Cómo salirse del cuadro

‘Niños del Mundo’
Sala de la Junta Municipal
C / Micalet, 1. Valencia
Hasta el 23 de octubre de 2016

Del barro al bronce. De la madera al mármol. De la piedra al hierro. La materia inerte se ofrece voluntaria para adquirir categoría de obra de arte en la mano de los creadores. El material que cada uno elige para expresarse lo define, no sólo como artista, sino también como persona. Simboliza su talante y personalidad.

María Gómez ha escogido uno muy original, ligero y maleable, cartón piedra, un soporte vinculado a la tradición fallera que convierte en seña de modernidad y universalidad en sus últimas exposiciones, y que, como ella dice, le “permite salir del cuadro”. Bajo el título ‘Niños del Mundo’ sus obras más recientes pueden verse en la Sala de la Junta Municipal, en la calle Micalet, 1, hasta el día 23 de octubre.

Niños del Mundo, de María Gómez. Imagen cortesía de la autora.

Niños del Mundo, de María Gómez. Imagen cortesía de la autora.

“El tema de esta exposición son los niños que padecen la tragedia de las guerras”, dice Gómez. “Llevo años trabajando el mundo interior del ser humano. Me interesa mucho la comunicación de la obra con el  observador. Pienso en el diálogo que establecen, porque cada espectador tiene sensaciones y percepciones distintas, según su personalidad. Lo importante es que nadie queda indiferente, de una manera u otra los conmueve. Me interesan los profundos silencios de los observadores durante largo tiempo al observarlas. ¿Qué piensan? Quizás asocien similitudes de estadios paralelos, pensamientos, o bien, reconocerán en ellas retazos de ellos mismos.  El expresionismo, tal y como lo trabajo, me permite deformar levemente lo que me interesa para evidenciar,  estimular o prescindir de elementos, según el objetivo de lo que quiero expresar”.

El ser humano está siempre presente en el trabajo de Gómez, “expresando lo intangible, por eso sus actitudes o gestos son estáticos, no hacen nada en concreto pero sus cuerpos tienen una presencia rotunda. Muestran algo que no podemos descifrar claramente pero que penetra de un modo inconsciente.  Me centro en las miradas que ni acusan ni demandan, sólo producen inquietud”.

María Gómez, en pleno proceso creativo. Imagen cortesía de la autora.

María Gómez, en pleno proceso creativo. Imagen cortesía de la autora.

Gómez utiliza la técnica de cartón piedra desde hace cinco años, un proceso muy antiguo utilizado tanto en escultura de gran nivel como en ornamentación que hoy día se identifica con la llamada escultura ligera. “Es la misma técnica que usaban antiguamente los artistas falleros”, explica. “Se trata de encolar entre sí pedazos de cartón en el interior de un molde, hasta que toma el grosor adecuado. Una vez seco queda una estructura escultórica bastante resistente, a la que se le puede añadir pigmentos en la superficie. Hay ejemplos de gran calidad en escultura religiosa antigua”.

Ella sólo utiliza papel y colas, “no hago ni modelo en barro, ni molde de yeso. Realizo la escultura directamente en el aire, es decir, sin molde. El proceso es complejo pero, a pesar de ello, es más libre en la gestualidad y evito los pasos anteriores del modelado en barro y la realización de los moldes de yeso. Así pues, comienzo el trabajo pegando el papel en un mástil de madera y poco a poco  aplico los papeles a medida que van secando y tomando cuerpo formando al mismo tiempo, la anatomía y los rasgos de la escultura. Las formas de los cortes, orientación y colocación del papel son los que marcan los volúmenes anatómicos de la escultura. A medida que va tomando forma, refuerzo el interior y exterior en pequeñas capas. Finalmente, en el interior adhiero telas para mayor consistencia y un varillaje o estructura interna en madera que arma la figura, quedando muy resistente a los golpes y al deterioro como cualquier otro material”.

María Gómez junto a su 'Niños del Mundo'. Imagen cortesía de la autora.

María Gómez junto a su ‘Niños del Mundo’. Imagen cortesía de la autora.

Las posibilidades expresivas de este material en su caso “son extraordinarias porque se adapta a mi modo de trabajar debido a que acorto parte del proceso  permitiéndome manejar a mi antojo la anatomía según me sugiere cada forma, cada músculo, cada gesto. Así, construyo poco a poco la figura visualizándola a medida que emerge a partir de un pequeño trozo de cartón. Por ello, cada escultura es un mundo de exploración, que en su comienzo, aunque la idea está en la mente, su proceso creativo puede llevarte por derroteros muy interesantes en cuanto a la expresión de los rostros y la gestualidad del cuerpo”.

