Art públic Universitat de València 2018

Convocante: Universitat de València
Dotación: 10.000 euros
Modo de presentación: online
Plazo de admisión: hasta el 17 de mayo

La vicerrectora de Estudios de Grado y Política Lingüística de la Universitat de València, mediante el Servicio de Información y Dinamización (Sedi) y con la colaboración del Vicerrectorado de Cultura e Igualdad, convoca la XXI Mostra art públic / universitat pública.

Con esta convocatoria, la Universitat de València pretende dinamizar los espacios públicos del Campus de Burjassot y transformar el entorno universitario en un lugar de intervención artística abierto a la sociedad.

Objeto

Seleccionar cinco proyectos artísticos que establezcan un diálogo abierto entre arte y ciencia, como ejercicio y reto de la cultura contemporánea, y que interactúen con el espacio universitario del Campus de Burjassot. Los proyectos tienen que ser intervenciones artísticas de carácter efímero ejecutados en el Campus de Burjassot de la Universitat de València, y pueden incorporar intervenciones en el espacio público virtual.

Participantes

Personas mayores de edad de cualquier nacionalidad o lugar de residencia. Las propuestas se pueden presentar mediante una solicitud individual o colectiva. Cada participante o equipo puede presentar solo una solicitud y un proyecto.

Requisitos

Se pueden presentar cualquier tipo de proyectos artísticos destinados a la exposición temporal en el Campus de Burjassot de la Universitat de València. Se tendrán en cuenta las condiciones siguientes:

La intervención propuesta en el proyecto no puede comportar en ningún caso una agresión o deterioro de las edificaciones, las instalaciones o el contexto arquitectónico y urbanístico del campus.
Las instalaciones artísticas situadas en el exterior del campus se tienen que adecuar a su ubicación al aire libre y, por lo tanto, los materiales y las condiciones del montaje tienen que garantizar la resistencia a los factores meteorológicos a lo largo de cuatro semanas.
Las imágenes utilizadas para el desarrollo de los proyectos no pueden estar sujetas a derechos de propiedad y, en cualquier caso, el artista será responsable de la utilización y la obtención de los derechos de uso de estas imágenes.
En caso de que los proyectos seleccionados incorporen una vertiente virtual o digital, se podrá acceder a ellos en el espacio virtual desde un enlace ubicado en la web de la Universitat de València. Los proyectos se tienen que ajustar al Reglamento de uso de los recursos relacionados con las tecnologías de la información y las comunicaciones, de la Universitat de València.
Solicitudes

Las solicitudes se tienen que presentar mediante el formulario disponible en ENTREU, seu electrònica de la Universitat de València, o en cualquier otro registro previsto en el artículo 38.4 de la Ley 30/1992, de Régimen Jurídico de las Administraciones Públicas y del Procedimiento Administrativo Común.

Con la solicitud se tiene que aportar la documentación siguiente:

Documento de identificación (DNI o pasaporte) del/de la participante o de los miembros del equipo.
Currículum artístico de un máximo de 2 páginas. Si el proyecto es presentado por un equipo o colectivo de artistas, se tienen que aportar los currículums de cada miembro. El jurado puede reclamar a los solicitantes la presentación de los documentos originales que acrediten los méritos indicados en el currículum.
Dossier personal completo de la obra anteriormente realizada en un único archivo en formato PDF de un máximo de 10 páginas.
Dossier detallado del proyecto artístico propuesto, que tiene que incluir: una descripción por escrito explicativa del proyecto artístico con la motivación, los contenidos y su adecuación a los espacios indicados (esta descripción no puede ser superior a 2 hojas); esbozos, elementos gráficos o sonoros e imágenes, planos y dibujos explicativos de la instalación, o del desarrollo virtual del proyecto); y materiales que se usarán (un máximo de 5 hojas)
Alternativamente, los documentos adjuntos a la solicitud pueden ser ubicados por los solicitantes en un entorno web o servidor de internet, con un enlace que permita al jurado acceder al mismo

Plazo de presentación

Del 23 de febrero al 17 de mayo de 2018, ambos incluidos.

Dotación económica

La dotación económica para cada uno de los proyectos premiados será de 2.000 €. Esta dotación se hará efectiva de la siguiente manera: un 50% después de la resolución de la concesión, y el otro 50% una vez acabada la exposición (incluido el desmontaje de las instalaciones y la entrega de un texto explicativo de la obra destinado al catálogo).

Las cantidades económicas indicadas para cada proyecto están sometidas a las retenciones e impuestos correspondientes que sean aplicables en cada caso.

