“Yo sigo con mis obsesiones”

Manolo Valdés. Obra reciente: Pinturas y Esculturas
Marlborough Gallery
6 Albemarle Street. Londres
Hasta el 16 de julio

Una serie de pinturas y esculturas realizadas siguiendo esa comunión con el material y la reinterpretación de obras de artistas representativos que le caracteriza, traen hasta la capital del Reino Unido piezas nuevas que siguen la línea de trabajo elaborada durante sus más de cincuenta años de carrera, junto a ejemplares que representan nuevos retos en su investigación. Repasamos con el artista su trayectoria, sus inquietudes y sus proyectos.

Lo tenía claro ya cuando dejó la Universidad y empezó a pintar. ¿Cómo nace usted como artista y el ‘Equipo Crónica’ como grupo artístico a principios de los 60?

A los dieciséis años decidí viajar a París. Cuando llegué a París, me encontré con una realidad muy lejana de lo que me estaban enseñando en Valencia. Llegué allí y descubrí a Pierre Soulages o Rauschenberg junto con otros ejemplos de artistas rompedores. En definitiva descubrí la libertad. Me dí cuenta que la cosa era mucho más amplia que lo que yo hasta entonces había estudiado. Volví a Valencia sobreexcitado. Esto me lleva a hacer cosas que no eran ortodoxas, lo que me provoca conflictos y la expulsión de la escuela de Bellas Artes. Fue una época difícil de gran inseguridad frente a gente más preparada que yo. Me fui al estudio y empecé un camino autodidacta. Años después, satisfecho con mi trabajo, me encuentro con Rafael Solbes y Juan Antonio Toledo con los que emprendo un camino juntos por la insatisfacción que cada cual tiene, frente a la situación social y artística que nos rodeaba. Era una época difícil en España que quisimos retratar y denunciar a nuestra manera.

Manolo Valdés. Imagen cortesía de Marlborough Fine Art.

Manolo Valdés. Imagen cortesía de Marlborough Fine Art.

¿Qué camino decidió tomar cuando se disolvió el ‘Equipo Crónica’ y empezó su carrera en solitario? 

El final de este grupo que formamos sucedió muy pronto, pero yo al día siguiente me fui al estudio y pensé ¿Qué voy a hacer?, seguí con lo que estaba haciendo el día anterior. Empecé a hacer cuadros muy similares a los que estaba haciendo el ‘Equipo Crónica’, como es lógico. Además no tenía ningún rechazo ni ninguna intención de separarme, aunque luego la evolución se produjo y me separé de una manera natural.

Desapareció el collage y la digitalización. 

En parte, en principio sí, y luego introduje otras técnicas a la pintura como son la referencia a la pintura abstracta, la pintura matérica pero se mantienen algunas de las imágenes que asimilé entonces.

¿Buscaba la abstracción o bien recuperar la esencia de la imagen como elemento representativo? Me refiero al uso de los iconos que utiliza durante su carrera.

Yo siempre me he planteado la pintura, cuando parto de un cuadro a otro, como una manera de comentarla, de hablar de ella. Yo hablo de la pintura, desde la especificidad de la misma. Muchas de las imágenes se han mantenido a lo largo de mi trayectoria, porque creo, a medida que pasa el tiempo, que tengo otras ideas, otra situación que me hace hablar de ello de una manera distinta. Sigo hablando de ella y no huyo de las mismas imágenes. Así como hay artistas que les produce fastidio trabajar sobre una imagen que ya han hecho, yo no, yo sigo con mis obsesiones.

¿Usted cree que hay una evolución en su carrera?

Eso espero, es algo que yo creo y de hecho se produce muy lentamente, aunque para mí no es un objetivo que sea distinto. Yo cojo una obra de Matisse reinterpretada que ya he hecho y si creo que puedo hacerlo de una manera distinta, me pongo a hacerla, no tengo pena de volver a tomar los mismos iconos.

¿Cuál es su relación con la materia en general y su recorrido de investigación artística?

