Obra abierta, un homenaje al VIH-SIDA

Convocante: Adhara Sevilla Centro Comunitario de VIH/Sida y otras ITS
Dotación: 1.500 euros
Modo de presentación: envío de proyecto
Plazo de admisión: Hasta el 15 de octubre

Adhara Sevilla convoca en colaboración con el Ayuntamiento de Sevilla el premio “Obra abierta, un homenaje al VIH-SIDA”, patrocinado por la farmacéutica Janssen.

Primera – Objeto

Distinguir un proyecto de arte que refleje la realidad actual del VIH/Sida.

Segunda – Ámbito

Podrán presentarse a este concurso los/as artistas españoles/as y extranjeros/as que lo deseen, quienes deberán observar y aceptar lo establecido en estas Bases.

Cada artista podrá presentar un único proyecto, que habrá de ser original.

Tercera – Obra

Los proyectos que se presenten a la convocatoria podrán incluir bocetos, dibujos, fotomontajes, maquetas, material audiovisual, memorias explicativas, etc., que permitan al Jurado hacerse una idea cabal de la obra finalmente resultante del proceso de creación artística.

La obra que resulte premiada en esta convocatoria, en material resistente, se instalará en un espacio de concurrencia pública de la ciudad de Sevilla, España.

Cuarta – Presentación

Cada proyecto se acompañará de dos sobres, con información expresa en lengua española y en formato accesible.

El primero incluirá:

- Nombre y apellidos del/la artista.

- Historia de vida artistica

- Fotocopia de documento oficial que acredite la identidad.

- Dirección postal y electrónica.

- Teléfono de contacto.

El segundo contendrá:

- Título de la obra.

- Pseudónimo del/la artista

- Técnica que se va a utilizar.

- Dimensiones.

- Peso.

- Breve justificación teórica de la pieza.

- resupuesto aproximado de instalación de la obra.

El proyecto se presentará indicando la técnica expresiva y material deseado por el autor o autora, debiendo tener en cuenta que la obra habrá de realizarse en un material resistente a la intemperie y llamado a perdurar sin alteraciones significativas de la obra por el transcurso del tiempo.

Quinta – Plazo de presentación de proyectos

Los proyectos se presentarán, por cuenta del/ la artista participante, mediante correo postal o mensajería desde el 7 de septiembre hasta 15 de octubre de 2015, en la sede de Adhara Asociación VIH/Sida, calle Pagés del Corro 89-91 Local 3, 41010 Sevilla, España.

Sexta -Premio

El premio consistirá en una dotación económica de 1.500 Euros.

Séptima – Jurado

El Jurado estará formado por personas expertas en las esferas de la prevención y atención del VIH/Sida y las artes plásticas designados por las Entidades promotoras, y su fallo será inapelable.

El fallo del Jurado se emitirá y hará público antes del 19 de octubre de 2015.

Si a juicio del Jurado no se hubiesen presentado obras con la entidad o la calidad suficientes, el Concurso podría ser declarado desierto. En ningún caso, el Premio podrá concederse a título compartido.

Octava – Ejecución de la obra

El/la artista ganador/a suscribirá un contrato de ejecución con las Entidades promotoras, en el plazo que éstas estipulen.

Los gastos transporte y colocación correrán por cuenta de la organización del Concurso.

Novena – Retirada de proyectos

Los proyectos presentados por los/las artistas que no resulten premiados, podrán ser retirados en el plazo del mes siguiente a la comunicación pública del fallo, en la sede de entrega.

A partir de esta fecha, si no fueran retirados, se devolverían a través de servicio de mensajería a portes debidos. Si el proyecto no pudiera entregarse por no localizarse el destinatario, pasaría a ser propiedad de la entidad organizadora.

Décima – Condiciones generales

Se entiende que los/las participantes autorizan sin limitación de sistemas, medios, ni paises, la reproducción de sus obras sin abono de derechos. El hecho de participar en este concurso supone la aceptación total de estas bases.