Obligaciones de los artistas seleccionados

Los artistas seleccionados tienen que aceptar por escrito la dotación económica concedida en impreso normalizado (facilitado por el Sedi). El impreso tiene que ser firmado por el beneficiario o beneficiarios y presentado antes de 10 días hábiles a partir de la publicación de la concesión. Si la dotación económica no es aceptada en este plazo, la ayuda será revocada automáticamente.

Las intervenciones físicas en el Campus de Burjassot serán expuestas durante un periodo de cuatro semanas fijado entre los meses de septiembre, octubre y noviembre. El comisariado de la muestra estará a cargo de Alba Braza.

El montaje de los proyectos, los trabajos previos y el transporte de materiales se harán en los tres días previos a la inauguración de la muestra. En cualquier caso, la obra tendrá que estar completada en todas las fases del montaje como máximo a las 10:00 del día de la inauguración.

Los proyectos tienen que permitir ser desmontados en el plazo de las 24 horas posteriores al cierre de la exposición. El desmontaje de las obras empezará el viernes de la semana de fin de la muestra, a las 17:00

El proceso de montaje y desmontaje no puede comportar ninguna agresión o deterioro de las instalaciones del Campus de Burjassot.

Los gastos derivados de las intervenciones, el transporte, montaje y desmontaje, así como su producción, correrán a cargo de los artistas seleccionados.

Una vez resuelto el procedimiento, los artistas seleccionados que decidan no participar en la muestra tendrán que comunicar al Sedi, por escrito, la renuncia a la dotación económica.

Jurado

Alicia Ventura, comisaria independiente y gestora cultural.
Moisés Mañas, profesor del Departamento de Escultura de la Universidad Politécnica de Valencia,
Alba Braza, comisaria de la Mostra art públic / universitat pública.
Norberto Piqueras, jefe de sección de Exposiciones del Vicerrectorado de Cultura e Igualdad de la Universitat de València.

Bases completas
Imagen de portada: For the birds, de Ernesto Casero, premiado en la pasada edición.

Juan Luis Toboso: Un complejo juego de energías

Reinventar lo posible. Accionar lo imaginable
Comisariado: Juan Luis Toboso
Artistas: Ursula Biemann, Pedro Neves Marques, Marco Ranieri, Milena Bonilla, Lorenzo Sandoval, Pedro Barateiro y Moisés Mañas
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 3 de septiembre de 2017

‘Reinventar lo posible. Accionar lo imaginable’ es el título de la exposición comisariada por Juan Luis Toboso, que forma parte del proyecto ganador de la convocatoria 365 Dies. En él, la ecología aparece como el contexto preciso que da lugar a la reflexión en torno a la responsabilidad de los seres humanos en la modificación de nuestro entorno. Según el comisario, “el ser humano ha modificado el ciclo de la naturaleza y, por lo tanto, ya no la vemos como una fuente de recursos, sino como un ser domesticado”.

Domesticación, habría que añadir, abrupta y salvaje si se quiere poner el acento en su vertiente negativa, por cuanto la agricultura, que está en la base de nuestra civilización, siempre ha supuesto la alteración de cierto ecosistema natural. A Toboso, por lo que se ve, le interesa subrayar ese carácter salvaje de la domesticación de la naturaleza, que también suele ser el adjetivo para calificar ese otro derivado pernicioso de la actividad humana que es el capitalismo.

Imaginar lo imposible

Reinventar lo posible. Accionar lo imaginable, exposición comisariada por  Juan Luis Toboso. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Para ello, reúne los trabajos de siete artistas: Ursula Biemann, Pedro Neves Marques, Marco Ranieri, Milena Bonilla, Lorenzo Sandoval, Pedro Barateiro y Moisés Mañas. Cada cual a su manera, le sigue el rastro a esa configuración del mundo violentado por la torpe acción humana. Como dice el comisario, “la revolución industrial, la tecnología y el sistema capitalista nos han llevado a un ritmo de vida en el que las relaciones entre nosotros mismos y la naturaleza están basadas en la dominación”.

Toboso utiliza el juego de energías al que se refiere Michel Serres en su texto ‘El contrato natural’ (aunque contrato y natural sean elementos contradictorios), para desarrollar su proyecto en la dirección de “una ecología de las prácticas artísticas”, mediante las cuales “levantar más preguntas que respuestas y estimular la relación entre múltiples proposiciones como forma de producción de conocimiento”. Como múltiples son las propuestas de los siete artistas convocados en este primer ciclo de su proyecto.