La relación con la materia es la relación con la pintura, yo parto de una obra de Velázquez y pienso “yo la voy a pintar de otra manera“, porque desde el XVII hasta ahora han pasado muchas cosas. Introduzco materia porque este elemento ha existido durante todo ese tiempo y lo hago mío. Pero también introduzco el Pop porque me ha enseñado que puede redimensionar la realidad y alcanzar las medidas que utilizo. Pinto lo que me apasiona, lo releo y esa es mi aportación, a partir de un cuadro saco otro.

Dama, de Manolo Valdés. Imagen cortesía de Marlborough Fine Art.

Dama, de Manolo Valdés. Imagen cortesía de Marlborough Fine Art.

Agrede, trabaja, desgarra la tela, tiene una relación intensa con las texturas y la superficie.

Trabajo la tela buscando siempre efectos plásticos. Sin embargo cuando están terminados los meto tras un cristal para que sean más tradicionales. Mi intención es que sean absolutamente tradicionales, yo no busco la modernidad como sistema, sino más bien lo contrario. Intento esculpir la tela, dándole una profundidad que luego con el cristal la vuelve a su bidimensionalidad original.

¿De la obra elige fragmentos o personajes?

Generalmente son fragmentos, yo retrato al personaje por su significado y la referencia a artistas de renombre. En Dama sin embargo, he intentado que no sea nadie. He querido pintar el cuadro completo, es como si hubiese ido al museo y lo he pintado con el marco y todo. No pretendo que se lea un personaje sino que se lea lo que es un cuadro museístico. Lo que me interesa es pintar un cuadro como objeto.

Sus esculturas se componen de una base muy sólida y que luego el dinamismo que no se encontraba en las esculturas hieráticas que hay en las calles, se encuentran en los sombreros estos que vemos aquí.

En el fondo hay como distintas maneras de hacer escultura, de trabajar el material, que se complementan. Una de las cosas que me gusta es cuando, para hablar de una cosa, lo digo la mayor cantidad de veces que pueda.. En esta exposición se puede ver un recorrido desde lo tradicional a la geometría contemporánea. Yo soy un modelador, en lugar de con el barro en este caso modelo con la escultura. Head por ejemplo es un ensamblaje de madera, con trozos que son tacos.

El dibujo como pretexto II, de Manolo Valdés. Imagen cortesía de Marlborough Fine Art.

El dibujo como pretexto II, de Manolo Valdés. Imagen cortesía de Marlborough Fine Art.

Cuál es su inquietud escultórica actualmente. 

Estoy haciendo más esculturas últimamente. Estoy introduciendo ahora, como por ejemplo en el caso de la obra El dibujo como pretexto II, la idea de realizar un dibujo en el aire. He cogido líneas de la misma manera que estampo los trazos del lápiz y he hecho una escultura con ella.

¿Cuál es su relación con el mercado inglés con la realidad del Reino Unido?

La relación es buena porque aprecian mi trabajo y el mercado es suficiente para lo que yo produzco, que no es tanto. La producción es larga, para realizar estos cuadros se invierten meses o años. Al estar el mundo tan globalizado y tener tanta demanda no hay un mercado específico. En Londres mi última exposición fue hace diez años en la Marlborough, aunque el año pasado creo que hubo una pieza del Equipo Crónica en The World Goes Pop, la exposición que la Tate Modern dedicó al arte pop.

¿Cuáles son sus próximos proyectos?

Mi próxima exposición es en París, luego Finlandia, Helsinki, Alemania, Pekín, entre otras.

Butterflies, de Manolo Valdés. Imagen cortesía de Marlborough Fine Art.

Butterflies, de Manolo Valdés. Imagen cortesía de Marlborough Fine Art.

Miguel Mallol

Buenas prácticas: nombrarlas no significa aplicarlas

SOBRE EL COMITÉ DE EVALUACIÓN DEL CONSORCIO DE MUSEOS

Desde la Consellería de Cultura de la Generalitat Valenciana se ha hecho pública la composición de la comisión evaluadora que se encargará de la selección del órgano de dirección del Consorcio de Museos. Desde AVVAC exponemos nuestra disconformidad con la selección de este comité evaluador, puesto que en él se percibe una forma de gestión y organización continuista y anclada en políticas del pasado que no hacen honor a la declaración de intenciones de su Código de buenas prácticas.

