Berlín. Su obra ha sido acogida en numerosos museos y centros de arte internacionales, destacando el ZKM-Museum für Neue Kunst Karlsruhe de Alemania (2013-2015), MAMM-Multimedia Art Museum Moscow (2014), Laboral Centro de Arte y Creación Industrial Gijón (2014), Borusan Contemporary de Estambul (2013), CAC-Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (2010), Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma (2008), Biennal de Venècia-10th International Architecture Exhibition (2006) y Fundació Joan Miró de Barcelona (2004), entre otros. Su obra forma además parte de las colecciones públicas y privadas del Museum Ludwig de Colonia o la Deichtorhallen-International House of Photography de Hamburgo en Alemania, DA2 Domus Artium 2000 de Salamanca o el Grazyna Kulcyzk Foundation Poznan de Polonia.

El artista, Michael Najjar, durante la inauguración de la exposición. 2015. Cortesía de Es Baluard.

El artista, Michael Najjar, durante la inauguración de la exposición. 2015. Cortesía de Es Baluard.

Su obra se adentra en elementos clave de una sociedad actual controlada y dirigida por los ordenadores y las TIC (tecnologías de la información), mediante una estética futurista que cuestiona los cambios sociales producto de la ciencia y la tecnología. Hay que añadir su búsqueda de reflexiones utópicas y filosóficas a través de sus series temáticamente unidas.

Michael Najjar en colaboración con Dieter Jaufmann. Equilibrium, 2013. Cortesía de Es Baluard.

Michael Najjar en colaboración con Dieter Jaufmann. Equilibrium, 2013. Cortesía de Es Baluard.

La serie que expone Es Baluard, Espacio Exterior, en la que lleva trabajando desde 2011, consta de tres vídeos monocanal: Equilibrium (2013), Spacewalk (2013) y Skyfall (2015), este último exhibido por primera vez en España. Durante 3-5 minutos de duración vivimos en ellos el recorrido por la formación aeroespacial de Najjar en un vuelo supersónico MIG-29, las profundidades del hidrolaboratorio de La Ciudad de las Estrellas (Rusia) y su salto HALO (High Altitude-Low Opening) desde una altura de 10.000 m. Najjar, en calidad de performer, lleva su cuerpo al límite y se sitúa en un territorio hostil cuasi mortal para obtener como resultado un documento audiovisual de alta calidad estética e intelectual al plantear una reflexión en torno a los extremos de la existencia (el tándem vida-muerte, tiempo-espacio, belleza-repulsión…).

Michael Najjar y Dieter Jaufmann. Spacewalk. 2013. Cortesía de Es Baluard

Michael Najjar en colaboración con Dieter Jaufmann. Spacewalk. 2013. Cortesía de Es Baluard

Miguel Andrés, el cuerpo como arma comunicativa

Sala Gótica del Institut d’Estudis Ilerdencs
Plaça Catedral s/n. Lleida
Hasta el 20 de septiembre de 2015

UNTITLED Exhibition(ism) es un proyecto expositivo propuesto por Miguel Andrés, performer y artista virtual. El proyecto se presentará públicamente en la Sala Gòtica del Institut d’Estudis Ilerdencs, en Lleida, hasta el 20 de septiembre. Así mismo tendrán lugar una serie de performances en vivo los días 24, 25 y 26 de julio, tanto en la Sala Gòtica como en el centro histórico de la ciudad de Lleida. La exposición es el resultado del premio EMBARRAT-IEI 2014, subvencionado por el Institut d’Estudis Ilerdencs (IEI), perteneciente a la Diputació de Lleida y comisariado por Anselm Ros. Todas las piezas han sido desarrolladas en el marco de la residencia artística llevada a cabo en los últimos meses en Fabra i Coats – Fàbrica de creació de Barcelona.

Miguel Andrés. Art is not only a decorative object, Diálogo sobre la función del arte, Serie fotográfica.