Más información y bases completas
Imagen de portada: Campaña de Adhara Sevilla

Siete formas de cuestionar la Ley mordaza

Construyendo democracia
Laia Solé, Colectivo Cambalache, Democracia (Pablo España e Iván López), Santiago Cirugeda, Xavier Arenós y Alicia Framis
Comisario: José Luis Giner
Fundación Chirivella Soriano
Palau de Joan de Valeriola
C / Valeriola, 13. Valencia
Hasta el 10 de enero de 2015

La ley de Seguridad Ciudadana o Ley mordaza, tal y como fue prontamente bautizada, que entró el vigor el 1 de julio de 2015 prohíbe la ocupación del espacio público bajo determinadas circunstancias. Para José Luis Giner, comisario de la exposición Construyendo democracia, dicha ley ha sido criticada “por el retroceso democrático en la esfera pública frente al derecho de expresión de los ciudadanos”. Derecho de expresión del que dan buena cuenta las siete propuestas artísticas que conforman la muestra de la Fundación Chirivella Soriano.

Intervención de Santiago Cirugeda. Construyendo democracia. Imagen cortesía de Fundación Chirivella Soriano.

Intervención de Santiago Cirugeda. Construyendo democracia. Imagen cortesía de Fundación Chirivella Soriano.

Todas ellas tratan de responder a la pregunta, ¿qué hace el ciudadano en el espacio público para crear democracia? Y la respuesta que propone Giner se multiplica en las diversas direcciones que toman los artistas Laia Solé, Colectivo Cambalache, Democracia (Pablo España e Iván López), Santiago Cirugeda, Xavier Arenós y Alicia Framis. Direcciones que, aunque divergentes, confluyen en torno a una similar idea: la del ciudadano preocupado por tomar la calle con el fin de liberarla de los excesos reguladores. “Se trata de dotar al ciudadano de carga política”, subrayó Giner.

Lo que igualmente subyace en el conjunto expositivo es la sensación de que la ciudad, supuestamente amordazada por los intereses políticos, asfixia al ciudadano. De manera que éste, a rebufo de lo acontecido en mayo del 68, quiere recuperarla a fuerza de propuestas de intervención pública. Que es lo que hacen los artistas de Construyendo democracia. Laia Solé, por ejemplo, utiliza la técnica del Chroma Key para disolver los muros y barreras que dificultan ese acceso público de la vía urbana. Así lo hace con Desaparición de un muro, cuyo título ya lo dice todo, y con Obrint espais, donde vecinos de un barrio lo circundan reclamando su autogestión.

Intervención de Colectivo Cambalache. Construyendo democracia. Imagen cortesía de Fundación Chirivella Soriano.

Intervención de Colectivo Cambalache. Construyendo democracia. Imagen cortesía de Fundación Chirivella Soriano.

El Colectivo Cambalache (Carolina Caycedo, Adriana del Pilar, Alonso Gil y Federico Guzmán) crea un museo itinerante donde se reciclan materiales y objetos que sirven para el restablecimiento de las relaciones sociales. Xavier Arenós analiza en su proyecto artístico las vinculaciones entre espacio, poder e ideología. José Luis Giner habla, en este caso, del “concepto de utopía contra el modelo hegemónico”. Utopía que lo enlaza con el trabajo de Santiago Cirugeda, “arquitecto atípico”, que “coge elementos de edificios que se van a deshacer para construir otros nuevos”. Los conceptos de “autogestión” y “reciclaje” vuelven a cobrar protagonismo.

Instalación de Domènec en 'Construyendo democracia'. Imagen cortesía de Fundación Chirivella Soriano.

Instalación de Domènec en ‘Construyendo democracia’. Imagen cortesía de Fundación Chirivella Soriano.