A pesar del énfasis que desde la Consellería se ha puesto en la equidad de la distribución de los porcentajes que componen este comité (33,3% sector profesional, 33,3% sociedad civil, y 33,3% administración), desde AVVAC recordamos que una de las reivindicaciones fundamentales que el sector del arte viene haciendo es la desvinculación del poder político de la cultura para garantizar de esta forma su independencia ideológica. Por esto, no entendemos que se plantee un comité evaluador con un 33,3% de miembros políticos ligados a la administración compuesto por Vicent Marzà, Conseller de Cultura; Carmen Amoraga, Directora general de Cultura y Patrimonio; Xavier Rius, diputado provincial de Cultura de la Diputación de Valencia. Desde nuestro punto de vista el sector político debe tener representación en estos comités con voz pero sin voto. La Administración tan solo debería velar por el buen funcionamiento de dicho comité, y asegurar así su profesionalidad y neutralidad.

La toma de decisiones debe quedar reservada exclusivamente a los profesionales o expertos en la materia que deberían ser siempre de reconocido prestigio. Además cabria esperar la designación de profesionales que aportaran nuevas visiones y criterios renovados que propiciarán el cambio demandado en esta nueva etapa. En este sentido nos sorprende la elección de algunos miembros vinculados a anteriores gobiernos y formas pretéritas de administrar la cultura. Es el caso de Manuel Muñoz representando a la Academia de San Carlos y especialmente de Felipe Garín, anterior director de la institución, apartado de su cargo por la propia Consellería y ahora encargado de valorar a su sucesor. Esta designación nos parece esperpéntica, dado que desde los primeros encuentros que las asociaciones profesionales hemos mantenido con los órganos de gobierno, se reclamó su destitución por la opaca y controvertida gestión de los recursos al frente del Consorcio de Museos.

Atendiendo a la diversidad que el proyecto del Consorcio supone, no termina de entenderse el solapamiento de perfiles vinculados fundamentalmente a la historia del arte y a la gestión del patrimonio en relación a la ausencia de miembros dedicados a la gestión de la producción cultural contemporánea. La presencia de una experta en Sorolla (su biznieta) Blanca Pons Sorolla, de una restauradora y experta en patrimonio Victoria Vivancos, Sebastià Miralles de la Universitat Politècnica de València; Susana Lloret, directora de la Fundación Por amor al arte y de dos expertos como Garín y Manuel Muñoz ligados a las políticas culturales del anterior gobierno. Además contrasta con la ausencia de profesionales con experiencia en la gestión de alguna institución foránea y de prestigio similar al Consorcio.

En este sentido otra propuesta de AVVAC que ha sido obviada, es la necesidad de una diversidad geográfica de los miembros de la comisión. Al menos dos tercios deberían ser de fuera de la comunidad, al objeto de procurar la máxima independencia posible en cuanto a vínculos personales o intereses profesionales con los candidatos. En este punto queremos destacar que todos los miembros propuestos por Conselleria pertenecen al ámbito valenciano, por lo que se corre el riesgo de que su decisión esté más ligada a afinidades personales con los participantes que a un criterio profesional, justo y ecuánime.

Por otro lado lamentamos la escasa presencia en el comité de selección de miembros que ejerzan su labor en las provincias de Castellón y Alicante, limitando la presencia en representación de la administración a Rosa María Castells, registro y conservación de MACA. Al segregar a las provincias de Castellón y Alicante de la comisión evaluadora no se ha tenido cuenta el carácter autonómico de la propia institución.

A estos diez nombres propuestos desde la administración, se suman los representantes de AVVAC y AVCA, quedando en inferioridad numérica el voto que representa al sector profesional.