Reinventar lo posible. Accionar lo imaginable, exposición comisariada por Juan Luis Toboso. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Reinventar lo posible. Accionar lo imaginable, exposición comisariada por Juan Luis Toboso. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Ursula Biemann, en su video ensayo Selva Jurídica, se adentra en espacios remotos para investigar esa alteración de determinados ecosistemas por culpa de la depredadora acción humana. La denuncia de esa depredación demuestra que hay intervenciones igualmente humanas en sentido contrario. Moisés Mañas utiliza materiales diversos para interrogarse acerca de la sintaxis de la propia tecnología, deconstruyéndola para provocar una serie de flujos que vienen a alterar su comportamiento mecánico. Más que la naturaleza, tal y como la entendemos, aquí se revelaría esa otra naturaleza mecánica igualmente expuesta a la injerencia humana.

Marco Ranieri utiliza raíces de plantas diversas para establecer lo que él llama ‘Interdependencias subterráneas’ que paradójicamente ubica en lo más alto de la sala, generando una actitud entre contemplativa y de un inquieto acercamiento a esa naturaleza que parece querer preservar. Milena Bonilla hace lo propio en su instalación con plantas y espejos que multiplican la imagen de un pedazo de jardín oculto y misterioso. Pedro Neves Marques crea un documento audiovisual en el que se mezcla lo tecnológico y lo natural en un diálogo penetrante. Lorenzo Sandoval y Pedro Barateiro disponen en un espacio conjunto diversos elementos que se afectan entre sí, para explorar esa naturaleza que se constituye en objeto de una profunda meditación intertextual.

Vista de la exposición del Centre del Carme.

Vista de la exposición ‘Reinventar lo posible. Accionar lo imaginable’. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Salva Torres

“Ha decaído el interés por ver las cosas en directo”

Desayunos Makma en Lotelito
Con Moisés Mañas, Álex Marco, Rebeca Plana y Paco Sebastián, con motivo de la feria
ARCO de Madrid, que se celebra en IFEMA del 24 al 28 de febrero de 2016
Entrevistados por Jose Ramón Alarcón, Vicente Chambó y Salva Torres, del equipo de redacción de Makma

Alguien que lea el titular de este artículo se preguntará: ¿cómo es que ha decaído el interés por ver las cosas en directo si ARCO es un hervidero de gente? Para encontrar la respuesta se hace necesario leer lo que han dicho Moisés Mañas, Álex Marco, Rebeca Plana y Paco Sebastián durante el encuentro mantenido con ellos en Lotelito de Valencia, teniendo precisamente como motivo la Feria de Arte Contemporáneo (ARCO) de Madrid, que este año celebra su 35 aniversario, y por la que han pasado los cuatro artistas valencianos.

Rebeca Plana y Paco Sebastiá, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

Rebeca Plana y Paco Sebastián, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

Entienden que ARCO es un “gran escaparate” del arte contemporáneo, donde, como en toda feria, “se compra y se vende”. Álex Marco: “Y donde tú eres el producto…”. Moisés Mañas: “…con tu dignidad, evidentemente, pero dentro de una feria”. Un escaparate que Paco Sebastián caracteriza así: “Funciona como un gran festival, pero cuando el festival se cierra la gente deja de ir a ver lo que después debería continuar en las galerías”. De manera que “no responde exactamente a una realidad; responde a una fantasía que cuando desaparece concluye esa fantasía”, precisa Sebastián.

Rebeca Plana: “La gente piensa que vamos allí a divertirnos y nosotros a lo que vamos es a interrelacionarnos con otros artistas, conocer a comisarios que han hablado de nosotros, a periodistas que nos han nombrado. Yo ARCO lo veo para aprender”. Y añade: “Vamos buscando lo que se hace de puertas afuera de nuestra ciudad”. Marco dice que va a las ferias para ver “lo que ha salido recién del horno; verlo en vivo”. “Con ARCO parece como si todo se produjera de golpe y luego desapareciera”, señala Sebastián.

Álex Marco (izda) y Moisés Mañas, durante el Desayuno Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

Álex Marco (izda) y Moisés Mañas, durante el Desayuno Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

Mañas afirma que al tratarse de un escaparate, “si no vendes, sabes que por lo menos tu obra ha tenido repercusión; a mí siempre me ha venido bien”. Según Paco Sebastián, “ARCO es una gran fiesta y estaría bien que se convirtiera en pequeñas fiestas después”. Pero tras la gran hoguera… “Tendría que servir para que nosotros fuéramos a esas pequeñas fiestas, que no vamos”, sostiene Plana. Esas pequeñas fiestas que son las inauguraciones de exposiciones en las galerías y, sobre todo, el día a día posterior es lo que se echa de menos.

Álex Marco y Paco Sebastiá, durante la charla. Fotografía: Fernando Ruiz.

Álex Marco y Paco Sebastián, durante la entrevista. Fotografía: Fernando Ruiz.