Domènec hace una reinterpretación del mausoleo dedicado a Rosa de Luxemburg y Karl Liebkneckt para convertirlo en una casa móvil de “existencia mínima”, parecida a los hoteles cápsula de los aeropuertos japoneses. Frente a la más desabrida intemperie, el receptáculo a pequeña escala. Alicia Framis reflexiona sobre el más amplio papel de las ciudades en la sociedad capitalista, mediante pantallas de vuelo de los aeropuertos y su serie de habitaciones prohibidas. Y Democracia trabaja con ultras del equipo del Girondins de Burdeos, para cuestionar el fútbol como negocio mediante cierto trasfondo político.

Construyendo democracia, como apuntó Giner, tiene su raíz en movimientos como el 15M o Salvem el Cabanyal, donde se concreta esa “reivindicación del ciudadano activo”. Diversos videos, maquetas, fotografías e instalaciones van dando cuenta de esa apropiación callejera por parte de una sociedad civil crítica con la Ley mordaza. “Revueltas en la calle más allá del proceso de voto” o “fuerza mínima que surge desde la calle”, según explicó en diversos momentos de la exposición el propio comisario.

Ver noticia en El Mundo Comunidad Valenciana

Fotografía de Laia Solé en 'Construyendo democracia'. Imagen cortesía de Fundación Chirivella Soriano.

Fotografía de Laia Solé en ‘Construyendo democracia’. Imagen cortesía de Fundación Chirivella Soriano.

Salva Torres

Arquilecturas: el mundo en tres dimensiones

Arquilecturas, de Silvana Andrés y Sonia Rayos

Acercar la arquitectura a los niños a partir de cuatro años, fomentar su creatividad e interés hacia el entorno físico, su curiosidad por diversos modelos de ciudades y desarrollar su inteligencia visual-espacial. Son algunos de los principales objetivos de Arquilecturas un novedoso proyecto puesto en marcha por la profesora de Plástica Silvana Andrés y la arquitecta Sonia Rayos. Consiste en talleres de arquitectura para niños en los que se trabaja con medios de representación arquitectónica como maquetas, fotomontajes, collages, planos, dibujos y medios digitales entre otros materiales.

Los primeros talleres de Arquilecturas se realizaron el pasado curso con gran éxito en diversos espacios culturales y en el Colegio de Arquitectos de Valencia. “En colaboración con la Concejalía de Juventud, este otoño ofreceremos los talleres a los centros educativos que lo soliciten, y también formamos parte del  Plan Joven de la Ciudad de Valencia”, dicen Andrés y Rayos. “A partir de octubre impartiremos el curso completo de extraescolares en colegios, en algunos aún pendientes de la matrícula y en otros, como el CEIP Pinedo, con dos grupos por la alta demanda. Participaremos en varios certámenes culturales, como Intramurs en octubre, y en noviembre en los talleres infantiles del festival femenino She’s the fest en las Naves”.

Imagen del taller Le Corbu. Cortesía de las autoras.

Imagen del taller Le Corbu. Cortesía de las autoras.

Conscientes de la importancia de la imagen como herramienta de comunicación, Andrés y Rayos han incluido el diseño gráfico con la colaboración de Ibán Ramón, autor de la identidad corporativa y del dossier de presentación.

Para poner en marcha su proyecto se han inspirado en otros semejantes que funcionan en  Europa. Entre ellos “las escuelas Vittra, colegios públicos suecos con una arquitectura increíble. ARKKI una escuela de arquitectura finlandesa para niños y jóvenes. Francesco Tonucci, con su proyecto Ciudad de los Niños, en el que se propone que las ciudades estén estructuradas y pensadas para los más pequeños.  Las propuestas de Maushaus en San Sebastián. También la revista de arquitectura para niños AMAG que es un referente, no sólo por las propuestas sino también porque trabaja con material de libre acceso OER recursos educativos abiertos”.

¿Cómo se les ocurrió la idea de Arquilecturas?