Queremos subrayar que las premisas que han determinado las propuestas que desde AVVAC hemos barajado, han sido la independencia y el rigor profesional. Es por esto por lo que se decidió invitar a Iñaki Martínez Antelo, director del MARCO de Vigo desde el 2005, y primer director de museo de este país designado a través de un concurso público. Se trata de un defensor de las buenas prácticas tal y como lo demuestra su gestión al frente de los distintos centros que ha dirigido: Centro Galego de Arte Contemporánea de Santiago de Compostela (1996-1998), coordinador de exposiciones en el Auditorio de Galicia (1998-2002) y coordinador de actividades culturales en Casa Asia, Barcelona (2002-2003). En febrero de 2011 fue elegido presidente de la Asociación de Directores de Arte Contemporáneo de España. La gestión de Martínez Antelo se caracteriza ante todo por un marcado perfil actual, y una apuesta constante por el arte emergente.

Creemos que la fórmula planteada desde la administración no es la más adecuada y dificulta la profunda renovación de una institución fallida y obsoleta como el Consorcio de Museos, creada para Consuelo Ciscar. Urge la necesidad de generar desde las administraciones nuevos modos de funcionar en red, trabajar en estrategias que faciliten recursos y dotar de autonomía a los diversos espacios, para que sus contenidos se gestionen desde la libertad e independencia.

Los nuevos planteamientos políticos, no pueden desarrollarse sin profundizar en el carácter público de convocatorias y concursos, un derecho que hasta ahora se había arrebatado a la sociedad. Por ello, desde las asociaciones profesionales, nos afanamos en exigir el rigor necesario en los procesos, imparcialidad y respeto territorial. Desde AVVAC exigimos a los representantes políticos que velen por la profesionalidad de este comité, y lleven a cabo un riguroso proceso de baremación que estudie con la debida profundidad y atención cada una de las propuestas presentadas, para que la decisión que finalmente se tome se traduzca en progreso y enriquecimiento cultural.

Artistes Visuals de València, Alacant i Castelló

El azul engañoso del Toro de Osborne

Cielo español, de Ismael Teira

El toro de Osborne diseñado por Manolo Prieto y realizado en una forja de Cádiz puebla nuestra geografía española. Están censados 91, repartidos por lomas, promontorios y otros lugares, entre los que destaca el propio campus de la Universidad Politécnica de Valencia, que cuenta con uno catalogado como protegido y de medidas perfectas. Además de ese, hay otros 10 en la Comunidad Valenciana. Ismael Teira lleva haciéndose cargo de todos ellos en un proyecto de largo alcance consistente en reproducir a escala natural una de sus partes más simbólicas.

“Cielo español [tal es el título de su proyecto] está inspirado en el falso hueco azul que se recorta entre el rabo y las patas traseras del famoso toro de Osborne”, explica el artista. Él se dio cuenta de ese engaño visual, que nadie percibe desde la carretera viajando en coche, precisamente cuando lo vio en el campus de la Politécnica de Valencia. “Ese espacio, en realidad, no está recortado, sino pintado”. El azul, por tanto, no es el cielo que se dejaría ver entre el rabo y las patas, sino una “especie de trampantojo; un camuflaje pictórico que, visto desde la carretera, simula ser el cielo”, señala Teira.

El Toro de Osborne junto al falso hueco azul. Imagen cortesía del artista.

El Toro de Osborne junto al falso hueco azul. Imagen cortesía del artista.

Su objetivo es pintar ese fragmento, extraído del conjunto, para llamar la atención acerca de ese engaño o trampantojo de “gran tradición en el Barroco”. De momento, ya ha reproducido nueve de esos toros: cuatro ubicados en Valencia y otros cinco de Galicia. Y tiene pensado seguir, hasta completar un proyecto que abarcaría la totalidad de esos 91 toros convertidos en iconos del paisaje ibérico español. “En la Junta de Andalucía son BIC (Bien de Interés Cultural), y hacer vandalismo contra ellos es como hacerlo en una catedral”, indica el artista.

El museo MARCO de Vigo y las galerías valencianas Luis Adelantado y Míster Pink ya han acogido su reproducción del famoso toro de Osborne. Y si tenemos en cuenta que ‘Cielo español’ se subdivide a su vez en ‘Casi cielo español’, con partes del toro a medio montar, y ‘Otro cielo español’, con variaciones de colores de esa tonalidad azul, el proyecto conjunto de Ismael Teira ya ha sido expuesto en Madrid, La Rioja y Asturias, además de Vigo, Valencia y Alicante, donde estuvo en Las Cigarreras.