Gómez combina su faceta creativa con la actividad docente como profesora en la Facultad de Historia del Arte y restauradora especializada en la recuperación de cuadros quemados. Realizó un extraordinario trabajo en el retablo de San Miguel del maestro Gabarda en la Catedral de Valencia.

Niños del Mundo, de María Gómez. Imagen cortesía de la autora.

Niños del Mundo, de María Gómez. Imagen cortesía de la autora.

En la muestra se pueden ver también fotografías de Alfredo G.Carbonell y obra pictórica de Antonio Camaró.

Bel Carrasco

Las tonalidades estupefactas de Guillermo Ros

‘Stoned’ de Guillermo Ros
Área 72. Galería Punto
Av. Barón de Carcer, 37. Valencia
Hasta el 28 de mayo de 2016

Al bajar las escaleras de la Galería Punto, hacia Área 72, la mirada del espectador se dirige inevitablemente hacia el suelo, donde los metalizados colores de Guillermo Ros (Vinalesa, 1988) despuntan sobre las blancas paredes de la galería. En palabras de Juan Peiró “petrificados y estupefactos serán sin duda calificativos aplicables a la primera impresión que experimente más de un espectador”.

Es así como ‘Stoned’ hace referencia al juego de palabras donde el elemento material protagonista de la muestra, la piedra de mármol, se confunde a la vista de cualquiera que asome a los espejos de la instalación. El título de la exposición se articula de manera oportuna y no parece ser tan arbitrario pues el artista lleva a cabo una continua investigación sobre la interrelación entre materialidad, virtualidad y simulación.

Vista general de una parte del montaje expositivo.

Vista general de una parte del montaje expositivo. Imagen cortesía Galería Punto.

Como vemos en las imágenes, este simulacro se produce a través de los colores empleados que fluyen desde lo natural a lo artificial, entre el orden y el caos. Solos dos instalaciones componen la exposición, pero son suficientes como para completar todo el espacio. La superposición de las piedras sobre los espejos colocados en el pavimento hacen trasladarse al que las contempla, le empujan a mirar abajo, descubriendo, con sorpresa, cómo los colores se transforman. Los verdes azulados pasan a convertirse en dorados y amarillos.

El profundo conocimiento sobre los colores, aplicado al ámbito escultórico, hace que la trayectoria artística de Guillermo Ros siga creciendo. Su obra puede verse en diversas colecciones, destacando la DKV Collection, la Fundación Pilar Citorel o la colección de la Royal Family de Arabia Saudí. Probablemente, todos ellos quedaron maravillados por las artificiales tonalidades de las piedras de Ros.

María Ramis

El arte contemporáneo según Youtube

Ten years at the Zoo
La Naves C / Juan Verdeguer, 16. Valencia
Hasta el 16 de enero de 2016

Ten Years at the Zoo es una exposición colectiva de vídeo e instalación que analiza el impacto de Youtube en el arte contemporáneo generado y difundido ex profeso para la red desde su creación hasta nuestros días con motivo del décimo aniversario. En 2015 el primer vídeo en la historia subido a Youtube, Me at the Zoo, ha cumplido diez años, durante los cuales ha contribuido a revolucionar el sector de la comunicación, la información y la expresión del ser humano a través de lo audiovisual.

La muestra se compone de un entorno en el que abunda naturaleza artificial y piedra de cuarzo, cuestionando los límites de lo biológico al mismo tiempo que refiere a la idea de vertedero digital, y la proyección de seis vídeos seleccionados de artistas que identifican su localización para crear en el propio internet, es decir, cuyo trabajo radica por y para la red sin un lugar físico más allá del transfronterizo ciberespacio: Andrés Galeano, Claudia Maté, Emilio Gomariz, Lorna Mills, Vince McKelvie y Katie Torn.

Ten Years at the Zoo. Imagen cortesía de Las Naves.

Ten Years at the Zoo. Imagen cortesía de Las Naves.

Para este proyecto los comisarios Marisol Salanova y Carlos Sáez han realizado una cuidada selección de artistas internacionales cuyas obras mantienen diferentes tipos de vínculos con los servicios de vídeo en internet, “muchas de estas piezas integran reminiscencias del imaginario digital de estos últimos diez años y no existirían o serían distintas sin el fenómeno que impulsan dichas plataformas”, apunta Guillermo Arazo, director de programación de Las Naves.

El diseño expositivo parte de la deformación de un gran hexágono desde el cual contemplar todos y cada uno de los vídeos como si de una arquitectura panóptica se tratase, en alusión al concepto de panóptico de Jeremy Bentham, mutando hacia lo que sería una reflexión sobre los vínculos entre naturaleza plástica, los zoos, internet y su fauna variopinta tal que si el propio internet fuese ese zoo desde el cual Jawed Karim, cofundador de Youtube, grabó y subió su primer vídeo Me at the Zoo.