Procedemos de dos campos diferentes, la Arquitectura y las Bellas Artes, y nos apasiona confrontar nuestros puntos de vista sobre la concepción del espacio. Compartimos inquietudes sobre dos aspectos que nos parecen fundamentales en la educación. En primer lugar, la necesidad de introducir en los colegios la educación de la ciudadanía en el campo de la arquitectura y el espacio urbano. En segundo lugar, el interés sobre la función de la arquitectura en el ámbito de los espacios educativos, convencidas de que la calidad del aprendizaje está directamente influenciada por las características del entorno.

Imagen del taller Le Corbu. Cortesía de las autoras.

Imagen del taller Le Corbu. Cortesía de las autoras.

¿Cómo se aproxima un tema tan complejo a la mente infantil?

Al hablar de arquitectura para niños se puede interpretar la propuesta como entretenimiento, pero ese no es el objetivo de Arquilecturas. Que en los talleres utilicemos el juego como medio, no quita para que en esencia, el objetivo sea formativo. Tampoco se trata de formar futuros arquitectos, pero sí de aprender a pensar a partir de experiencias.  Queremos abrir las posibilidades del aprendizaje infantil con múltiples lenguajes, con múltiples lecturas de la realidad. La arquitectura nos habla del espacio que habitamos, nos interesa aproximarnos a la arquitectura superando lo descriptivo y adentrándonos también en un trabajo narrativo. Nos parece esencial conectar los conocimientos sobre arquitectura con la vida de los niños, trabajar los espacios donde suceden cosas que afectan a la vida de las personas.

¿Cómo se desarrolla un taller?

Priorizamos el juego como herramienta básica de aprendizaje. El juego no es únicamente algo lúdico, requiere de constancia y esfuerzo. Los adultos estamos presentes en los talleres como mediadores, no nos interesa que el proceso se quede solo en autoexpresión, manejamos conceptos arquitectónicos e introducimos un lenguaje técnico que despierta la curiosidad de los niños. Mediante la introducción del estímulo son los niños los que plantean las preguntas, entendemos que de otro modo no puede darse un aprendizaje significativo. Por ejemplo, en el taller ‘Mi casa tiene raíces’, conocen los cimientos del edificio y las zapatas, recuerdan el nombre asociándolo con sus zapatos, soplan sobre un árbol de papel con y sin raíces, experimentan y sacan sus propias conclusiones. En el taller de ‘Le Corbu’ conocen a ese señor de gafas que hacía casas. Les enseñamos la Unite d´habitation de Marsella y la terraza donde el arquitecto tuvo en cuenta a los niños. Les explicamos lo que es el hormigón y construyen entre todos una estructura para una vivienda plurifamiliar en la que colocan después sus propios diseños de viviendas pasantes.

Profesora de Plástica durante 13 años, Silvana Andrés critica la reducción de esta asignatura convertida en optativa. “Al pasar a ser optativa en secundaria, un alumno puede acabar bachillerato sin haber recibido educación artística desde primaria. Es un gran error, pues todos los niños tienen imaginación y creatividad, el problema es mantenerla cuando se acaba la infancia. De hecho los niños entienden muy bien el arte y tienen muchos menos prejuicios que la mayoría de los adultos. Vivimos en un mundo repleto de estímulos visuales que afectan directamente al desarrollo de nuestros alumnos, por esto es fundamental dotarles de las herramientas apropiadas para desarrollar un espíritu crítico. Este es el objetivo prioritario de la asignatura, el desarrollo del pensamiento crítico visual. La educación artística es investigación, reflexión, enseñar a pensar y trabajar además con un lenguaje universal”, concluye Silvana Andrés.

El próximo mes Arquilecturas inaugura su sede en el barrio de Russafa (Calle Buenos Aires, 26)

Arquilecturas.

Sonia Rayos (izquierda) y Silvana Andrés, responsables del proyecto Arquilecturas. Imagen cortesía de las autoras.