La silueta azul del Toro de Osborne expuesta en la galería Luis Adelantado. Imagen cortesía del artista.

La silueta azul del Toro de Osborne, que fue expuesta en la galería Luis Adelantado. Imagen cortesía del artista.

“Tanto en el MARCO de Vigo como en la galería Luis Adelantado de Valencia se instaló a la misma altura que el original, a 270 centímetros del suelo”, subraya Teira. “Cielo español reproduce a escala natural el fragmento de cielo dividido en tres partes, del mismo modo que en las vallas metálicas que vemos desde la carretera”, añade. De hecho, él se fue impregnando de la necesidad del proyecto en sus numerosos viajes desde Valencia a su Galicia natal.

Así, recuerda cómo los toros de Osborne se ven desde el coche, “por donde te cuelan ese trampantojo”, por lo que “el premio para el caminante” consiste en descubrir la falsedad de ese cielo azul pintado dentro de la propia silueta del toro. “Yo trabajo el caminar, el paisaje y el recorrido”, que es como subrayar la importancia de una mirada más atenta. Por eso la inclusión de sus toros, pieza a pieza, en los espacios más reducidos de una galería o los más amplios de un museo, permiten fijar la atención en aquello que se nos escapa por la velocidad del viaje o las prisas cotidianas. “Aíslo en diferentes espacios aquello que algunos han dado en llamar tabla de surf y ofrezco esa forma singular a un espectador atento”.

La silueta azul del Toro de Osborne, en el MARCO de Vigo. Imagen cortesía del artista.

La silueta azul del Toro de Osborne, en el MARCO de Vigo. Imagen cortesía del artista.

De manera que Ismael Teira lo que hace en todos esos recintos donde ha podido contemplarse tan singular propuesta es “meter el toro, pero sin el toro”. Sin el toro al completo, se entiende. Cada una de las partes azules que vienen a representar ese cielo pintado entre el rabo y las patas traseras, va adquiriendo diversas tonalidades. “Al igual que el cielo es distinto durante el día, al anochecer o si está nublado, yo pinto también esas diferencias”.

Diferencias que él extrapola a las igualmente diferentes provincias en las que aparece tan mayestática silueta. “El español tiende a homogeneizarlas”, dice. De ahí que su ‘Cielo español’, además de revelar el engaño visual inscrito en el toro de Osborne, sirva para reconocer la idiosincrasia de los territorios que acogen el icono ibérico por excelencia. ‘Cielo español’, sin duda, mas cielo en transformación a pesar del trampantojo. Ismael Teira espera demostrarlo llenando galerías y museos con las tonalidades cambiantes de casi un centenar de toros. Porque caber, caben.

Ver la noticia en El Mundo Comunidad Valenciana

Toro de Osborne, objeto del proyecto 'Cielo español', de Ismael Teira. Imagen cortesía del artista.

Toro de Osborne, objeto del proyecto ‘Cielo español’, de Ismael Teira. Imagen cortesía del artista.

Salva Torres

MARCO: programación para 2015

El Museo de Arte Contemporáneo de Vigo MARCO nos ofrece un avance de la programación durante el año 2015 y en MAKMA queremos compartirla:

EXPOSICIONES TEMPORALES

FRANCISCO MANTECÓN (23 enero – 31 mayo)
Comisarios: Angel Cerviño y Alberto González Alegre

La retrospectiva de uno de nuestros artistas y diseñadores fundamentales de finales del siglo XX, Francisco Mantecón (Vigo, 1948–2001), podrá verse también en la Fundación Luis Seoane, A Coruña, durante el verano de 2015

IGNACIO URIARTE. Unos y ceros. (24 octubre – 25 enero)
Comisario: Juan Canela

LUIS SEOANE. Movimientos universales
19 junio – 4 octubre 2015. Comisario: David Barro

PRODUCCIÓN 2015 / Becas DKV – MARCO
30 octubre 2015 – febrero 2016
Comisaria: Alicia Ventura
Producción: MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo / DKV Seguros

La exposición que tendrá lugar en el MARCO en el último trimestre de 2015 inaugurará una nueva iniciativa en colaboración con el centro vigués. Con motivo de este proyecto se convocarán becas de producción para artistas,financiadas por DKV, y las obras resultantes formarán parte de la muestra, junto con otras obras pertenecientes a la colección DKV.