Miguel Andrés. Art is not only a decorative object, Diálogo sobre la función del arte, Serie fotográfica. Cortesía del artista.

UNTITLED Exhibition(ism), que será la primera exposición del artista, nace con la necesidad de expresar y dialogar a través del cuerpo para convertirlo en un arma. El artista parte de su cuerpo como lienzo en blanco para explorar lo más profundo del ser, allá donde se encuentran las cuestiones fundamentales. Para eso es necesario andar un camino y pasar por un proceso. Este proceso es precisamente el que busca y asume el artista para su obra, con su cuerpo como herramienta. De este modo la performance se convierte en el eje central de las obras generadas a lo largo de todo el proceso creativo. La investigación en este sentido adquiere un papel protagonista, tanto en lo referido a la performance, los conceptos y mensajes. Miguel Andrés propone una serie de piezas inéditas versadas en la performance y el arte conceptual para su exhibición pública en el IEI, entre las que se podrán encontrar piezas de videoarte, fotografía e instalación.

La exhibición pública de un cuerpo desnudo puede tildarse de exhibicionismo, aunque todo depende del título que se le otorgue. Miguel Andrés sólo pretende utilizar su cuerpo como arma de comunicación para remover las conciencias y parar expresar sus ideas: “Exhibirme me convierte en exhibicionista, pero cabe recordar que no hay exhibicionismo sin voyeur“, dice el propio artista y con esta premisa propone una serie de diálogos que precisan de un observador para iniciarse. Son el ser humano y todas sus inherencias los que conforman el eje central de su obra. Conciencia, comportamiento, emociones, personalidad, sexualidad, fetichismo, ego, represiones y miedos son sólo unas cuantas, porque todo lo que rodea al hombre le fascina al propio artista y merece la pena ser explorado. La investigación en primera persona es primordial en su creación, ya que se entrelaza con lo personal para transformarse en un trabajo de auto-conocimiento enriquecedor.

Miguel Andrés, Golden Fountain, Diálogo con Marcel Duchamp, Video arte, 8’ 33”.

Miguel Andrés, Golden Fountain, Diálogo con Marcel Duchamp, Video, 8’ 33”. Cortesía del artista.

La exposición UNTITLED Exhibition(ism) presenta piezas como Golden Fountain que toma como punto de partida la emblemática obra de Duchamp. El ready-made se transforma en performance para suscitar la misma pregunta que hace un siglo: ¿Qué consideramos arte? Y un poco más allá… ¿qué es verdaderamente ser artista? El debate acerca de la utilidad del arte es prolijo. Pero hay una cosa clara: ‘el arte no es sólo un objeto decorativo’ o un activo especulativo. Hay algo más, tiene que haberlo. Alma, sentimiento, conexión, mensaje, debate, pensamiento y tanto como el ser humano sea capaz de sentir.

El artista:

Miguel Andrés Yecla, nació en 1982 en Murcia y vive actualmente en Barcelona. El artista se describe como investigador, nihilista y reflexivo. Siempre le atrajeron las artes, desde niño siempre quiso ser actor, aunque acabó estudiando publicidad y ejerció como director de arte durante varios años en agencias de Madrid y Valencia. Tras la crisis de 2008 su vida cambió como la de otros tantos y fue encontrando su camino: sin saberlo había entrado en el mundo del arte. Experimentando coqueteó con varios campos de las artes visuales hasta dar finalmente con la performance y el videoarte, siendo estos el eje principal de su obra. Desde entonces ha participado en diversas exposiciones y festivales a nivel nacional e internacional obteniendo varios premios y menciones. Actualmente reside en Barcelona y dedica su vida al mundo del arte, entre otros menesteres.

Miguel Andrés. Cum dederit, Diálogo sobre la superpoblación, Video arte, 6’ 58”.

Miguel Andrés. Cum dederit, Diálogo sobre la superpoblación, Video, 6’ 58”. Cortesia del artista..