El objetivo primordial no es el de rendir homenaje a la plataforma si no sacar el arte digital del circuito alternativo y presentarlo en un espacio físico elevándolo al lugar que le corresponde, situándolo en un centro de arte, en una sala adecuada con un soporte como las pantallas Samsung Curvas de Full HD Curvo. Se trata de una colaboración de Carlos Sáez con la empresa de mármol y cuarzo Compac, estrechamente vinculada al mundo del arte y el diseño de interior. Así, el hexágono tiene forradas sus paredes con cuarzo y sobre éstas se anclan las pantallas.

Mientras tanto una selva de plantas artificiales pueblan los espacios de tránsito de la sala, ambientando la instalación, facilitando el diálogo de las seis obras a través de un cuestionamiento de lo natural y la deslocalización del arte. En ese sentido la pieza Real Life Exodus de Carlos Sáez, inaugurada a la vez que la muestra pero ubicada en una zona distinta, se relaciona con la exposición ya que es una escultura que se refiere a internet como una metrópoli virtual con un papel fundamental en el proceso de preparación de la sociedad para una emigración de la vida real a la digital.

Ten Years at the Zoo. Imagen cortesía de Las Naves.

Ten Years at the Zoo. Imagen cortesía de Las Naves.

‘Colectiva’ de Expósito y Núñez en Lametro

Colectiva, de José Expósito y Antonio Núñez
Sala Lametro José Ramón García-Antón
Estación de Metro de Colón. Valencia
Hasta el 31 de marzo, 2015

La sala Lametro-José Ramón García-Antón de la estación de Colón de Metrovalencia acoge, hasta el 31 de marzo, la exposición de pintura y escultura ‘Colectiva’ de José Expósito García y Antonio Núñez, dos artistas que retoman el contacto con el público tras un periodo al margen de la actividad artística.

En la obra de José Expósito García (Camas, Sevilla, 1954, y residente en Valencia desde 1972) se puede contemplar esculturas en talla de piedra y madera, con el cuerpo humano como tema principal, torsos masculinos y cuerpos femeninos, con diferentes enfoques y tallados con diversos tipos de maderas y acabados.

Obra de José Expositivo en la exposición 'Colectiva'. Imagen cortesía de Lametro.

Obra de José Expositivo en la exposición ‘Colectiva’. Imagen cortesía de Lametro.

Además, exhibe pinturas sobre tabla en las que predomina la investigación y la búsqueda para expresar sensaciones mediante la textura y el color, tomando como fuente de inspiración temas que siempre le han motivado, como son los volcánicos, los relacionados con el agua y fondos marinos, las manifestaciones artísticas  primitivas y aborígenes.

También se pueden admirar cuadros realizados en acrílico inspirados en la técnica de su admirado Manolo Millares, componiendo formas y expresando sensaciones, con la combinación de arpilleras de distintas texturas, así como pinturas de un estilo más realista inspiradas en viajes reales e imaginarios.

Obras de Antonio Núñez en la exposición 'Colectiva'. Imagen cortesía de Lametro.

Obras de Antonio Núñez en la exposición ‘Colectiva’. Imagen cortesía de Lametro.

En el trabajo de Antonio Núñez (Puerto de Sagunto, 1963), se puede contemplar esculturas realizadas en técnica mixta, buscando combinaciones de mármol, madera y en algunos casos toques de acero inoxidable, todo ello unidos entre sí en una sola pieza. En cuanto a su estilo, se inspira en el conocimiento de la forma y la materia, creando figuras humanas en su mínima expresión. Otras veces, simplemente se deja llevar por trazos sugerentes y toques conceptuales.

Su obra busca contrastes visuales de frío y calor, el mármol, la madera…., así como motivos claros para distorsionar la realidad, con materiales que se doblan y desean huir de sus atributos más naturales.

Obras de Antonio Núñez en la exposición 'Colectiva'. Imagen cortesía de Lametro.

Obras de Antonio Núñez en la exposición ‘Colectiva’. Imagen cortesía de Lametro.

La sala, que permanece abierta al público de martes a viernes de 11:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 20:00 horas, y los sábados en horario de tarde, cuenta desde su inicio con el patrocinio de Vossloh, empresa radicada en Albuixech y dedicada a la fabricación de unidades ferroviarias.

Con esta sala de exposiciones, FGV quiere consolidar como habituales en el conjunto de las estaciones de la red propuestas culturales y otras, como actuaciones musicales o campañas de sensibilización como las que desarrolla Línea 0. Estas iniciativas se ofrecen con el objetivo de conseguir que las estaciones de Metrovalencia sean algo más que un simple lugar de paso.

Obra de José Expósito en la exposición 'Colectiva'. Imagen cortesía de Lametro.

Obra de José Expósito en la exposición ‘Colectiva’. Imagen cortesía de Lametro.