Bel Carrasco

Las esculturas inacabadas de William Tucker

Tucker: masa y figura
Museo de Bellas Artes de Bilbao
C / Museo Plaza, 2. Bilbao
Hasta el 14 de septiembre, 2015

El Museo de Bellas Artes de Bilbao acoge una amplia selección de voluminosas obras de la etapa más figurativa del escultor anglo-americano William Tucker, uno de los pioneros del movimiento minimal europeo en los años 70. Bajo el título Tucker: masa y figura, la primera exposición que protagoniza en España, presenta 48 piezas, 24 esculturas de tamaño grande y medio y 24 maquetas previas de las mismas, y 57 dibujos, en una retrospectiva que abarca sus últimos 30 años de carrera escultórica, en los que dio un giro de 180 grados a su obras, según informa Efe.

William Tucker en su exposición 'Tucker: masa y figura'. Imagen del Museo de Bellas Artes de Bilbao.

William Tucker en su exposición ‘Tucker: masa y figura’. Imagen del Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Tucker, según explicó el comisario de la muestra, Kosme Barañano, dejó el minimalismo a mediados de los años 80, tras trasladarse a vivir y trabajar a EEUU. En esa época dejó de hacer piezas de carácter conceptual y frío y comenzó a interesarse por la escultura de grandes volúmenes que podía modelar y realizar, en yeso o bronce, con sus propias manos, al estilo del francés Auguste Rodin.

El artista, presente en la inauguración, reconoció que lo que le interesa de Rodin es que el escultor francés, contemporáneo de los pintores impresionistas, “era un artesano, que sabía cómo hacer sus propias esculturas”. “No era como la gente actual que tiene una idea y le pide a alguien que se la haga”, indicó, al tiempo que reconoció que le gusta dejar inacabadas sus obras a propósito para que el espectador tenga que cavilar y pensar qué es lo que ha querido plasmar en sus voluminosas piezas.

Escultura de la exposición 'Tucker: masa y figura', en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. Imagen del video de Efe.

Escultura de la exposición ‘Tucker: masa y figura’, en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. Imagen del video de Efe.

“Son obras -explicó Barañano- que nos hacen trabajar para ver qué hay detrás de la presencia del bronce o del yeso. Las figuras, cabezas y manos que plasma en sus obras se ven cuando damos una vuelta a las esculturas”. Barañano puso como ejemplo de ello la pieza en yeso titulada Odalisque (2008), que vista desde un ángulo se asemeja a una masa informe en forma de uve pero que, contemplada desde otro, se revela como el torso, sin cabeza ni pies, de una mujer sentada con las piernas en alto.

Respecto a los dibujos a carboncillo que acompañan y en muchos casos explican las esculturas, Barañano comentó que también el lugar y la distancia desde la que se observen influye en lo que el público ve reflejado. “Al alejarse -matizó-, uno puede ver manos, torsos y cabezas, pero al acercarse al dibujo, sólo contempla una serie de líneas abstractas, aparentemente sin sentido”.

Tucker: masa y figura, en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. Imagen del video de la agencia EFE.

Tucker: masa y figura, en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. Imagen del video de Efe.

Antonio Fernández Alvira: las apariencias

Antonio Fernández Alvira. Lo que parecía indestructible
Centro Párraga. Sala de Máquinas. Murcia.
Hasta el 25 julio de 2014

Exposición de Antonio Fernández Alvira en el Centro Párraga, Murcia. Imagen cortesía del artista y Espai Tactel.

Exposición de Antonio Fernández Alvira en el Centro Párraga, Murcia. Imagen cortesía del artista y Espai Tactel.