Unos y Ceros de Ignacio Uriarte. Museo MARCO de Vigo.

Unos y Ceros de Ignacio Uriarte. Museo MARCO de Vigo.

PORT AUTHORITY
Una exposición de Gintaras Didžiapetris con AaBbPp, Elena Narbutaitė, Rosalind Nashashibi y William
Eggleston
6 febrero – 17 mayo 2015
Comisaria: Agar Ledo
Producción: MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo /
CAPC, Musée d’Art Contemporain de Bordeaux. Con la colaboración de: Pavilion, Leeds (UK), Galería Elba Benítez (Madrid)

Port Authority es una exposición imaginada como un lugar donde las ideas, objetos o seres se entrecruzan; un proyecto —que responde al carácter portuario de la ciudad de Vigo— donde se exploran situaciones de transferencia, nomadismo o intercambio a través de un grupo de trabajos concebidos por Gintaras Didžiapetris (Vilnius, Lituania, 1985) en los últimos años: archivos abiertos (open files), fotografías, películas y objetos que existen entre las actualizaciones y correspondencias que se dan en los procesos de intercambio que les afectan y nos afectan. La exposición incluirá, asimismo, piezas de artistas como AaBbPp, Elena Narbutaitė, Rosalind Nashashibi y William Eggleston.

LA VOZ DEL TRADUCTOR
Proyecto ganador del Premio MARCO/FRAC Lorraine/SFKM para jóvenes comisarios

29 mayo – 30 agosto 2015
Comisario: Martin Waldmeier
Producción: MARCO, Museo de Arte Contemporánea
de Vigo / Frac Lorraine, Metz, Francia / SFKM Sogn og
Fjordane Museum of Fine Art in Førde, Noruega Xu Bing/Fabrice Samyn, Sylvie Boisseau & Frank Westermeyer, Erik Bünger, Luis Camnitzer, Esra Ersen, Mladen Stilinović/Jakup Ferri, Dora García, Nicoline van Harskamp, Susan Hiller, Rainer Ganahl, Joseph Grigely, Christoph Keller, Zineb Sedira, Ingrid Wildi Merino.

Producción de la obra Unos y ceros de Ignacio Uriarte, 2011 14. Foto cortesía colección Sirvent, Vigo  Manuel G. Vicente

Producción de la obra Unos y ceros de Ignacio Uriarte, 2011 14. Foto cortesía colección Sirvent, Vigo Manuel G. Vicente

MEMORIAS IMBORRABLES
Una mirada histórica a la Colección Videobrasil
11 septiembre 2015 – enero 2016
Comisario: Agustín Pérez Rubio
Producción: Associação Cultural Videobrasil Akram Zaatari, Ayrson Heráclito & Danillo Barata, Aurélio Michiles, Bouchra Khalili, Carlos Motta, Coco Fusco, Dan Halter, Enio Staub, Jonathas de Andrade, León Ferrari & Ricardo Pons, Liu Wei, Luiz de Abreu, Mwangi Hutter, Rabih Mroué, Rosangela Rennó, Sebastian Diaz-Morales, Vincent Carelli & Dominique Gallois, Walid Raad

 

Ciclo de exposiciones comisariado por Ángel Calvo Ulloa.