Moisés Mañas es contundente a este respecto: “Los que estudian Bellas Artes son bichos raros”. Y se explica: “Las facultades de Bellas Artes ya no son facultades de Bellas Artes, porque antes quien entraba a la facultad estudiaba Bellas Artes y ahora entran a estudiar animación. La ilusión de trabajar con galerías, ir a ferias y mostrar tu propio trabajo se ha diluido y el boom está en la animación o en la ilustración básicamente”. Rebeca Plana dice que fue hace dos semanas a la Facultad de Bellas Artes de Valencia “y no vi ningún alumno trabajando con bastidor, ni con carpeta debajo del brazo”.

Moisés Mañas, durante la charla. Fotografía: Fernando Ruiz.

Moisés Mañas, durante la entrevista. Fotografía: Fernando Ruiz.

“Todos quieren ser ilustradores o animadores, pero nadie quiere trabajar en arte contemporáneo. Es un momento complejo en el que los alumnos tienen unas carencias culturales espectaculares”, abunda Mañas. Según Álex Marco, en su generación “muy pocos alumnos iban también a las galerías o se enteraban de cómo estaba el comercio”. Rebeca Plana y Paco Sebastián, al unísono: “¡Eso sigue pasando!” Y Sebastián continúa: “Los alumnos ya no visitan las galerías, de manera que volvemos a lo mismo: ARCO concentra todo y luego ya no hay nada. Las microfiestas esas, después de la gran fiesta de ARCO, son como mucho las inauguraciones y poco más. Ha decaído el interés por ver las cosas en directo”.

Rebeca Plana, en un momento de la entrevista. Fotografía: Fernando Ruiz.

Rebeca Plana, en un momento de la entrevista. Fotografía: Fernando Ruiz.

Desinterés, pues, como efecto de esa tendencia a la espectacularidad, no sólo de las ferias sino del espacio visual en general, y de los cambios de hábitos: menos arte contemporáneo y más arte digital, con lo que eso conlleva de experiencias más instantáneas a través de Internet y las redes sociales. “En ARCO -explica Sebastián-, cuando hablas con otra galería siempre hay una mirada por encima del hombro, no por desprecio, sino porque están mirando al stand de enfrente. Nadie te atiende mirándote a los ojos, algo que a mi me molesta mucho”.

Moisés Mañas interviene para dejar clara una cosa: “Es que la galerías se gastan muchísimo dinero y si no lo rentabilizas cierras la empresa. De manera que el cachondeo, después de ARCO, y a nosotros los artistas nos interesa que ellos estén así”. Rebeca Plana cree en el concepto de galerista (“pienso que tienen que estar ahí”), porque a ella le han ayudado “mucho”, pero ahora comenta que está más por vender sus proyectos “sin necesidad de galeristas”. Y sale el nombre de Carlos Macià, al que le va muy bien trabajando por libre.

De izquierda a derecha, Vicente Chambó, Salva Torres, Jose Ramón Alarcón, Rebeca Plana, Paco Sebastián, Álex Marco, Moisés Mañas y Carles Claver, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

De izquierda a derecha, Vicente Chambó, Salva Torres, Jose Ramón Alarcón, Rebeca Plana, Paco Sebastián, Álex Marco, Moisés Mañas y Carles Claver, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Con respecto al “efecto llamada” que generan ciertas piezas provocadoras en cada edición de ARCO, hay su controversia. “Las obras que generan ese efecto son las que hacen que la gente piense que el arte contemporáneo es una mierda”, indica Mañas. “La gente al final no va a ver arte contemporáneo, va al circo”, sostiene Plana. Aunque todos ellos reconocen que a veces el galerista utiliza alguna pieza provocadora, con el fin de atraer la atención y que la gente se fije en otras piezas expuestas al lado de esa. Álex Marco concluye que “la pieza reclamo de ese tipo de sensacionalismo seguro que aparecerá”. Y adelanta la de una galería de Alabama, que expone un Mercedes de los 70 en mitad del stand intervenido por un artista. Ellos cuatro se acercarán como cada año a ARCO, porque ARCO da para eso y mucho más.

Salva Torres

Moisés Mañas. Accésit en el Premio de arte electrónico ARCO-BEEP 2013

Moisés Mañas, representado por la Galería Rosa Santos de Valencia, ha recibido el Accésit en el Premio de arte electrónico ARCO-BEEP, de 2013, con la obra «Systematic Ensemble. Around a way of reading».

En el stand de la Galería Rosa Santos pudo verse trabajos de Enrique Zabala, Andrea Canepa, Joan Sebastian, Juanli Carrión y Moisés Mañas.

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Moises Mañas