Antonio Fernández Alvira  muestra con este proyecto la fragilidad de las estructuras y las construcciones sociales que parecían estables e inamovibles. A través de un ejercicio delicado y a la vez preciosista, este artista muestra los edificios como decorados, como tramoya, como espacios abandonados o desestimados. Como señala el propio artista “Mi trabajo ahonda en el análisis del uso de lo escenográfico y lo teatral en los ámbitos del poder y su propaganda. En la utilización de ciertas herramientas teatrales para hacernos creer en la realidad de esa potestad, de esa autoridad y por lo tanto de ciertas clases y status. Analizar que sucede en la trastienda, en la tramoya, cuando se pierde esa superioridad pretendida. Acceder a la visión de ese decorado desde la parte de atrás, abriendo los ojos a esa realidad, cuando se cae desde lo más alto, y se intenta por todos los medios perpetuar y conservar algo que en el fondo no deja de ser irreal”.

Antonio Fernández Alvira. Lo que parecía indestructible, 2014. Imagen cortesía del artista y Espai Tactel.

Antonio Fernández Alvira. Lo que parecía indestructible, 2014. Imagen cortesía del artista y Espai Tactel.

Antonio Fernández Alvira. Lo que parecía indestructible, 2014. Imagen cortesía del artista y Espai Tactel.

Antonio Fernández Alvira. Lo que parecía indestructible, 2014. Imagen cortesía del artista y Espai Tactel.

Las piezas se sitúan dentro del dibujo y su experimentación. Son imágenes realizadas en acuarela sobre papel que construyen diversos decorados que vistos desde la trasera, desde la tramoya, nos muestran espacios decadentes y ruinosos. Unas estancias opulentas y ricas, que se caen y derrumban, mostrándonos ese poder y status ruinoso y perdido, haciéndonos visible su fragilidad. El hecho de realizar todo en papel ahonda más en la sensación de debilidad y de imitación o teatralización. Las maquetas por su parte, realizadas también en papel, y colocadas dentro de vitrinas nos hablan de ese momento congelado, antes de que se derrumbe todo, en un último intento desesperado de parar lo inevitable y salvaguardar lo poco que queda en pie, a la vez de poder admirar no sin cierta visión nostálgica y romántica lo que pudo ser.

Exposición de Antonio Fernández Alvira en el Centro Párraga, Murcia. Imagen cortesía del artista y Espai Tactel.

Exposición de Antonio Fernández Alvira en el Centro Párraga, Murcia. Imagen cortesía del artista y Espai Tactel.

Ríen los Dioses en la Galería Paula Alonso

Ríen los Dioses de Paula Rubio Infante
Galería Paula Alonso
C/ Lope de Vega, 29. Madrid
Inauguración: el 23 de enero a las 20h
Hasta el 26 de marzo 2014

Todo lo que estamos viviendo es un sueño, un sueño sobre una pesadilla. Nada más. Y cuando ese sueño se acabe, seremos ceniza” - M.D.Villegas.

La Galería Paula Alonso presenta “Ríen los dioses” exposición individual de Paula Rubio Infante, Premio ARCO 2010 de la Comunidad de Madrid.

El origen del proyecto radica en una serie de dibujos que realizó Manuel Delgado Villegas, “el Arropiero” (1943‐1998), entre los años 70 y 80 durante su confinamiento en el madrileño Centro Asistencial Psiquiátrico Penitenciario de Carabanchel.

Manuel Delgado Villegas fue conocido como “el mayor asesino en serie de la historia española”. Detenido en 1971, se declaró autor de más de 40 homicidios. Estuvo preso 26 años, hasta su muerte de una EPOC. Es el reo que más tiempo ha estado en prisión preventiva, seis años y medio, y el primero al que se le conoce portador de entonces llamado “síndrome del superhombre”, el cromosoma “xyy”.