A partir de enero 2015, el lugar hasta ahora dedicado a tienda-librería en el vestíbulo principal del MARCO se convierte en sala de proyectos, retomando el espíritu del Espazo Anexo en la plaza peatonal posterior (2004-2011). Siguiendo uno de los signos distintivos del MARCO, esta nueva línea de programación pone especial énfasis en la producción propia, tanto en lo que se refiere a las obras en si —nuevas producciones realizadas especificamente para este espacio— como al comisariado —ciclos de exposiciones a propuesta de un mismo comisario, con periodicidad anual.
Intertextual. Ciclo de intervenciones durante el año 2015
La programación se abre con el ciclo Intertextual, comisariado por Ángel Calvo Ulloa, que estará en marcha durante todo un año. El ciclo se estrena el 16 de enero con la intervención de CARLOS MACIÁ, a la que seguirán, a lo largo de 2015, las de Mauro Cerqueira, Juan López, June Crespo, y Fernando García.
Intertextual parte de una selección de artistas pertenecientes a una misma generación, portavoces de la realidad artística nacional e internacional de los últimos años, que encuentran en esa conexión de influencias un campo de trabajo ideal. La intertextualidad, según las palabras de José Ángel Valente, no se puede entender referida únicamente a la relación entre creadores del campo de la literatura. Las influencias tienen que romper con esa serie de divisiones invisibles y conectar de ese modo la artes plásticas con la poesía, o la música con el pensamiento filosófico, dando lugar a múltiples diálogos que deben tener como lugar común el día a día, lo cotidiano.

Exposición Unos y ceros. Ignacio Uriarte. Imagen cortesía MARCO

Exposición Unos y ceros. Ignacio Uriarte. Imagen cortesía MARCO

TALLERES Y VISITAS

Se realizarán visitas y talleres desde el Departamento de Didáctica, dedicados tanto a escolares como a familias. Además, durante los meses de junio a diciembre, existe la posibilidad de diseñar y programar actividades didácticas específicas, como talleres infantiles de verano en los meses de julio y agosto, y otros programas con motivo de fechas o celebraciones especiales.

CURSOS

Durante el primer del año continuarán los tres cursos iniciados en octubre de 2014:

‘LOS OJOS NO QUIEREN CERRARSE. Persistencias y resistencias de la mirada en la historia del cine. Historia de la mirada a través de películas y cineastas que se resisten a cerrar los ojos, que se rebelan y nos revelan nuevas maneras de ver y de dar a ver, ampliando así nuestro imaginario.

‘LOS OTROS IMPORTANTES. Parejas artísticas en el siglo XX’. Un análisis de la trayectoria, a lo largo del siglo XX, de parejas pertenecientes a diferentes ámbitos artísticos.

‘AGUZAR EL OÍDO (II). 23 músicas que cambiaron la escucha’. Charlas y audiciones en torno a figuras esenciales de la música de los siglos XX y XXI, a través de 23 sesiones que combinan erudición y entretenimiento con un lenguaje ameno y accesible.

A partir del mes de octubre, el MARCO pondrá en marcha nuevas propuestas de cursos de adultos para la temporada 2015-2016.
FIESTA DIM. Día Internacional del Museo; Museos para unha sociedade sostible (Fechas: sábado 16 y domingo 17 de mayo); Fiesta XIII Aniversario Fechas: 13 y 14 de noviembre de 2015).

Curso "Los ojos no quieren cerrarse"

Curso “Los ojos no quieren cerrarse”, historia de la mirada a través del cine.

CONCIERTOS Y FESTIVALES

Durante 2015, el MARCO continuará su colaboración con otros programas, festivales y propuestas llevados a cabo en colaboración con distintas entidades e instituciones. Los previstos son ALT’15. Festival Alternativo de las Artes Escénicas de Vigo, IMAXINA , SONS 2015. 11º Festival de Jazz de Vigo, Festival SINSAL 2015, MARCO/Escena y VERTIXE VIGO’15.

A lo largo del año se irán incorporándo nuevas actividades. Para información más detallada se puede consultar el PDF en la página web de el museo MARCO.

MARCO. Riverside Quartet. 10º Festival de Jazz de Vigo. Imaxina Sons'14

MARCO. Riverside Quartet. 10º Festival de Jazz de Vigo. Imaxina Sons’14

Bajo el cielo español

Antes de convertirse en un género autónomo, el paisaje era relegado a un simple telón de fondo que se recortaba entre las figuras o se descubría a través de una puerta o de una ventana. Aparte de su representación pictórica, el paisaje ya existía para los caminantes que proyectaban su mirada contemplativa y hollaban el mundo, por lo que resulta obvio defender el estrecho vínculo entre paisaje y recorrido. De hecho, en palabras de John Brinckerhoff, el camino constituye el primer y más básico espacio público, incluida la carretera, que forma parte del paisaje.