Manuel Delgado Villegas custodiado por la policía.Pto. de Santamaría, Cádiz, hacia 1971

Manuel Delgado Villegas custodiado
por la policía.Pto. de Santamaría, Cádiz, hacia 1971

Declarado preso “inimputable”, su expediente se perdió y nunca fue juzgado. De todos esos crímenes, la policía solo encontró indicios de que participara en ocho, basándose fundamentalmente en sus propias declaraciones. Por motivos personales y de proximidad sus dibujos pasaron a formar parte constitutiva del imaginario visual de la infancia de la artista y su historia biográfica, en íntimo relato familiar.  El padre de la artista trabajó como funcionario de prisiones en el Psiquiátrico Penitenciario de Carabanchel desde el año 1973 hasta el cierre definitivo del centro en 1985. Percatándose del interés que Manuel Delgado Villegas tenía por la creación visual, el funcionario, también sensible a la práctica artística, le facilitó clandestinamente material de bellas artes. Fruto de esa relación y del intercambio de intereses, Manuel Delgado Villegas le regaló un cuaderno con 17 dibujos y una escultura de yeso. Estas obras de arte han estado desde entonces y hasta el momento en el salón de la casa familiar. El caso de M.D. Villegas, “el Arropiero” es un hito en la historia criminológica española. Se le han dedicado documentales, programas, entrevistas y extensos estudios. Sin embargo, la existencia y el contenido del cuaderno de dibujos del que parte este proyecto, es inédito.

Sobre el telón de fondo que constituye la biografía de Manuel Delgado Villegas, el proyecto Ríen los Dioses es ante todo un intento de acercamiento al “art brut”, “arte marginal” o “arte psicótico”. Estas prácticas artísticas, por las características mentales de sus creadores, están dotadas de una gran carga emocional y los resultados brotan ajenos al orden y preceptos que rigen el “arte integrado”. El proyecto propone, además, una reflexión sobre el contexto donde estos dibujos se realizaron: el Centro Asistencial Psiquiátrico Penitenciario de Carabanchel.

Ríen los Dioses consta hasta el momento de 4 instalaciones de gran formato basadas en diferentes elementos representados por Manuel Delgado Villegas en sendos dibujos originales. El proyecto se completa con una amplia serie de dibujos y maquetas a escala 1:10. Se suma como material de documentación adicional: el cuaderno de dibujos original de Manuel Delgado Villegas y dos extensas entrevistas al funcionario de prisiones D. Jesús Rubio Sarabia y al psiquiatra D. Enrique González Duro ‐realizadas en 2013‐ donde desarrollan una aproximación al tema que nos ocupa desde sus respectivas experiencias profesionales. Para el catálogo se contará con la colaboración del escritor Isaac Rosa, ganador en el 2005 del Premio Rómulo Gallegos por su novela El vano ayer .

Dibujo original de M.D. Villegas, titulado “Ríen los dioses” y realizado en el Psiquiátrico de Carabanchel entre los años 70/80.

Dibujo original de M.D. Villegas, titulado “Ríen los dioses” realizado en el Psiquiátrico de Carabanchel entre los años 70/80. Cortesía de la galería

El objetivo del proyecto es expandir las imágenes bidimensionales realizadas por M. Delgado Villegas hacia las tres dimensiones, en un deseo de reflexionar sobre el contraste entre lo que el resto normalizado denominaríamos “la realidad” y la personal y subjetiva concepción que él tenía de su psique y su entorno, capturada en sus dibujos. Una de estas imágenes da título al proyecto. En ella ilustra una extraña embarcación azul en el centro de un mar de grandes dimensiones. Es muy probable que Manuel tomara el título de este dibujo (“Ríen los dioses”) de la colección de relatos de Jack London “Cuando los dioses ríen”. Su afición al boxeo quizás también nació de la lectura de esta novela, donde se narran las aventuras de un púgil fracasado que, junto con el resto de marineros, intenta sobrevivir en un barco a la deriva. La desesperación hace que se conviertan en auténticos animales salvajes.

Dibujo original de M.D. Villegas realizado en el Psiquiátrico de Carabanchel entre los años 70/80 y esquema/ boceto de la artista. Técnica mixta sobre papel. 29x21 cm

Dibujo original de M.D. Villegas realizado en el Psiquiátrico de Carabanchel entre los años 70/80 y esquema/ boceto de la artista. Técnica mixta sobre papel. 29×21 cm