El espacio público se encuentra condicionado hoy por la publicidad. El monumento, en otro tiempo conmemorativo e impuesto por el poder, convive con rótulos luminosos y otros artefactos, como el famoso toro de Osborne, un elemento constructivo del paisaje recientemente declarado BIC por la Junta de Andalucía. Los noventa y un astados deslocalizados y dispersos que se encuentran todavía en pie en España contribuyen a reforzar la marca-símbolo, a la vez que recuerdan a aquello que Rosalind Krauss denomina espacio de la condición negativa, algo así como una falta de sitio, carencia de hogar y pérdida absoluta del lugar. Uno de los toros diseñados por Manolo Prieto fue instalado, curiosamente, dentro del campus de la Universitat Politècnica de Valencia. En él se aprecia con claridad, dada la proximidad, el hueco de cielo azul entre el rabo y las patas traseras que en realidad no está recortado, sino pintado.

Toro Osborne de la Universidad Politécnica

Toro Osborne de la UPV

Inspirado por este artificio comencé a trabajar en Cielo español (2013), una obra producida por el MARCO de Vigo con motivo de la exposición colectiva Veraneantes. Reproduje con idénticas dimensiones ese fragmento de cielo de mentira que nunca se nubla, y lo situé en el interior del museo a la misma altura que en la valla original, pero reemplazando el metal por madera y porexpan, materiales de carácter efímero usados comúnmente en los talleres de los artistas falleros. El resultado es un toro de Osborne empotrado en la pared cuan morlaco que embiste, tal vez harto de permanecer tanto tiempo estancado en una colina nada más que a la vista de conductores con prisa. El Cielo español es lo único que queda del toro. De la misma pared, aunque independiente, cuelga Marche (2013), una pintura a partir de la imagen del traslado de un bronce de L´Homme Qui Marche de Auguste Rodin, escultor decisivo para el espacio de la condición negativa en sus proyectos de monumentos. En la mencionada pintura el caminante de Rodin no camina, más bien lo mueven de forma un tanto dolorosa. En este estudio para una escultura de San Juan Bautista, el movimiento se encuentra detenido en una actitud de tensión que críticos como Leo Steinberg asocian a la imagen de un boxeador que con los dos pies en el suelo se dispone a lanzar el golpe.

Ismael Teira. Cielo Español. 2013. Imagen cortesía MARCO/Enrique Touriño

Ismael Teira. Cielo Español. 2013. Imagen cortesía MARCO/Enrique Touriño

A propósito de la exposición Veraneantes anteriormente mencionada, quizás resulte oportuno realizar una comparación con la recién inaugurada Sustratos, en el IVAM. Las dos comparten la misma pretensión: promocionar el arte joven del lugar. Me limitaré tan sólo a reproducir algún fragmento de los textos curatoriales de sendas muestras invitando a que cada quien extraiga las conclusiones que considere más convenientes. En lo que atañe a presupuesto general, el IVAM dispone de una cantidad seis veces mayor que la del MARCO y, a pesar de este dato, el primero invita a sus artistas “novedosos” a trabajar “por amor al arte”, cuando en el ejemplo gallego sí existe remuneración. Sustratos se anuncia más papista que el papa como “un canto que el IVAM dedica a las nuevas generaciones”, frente a Veraneantes, más honesta, que “traza uno de los muchos y subjetivos mapas de la producción cultural de una época y de un territorio”. Por último, otro detalle que me llamó la atención fue la relación que mantienen las obras entre sí: en el museo vigués “más allá de cualquier intento de poner orden mediante una sucesión de trabajos, la exposición se articula desde una perspectiva orgánica, donde unos conceptos llevan a otros, propiciando la libertad de asociación”, mientras que en el instituto valenciano “se lleva a cabo una curiosa relación de obras, reunidas bajo el simple principio de casar a unas con otras según se vea más conveniente, en unos encuentros que unas veces resultan obvios y otras sorprendentes”.

Sustratos

Vista general de la exposición Sustratos en el IVAM

Ismael Teira